Una pastelería en Tokio (An) - Naomi Kawase (2015)

Título original - An
Año - 2015
Duración - 113 min.
País - Japón
Director - Naomi Kawase
Guión - Naomi Kawase, basado en la novela de Durian Sukegawa
Música - David Hadjadj
Fotografía - Shigeki Akiyama
Montaje - Tina Baz
Producción - Koichiro Fukushima, Yoshito Ohyama y Masa Sawada
Productora - Coproducción Japón-Francia-Alemania; Comme des Cinemas / Nagoya Broadcasting Network / Twenty Twenty Vision, ZDF/Arte / MAM / An Film Partner
Género - Drama
Reparto - Masatoshi Nagase, Kirin Kiki, Miyoko Asada, Etsuko Ichihara, Miki Mizuno, Kyara Uchida

Naomi Kawase escribe el guión adaptando la novela de Durian Sukegawa y dirige esta sutil mirada a una pequeña pastelería en la que se darán cita tres personajes de tres generaciones diferentes. Con un ritmo pausado y sereno, estamos ante un trabajo que elogia la sencillez de lo cotidiano, para acabar mostrándonos una historia de una riqueza mucho mayor de lo que en principio aparenta. Cine realizado para amantes de la vida tranquila y la meditación, no recomendable para las almas mas inquietas y los corazones mas endurecidos. Un sorbo de filosofía oriental que merece la pena disfrutar y, que si además conseguimos asimilar, pues mejor que mejor.

Sinopsis: Sentaro (Masatoshi Nagase) es un hombre tranquilo y serio que regenta una pequeña pastelería en Tokio donde vende dorayakis, un dulce tradicional relleno de una pasta de judías llamada an. A pesar de su dedicación y sus esfuerzos, el negocio no marcha excesivamente bien, aunque consigue sobrevivir con el. Un buen día llega a la pastelería una simpática anciana llamada Tokue (Kirin Kiki), que le confiesa que siempre quiso trabajar en una pastelería y le pide trabajo. Ante la lógica negativa inicial de Sentaro, la anciana regresa al poco tiempo y le regala un poco de an que ha hecho ella misma, cuyo sabor es tan delicioso que Sentaro no tiene mas remedio que contratarla, con la única misión de hacerlo para sus pasteles, algo que cambiará la vida de ambos para siempre.

La directora: Naomi Kawase es una directora de cine y escritora nacida en Nara (Japón), el 30 de mayo de 1969. Abandonada por sus padres, creció con su tía abuela, algo que ha marcado su vida y su trabajo. Se licenció en la Escuela de Fotografía de Osaka en 1989 donde trabajó posteriormente como docente durante 4 años. Ha realizado varios documentales basados en su propia vida, la búsqueda de su padre, que la abandonó de pequeña (En sus brazos, 1992), su tía abuela que la cuidó de pequeña (Katatsumori, 1994) y su embarazo y parto (Tarachime, 2006). En 1996 se estrenó su mediometraje documental Sol de atardecer y un año después escribió y dirigió Suzaku, su primer largometraje de ficción. Tras el llegaron otros como Hotaru (Firefly) (2000), con el que se estrenó en la sección competitiva del Festival de Locarno, donde obtuvo el Premio Fipresci y el Premio CICAE. Su tercer largo de ficción, Shara (2003), fue seleccionado para la Sección Oficial de Cannes, donde repitió en en 2007 con El bosque del luto (Mogari no mori), por la que obtuvo el Gran Premio Especial del Jurado, para muchos su mejor obra. Del resto podemos destacar Nanayo (2008), Hanezu (2011) y Aguas tranquilas (2014). Destacar también su trabajo Correspondencia: Isaki Lacuesta - Naomi Kawase (In Between Days), un documental que muestra la correspondencia filmada que mantuvo con el realizador catalán.

La película: En la alocada sociedad donde vivimos, gobernada por las prisas y el estrés, la obligación de seguir su frenético ritmo para no quedar atrasados del resto y lograr ser competitivos, creo que sería necesario que, aunque sea de vez en cuando, disfrutásemos de algún trabajo como el que hoy nos ocupa. Puede que no les atraiga tanto como lo pueden hacer otros, que su ritmo pausado y su gusto por detenerse en los pequeños detalles no sean lo que mas llame su atención a primera vista, pero invita a hacer algo que deberíamos tener mucho mas en cuenta a la hora de vivir nuestras vidas, el hecho de pararnos, reflexionar y valorar lo que tenemos la suerte de poder experimentar, intentar disfrutar de esas pequeñas cosas que nos rodean y pasan casi inadvertidas ante nuestros ojos y, sobre todo, dejar de creer que somos el centro del universo y paladear los pequeños placeres que nos ofrece la vida, para así conseguir distinguir que es realmente importante, que seguramente no sea precisamente lo que en principio creemos.

An (Una pastelería en Tokio en España) comienza mostrándonos la rutina de uno de sus protagonistas, como se levanta al amanecer y se prepara para comenzar su labor diaria, como llega desganado a un trabajo que ni mucho menos lo llena y comienza una jornada que promete pocas diferencias comparada con cualquier otro día. No conocemos mucho de el, pero en su predisposición y su forma de afrontar sus obligaciones, podemos adivinar como dicha rutina lo ha ido apagando poco a poco y ha ido formando ese carácter serio y desganado que parece tener, hasta conseguir introducirlo en una espiral en la que poco o nada parece merecer la pena. ¿Os suena?. La realizadora además se encarga de potenciar esa imagen de insoportable rutina ofreciéndonos constantes imágenes de personas comunes que van de un lado para otro, de trenes que no paran de llevarlos de aquí para allá y de contados personajes que no parecen tener excesivo interés para el espectador.

Secuestro, el nuevo trabajo de Mar Targarona (19 de agosto en cines)

El 19 de agosto llega a los cines de nuestro país Secuestro, la nueva película de la productora, actriz y directora Mar Targarona. Se trata de un thriller de cuyo guión se ha encargado Oriol Paulo (El cuerpo, Los ojos de Julia), protagonizado por Blanca Portillo, Antonio Dechent y Vicente Romero, con la aparición especial de Jose Coronado y la colaboración de José María Pou.

Completan el reparto de Secuestro los actores Andrés Hererra, Macarena Gómez, Nausicaa Bonnín, Daniel El Rojo, Paco Manzanedo, Raquel Pérez, Miguel Angel Jenner, Ramón Fontseré, Lluïsa Castell, Mercè Montalà y el joven actor Marc Domenech, en el que será su debut cinematográfico.

Secuestro es una producción de Rodar y Rodar Cine, responsable de grandes éxitos como El orfanato, Los ojos de Julia o El cuerpo, con la participación de RTVE, Cosmopolitan TV, Televisió de Catalunya y Movistar+. La distribución corre a cargo de Sony Pictures Releasing de España.

Sinopsis: Patricia de Lucas (Blanca Portillo), una prestigiosa abogada, ve como su vida se convierte en una pesadilla cuando su hijo Víctor (Marc Domenech) desaparece del colegio sin dejar rastro. Horas más tarde, el niño reaparece magullado y perlado en sudor, confesando que un hombre le ha intentado secuestrar, pero que ha logrado escapar. La policía se moviliza y, tras una rueda de identificación con Víctor, logran dar con el aparente responsable. Sin embargo, las pruebas no son suficientes, y el presunto secuestrador queda en libertad. Es entonces cuando Patricia, asustada y temiendo por su hijo, decide hacer lo que no ha hecho nunca: tomarse la justicia por su cuenta. Pero la situación se le escapará de las manos y las consecuencias de sus actos serán imprevisibles…

La familia Bélier (La famille Bélier) - Eric Lartigau (2014)

Título original - La famille Bélier
Año - 2014
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Eric Lartigau
Guión - Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau
Música - Evgueni Galperine y Sacha Galperine
Fotografía - Romain Winding
Montaje - Jennifer Augé
Producción - Philippe Rousselet, Éric Jehelmann y Stéphanie Bermann
Productora - Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma
Género - Comedia, Drama
Reparto - Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe

Eric Lartigau escribió el guión junto a Victoria Bedos y Thomas Bidegain, además de dirigir esta excepcional muestra de como mezclar en las dosis adecuadas comedia y humor, sin llegar a parecer frívolo con los espinosos temas que toca, ni llegar a ser excesivamente melodramático. Hermosa, humana, divertida, trascendente, son solo algunos de los calificativos que me vienen a la cabeza a la hora de describirla, debiendo hacer mención especial al trabajo de todo su reparto y a unos personajes que llegan a nosotros para quedarse. Francia continúa regalándonos pequeñas joyas de vez en cuando, de esas que merece la pena disfrutar y que rara vez ya se olvidan. ¡Chapeau! Monsieur Eric Lartigau.

Sinopsis: Todos los miembros de la familia Bélier son sordomudos, excepto Paula (Louane Emera), de 16 años. Ella hace de intérprete para sus padres, especialmente en lo que respecta al funcionamiento de la granja familiar. Un día, alentada por su profesor de música, que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France, pero se trata de una elección que la obligará a distanciarse de su familia en caso de ser elegida, por lo que decidir si tomarla no será nada sencillo.

El director: Eric Lartigau es un director francés nacido en París, el 20 de junio de 1964. Tras trabajar en una casa de subastas, fue contratado como chofer del realizador Pascal Thomas, para el que acabó trabajando como asistente de dirección. Continuó realizando dicho trabajo para directores de la talla de Emir Kusturica , Édouard Molinaro o Diane Kurys. Comenzó a trabajar en televisión participando en series como Les Guignols de l'info (1988) y H (2000-2001). Debutó en la dirección de un largometraje con ¿Pero quién mató a Pamela Rose? (2003), una comedia bastante discreta. Tras ella llegaron la comedia de ciencia ficción Un ticket pour l'espace y una nueva comedia llamada Prête-moi ta main, ambas de 2006, el drama The Big Picture (2010) y la olvidable Los infieles, que dirigió junto a directores como Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé o Alexandre Courtès, entre otros. La familia Bélier ha supuesto un paso adelante en su carrera, al conseguir sacar petroleo donde muchos hubieran naufragado estrepitosamente. Seguiremos atentos a sus próximos trabajos.

La película: He de reconocer que cuando me disponía a ver esta película no las tenía todas conmigo, principalmente porque resulta extremadamente difícil encontrar un trabajo de este tipo que no peque por exceso o por defecto, ya que hay que reconocer que mezclar drama y comedia no suele ser tarea sencilla. Pero conforme la cinta avanza, tras un comienzo algo mas alocado y vivaz que el tono general de la misma, me di cuenta que estaba ante uno de esos trabajos que consiguen que recuerde el porqué de mi amor por este arte, capaz de regalarnos muchas de las características que hacen que adore el cine clásico, trasladadas al presente en un trabajo de una riqueza indudable, llevado además a la pantalla de forma muy inteligente y amena. Para que os hagáis una idea de donde la ubico yo, deciros que es para mi como una mezcla ente Billy Elliot (Quiero bailar), dirigida por Stephen Daldry en el 2000 y Pequeña Miss Sunshine, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris en el 2006, de la que os hablamos aquí, siempre guardando las distancias y sin entrar a compararla con ambas..

Son varios los detalles que hacen de La familia Bélier una película muy recomendable, comenzando por el inteligente guión escrito por Victoria Bedos, Thomas Bidegain y el propio Eric Lartigau, capaz de contarnos una historia mucho mas trascendente de lo que en principio aparenta, que trata temas como la adolescencia, la inserción de los discapacitados en la sociedad, la familia, la amistad, el amor, etc, sin llegar a ser empalagosa o excesivamente dura en ningún momento, endulzándola además con un humor muy natural, que a pesar de mostrar alguna que otra situación un tanto surrealista o algo forzada, consigue su objetivo sin excesivos esfuerzos. Sus personajes, parte fundamental del magnífico resultado final, están perfectamente desarrollados y se ganan el favor del espectador casi inmediatamente, dándole a la película identidad propia.

Forajidos (The Killers) - Robert Siodmak (1946)

Título original - The Killers
Año - 1946
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Siodmak
Guión - Anthony Veiller, basado en un relato de Ernest Hemingway
Música - Miklós Rózsa
Fotografía - Elwood Bredell
Montaje - Arthur Hilton
Producción - Mark Hellinger
Productora - Universal Pictures
Género - Cine negro. Intriga
Reparto - Burt Lancaster, Ava Gardner, Edmond O'Brien, Albert Dekker, Sam Levene, Vince Barnett, Virginia Christine, Charles D. Brown, Jack Lambert, Donald MacBride, Charles McGraw, William Conrad, Phil Brown, Queenie Smith, Jeff Corey, Harry Hayden, Bill Walker

Anthony Veillera adaptó por primera vez en 1946 el relato corto The Killers, escrito por Ernest Hemingway en 1927, escribiendo el excelente guión que Robert Siodmak se encargó de convertir en uno de los trabajos de referencia del cine negro, plasmándolo en un inolvidable largometraje que llegó a España con el nombre de Forajidos. Contando con la excelente fotografía de Elwood Bredell, la acertada banda sonora de Miklós Rózsa y el brillante reparto encabezado por Burt Lancaster, Ava Gardner y Edmond O'Brien, estamos ante una de esas películas que te engatusan en cuanto comienzas a verla y pasan volando frente a tus ojos. Imprescindible.

Sinopsis: Dos asesinos a sueldo llegan a una pequeña población y matan al empleado de una gasolinera, llamado Ole Andreson "El sueco" (Burt Lancaster), que parece no intentar siquiera escapar. En las pesquisas policiales se descubre que tenía un seguro de vida que tiene como beneficiaria a una camarera de un hotel, algo que despierta las sospechas del detective Reardon (Edmond O'Brien), que investiga el caso para la compañía de seguros de la que es empleado, a pesar de que la indemnización no es excesivamente grande. Pero cuando comienza a investigar la vida de la víctima, descubrirá que esta no siempre fue tan tranquila como cuando finalizó, además de su extraña relación con la misteriosa Kitty Collins (Ava Gardner).

El director: Robert Siodmak fue un director de cine de origen alemán, nacido en Dresde, el 8 de agosto de 1900. Debutó tras la cámara en 1929 con Los hombres del domingo, cuyo guión escribió junto a su hermano Curt Siodmak y con una pequeña participación del entonces desconocido Billy Wilder. En los siguientes años dirigirá seis películas más, entre las que destacan Despedida (1930), Dilema y Tumultos, ambas de 1931. En ella se comienzan a ver los primeros trazos de un cine muy cercano al cine negro que después sería su género predilecto en Estados Unidos. Tras la prohibición de Secreto que quema (1933), decidió trasladarse a París, donde dirigió otras siete películas, entre las que se encuentran El sexo débil (1933), Se acabó la crisis (1934) o Noches de París (1936). Su etapa en los Estados Unidos fue bastante irregular, firmando un total de 22 trabajos entre los que destacan los encuadrados dentro del cine negro, de los que podemos destacar Luz en el alma (1944), La escalera de caracol (1945), A través del espejo (1946), La dama desconocida (1944) o El abrazo de la muerte (1949) además del que hoy nos ocupa, que son algunos de los más conocidos. Regresó a Europa en 1952, donde finalizó su carrera con la etapa menos interesante de la misma, pero en la que realizó algunos se sus trabajos mas personales, tres con bandera francesa, uno con la inglesa y seis en su Alemania natal.

La película: Hace poco me comentaba un seguidor en twitter que cuando se hablaba de Ava Gardner casi nunca se hablaba de su trabajo y si de su evidente atracción física, por la que se la conoce como "El animal mas bello del mundo". Decidí entonces visionar alguna de sus numerosas películas y realizar un artículo, por lo que repasando su filmografía me encontré con la excelente The Killers, un magnífico largometraje que no veía hace una eternidad y que no pude evitar elegir, entre otro par de ellos que de momento dejaremos en el anonimato y que espero analizar en futuros artículos próximamente. La verdad es que después de volverlo a disfrutar no se le puede poner un solo pero a su trabajo, pero igualmente he de confesar que en cuanto apareció en la pantalla tuvo un efecto sobre mi muy parecido al que tiene en "El sueco", un Burt Lancaster que en cuanto la ve aparecer pierde la noción del tiempo y no puede quitarle los ojos de encima. Un poder que personalmente no encuentro en muchas actrices actuales, al menos con tal fuerza.

Pero no quiero que ni por asomo piensen que es el único atractivo de esta magistral obra, una de las mas completas y mejor filmadas de un Film noir que sigue siendo una de mis grandes debilidades. Con una magnífica escena inicial, que da paso a la ejecución del crimen que todo lo desencadena, estamos ante uno de los trabajos que suelo poner como ejemplo de como utilizar con suma inteligencia un recurso como el flashback, muy usado en la actualidad y no siempre con el suficiente atino, algo que lo convierte en un inconveniente en vez de el medio por el que ayudarte a contar de forma original una historia. Ya en ella se adivina el inconfundible estilo de un Robert Siodmak en cuyo cine afloran rasgos del expresionismo alemán, que supo utilizar con sabiduría a la hora de filmar cine negro, consiguiendo resultados realmente inolvidables.

La bruja (The Witch) - Robert Eggers (2015)

Título original - The Witch
Año - 2015
Duración - 92 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Eggers
Guión - Robert Eggers
Música - Mark Korven
Fotografía - Jarin Blaschke
Montaje - Louise Ford
Producción - Chris Columbus, Jay Van Hoy, Jodi Redmond, Daniel Bekerman, Lars Knudsen y Rodrigo Teixeira
Productora - Coproducción USA-Canadá-Reino Unido; A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures
Género - Terror, Cine independiente
Reparto - Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith

Robert Eggers es el responsable del guión y la magnífica dirección, por la que ganó el premio en la categoría de Drama Estadounidense en el Festival de Cine de Sundance 2015, de este producto independiente que nos llega de los Estados Unidos. Terror psicológico filmado con enorme brillantez, donde además destacan la excelente fotografía de Jarin Blaschke, la soberbia puesta en escena y el trabajo de todo el reparto elegido para la ocasión, que no gustará a todos por igual, pero que hará las delicias de los amantes de un "terror" muy diferente al que se suele rodar en la actualidad, con personalidad y señas de identidad propias. La obra de un perfeccionista, algo que teniendo en cuenta que estamos ante un debut, habrá que tener muy en cuenta en el futuro.

Sinopsis: Nueva Inglaterra, 1630. Un matrimonio de colonos cristianos, con cinco hijos, es expulsado de la comunidad en la que viven por discrepancias con los que la dirigen. Tras un largo viaje en carreta se establecen en una tierra desconocida para ellos, frente a un bosque que, según las creencias populares, está dominado por el mal. Pero tras la extraña desaparición de su hijo recién nacido, la familia comienza a intentar dar una explicación lógica a lo sucedido a través de su férreas convicciones religiosas, algo que irá oscureciendo las relaciones entre sus miembros, que se irá agravando conforme se acerca el invierno, las cosechas no acaban de dar sus frutos y diversos fenómenos de difícil explicación continúan sucediendo.

La película: Lo primero que he de decir, es que comprendo perfectamente a todos aquellos que acuden a una sala de cine a ver lo que creen ser una película de terror como las que se suelen rodar en la actualidad y salen muy decepcionados al ver la obra que hoy nos ocupa, The Witch. Los comprendo porque esta es quizás una de las películas que he visto en mucho tiempo que mas se aleja de dicho concepto, de hecho, lo rehuye en todo momento, por lo que el que espera ver uno de esos trabajos donde se suceden los sustos repentinos y las súbitas subidas de volumen están a la orden del día, debe de salir decepcionado y muy aburrido. La bruja podría ser calificada como terror psicológico, algo ya bastante distinto, aunque yo iría incluso unos pasos mas allá y la definiría como un drama psicológico sobre los miedos y temores que han atenazado a los seres humanos a lo largo de la historia y los peligros de los fanatismos religiosos, con ciertos toques de cine fantástico. Es el gran problema de la forma en la que se promociona el cine a día de hoy, que no siempre (casi nunca diría yo) entrega al espectador lo que parece ofrecer, llegando después las lógicas decepciones.

Aclarado esto, he de decir que estamos ante una obra realmente bien llevada a la gran pantalla, que resulta inconcebible ubicar como una opera prima viendo la maestría con la que Robert Eggers consigue sacar partido de una historia bastante simple, que en manos de otro realizador tan poco experimentado como el, e incluso en las de algunos con mucha mayor experiencia, podría ser considerada como menor, e incluso ridícula diría yo, pero que el prometedor realizador consigue convertir en un trabajo de esos que dejan huella, capaz de distanciarse de la inmensa mayoría mostrando un estilo y unas cualidades fácilmente diferenciables. Cine que a pocos dejará indiferentes, que dudo mucho que convenza a una gran franja del público que acude hoy día a las salas, al estar bastante alejado de lo que buscan, pero que será todo un soplo de aire fresco para los que, como yo, creemos que no todo está hecho y que aunque resulte difícil, aún es posible innovar y contar ciertas historias de forma distinta.

Star Wars: El despertar de la Fuerza - J.J. Abrams (2015)

Título original - Star Wars. Episode VII: The Force Awakens
Año - 2015
Duración - 135 min.
País - Estados Unidos
Director - J.J. Abrams
Guión - J.J. Abrams, Lawrence Kasdan y Michael Arndt
Música - John Williams
Fotografía - Daniel Mindel
Montaje - Maryann Brandon y Mary Jo Markey
Producción -
Productora - Lucasfilm / Bad Robot / The Walt Disney Company
Género - Ciencia ficción. Aventuras
Reparto - Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Adam Driver, Oscar Isaac, Carrie Fisher, Peter Mayhew, Domhnall Gleeson, Max von Sydow, Gwendoline Christie, Lupita Nyong'o, Andy Serkis, Anthony Daniels, Mark Hamill, Greg Grunberg, Kenny Baker, Simon Pegg, Katie Jarvis, Christina Chong, Miltos Yerolemou, Thomas Brodie-Sangster, Ken Leung, Harriet Walter, Iko Uwais, Yayan Ruhian, Warwick Davis, Jessica Henwick, Daniel Craig, Billie Lourd, Judah Friedlander, Kevin Smith

J.J. Abrams es el principal responsable de este fallido intento de revitalizar una saga de muy grato recuerdo para muchos de nosotros y que, visto lo visto, corre el riesgo de hundirse para siempre. Un guión pésimo, que además copia descaradamente demasiados detalles del episodio IV, unos personajes con escaso carisma y una falta de respeto total al espíritu de la saga y, por que no decirlo, a la inteligencia de los fans. Como puntos salvables cabe destacar los efectos, aunque con tamaño presupuesto es lo mínimo exigible, y un excelente ritmo que hará que los menos exigentes incluso disfruten de ella. Decepcionante.

Sinopsis: Treinta años después de la victoria de la Alianza Rebelde sobre la segunda Estrella de la Muerte (hechos narrados en el Episodio VI: El retorno del Jedi), la galaxia está todavía en guerra. Una nueva República se ha constituido, pero una siniestra organización, la Primera Orden, ha resurgido de las cenizas del Imperio Galáctico. A los héroes de antaño, que luchan ahora en la Resistencia, se suman nuevos héroes: Poe Dameron (Oscar Isaac), un piloto de caza, Finn (John Boyega), un desertor de la Primera Orden, Rey (Daisy Ridley), una joven chatarrera, y BB-8, un androide rodante que posee la clave que todos buscan.

El director: Jeffrey Jacob Abrams, más conocido como J. J. Abrams, es un director, productor, escritor, actor y compositor de cine y televisión estadounidense nacido el 27 de junio de 1966 en Nueva York. Hijo del productor de televisión Gerald W. Abrams y la productora ejecutiva Carol Abrams, asistió a la Palisades High School y al Sarah Lawrence College en Nueva York. Es también propietario de la productora de cine Bad Robot Productions. La primera película que produjo fue Millonario al instante (1990), a la que siguieron otras como A propósito de Henry (1991) o Eternamente joven (1992). En televisión es responsable de productos como Felicity (1998), Alias (2001), la inolvidable Perdidos (Lost) (2004), Seis grados (2006), Fringe (2008), Undercovers (2010) y Alcatraz (2012). En el mundo del cine  nos ha dejado títulos como Misión imposible III (2006), Star Trek (2009), Super 8 (2011), Star Trek: En la oscuridad (2013) y la que hoy nos ocupa.

La película: Antes de nada me gustaría dejar claro que no soy lo que se llama un fan del universo Star Wars, aunque igualmente he de decir que es una de las sagas, su primera trilogía en concreto, que mas huella consiguieron dejar en mi, además de significar un cambio en la forma en la que se promocionaba el cine y el comienzo, y creo que principal exponente, del auge de negocios paralelos como el enorme volumen de merchandising que consiguió generar. El universo creado por George Lucas se basaba en personajes carismáticos que aún a día de hoy son perfectamente conocidos por cualquier amante del cine, además de elementos como la fuerza, que permitía a unos pocos elegidos poder dominarla tras un duro entrenamiento y así poder hacer frente a las fuerzas oscuras que pretendían dominar el universo. Todo esto se lo ha saltado el señor J.J. Abrams de un solo plumazo, sin respetar lo mas mínimo el espíritu que tanto embelesó a millones de espectadores en todo el mundo, algo que para mi es lamentable, así que imagino que opinarán de ello la enorme legión de fans que aún conserva.

Hace poco ya tuve una experiencia similar, aunque no tan mala, con la aclamada nueva entrega de Mad Max, de la que os hablamos en este artículo. En ella George Miller conseguía convencer a gran parte del público con una cinta de un ritmo endiablado, en la que las trepidantes persecuciones eran su principal reclamo y que al menos conseguía el aprobado, pero enterrando como pocas veces he visto el personaje que precisamente da nombre a la saga y relegando a este a ser un mero lacayo de una Charlize Theron que se ponía al frente de la misma. En esta ocasión se ha intentado, al menos eso es lo que parece, contentar a los fans de las películas mas antiguas, las originales, con la aparición de varios de los personajes que las protagonizaban, además de darle un aire a cine mas actual para ganar nuevos adeptos a la causa. El resultado conseguido es bastante chapucero, sobre todo cuando ves al legendario Han Solo con tropecientos años mas haciendo exactamente lo mismo que hacía antes de lograr salvar al universo junto a sus compañeros. Pobre Harrison Ford, obligado a interpretar a un personaje que según los guionistas no ha avanzado un ápice en todos estos años.

Zipi y Zape y la Isla del Capitán: Póster, trailer y fecha de estreno

El 29 de julio de 2016 se estrena en España Zipi y Zape y la Isla del Capitán, película dirigida por Oskar Santos y protagonizada por Elena Anaya y los jóvenes Teo Planell y Toni Gómez. Completan el reparto Iria Castellano, Máximo Pastor, Ana Blanco de Córdova, Fermí Reixach, Jorge Bosch, Carolina Lapausa, Goizalde Núñez y Juan Codina.

Zipi y Zape y la Isla del Capitán  es una producción de MOD Producciones, Zeta Cinema, Atresmedia Cine y Kowalski Films dirigida por Oskar Santos que Buena Vista Internacional estrenará en cines el próximo 29 de julio.

La producción ejecutiva corre a cargo de MOD Producciones y cuenta con la participación de Atresmedia, Movistar+ y ETB. La película se rodó en Hungría y Euskadi el pasado verano.

Zipi y Zape y la Isla del Capitán es una película de aventuras para toda la familia cuya primera entrega 'Zipi y Zape y el Club de la Canica' fue la película española más taquillera de 2013 y obtuvo gran éxito en festivales internacionales.

Sinopsis: Llegan las navidades y Zipi y Zape la vuelven a liar parda. Esta vez la travesura es tan grande que son castigados sin vacaciones y obligados a acompañar a sus padres a lo que parece ser un aburrido viaje en barco. Para su sorpresa, el destino es una espectacular y remota isla.  Una terrible tormenta les obliga a refugiarse en la mansión de la divertida señorita Pam, donde niños sin familia disfrutan de un paraíso sin reglas. Ayudados por Pipi, Maqui y Flequi, los hermanos descubren que la repentina desaparición de sus padres en medio de la noche guarda relación con el secreto que encierran la misteriosa isla y sus extraños habitantes.

Muerte entre las flores (Miller's Crossing) - Joel Coen (1990)

Título original - Miller's Crossing
Año - 1990
Duración - 115 min.
País - Estados Unidos
Director - Joel Coen
Guión - Joel Coen y Ethan Coen, inspirado en las novelas Red Harvest (1929) y Glass Key (1931), de Dashiell Hammett
Música - Carter Burwell
Fotografía - Barry Sonnenfeld
Montaje - Michael R. Miller
Producción - Ethan Coen y Joel Coen
Productora - 20th Century Fox / Circle Films
Género - Cine negro, Drama
Reparto - Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden, Albert Finney, Jon Polito, J.E. Freeman, John Turturro, Steve Buscemi, Mike Starr, Richard Woods, Al Mancini, Sam Raimi, Frances McDormand

Un sombrero negro aparece apoyado sobre un lecho de hojas en un frondoso bosque hasta que una ráfaga de viento lo levanta y lo arrastra hacia su interior. Así comienza Miller's Crossing, un trabajo que dio innumerables quebraderos de cabeza a sus creadores y supuso un inicial fiasco en taquilla, que el tiempo ha ido colocando donde realmente merece lentamente. Un excelente guión de Joel y Ethan Coen, una soberbia dirección y un elenco magnífico hacen de ella uno de los mejores homenajes al cine negro que un servidor ha podido ver hasta la fecha. Un trabajo para disfrutar con suma atención, con unos personajes y unos diálogos de una riqueza indiscutible. CINE con mayúsculas, pero no para todos los gustos.

Sinopsis: Leo (Albert Finney) y Tom (Gabriel Byrne) son amigos, además de compañeros de trabajo. El primero es un poderoso gángster de origen irlandés que domina la ciudad y el segundo su mano derecha. Pero entre ellos nace una profunda rivalidad al enamorarse de la misma chica, una joven llamada Verna (Marcia Gay Harden). Las discrepancias entre ambos intentarán ser aprovechadas por Giovanni "Johnny Caspar" Gasparo (Jon Polito), el líder de origen italiano de un grupo rival que adivina la oportunidad de hacerse con el poder en la zona intentando reclutar a Tom, al que mandará eliminar a Bernie Bernbaum (John Turturro), un corredor de apuestas local hermano de Verna, para así asegurarse de su fidelidad.

El director: Hablar de Joel Coen es también hablar de su hermano Ethan, ya que ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es frecuente que Joel aparezca como director y Ethan como escritor y productor en los títulos de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo", por la gran compenetración existente entre ambos en todos los campos. Ganadores del premio Óscar en cuatro ocasiones, realizan comedias (Arizona Baby, El gran salto, O Brother, Quemar después de leer), cine negro (Muerte entre las flores, El hombre que nunca estuvo allí, Sangre fácil, No es país para viejos) y trabajos en los que mezclan ambos géneros (Fargo, El gran Lebowski, Barton Fink). Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan frecuentemente, entre los que se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito y George Clooney (cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen).

La película: Resulta curioso ver como Miller's Crossing, el tercer largometraje de los hermanos Coen, solo logró recaudar en su momento poco más de 5 millones de dólares, con un presupuesto de entre 10 y 14 millones. Con el tiempo esas ganancias se multiplicaron por las ventas de vídeo y DVD, algo ya mas lógico si revisamos su valoración actual en grandes webs de cine como filmaffinity, donde posee la puntuación mas alta de toda la filmografía de los Coen, un poco por delante de títulos como El gran Lebowski o Fargo. Cosas de este arte que para algunos pueden resultar extrañas o absurdas, pero que para mi tiene su explicación y además deja a las claras que no siempre realizar buen cine es sinónimo de hacer un buen negocio.

La verdad es que no es este un trabajo para ver prestándole poca atención o en un momento que te coja algo distraído, ya que lo mas sencillo es que tardes pocos minutos en perderte y no enterarte de casi nada. Su magnífico guión, su vivaz ritmo y el gran número de personajes que en el aparecen exigen toda la atención de quien pretenda disfrutarla, regalándole a cambio un trabajo de los mas completos que un servidor ha visto hasta la fecha. No seguir su enrevesada historia la convierte en un producto aburrido, que debe machacar constantemente al espectador diciéndole: no te estás enterando de nada. Además, sus inteligentes diálogos son parte fundamental del conjunto, dando una enorme riqueza al resultado final, riqueza que desaparece si el espectador no es capaz de procesarlos al ritmo en el que avanza la trama.

The Boy - William Brent Bell (2016)

Título original - The Boy
Año - 2016
Duración - 97 min.
País - Estados Unidos
Director - William Brent Bell
Guión - Stacey Menear
Música - Bear McCreary
Fotografía - Daniel Pearl
Montaje - Brian Berdan
Producción - Roy Lee, Gary Lucchesi, Tom Rosenberg, Matt Berenson y Jim Wedaa
Productora - Lakeshore Entertainment / Vertigo Entertainment
Género - Terror, Thriller
Reparto - Lauren Cohan, Rupert Evans, Ben Robson, Diana Hardcastle, Jim Norton, James Russell, Jett Klyne

William Brent Bell ha sido el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Stacey Menear, que funciona en cierto modo como película de suspense pero que, en los tiempos que corren, dudo que logre su supuesto objetivo como película de terror. Una lástima, porque a pesar de que su argumento no difiera mucho del que nos ofrecen un buen puñado de productos similares, lo cierto es que comienza bastante bien y se sigue con atención, pero un desenlace un tanto fuera de lugar evita que alcance cotas mas altas. Mención especial al trabajo de su reparto, sobre todo al de Lauren Cohan (Maggie Greene en la serie The Walking Dead).

Sinopsis: Greta (Lauren Cohan) es una joven estadounidense que se presenta para un puesto de niñera en una mansión situada en las afueras de un pequeño pueblo británico. Después de una tormentosa relación decide cambiar de aires y poner tierra de por medio, por lo que cree que dicho trabajo resultará ideal para conseguir pasar página. Pero cuando recorre ese antiguo lugar y conoce al peculiar matrimonio con el que ha de tener la entrevista, se da cuenta de que dicho trabajo será muy diferente a lo que había imaginado, algo de lo que se asegura después de conocer al "niño" que ha de cuidar, un muñeco a tamaño natural y las estrictas normas con las que ha de hacerlo.

El director: William Brent Bell es un guionista y director de cine estadounidense nacido en Lexington, Kentucky. Tras escribir y dirigir la comedia dramática independiente Sparkle and Charm (1997), que supuso su debut, comenzó a colaborar en la escritura de guiones con Matthew Peterman, cuyo primer fruto coincidió con su incursión en el cine de terror, titulado Stay Alive (2006), una buena idea mal llevada a la práctica que nos cuenta como un grupo de adolescentes de Nueva Orleans pasa sus ratos libres jugando a un videojuego online de terror. Tras ella llegaron Devil Inside (2012), un para mi penoso falso documental sobre exorcismos y Wer (2013), un nuevo falso documental sobre hombres lobo. Ninguna de las tres es excesivamente destacable. The Boy ha sido escrita por Stacey Menear y creo que al menos supera a cualquiera de las anteriores.

La película: The Boy es un trabajo que se aleja atrevidamente de las señas de identidad que en los últimos tiempos encontramos en cada vez mas películas de terror, por lo que es muy posible que los amantes del género no queden especialmente contentos con el resultado final de este producto, sobre todo los mas jóvenes. De hecho he leído alguna que otra crítica proveniente de dicho sector en la que se ensalza el tramo final de la película, precisamente en el que esta abandona incomprensiblemente sus señas de identidad para acercarse mas a lo que hoy día se ofrece y, por lo visto, se demanda. Para ellos, lo único salvable de la película, para mi su principal error. Cuestión de gustos nada mas.

Lo cierto y verdad es que si nos disponemos a disfrutar la última película de William Brent Bell con la intención de ver cine de terror actual es muy posible que acabemos poco satisfechos, pero si la vemos como lo que es para mi, un oscuro thriller con una magnífica ambientación, buenas dosis de intriga y algunas pinceladas de cine clásico de terror del que ya apenas se hace, puede que se lleven una grata sorpresa, no ya porque sea innovadora o vaya a ser recordada como un referente dentro del género, sino porque cumple su función a la perfección y te hace pasar un buen rato de cine. Después ya les gustará el final mas o menos, pero no creo que sea motivo para dejar de disfrutar la película.

El 15 de junio se cierra el plazo de inscripción de SUMMA3D

SUMMA3D es un concurso  internacional de cortometrajes de animación 3D que celebra este año su 3ª edición y va dirigido a estudiantes, profesionales y a los amantes del cine de animación y los efectos especiales, pero en realidad es una solicitud para que todos los que están involucrados en el sector de la animación sumen y logren apuntalar el desarrollo de nuevos talentos y nuevos proyectos, para potenciar el cine de animación 3D .

Queremos que sea un concurso duradero y que se convierta en una referencia para las nuevas generaciones del mundo de la animación no solamente en España sino internacionalmente.

El plazo de inscripción para la presentación de trabajos, que se abrió el pasado 20 de enero, cerrará el próximo 15 de junio. Para registrarse en SUMMA3D solo necesitas acceder a la web www.summa3d.com y entrar en inscripciones. También pueden inscribirte a través de la plataforma online FESTHOME en  https://festhome.com/

¿Cuáles son las categorías a concurso ?

Categoría A: “Mejor efecto especial en 3D para cine publicitario”
Categoría B : “Proyecto de corto”
Categoría C: “Corto terminado en 2015”
Categoría D: “Diseño de personajes”

El jurado de SUMMA3D 2016 está formado por los profesionales del medio: Manuel Cristóbal, Nicolás Matji, Guillermo García Carsi, Nathalie Martinez, Ferrán Piquer, Manuel Sicilia, Javier Abad, Esther Valdivia, Gustavo Ferrada y Sergio Pablos.

José Luis Alegre, director de SUMMA3D nos cuenta:

“Cuando empezamos Summa3D no teníamos muy claro prácticamente nada, solo éramos conscientes que teníamos que emprender alguna acción para conseguir potenciar el sector de la animación 3D en España. Desde un principio intentamos involucrar a toda la parte de industria en esta aventura, con el objetivo fundamental de dar a conocer todo el talento que existe en España. Tras 3 años de arduos esfuerzos para hacer un concurso digno, nos hemos marcado un objetivo para los próximos años, seguir creciendo y sobre todo asentarnos internacionalmente como referencia en el mundo de los concursos y festivales de Animación. Queremos conseguir que España y Madrid en concreto, sean una referencia en el sector de la animación y los efectos especiales en 3D a nivel mundial.”

El sector de los EFECTOS VISUALES Y LA ANIMACIÓN supone ya el 8% de la facturación del global de la industria audiovisual, con un volumen de negocio en 2014 de 519 millones de euros y una previsión de alcanzar los 879 millones en 2016.

Se estima que entre 2012 y 2018 se habrán realizado en España 950 proyectos que incluyan técnicas de animación. El 87% de estos proyectos de animación se exportarán a más de 170 países de todo el mundo. A nivel de empleos, si en 2011 se contabilizaban 8.600, la previsión es que en 2017 sean más de 21.000 en un sector en pleno crecimiento.