viernes, 31 de julio de 2015

Uno tras otro (In Order of Disappearance) - Hans Petter Moland (2014)

Disappearance, Hans Petter, MolandTítulo original - Kraftidioten (In Order of Disappearance)
Año - 2014
Duración - 115 min.
País - Noruega
Director - Hans Petter Moland
Guión - Kim Fupz Aakeson
Música - Brian Batz, Kaspar Kaae, Kåre Vestrheim
Fotografía - Philip Øgaard
Montaje - Jens Christian Fodstad
Producción - Finn Gjerdrum
Productora - Paradox Spillefilm / Film i Väst
Género - Thriller, Comedia negra
Reparto - Stellan Skarsgård, Bruno Ganz, Pål Sverre Hagen, Birgitte Hjort Sørensen, Jakob Oftebro, Anders Baasmo Christiansen, Peter Andersson, Tobias Santelmann, Kristofer Hivju, Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, Gard B. Eidsvold, David Sakurai, Hildegun Riise


Hans Petter Moland es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Kim Fupz Aakeson, sobre una historia tan fría como las nevadas tierras en las que se desarrolla. Como si de un trabajo de los hermanos Coen se tratase, asistiremos a una historia de venganza con grandes dosis de comedia negra, en la que el blanco inmaculado del paisaje solo será eclipsado por el rojo sangre y el amarillo de la máquina quitanieves que conduce nuestro protagonista, el bueno de Stellan Skarsgård. Tan simple como efectiva, toda una sorpresa que no deben dejar pasar de largo.

Disappearance, Hans Petter, Moland

Sinopsis: Nils (Stellan Skarsgård) es un ciudadano modelo que se gana la vida conduciendo una máquina quitanieves, que a pesar de ser un inmigrante establecido desde hace tiempo en la fría Noruega, acaba de recibir el reconocimiento al ciudadano del año, algo con un mérito indiscutible. Pero la aparentemente idílica vida de nuestro amigo, dará un giro de 180 grados al recibir la noticia de la muerte de su joven hijo por una sobredosis de drogas. Lejos de hacerse a la idea, Nils está convencido de que su hijo jamás fue un drogadicto, por lo que ante la pasividad de la policía local, decidirá investigar por su cuenta para poder descubrir que pasó en realidad, y limpiar así su nombre, sin hacerse una idea de donde se está metiendo realmente.

La película: He de reconocer que, a pesar de ser un aficionado a gran parte del cine que nos llega de los países nórdicos, era bastante escéptico ante este trabajo, ya que lo poco que había leído de el no creaba en mi excesivas expectativas, no se muy bien el porqué. Pero la verdad es que tras disfrutar de esta Uno tras otro (In Order of Disappearance), no puedo mas que señalar la grata sorpresa que me he llevado con ella, haciéndome pasar dos horas pegado a la pantalla, con la boca casi abierta. Los motivos para ello son varios, pero a la cabeza de todos, está la excelente factura técnica que posee, además de la brillante forma en la que la historia nos es contada, recordándome por momentos a las grandes obras realizadas dentro del género.

Y es que nada mas comenzar a ver al bueno de Nils (Stellan Skarsgård) recorriendo los fríos y hermosos parajes de las zonas rurales Noruegas, te das cuenta de que este trabajo tiene cierto poder hipnotizante, aumentando considerablemente las escasas expectativas puestas en el, algo que se ve rápidamente multiplicado por la capacidad que tiene su historia de envolverte y atraparte. Gran parte de culpa la tiene Kim Fupz Aakeson (Okay, Una familia, Perfect Sense, Alguien a quien amar), autor de un guión en apariencia tranquilo, pero cuyo ritmo va subiendo progresivamente, sin prisas pero sin pausas, siempre sin abandonar el paso tranquilo, inconfundible seña de identidad del noir nórdico.

Disappearance, Hans Petter, Moland

La idea es bastante sencilla, una historia mil veces contada con anterioridad, en la que se nos muestra como todos tenemos un señor Hyde agazapado de por vida en la mayoría de los casos, pero que con los detonantes adecuados, es capaz de aflorar y tomar el control (o perderlo, según se mire). Pero no crean que por ello ya no merece la pena disfrutarla, ya que está contada de tal forma que en ningún momento resulta repetitiva, ni nos deja la impresión de haberla visto con anterioridad. El trabajo de Aakeson es excelente, mezclando con gran habilidad la dureza de la historia con un humor negro que nos irá llegando poco a poco, suavizando en las dosis justas la macabra sucesión de "incidentes".

Sus personajes están perfectamente desarrollados, no resultando en ningún momento exagerados o poco creíbles, algo que deberían valorar multitud de guionistas actuales, incapaces de mostrar algo que se salga de los cánones habituales, o al menos de no parecer fotocopias de otros muy similares. Además tiene la incuestionable virtud de, a pesar de lo poco probable que resulta su historia, hacerla creíble gracias a las condiciones en las que esta se desarrolla, dando un especial protagonismo al lugar donde esta transcurre, al que convierten en uno de los principales protagonistas, además de una constante metáfora de lo que nos están contando.

miércoles, 29 de julio de 2015

Sin ley (Lawless) - John Hillcoat (2012)

Sin ley, Lawless, HillcoatTítulo original - Lawless
Año - 2012
Duración - 115 min.
País - Estados Unidos
Director - John Hillcoat
Guión - Nick Cave (Novela: Matt Bondurant)
Música - Warren Ellis y Nick Cave
Fotografía - Benoît Delhomme
Montaje - Dylan Tichenor
Producción - Michael Benaroya, Megan Ellison, Lucy Fisher y Douglas Wick
Productora - Millennium Films / Nu Image / Annapurna Pictures
Género - Thriller. Drama | Neo-noir. Años 30. Gran Depresión. Basado en hechos reales
Reparto - Shia LaBeouf, Tom Hardy, Jason Clarke, Jessica Chastain, Guy Pearce, Mia Wasikowska, Gary Oldman, Noah Taylor, Dane DeHaan, Eric Mendenhall, Chris McGarry


John Hillcoat es el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que el bueno de Nick Cave escribió sobre la novela de Matt Bondurant, uno de los descendientes de sus protagonistas. Una película que se queda en entretenida, teniendo todos los ingredientes para conseguir ser inolvidable, principalmente por el mencionado guión, incapaz de mostrar una historia verdaderamente interesante de forma que consiga llegar mas al espectador. Lo mejor, su magnífico reparto, que hace que resulte imperdonable no haberle sacado mas partido. Cosas del mundo del cine, que no siempre te deja totalmente satisfecho.

Sin ley, Lawless, Hillcoat

Sinopsis: Estados Unidos, años 30. La gran depresión y la ley seca marcan la forma de vida en todo el país, aunque de forma muy distinta en las grandes ciudades y en las zonas rurales. En el Condado de Franklin se destila licor en casi todas las casas, negocio que hace que los Bondurant (Shia Laboeuf, Tom Hardy y Jason Clarke) sobrevivan sin excesivos problemas, pero todo cambiará cuando el Gobernador envía al Agente Especial Rakes (Guy Pearce) de Chicago, para poner orden y obligar a seguir sus corruptas normas a todos, algo a lo que los Bondurant serán los únicos que no estén dispuestos a acceder.

La película: Lawless es uno de esos trabajos que nos llega con la famosa coletilla de "Basada en hechos reales", algo que si normalmente resulta difícil valorar en que grado de veracidad se mueven sus responsables, en este caso en el que el guión se basa en una novela de Matt Bondurant, cuyos antepasados son los protagonistas de la misma, la tarea se vuelve poco menos que imposible, aunque a nadie creo que le llegara a extrañar ciertos adornos y licencias en favor de quien lleva la misma sangre por sus venas. El caso es que no puedo asegurar ni una cosa ni otra, por lo que le concederemos el beneficio de la duda.

Estamos ante un trabajo muy ameno de ver, en el que no resulta excesivamente complicado meterse, ya que en principio, la historia tiene todos los ingredientes para poder pasar un rato de buen cine, además de contar con un reparto, que mas quisiera para si cualquier director que se precie. Pero el principal problema que yo le encuentro reside en el guión escrito por Nick Cave, que si bien resulta entretenido, tiene varios flecos que me resultan un tanto desalentadores, como ocurre con un gran número de libretos en la actualidad.

Sin ley, Lawless, Hillcoat

Su ritmo es bastante bueno, no dejando al espectador excesivas opciones de encontrarla monótona, ni creando grandes lagunas que puedan hacerlo pensar en abandonarla. Su historia principal es bastante buena, manteniendo el interés durante todo el metraje, por lo que en este aspecto no creo que pongan pega alguna. Sus principales problemas vienen en ciertas historias paralelas con un interés menor y en ciertos personajes que parecen fuera de lugar o mal desarrollados. El mejor ejemplo es el del bueno de Gary Oldman, uno de mis actores favoritos de siempre, pero que en la actualidad usan mas para atraer público que para aprovechar sus dotes interpretativas. Su personaje parece metido con calzador, sin que se sepa muy bien que pinta en la historia, o al menos esa es la impresión que me ha dado a mi.

lunes, 27 de julio de 2015

Mamma Roma - Pier Paolo Pasolini (1962)

Mamma, Roma, Pasolini Título original - Mamma Roma
Año - 1962
Duración - 110 min.
País - Italia
Director - Pier Paolo Pasolini
Guión - Pier Paolo Pasolini y Sergio Citti
Música - Carlo Rustichelli
Fotografía - Tonino Delli Colli
Montaje - Nino Baragli
Producción - Alfredo Bini
Productora - Arco Film Roma
Género - Drama | Prostitución. Neorrealismo
Reparto - Anna Magnani, Franco Citti, Ettore Garofolo, Silvana Corsini, Luisa Orioli, Paolo Volponi, Luciano Gonini, Vittorio La Paglia


Pier Paolo Pasolini escribió y dirigió Mamma Roma, el que sería su segundo largometraje tras la sorprendente Accattone. En ella consolida un estilo propio que la convierte en una de las piezas claves del neorrealismo y del emergente cine italiano de los años 60. Un retrato de la vida de las clases mas desfavorecidas, en el que la imponente actriz Anna Magnani nos regala una de las interpretaciones mas aplaudidas de su carrera. Parte clave de la historia de un cine italiano, que vivía uno de los momentos mas brillantes de su historia.

Mamma, Roma, Pasolini

Sinopsis: Mamma Roma (Anna Magnani) es una prostituta ya entrada en años, que ve pasar ante si la oportunidad de abandonar la penosa vida que ha llevado hasta el momento, tras la boda de Carmine (Franco Citti), el proxeneta para el que no ha tenido mas remedio que trabajar durante años. Decidida a aprovechar la ocasión, se muda junto a su hijo Ettore (Ettore Garofalo) a uno de los nuevos barrios obreros del extrarradio de la ciudad, donde intenta comenzar una nueva vida poniendo un puesto de fruta en un mercado. Pero las compañías de Ettore, un muchacho fácilmente influenciable, y la aparición de nuevo de Carmine en su vida, harán que los deseos de Mamma Roma resulten mas complicados de alcanzar de lo que ella esperaba.

Sinopsis: Después de ver esta película, no puedo más que acordarme de una historia que nos contaba mi padre desde pequeños y qué voy a intentar resumir: Un terrateniente pasaba todos los días por una zona donde un obrero trabajaba con un pico mientras cantaba: "Dale al pico perico, que el que nace para pobre, no nace para rico". El hombre, cansado ya de escuchar a diario la misma canción, mandó a su chófer que comprarse dos barras de pan, las abriera y metiera en ellas unas monedas de oro que el le entregó. Al día siguiente, cuando pasaron junto al hombre que cantaba su tonadilla habitual, pararon junto a él y le entregaron las dos barras de pan poniendo como excusa haberlas comprado de más, aceptándolas el trabajador muy agradecido. Al día siguiente volvieron a pasar por el mismo lugar y allí estaba el hombre cantando la misma canción: "Dale al pico perico, que el que nace para pobre, no nace para rico". Profundamente irritado, el señor acomodado mandó a su chófer pararse junto a el y le preguntó: "Perdone buen hombre, ¿qué hizo usted ayer con las barras de pan que le di?", a lo que el hombre contestó: "pues mire usted, llegué a casa y como mi mujer había comprado ya el pan, se las di a un pobre hombre que pasaba por allí", a lo que el terrateniente contesto: "pues siga usted con su canción, porque tiene toda la razón".

Y es que básicamente, la película de Pasolini y la historia que acabo de contarles, vienen a ofrecernos un mensaje muy similar, en el que se intenta mostrar como las personas de las clases mas humildes, difícilmente podrán nunca abandonarlas, por mucho que pongan todo su empeño en ello, como le ocurre a los protagonistas de esta Mamma Roma, que tanto peso tiene en la historia del cine italiano. Para muchos será un mensaje demasiado pesimista, mientras que para otros resultará real como la vida misma, pero lo que está claro es que en la mayoría de las ocasiones la vida es así, nos guste o no.

Mamma, Roma, Pasolini

El cine de Pasolini no es un plato que guste a cualquier paladar, pasando mas a la historia por su capacidad de escandalizar que por la huella que muchos de sus trabajos pueda dejar en el espectador, pero si no has visto ninguno de ellos, creo que este es uno de los mas recomendables para hacerlo, ya que pertenece a su etapa inicial, donde intentaba retratar a las clases mas desfavorecidas de la época. El cineasta es responsable también del guión, que escribe junto al director y guionista de cine italiano Sergio Citti (Ostia, Cuentos de Pasolini, La caseta de la risa), con el que ya escribió el guión de su ópera prima Accattone y que acabaría trabajando con el director en calidad de ayudante de dirección, antes de comenzar a dirigir cine. Precisamente Accattone está protagonizada por su hermano Franco Citti, que también tiene un pequeño papel en la que nos ocupa, dando vida al proxeneta Carmine.

viernes, 24 de julio de 2015

Siempre Alice - Richard Glatzer y Wash Westmoreland (2014)

Alice, Glatzer, WestmorelandTítulo original - Still Alice
Año - 2014
Duración - 101 min.
País - Estados Unidos
Director - Richard Glatzer y Wash Westmoreland
Guión - Richard Glatzer y Wash Westmoreland, basándose en la novela de Lisa Genova
Música - Ilan Eshkeri
Fotografía - Denis Lenoir
Montaje - Nicolas Chaudeurge
Producción - James Brown, Pamela Koffler y Lex Lutzus
Productora - Backup Media / Big Indie Pictures / Killer Films
Género - Drama, Cine independiente
Reparto - Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth, Hunter Parrish, Erin Darke, Shane McRae, Victoria Cartagena, Stephen Kunken, Eha Urbsalu, Cali T. Rossen, Kristin Macomber, Cat Lynch, José Báez, Jamie Lee Petronis


Richard Glatzer y Wash Westmoreland escribieron el guión sobre la novela de Lisa Genova y dirigieron este magnífico retrato de una de las enfermedades mas duras que se conocen, tanto para los pacientes, como para sus familias, la enfermedad de Alzheimer de inicio temprano. Lamentablemente, Glatzer la dirigió después de ser diagnosticado en 2011 de otra enfermedad degenerativa, el ALS, que acabó llevándoselo en marzo de este mismo año. Mención especial a Julianne Moore, para la que me faltan calificativos con los que describir su brillante trabajo, en un papel por el que ganó el Óscar a la mejor actriz, además de otros nueve de los mas prestigiosos premios cinematográficos.

Alice, Glatzer, Westmoreland

Sinopsis: Alice Howland (Julianne Moore) lo tiene casi todo en la vida. Está felizmente casada con un hombre de éxito (Alec Baldwin), tiene tres hijos adultos con la vida mas o menos encarrilada (Kristen Stewart, Kate Bosworth y Hunter Parrish) y es profesora de psicología cognitiva en Harvard, además de una experta lingüista de fama mundial. Pero su vida está a punto de cambiar por completo, ya que comienza a olvidar pequeños detalles a los que no da excesiva importancia, hasta que comienza a sentirse desorientada en ciertos momentos y a sufrir lapsus de memoria cada vez mas grandes y frecuentes, por lo que acudirá a una clínica, donde se le diagnostica la enfermedad de Alzheimer de inicio temprano, una dura batalla a la que intentará plantar cara.

La película: He de reconocer que me ha costado la misma vida ver esta magnífica película, algo que no tiene nada que ver con su calidad, sino con el tema que trata, ya que es una enfermedad que ha tocado muy de cerca a mi familia hace no mucho tiempo, por lo que me parecía un mundo conseguir reunir las fuerzas necesarias para hacerlo. He esperado un tiempo prudencial y un día en el que me sentía bien de ánimos he acabado por hacerlo, algo de lo que no solo no me arrepiento, sino que recomiendo hacerlo a cualquier aficionado al cine que no sea excesivamente vulnerable a estos temas.

Y quiero comenzar dejando claro que estamos ante un trabajo perfectamente rodado, que en ningún momento busca la lágrima fácil o abusa de la evidente dureza de lo que nos está contando, sino que por el contrario intenta hacerlo de la forma menos traumatizante posible, exponiendo la vida de nuestros protagonistas y como esta cambia radicalmente de la noche a la mañana. Pero claro, la dureza de lo que nos muestra es innegable, por lo que aún así, resulta un trabajo nada fácil de ver y asimilar, mucho menos si como es mi caso, habéis visto pasar de cerca el monstruo al que retrata.

Alice, Glatzer, Westmoreland

Y es que en el trabajo de Richard Glatzer y Wash Westmoreland, primero escribiendo el guión en el que adaptan la novela homónima de Lisa Genova, y después en la delicada y cuidada dirección, se nota que lo que cuentan les toca muy, muy de cerca, ya que Glatzer padecía ELA, una enfermedad degenerativa que en vez de a la memoria, afecta al aparato motor humano. Ambos estaban sumidos en una crisis creativa mas que lógica cuando llegó a sus manos la novela, pero decidieron crear el guión y realizarla, a pesar de la evidentes trabas que tenían ante si para hacerlo.

miércoles, 22 de julio de 2015

Tres cortometrajes de animación para adultos nominados a los Óscars

Hoy he seleccionado tres cortometrajes de animación que en su momento fueron nominados a los Óscars, aunque ninguno de ellos logró alzarse con la preciada estatuilla. Tres historias de diferentes nacionalidades, cada una con su propio estilo y diferentes técnicas que espero que os gusten. ¿Con cual os quedáis?

cortometrajes, animación, Óscars

1Katedra (La catedral) - Tomek Baginski (2002)

cortometrajes, animación, Óscars

cortometrajes, animación, ÓscarsTítulo original - Katedra (The Cathedral)
Año - 2002
Duración - 7 min.
País - Polonia
Director - Tomek Baginski
Guión - Tomek Baginski, basándose en la novela de Jacek Dukaj
Música - Adam Rosiak
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Platige Image
Género - Animación, Ciencia ficción, Aventuras, Drama, Cortometraje
Web oficial - http://www.platige.com/index.php?lng=en&tu=27

Sinopsis - Narra la historia de un hombre que pertenece a un mundo extraño. En uno de sus viajes localiza una catedral, aparentemente abandonada, que esconde un terrible secreto.

Fue nominado al Óscar en el año 2002.


martes, 21 de julio de 2015

Misericordia (Los casos del Departamento Q) - Mikkel Nørgaard (2013)

Misericordia, Departamento Q, Mikkel, NørgaardTítulo original - Kvinden i buret (The Keeper of Lost Causes) aka 
Año - 2013
Duración - 97 min.
País - Dinamarca
Director - Mikkel Nørgaard
Guión - Nikolaj Arcel, basado en la novela 'La mujer que arañaba las paredes' de Jussi Adler-Olsen
Música - Patrik Andrén, Uno Helmersson, Johan Söderqvist
Fotografía - Eric Kress
Montaje - Morten Egholm  y Martin Schade
Producción - Peter Aalbæk Jensen y Louise Vesth
Productora - Film i Väst / Zentropa Productions
Género - Thriller, Intriga
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Mikkel Boe Følsgaard, Sonja Richter, Marijana Jankovic, Søren Pilmark, Troels Lyby, Patricia Schumann, Peter Plaugborg, Rasmus Botoft, Pernille Lyneborg


El cine nórdico vuelve a dejarnos otra de esas obras tan oscuras como realista, en la que Nikolaj Arcel realiza el guión sobre la novela La mujer que arañaba las paredes de Jussi Adler-OlsenMikkel Nørgaard se hace cargo de la dirección. Un thriller plagado de policías de verdad, con sus virtudes y sus defectos, muy alejados del estereotipo que al otro lado del enorme océano y en gran parte de este, parece encandilar a las masas. Tan simple y natural como efectiva y precisa. El arte de realizar cine dando el protagonismo a la intriga, sin necesidad de emplear fuegos de artificio y giros de guión asombrosos. Como dice arriba, muy recomendable.

Misericordia, Departamento Q, Mikkel, Nørgaard

Sinopsis: El inspector Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas) no atraviesa por su mejor momento. Su tenacidad y falta de paciencia al creer que puede haber supervivientes, le hacen entrar en una casa junto a dos compañeros sin esperar refuerzos, hecho que desemboca en la muerte de uno de ellos y la parálisis del otro, su mejor amigo. Tras las enormes presiones recibidas y el hecho de que nadie parece querer trabajar con el, es destinado al departamento Q, ubicado en una zona perdida en el sótano, donde su nuevo compañero de origen sirio Hafez al-Assad (Fares Fares) ha recopilado multitud de casos sin resolver. Uno de ellos llama la atención de Carl, el de la extraña desaparición durante un viaje en ferry de Marete Lyngaard (Sonja Richter), que viajaba en compañía de su hermano deficiente mental.

La película: He de reconocer que mis gustos en cuestión de cine han ido cambiando con el tiempo, algo que puede que tenga que ver algo con el paso de los años y la acumulación de horas de cine a mis espaldas. En principio buscaba la espectacularidad y la sorpresa en trabajos como al que hoy nos referimos, pero son tantos los que he visto ya, tantos intentando sorprenderme aunque sea a costa de la perdida de credibilidad y realismo, que he llegado a un punto en el que necesito poder creerme lo que estoy viendo, sin necesidad de que sea excesivamente original, aunque me recuerde en muchos momentos a otros trabajos por la utilización de ciertos clichés habituales en el género, pero en el que sus personajes sean personas de carne y hueso, capaces de hacerme ponerme en su lugar.

Y esa es precisamente una de las grandes virtudes de Misericordia, su capacidad de generar intriga mediante una ambientación muy lograda y unos personajes muy realistas. Cine policial del de toda la vida, no del que suele realizarse en la actualidad. Es tal su aparente simpleza y la falta de los giros tan utilizados en el género, que he leído por ahí que parece el comienzo de una teleserie, como si eso en la actualidad fuese una tara, un problema de difícil solución, cuando para mi se realiza mucha mejor televisión que cine, encontrando productos que, no solo nada tienen que envidiar a las superproducciones actuales, sino que les pegan un solemne revolcón en calidad, originalidad y adicción, al menos en una gran cantidad de casos.

Misericordia, Departamento Q, Mikkel, Nørgaard

Pero claro está, esto no le hará ninguna gracia al público necesitado de originalidad, a ese que necesita no esperarse los acontecimientos, que prefiere la vuelta de tuerca aunque sea muy forzada, a ese que idolatra a agentes totalmente irreales, aunque lo que estén viendo no se lo crean ni los niños pequeños. Le gustará a los seguidores del cine policial de toda la vida, ese que no necesitaba de superhéroes con placa para captar la atención del espectador, solo de un caso interesante y buenas dosis de intriga, algo que en este caso es lo que prometen y lo que a la postre ofrecen. Si te encuentras entre ellos, yo te aconsejo su visionado, pasarás un muy buen rato de cine.

sábado, 18 de julio de 2015

Ed Wood - Tim Burton (1994)

Ed, Wood, BurtonTítulo original - Ed Wood
Año - 1994
Duración - 124 min.
País - Estados Unidos
Director - Tim Burton
Guión - Scott Alexander, Larry Karaszewski
Música - Howard Shore
Fotografía - Stefan Czapsky
Montaje - Chris Lebenzon
Producción - Tim Burton y Denise Di Novi
Productora - Touchstone Pictures
Género - Comedia, Drama, Película de culto
Reparto - Johnny Depp, Martin Landau, Patricia Arquette, Sarah Jessica Parker, Bill Murray, Lisa Marie, Jeffrey Jones, Vincent D'Onofrio, G.D. Spradlin, Juliet Landau, Mike Starr, Brent Hinkley, Max Casella


A falta de que la musa de la inspiración llame de nuevo a la puerta del bueno de Tim Burton, habrá que conformarse con revisar una de esas maravillas que tanto nos han hecho disfrutar, siendo hoy el turno de esta Ed Wood, con la que con tan solo imaginar una de sus múltiples e inolvidables escenas, ya se dibuja en mi cara una sonrisa. Un entrañable trabajo en honor al que es considerado como uno de los peores directores de la historia, con un reparto en estado de gracia y que deja una huella que permanece para siempre en quien la disfruta. Tan fresca y divertida como el primer día.

Ed, Wood, Burton

Sinopsis: La historia narra la vida del director Ed Wood (Johnny Depp) en los años en los que empezó a rodar sus primeros largometrajes, recogiendo los rodajes de sus películas Glen o Glenda, La novia del monstruo y la obra cumbre del director, Plan 9 from Outer Space. Todo comienza cuando Ed coincide con el veterano actor húngaro Béla Lugosi (Martin Landau), ya en evidente decadencia, al que el director conoce en una funeraria mientras Lugosi está eligiendo su propio ataúd. Wood logra convencer al productor George Weiss (Mike Starr), para que le de la oportunidad de dirigir una extraña película sobre el travestismo, que curiosamente está basada en la propia vida del director, aficionado a utilizar ropa de mujer, algo que hasta entonces desconoce su novia Dolores Fuller (Sarah Jessica Parker).

La película: Desgraciadamente, resulta muy, muy difícil, por no decir imposible, lograr disfrutar de un biopic que no intente manipular descaradamente al espectador, que sea fiel a la realidad y no se dedique a ensalzar o ningunear a la figura de la que nos habla, en favor del producto en cuestión o del entorno de dicha figura. Debe resultar extremadamente difícil hacerlo sin introducir en el la imagen que sus creadores tengan de la figura en cuestión, sin intentar crear en los espectadores una opinión que se aleja de la realidad para beneficiar a la película en si, y por encima de todo, hacerlo si intentar adoctrinar.

Bien es cierto que no es lo mismo realizarlo sobre una figura de fama mundial, alrededor de la que planean multitud de leyendas con mas o menos fundamentos, que de un personaje como Ed Wood, del que pocos habrán siquiera escuchado hablar antes de disfrutar este trabajo, pero el hecho es que estamos ante uno de los mejores que un servidor ha tenido la posibilidad de ver, no ya solo por lo mencionado con anterioridad, sino por la capacidad que Tim Burton tuvo para convertir la historia de un personaje poco conocido en un trabajo realmente completo, que en vez de ceñirse a la historia en si o dedicarse a juzgar a su protagonista, realiza todo un homenaje a ese cine de serie B por el que tantos semidesconocidos lucharon gran parte de su vida, además de un retrato perfecto de como era el mundo del celuloide en la época.

Ed, Wood, Burton

Y para colmo consigue, de una forma amena y singular, mostrar en un producto un pequeño trozo de la historia de este arte, convirtiéndolo en una comedia brillante y muy efectiva de una riqueza difícilmente igualable, que a su vez esconde una dura crítica a como es la industria cinematográfica y a la parte mas ingrata del mundo del cine, perfectamente escenificada en sus dos personajes principales, el del eterno visionario que no consigue triunfar a pesar de intentarlo durante toda su vida (Ed Wood) y al de la estrella en decadencia a la que todos han vuelto la cara, que habiendo conocido la sensación de estar en la cumbre, tiene que aprender en el ocaso de su existencia a vivir junto a la soledad y el olvido (Béla Lugosi).

jueves, 16 de julio de 2015

Al final de la escapada (À bout de souffle) - Jean-Luc Godard (1960)

Título original - À bout de souffle
Año - 1960
Duración - 89 min.
País - Francia
Director - Jean-Luc Godard
Guión - Jean-Luc Godard, basado en un argumento de François Truffaut
Música - Martial Solal
Fotografía - Raoul Coutard
Montaje - Cécile Decugis
Producción - Georges de Beauregard
Productora - Impéria Films / Société Nouvelle de Cinema
Género - Drama, Romance, Nouvelle vague
Reparto - Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville, Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godard


Jean-Luc Godard creó el guión sobre un argumento de François Truffaut y dirigió esta genuina obra que ha pasado a la historia del celuloide como el punto de partida de todo un movimiento que tiró por tierra los cánones que en el cine francés eran utilizados hasta la fecha, la Nouvelle vague. Un trabajo imprescindible para los amantes de este arte, y necesario para entender el cine de francés que se hizo a continuación, aunque un tanto brusco si no tenemos en cuenta su repercusión. Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg ponen el resto, en dos papeles inolvidables.


Sinopsis: Michel (Jean-Paul Belmondo) es un delincuente que, tras robar un coche en Marsella, emprende viaje a París para cobrar un dinero que se le adeuda. Todo se complica cuando se salta un control policial y tras una persecución acaba matando a un motorista que lo persigue. Ya en la ciudad, va a ver a su amiga Patricia (Jean Seberg), una estadounidense que sobrevive vendiendo el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos y sueña con matricularse en la universidad y llegar a ser escritora. Michel intenta convencerla para que vuelva a acostarse con el y lo acompañe a Roma, pero ella no parece muy convencida, a pesar de desconocer que es perseguido por la policía.

La película: He de comenzar diciendo que me resulta extremadamente difícil imaginar a un espectador joven disfrutando de una obra como esta, algo que no seré yo quien le eche en cara, ya que me parece incluso comprensible. Y es que À bout de souffle no es mas que el primer escalón del sueño de un grupo de directores hastiados con el cine que se realizaba en la época, y como casi todos los primeros pasos en una revolución de este tipo, deja bastante que desear en muchos aspectos. Es por tanto justo admitir que si no fuese por la enorme repercusión que tuvo este trabajo y por la indudable brillantez de la presencia de Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, su nota sería bastante menor.


Se que solo por este primer párrafo, ya habré hecho enfadar a mas de un cinéfilo, si es que alguno se digna a leer mi humilde opinión sobre el tema, pero no soy persona de dejarme llevar por modismos o corrientes de opinión, por lo que escribo solamente lo que opino, para bien o para mal. Pero no quiero que toméis mis palabras como definitivas, ni penséis que yo creo saber  mas que nadie, ya que mi consejo es que la veáis para poder formaros vuestra propia opinión, algo que si sois de los que amáis este arte, debéis hacer si o si.

Y es que resulta curioso ver como somos los seres humanos y como es esta vida en general, algo que mientras veía la película rondaba por mi cabeza. En concreto, hay una escena en la que nuestros protagonistas van hablando por la calle y se ve a los viandantes volver la cabeza descaradamente para ver que es lo que se está filmando, algo que si ocurre en cualquier otro trabajo de cualquier otro realizador, recibiría tal cantidad de descalificaciones por parte de crítica y público que le sería difícil poder volver a dirigir un simple anuncio de televisión. Pero claro, lo que para algunos es un despropósito tras otro, para otros es la forma original de romper con las reglas, algo que arrastra seguidores, e incluso fanáticos, de una forma brutal.

miércoles, 15 de julio de 2015

El encargado - Sergio Barrejón (2008)

Título original - El encargado
Año - 2008
Duración - 9 min.
País - España
Director - Sergio Barrejón
Guión - Sergio Barrejón y Nacho Vigalondo
Música - Aránzazu Calleja
Fotografía - Jon D. Domínguez
Montaje - Carolina Martínez Urbina
Producción - Nahikari Ipiña
Productora - Arsénico Producciones
Género - Drama, Comedia, Cortometraje
Reparto - Enrique Villén, Íñigo Navares, Eduardo Uceda, Alejandra Lorenzo


Sergio Barrejón escribió junto a Nacho Vigalondo y dirigió, este cortometraje que trata sobre un problema cada vez mas a la orden del día, el acoso escolar. Una historia sumamente sencilla, en la que se consigue de forma brillante sacar a la luz, no solo como se produce el acoso, sino como involuntariamente podemos agravarlo, además de no detectarlo a tiempo. Nueve minutos que bien merece la pena disfrutar.


Sinopsis: Martín, un niño de nueve años, queda encargado de su clase durante una ausencia del profesor. Debe apuntar en la pizarra a los alumnos que hablen. Parece un encargo fácil... hasta que el matón de la clase se pone a hablar...

El cortometraje: Desgraciadamente, está sociedad que avanza inexorable hacia la desaparición de todo tipo de valores morales, es testigo de como el acoso ha ocupado un lugar privilegiado entre las numerosas prácticas fomentadas por dicha falta. Raro es el día que no nos llegan noticias de casos de acoso, ya sea por nuestra orientación sexual, el color de nuestra piel, nuestras ideas políticas o simplemente por parecer mas débil que la mayoría. Pero son los casos que ocurren en los centros de enseñanza los que deberían alarmarnos en mayor medida, ya que hablamos en la mayoría de las ocasiones de menores de edad, personas que se supone, están formando lo que en el futuro será su carácter.

El encargado intenta denunciar este tipo de casos, pero lo hace acercándose muy acertádamente a la comedia, para así conseguir transmitir su mensaje sin necesidad de hurgar excesivamente en la herida, transmitiendo de forma brillante lo que quiere. Por ello hay que valorar como merece el excelente guión escrito por Sergio Barrejón y Nacho Vigalondo, que a pesar de resultar sumamente sencillo, consigue que la idea llegue impoluta al espectador.

Si a ello le unimos el buen hacer de Sergio en la dirección y el excelente trabajo de un reparto compuesto principalmente por niños, da como resultado esta pequeña gran obra. De hecho, el bueno de Enrique Villén es el único adulto que interviene en el, dando vida al profesor, siendo el resto de papeles interpretados de forma brillante por Íñigo Navares, en el papel del niño al que se le encarga apuntar el nombre de quien hable, Eduardo Uceda en el papel del niño que no está dispuesto a seguir las instrucciones del maestro y Alejandra Lorenzo como la niña que intentará mediar entre ambos.

Comentaros que fue nominado a los Premios Goya en la categoría de Mejor cortometraje, además de ganar más de 20 premios en festivales de todo el mundo.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

lunes, 13 de julio de 2015

Braquo - Olivier Marchal (2009)

Braquo, Olivier, MarchalTítulo original - Braquo
Año - 2009
Duración - 52 min.
País - Francia
Director - Olivier Marchal (Creator), Frédéric Schoendoerffer, Philippe Haïm, Eric Valette, Manuel Boursinhac, Frédéric Jardin
Guión - Olivier Marchal, Abdel Raouf Dafri, Philippe Haïm, Eric Valette, Frank Henry, Yann Le Nivet, David Defendi, Edgar Marie, Hervé Albertazzi, Jean-Guy Serrier, Michaël Souhaité, Arnaud Tourangin
Música - Erwann Kermorvant
Fotografía - Denis Rouden, Jean-Pierre Sauvaire, Laurent Barès, Vincent Muller, Laurent Tangy
Montaje - Stratos Gabrielidis, Raphaele Urtin, Joël Jacovella, Christophe Pinel, Katya Chelli, Dominique Mazzoleni, Pauline Pallier y Sébastien Prangère
Producción - Hervé Chabalier y Claude Chelli
Productora - Canal+ / Capa Drama
Género - Serie de TV, Thriller
Reparto - Jean-Hugues Anglade, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Joseph Malerba, Laëtitia Lacroix, Olivier Rabourdin, Alain Figlarz, Pascal Elso, Isabelle Renauld, Michel Duchaussoy, Valérie Sibilia, Samira Lachhab, Samuel Le Bihan
Web oficial - http://braquo.canalplus.fr/serie


Olivier Marchal es el creador de este thriller dramático, protagonizado por un grupo de agentes que ejerce su trabajo en el extrarradio de la ciudad de París. Una serie fría y contundente que te atrapa desde el primer instante, en la que podemos olvidarnos de los agentes modélicos que poblaban este tipo de productos no hace tanto tiempo, para seguir de cerca las andanzas de cuatro compañeros que deberán asumir todo tipo de riesgos para limpiar el nombre de un quinto. Un retrato sobre lo que significa realmente este trabajo y las consecuencias que tiene en muchos de sus miembros. Muy, muy buena.

Braquo, Olivier, Marchal

Sinopsis: Los agentes de policía Eddy Caplan (Jean-Hugues Anglade), Walter Morlighem (Joseph Malerba), Théo Vachewski (Nicolas Duvauchelle) y Roxanne Delgado (Karole Rocher), de la zona de Hauts-de-Seine de París, asisten impotentes a como, tras excederse en un interrogatorio, su compañero Max Rossi (Olivier Rabourdin) es acusado injustamente de agresión sexual hacia el detenido, por lo que acaba quitándose la vida. Ante la pasividad del ministerio fiscal en el asunto, deciden hacer justicia por su cuenta y limpiar el nombre de su compañero, entrando en un peligroso terreno en el que, no solo se juegan su trabajo, sino también su propia libertad.

La serie: Aprovechando que estamos en verano y dispongo de algo mas de tiempo, suelo tener en la recámara varias series con muy buena pinta guardadas para la ocasión. Esta vez le ha tocado el turno a Braquo, una de esas series que retrata el trabajo policial con veracidad, no ya por los hechos que en ella se cuentan, sino por como muestra a los agentes de la ley, personas normales y corrientes con sus defectos y sus virtudes, que trabajan a diario rodeados de lo peor que ha engendrado esta sociedad, sometidos a una enorme presión y cuya conducta, dependiendo de cada cual, no siempre es lo que sería ideal.

Y la verdad es que ha conseguido atraparme desde el primer instante, en parte gracias a ciertas similitudes que tiene con la magnífica The Shield: Al margen de la ley, siempre guardando las distancias, claro. Lo que está claro es que es el mejor ejemplo a elegir para mostraros a que tipo de producto nos enfrentamos, teniendo uno de sus protagonistas incluso cierto parecido físico con Michael Chiklis, protagonista de The Shield, aunque en realidad se trata de dos productos muy diferentes, por lo que no creáis que si habéis visto la otra, ya no merece la pena disfrutar esta.

Braquo, Olivier, Marchal

Su comienzo ya nos advierte de lo que estamos a punto de visualizar, mostrándonos a un veterano agente de policía y al sospechoso de la violación y muerte de una chavala embarazada de cinco o seis meses, en pleno interrogatorio. El rostro del policía lo dice todo, totalmente seguro de la culpabilidad del sospechoso, intenta sacarle el nombre de su acompañante, ante lo que el interrogado responde con frialdad, riéndose incluso del agente e insultándolo constantemente. La perdida de control del agente, que agrede al criminal brutalmente, será la chispa inicial que desencadenará todo lo que la serie nos cuenta posteriormente. Los acontecimientos se suceden uno tras otro a gran velocidad, acabando con el suicidio del agente en cuestión y el inicio de una campaña de desprestigio contra el, algo a lo que sus compañeros no están dispuestos a asistir de brazos cruzados.

sábado, 11 de julio de 2015

The Reader (El lector) - Stephen Daldry (2008)

Reader, lector, Stephen, DaldryTítulo original - The Reader
Año - 2008
Duración - 123 min.
País - Estados Unidos
Director - Stephen Daldry
Guión - David Hare (Novela: Bernhard Schlink)
Música - Nico Muhly
Fotografía - Chris Menges, Roger Deakins
Montaje - Claire Simpson
Producción - Anthony Minghella, Sydney Pollack, Donna Gigliotti y Redmond Morris
Productora - Coproducción USA-Alemania; The Weinstein Company / Mirage Enterprises / Neunte Babelsberg Film
Género - Drama, Romance
Reparto - Kate Winslet, David Kross, Ralph Fiennes, Bruno Ganz, Lena Olin, Alexandra Maria Lara, Linda Bassett, Susanne Lothar, Matthias Habich, Ludwig Blochberger, Volker Bruch, Hannah Herzsprung, Jeanette Hain, Jonas Jägermeyr
Web oficial - http://thereader-movie.com/


Interesante trabajo dirigido por Stephen Daldry, que llevó a la gran pantalla el guión que David Hare escribió basándose en la novela homónima de Bernhard Schlink. Una historia de amor y el enorme dilema moral del que mas tarde será protagonista que merece la pena disfrutar, pero que deja la amarga sensación de haberse quedado muy cerca de ser una obra universal. Lo mejor de ella, la magistral interpretación de una Kate Winslet, que rara vez defrauda.

Reader, lector, Stephen, Daldry

Sinopsis: Neustadt, Alemania Occidental, año 1958. Michael Berg (David Kross) es un joven de 15 años que se comienza a sentir mal de camino a casa. Tras bajarse del tranvía, mientras vomita en plena calle, es socorrido por Hanna Schmitz (Kate Winslet), una mujer 20 años mayor que el. Tras guardar reposo durante tres meses, ya que padece escarlatina, le lleva unas flores a Hanna para agradecerle su ayuda, y comienzan una apasionada aventura que dura todo el verano. Un buen día, el encuentra el piso vacío, comprobando que Hanna se ha marchado sin previo aviso, tras lo que queda desolado. Ocho años mas tarde, Michael vuelve a verla, aunque en una situación que jamás hubiera imaginado, ni mucho menos deseado...

La película: He de comenzar aclarando que el cine romántico no es uno de los que mas me atraigan a simple vista, pero cuando decido ver un trabajo de este segmento, prefiero mil veces que sea un drama que una comedia, mas aún si se trata de una de las que suelen hacerse hoy día. En esta ocasión nos encontramos con un trabajo que me ha parecido realmente completo, a pesar de resultar algo irregular en algunos momentos, algo que es perfectamente contrarrestado con la enorme riqueza y la gran variedad de temas que trata. Digo esto porque pienso que para disfrutarlo en toda su grandeza, hay que ser amplio de miras, algo observador y paciente, no intentando responder cada duda que se nos pueda plantear inmediatamente, ya que la película se encarga poco a poco de ir despejándolas casi todas.

Reader, lector, Stephen, Daldry

Su guión, obra de David Hare adaptando la novela de Bernhard Schlink, está dividido en dos partes bien diferenciadas, una primera donde se nos muestra la historia de amor entre nuestros dos protagonistas y una segunda donde se nos muestra las vidas de ambos tras la misteriosa desaparición de Hanna, además de las consecuencias que su relación tendrá en el futuro de ambos. Para hacerlo, se utilizan diversos flashbacks perfectamente utilizados y bien diferenciados, para que no lleven a error ni a los menos observadores, un recurso que creo, le hace mucho bien a la historia, dándole dinamismo y cierta entidad.

martes, 7 de julio de 2015

Hud: El más salvaje entre mil - Martin Ritt (1963)

Hud, Martin, RittTítulo original - Hud
Año - 1963
Duración - 112 min.
País - Estados Unidos
Director - Martin Ritt
Guión - Irving Ravetch y Harriet Frank Jr.
Música - Elmer Bernstein
Fotografía - James Wong Howe
Montaje - Frank Bracht
Producción - Irving Ravetch y Martin Ritt
Productora - Paramount Pictures
Género - Drama
Reparto - Paul Newman, Melvyn Douglas, Patricia Neal, Brandon De Wilde, Whit Bissell, Crahan Denton, John Ashley, Val Avery, George Petrie, Curt Conway, Sheldon Allman, Pitt Herbert, Carl Low, Robert Hinkle, Don Kennedy, Sharon Hillyer, Yvette Vickers


Irving Ravetch y Harriet Frank Jr. fueron los creadores del guión de este drama sureño dirigido por Martin Ritt. Un trabajo de una dureza innegable, camuflada tras su amable, e incluso divertido inicio, en el que el bueno de Paul Newman comenzaba a dejar claro que escribiría páginas de oro en la historia del cine. Una película adelantada a su época, donde destaca la fotografía de James Wong Howe y el enorme trabajo de todo su reparto. Ineludible si sois fans de Newman y muy recomendable, lo seáis o no.

Hud, Martin, Ritt

Sinopsis: Los Bannon son una familia de ganaderos poco convencional. Hud (Paul Newman) es un hombre rudo y de pocos principios, que no tiene una buena relación con Homer (Melvyn Douglas), padre de este y el encargado de llevar el rancho con mano firme. Entre ambos existe una relación de necesidad/odio de la que saltan chispas constantemente. Junto a ellos vive el joven Lon (Brandon De Wilde), sobrino de Hud, al que admira en varios aspectos, pero al que se parece muy poco. El lado femenino lo pone Alma (Patricia Neal), la empleada que lleva la casa desde hace años. Todo se complicará con la aparición de una de las reces muerta y la sospecha de que una grave e incurable enfermedad haya sido la causante, lo que obliga a poner al resto del ganado en cuarentena hasta saber la causa.

La película: Hud es uno de esos trabajos que parecen fuera del contexto en el que se realizó, principalmente por parecer mucho mas actual de lo que su fecha de creación indica, algo realmente difícil de encontrar en los años 60. Su dureza es indudable, aunque en un principio la historia fluya de forma mucho mas amable de lo que en realidad acabará siendo, haciendo incluso que el espectador esboce una sonrisa en varias ocasiones, algo que conforme avance el metraje irá desapareciendo, para dar paso a otro tipo de sensaciones menos entretenidas, pero no por ello peor conseguidas.

Gran parte de la culpa de ello la tiene el magnífico guión escrito por Irving Ravetch y Harriet Frank Jr., un perfecto retrato de una familia que vive constantemente en el filo de la navaja, en la que los roces son constantes y a la que solo le hace falta una pequeña chispa para explotar. Sus personajes están magníficamente desarrollados en el, dándonos una idea exacta de como son cada uno y que los mueve, haciendo además que poco a poco conozcamos el porqué son o se comportan así. El drama está perfectamente suavizado en un principio, aumentando progresivamente conforme avanza la película, para finalizar de una forma poco común en la época, algo que cuando la vean (o si ya la han visto) podrán comprobar.

Hud, Martin, Ritt

Su riqueza hace que por delante de nuestros ojos pasen dos maneras muy diferentes de ver la vida, la que poco a poco va desapareciendo de nuestras sociedades, esa que se basa en la honradez, en lo que es justo y éticamente correcto, perfectamente representada en la persona de Melvyn Douglas, frente a la que vive la vida sin prestar atención a las consecuencias de sus actos, de forma amoral y capaz de pasar por encima de quien haga falta para conseguir sus propósitos. Pero lo que mas llama la atención en ella, es que lejos de tomar partido por uno u otro bando, lejos de ejercer esa manipulación moral tan habitual en el cine de la época, se limita a mostrar los hechos, e incluso a exponer los motivos por los que cada cual ha llegado a ser como es, para finalmente mostrarnos sus consecuencias en el caso que nos atañe.

domingo, 5 de julio de 2015

Pequeña Miss Sunshine - Jonathan Dayton y Valerie Faris (2006)

Sunshine, Dayton, Valerie FarisTítulohiginal - Little Miss Sunshine
Año - 2006
Duración - 101 min.
País - Estados Unidos
Director - Jonathan Dayton y Valerie Faris
Guión - Michael Arndt
Música - Mychael Danna, Devotchka
Fotografía - Tim Suhrstedt
Montaje - Pamela Martin
Producción - David T. Friendly
Productora - Fox Searchlight Pictures / Big Beach
Género - Comedia, Drama, Cine independiente
Reparto - Abigail Breslin, Steve Carell, Toni Collette, Greg Kinnear, Alan Arkin, Paul Dano, Beth Grant, Bryan Cranston, Jill Talley, Brenda Canela, Justin Shilton, Gordon Thomson
Web oficial - http://www.foxsearchlight.com/littlemisssunshine/


Jonathan Dayton y Valerie Faris fueron los encargados de llevar a la gran pantalla el excelente guión obra de Michael Arndt. Una pequeña joya que, tras su aparente banalidad y simpleza, esconde una riqueza rara vez encontrada en el cine que a día de hoy llega a las carteleras, por lo que solo puedo decirles que si ya la han disfrutado, sabrán perfectamente de que les hablo, y que si aún no lo han hecho, creo que es un trabajo que no deberían dejar pasar bajo ningún concepto. CINE con mayúsculas, no les quepa duda.

Sunshine, Dayton, Valerie Faris

Sinopsis: La película nos cuenta la historia de una disfuncional familia que vive en Albuquerque, Nuevo México. Sheryl Hoover (Toni Collette) es la agotada madre, Richard (Greg Kinnear), su esposo, trata de construir una carrera como motivador profesional, su hermano Frank (Steve Carell) es un homosexual que vive temporalmente en la casa con la familia después de haber intentado suicidarse, Dwayne (Paul Dano) es un adolescente conflictivo que ha jurado mantener silencio hasta cumplir su sueño de convertirse en piloto de pruebas y el padre de Richard, Edwin (Alan Arkin), un veterano de la Segunda Guerra Mundial recientemente expulsado de un asilo para ancianos por usar y vender heroína, también vive con la familia, manteniendo una relación muy estrecha con su nieta de siete años de edad, Olive (Abigail Breslin). Juntos se embarcan en un viaje por carretera de 1287 kilómetros en su Volkswagen Combi amarilla, para asistir al concurso de belleza "Little Miss Sunshine", para el que Olive se ha clasificado contra todo pronóstico.

La película: Si hay algo que he aprendido después de tanto tiempo viendo cine, es que por mucho que te digan, por mucho que desvaloren o por mucho que te recomienden un  trabajo,  la única forma totalmente indiscutible de saber si éste realmente ha merecido la pena, es la capacidad que tiene de dejar un rastro en nuestra memoria, una prueba irrefutable de si lo que acabamos de ver son solo fuegos artificiales, o por el contrario se trata de algo mucho mas complejo e interesante. Digo esto porque nos encontramos ante una película que en un principio puede parecer bastante simple, e incluso algo absurda en algún momento, una mas de tantas que pasan ante nuestros ojos como un simple entretenimiento, pero en ella se esconde un trabajo mucho más completo, con la entidad suficiente como para que una vez que lo hayamos disfrutado, seamos incapaces de borrarlo de nuestra memoria.

Sunshine, Dayton, Valerie Faris

Puede que lo que le acabo de decir les parezca una obviedad, pero es un rasgo que a día de hoy ha perdido gran parte del cine que se realiza, sobretodo en los grandes estudios. Lejos quedan ya los tiempos en los que cualquier producto escondía un mensaje, un significado, una idea, aunque se tratase de una simple comedia de andar por casa, algo que no hacía más que enriquecer la experiencia y darle sentido, más allá del simple entretenimiento. Es de lo que tanto nos quejamos muchos de los que escribimos y hablamos de cine, con un servidor a la cabeza, algo que deberían plantearse los grandes estudios de una vez por todas, en vez de dejarnos trabajos estéticamente resplandecientes, pero en la mayoría de las ocasiones carente de alma.
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