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Defensa (Deliverance) - John Boorman (1972)

Título original - Deliverance
Año - 1972
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Dirección - John Boorman
Guion - James Dickey, basado en la novela del propio James Dickey
Música - Eric Weissberg
Fotografía - Vilmos Zsigmond
Montaje - Tom Priestley
Producción - John Boorman
Productora - Warner Bros., Elmer Enterprises
Reparto - Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, James Dickey, Bill McKinney, Ed Ramey, Billy Redden, Seamon Glass, Randall Deal, Herbert 'Cowboy' Coward, Lewis Crone, Ken Keener, Johnny Popwell, John Fowler, Kathy Rickman
Género - Aventuras, Drama, Thriller / Supervivencia, Naturaleza, Amistad, Película de culto


John Boorman fue el director encargado de producir y dirigir el guion que James Dickey realizó adaptando su propia novela. Con la fotografía de Vilmos Zsigmond, el montaje de Tom Priestley, la banda sonora de Eric Weissberg y las actuaciones de Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox, estamos ante un trabajo único, que no ha perdido un ápice de su vigor y su fuerza tras casi cuarenta años. Una simbiosis perfecta entre la belleza de sus paisajes naturales, la dureza de su relato y la complejidad de la naturaleza humana. Imprescindible.


Sinopsis - Cuatro amigos que viven en la ciudad deciden pasar un fin de semana en los Montes Apalaches, lejos de sus familias y los problemas de la oficina. Quieren bajar en canoa un río que atraviesa un bosque que pronto será inundado para la construcción de una presa. Todo parece ir bien pero, tras una jornada placentera, el encuentro con varios lugareños convierte la excursión en una angustiosa pesadilla.

El director John Boorman es un cineasta británico nacido en Surrey, Inglaterra, el 18 de enero de 1933, aunque está establecido en Irlanda. Hijo de Ivy y George Boorman, estudió en el colegio salesiano de Chertsey, Surrey, aunque su familia no era católica.

Boorman comenzó a trabajar como periodista a finales de los 50 y filmó un documental para la BBC; fue entonces cuando el productor David Deutsch se fijó en él y lo puso al frente de la película musical Catch Us If You Can (1965), tras la que dio el salto a Hollywood, donde debutó con la magnífica A quemarropa (Point Blank, 1967), un thriller dramático interpretado por Lee Marvin y Angie Dickinson. Tras ella rodó la brillante Infierno en el pacífico (1968), un drama de supervivencia con Lee Marvin y Toshirô Mifune, donde demostró que no necesitaba un guión excelso para realizar una buena película. Tras la comedia dramática Leo el Último (1970), con Marcello Mastroianni y Billie Whitelaw, filmó la brillante Deliverance (1972), con Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox, a la que le siguió Zardoz (1974), un trabajo de ciencia ficción con Sean Connery y Charlotte Rampling.

De vuelta a Estados Unidos tomó una de las peores decisiones de su carrera, la de dirigir El exorcista 2: El hereje, con Linda Blair y Richard Burton, tras la que volvió a Europa, donde dirigió la inolvidable Excalibur (1981), a la que le siguieron la película de aventuras La selva esmeralda (1985) y el drama ambientado en la segunda guerra mundial Esperanza y gloria (1987). Sus siguientes trabajos fueron la comedia dramática Donde está el corazón (1990), con Dabney Coleman y Uma Thurman, el drama de Más allá de Rangún (1995), con Patricia Arquette y Frances McDormand y el drama El General (1998), con Brendan Gleeson y Adrian Dunbar. Sus últimos trabajos fueron la película de espionaje El sastre de Panamá (2001), con Pierce Brosnan, Geoffrey Rush, Jamie Lee Curtis y Brendan Gleeson, el drama romántico Un país en África (2004), con Juliette Binoche, Samuel L. Jackson y Brendan Gleeson, el thriller La cola del tigre (2006), con Brendan Gleeson y Kim Cattrall, y el prescindible drama Reina y patria (2014), con Callum Turner y Caleb Landry Jones al frente de su reparto.

La película - Resulta curioso ver como ha evolucionado el mundo del cine, sobre todo el estadounidense. Deliverance (me niego a utilizar un título tan burdo como Defensa), que en su momento supuso una enérgica ruptura con los cánones hasta entonces utilizados, se presentaba en la gala de la 45.ª edición de los Premios Óscar, edición en la que se premió con un merecido Óscar honorífico al inolvidable Edward G. Robinson, nominada como mejor película, mejor director (John Boorman) y mejor montaje (Tom Priestley), pero por desgracia tuvo que competir con obras como El Padrino (The Godfather) o Cabaret, que acapararon gran parte de los galardones, historia que se repitió en los Globos de Oro. A día de hoy, el nivel de los trabajos con bandera estadounidense que se presentan a los deseados premios ha bajado enormemente, al menos para un servidor, algo ante lo que los aficionados poco podemos hacer, por lo que me encantaría ver que resultados obtendría Deliverance en la actualidad. 


Elling - Petter Naess (2001)

Elling, Petter, NaessTítulo original - Elling
Año - 2001
Duración - 90 min.
País - Noruega
Director - Petter Naess
Guión - Axel Hellstenius, basado en la novela de Ingvar Ambjørnsen
Música - Lars Lillo Stenberg
Fotografía - Svein Krøvel
Montaje - Inge-Lise Langfeldt
Producción - Dag Alveberg
Reparto - Sven Nordin, Per Christian Ellefsen, Marit Pia Jacobsen, Jorgen Langhelle, Per Christensen
Productora - Film OG TV Produksion / Nordisk Film / Audiovisuelt Produksionfond
Género - Comedia, Drama


Petter Naess fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Axel Hellstenius escribió adaptando la novela Brødre i blodet (Hermanos de sangre) de Ingvar Ambjørnsen. Un magnífico trabajo basado en su enorme sencillez, la perfecta construcción de sus personajes y el enorme oficio del que hacen gala dos magníficos actores que hasta ahora eran desconocidos para mi: Sven Nordin y Per Christian Ellefsen. Una comedia que te hará reír y sufrir junto a sus personajes, con el suficiente tacto y buen gusto como para que acabes respetándolos y queriéndolos, pero nunca riéndote de ellos. Brillante.

Elling, Petter, Naess

Sinopsis: Elling (Per Christian Ellefsen) y Kjell Bjarne (Sven Nordin) son compañeros de habitación en la institución mental donde están internados desde hace algún tiempo. Son dos personajes totalmente diferentes, pero parece que se llevan y se compenetran bastante bien, hecho por el cual la asistencia social noruega decide concederles un apartamento y tutelarlos mientras se acostumbran a su nuevo estatus, vivir en libertad. Pero para dos personas acostumbradas a las normas y la seguridad que les da la institución, no será nada fácil realizar tareas sencillas que para cualquiera son cotidianas, pero para ellos suponen todo un reto.

Elling, Petter, NaessEl director: Petter Naess es un actor y director de cine noruego nacido en Oslo, el 14 de marzo de 1960. Comenzó como actor de teatro en 1985, ejerciendo como tal también en cine y televisión. En el teatro comenzó a escribir guiones y a dirigir sus propias obras trabajando en el Oslo Nye Teater desde 1997, entre las que destaca la exitosa Elling and Kjell Bjarne, que posteriormente dio lugar a la película que hoy nos ocupa. Debutó en el cine con la comedia dramática Absolute Hangover (1999), tras la que dirigió Elling (2001). Prosiguió su carrera en el cine noruego dirigiendo el drama Just Bea (2004) y la comedia dramática Elsk meg i morgen (2005), tras las que dirigió su primer y único trabajo hasta la fecha con bandera estadounidense, Crazy in Love (Locos de amor) (2005). Tras dirigir el drama sueco Leaps and Bounds (2007) regresó al cine de su país, donde ha dirigido la comedia romántica Gone with the Woman (2007), el drama Shameless (2010) y el drama bélico Perdidos en la nieve (2012), su último trabajo hasta la fecha.

La película: Ante todo, por si alguno de ustedes se habían hecho una idea equivocada, aclarar que estamos ante un producto muy diferente a la mayoría de los trabajos que en tono de comedia se suelen hacer sobre temas similares a la que trata Elling. Además hay que dejar claro que hablamos de una comedia dramática a la europea, que poco o nada suele tener que ver con las que nos llegan de Estados Unidos, por lo que no esperemos que consiga sacarnos excesivas carcajadas. Por el contrario consigue que, sin necesidad de ridiculizar a sus protagonistas ni adjudicarles conductas poco realistas, asistamos a su odisea con media sonrisa en la cara. Acabas empatizando con ellos, cogiéndoles cariño, algo que para algunos es sinónimo de búsqueda de sentimentalismo fácil, pero que yo no comparto. Para mi es la consecuencia lógica de una excelente construcción de sus personajes y dos magníficas interpretaciones.

Elling, Petter, Naess

La heroicidad no es un concepto que suela ir unido a la fama, el reconocimiento o la admiración por parte de los demás. Muy alejados de los ojos de la mayoría de las personas existen seres que luchan a diario contra la adversidad, con la simple meta de llevar lo que la sociedad denomina "una vida normal", haciendo frente a las dificultades que tienen para hacer cosas que a nosotros nos parecen sencillas o habituales y aguantando además la poca consideración y comprensión de la mayoría de sus semejantes, muy dados a señalar y segregar a cualquiera por el simple hecho de ser diferentes. Héroes de a diario, de los que pocos hablan, cuyas hazañas rara vez salen en los libros de aventuras, pero que en este hermoso trabajo son, aunque sea por una sola vez y si quieren sin que sirva de precedente, los principales protagonistas.

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) - Jon S. Baird (2018)

Título original - Stan & Ollie 
Año - 2018
Duración - 97 min.
País - Reino Unido 
Dirección - Jon S. Baird
Guion - Jeff Pope
Música - Rolfe Kent
Fotografía - Laurie Rose
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle y Billy Sneddon
Vestuario - Guy Speranza
Producción - Faye Ward
Productora - Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC, Fable Pictures, Sonesta Films, Entertainment One
Reparto - John C. Reilly, Steve Coogan, Shirley Henderson, Bentley Kalu, Nina Arianda, Danny Huston, Rufus Jones, Susy Kane, Stephanie Hyam, Charles Walters, Ella Kenion, Joseph Balderrama, Sophie Wardlow, Michael Haydon, Roger Ringrose, Julie Eagleton, Stewart Alexander, Andy Mihalache
nero - Drama, Comedia | Biográfico, Amistad, Comedia dramática, Cine dentro del cine, Teatro, Años 30, Años 50


Jon S. Baird es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion de Jeff Pope, que nos presenta el final de la carrera de los cómicos Laurel y Hardy (El Gordo y el Flaco en España). Un necesario y brillante homenaje a una pareja de una química y sincronización indudable, que alcanzó la cima haciendo reír al público con sus inolvidables sketches, brillantemente interpretados por Steve Coogan y John C. Reilly. Mención especial para la fotografía de Laurie Rose y la banda sonora de Rolfe Kent. Una delicia que no se deben perder.


Sinopsis - Stan (Steve Coogan) y Ollie (John C. Reilly), conocidos en castellano como "El gordo y el flaco", se embarcan en su gira de despedida ahora que su época dorada parece haber quedado anclada en el pasado. Con la ayuda de sus respectivas mujeres, Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), ambos logran conquistar al público de las salas de Reino Unido gracias a su peculiar manera de interpretar y de entender el mundo. Este biopic ahonda en la personalidad de ambos personajes y en las circunstancias personales que les convirtieron en figuras cómicas de leyenda.

El director - Jon S. Baird se ha convertido en poco tiempo, tras sus comienzos dentro de la producción, en uno de los jóvenes y brillantes talentos con más futuro de Escocia.

Nacido, criado y educado en Aberdeenshire (Escocia), Baird se trasladó a Londres a finales de los años noventa para sumergirse en todos los aspectos de la producción cinematográfica. El primer papel de Baird como director fue en el 2001, en el departamento de comedia de la BBC, donde dirigió varios sketches para programas de humor de actualidad. En 2004, Baird escribió, dirigió y produjo su primer cortometraje, It’s a casual life convirtiéndose posteriormente en productor asociado de Green Street Hooligans protagonizada por Elijah Wood.

Baird se dio a conocer por su dirección en la aclamada Cass (2008), una historia real basada en la vida de Cass, un huérfano jamaicano que pasó de ser el enemigo público número uno, a editor de libros de éxito. En su reparto aparecen nombres como Nonso Anozie, Natalie Press o Leo Gregory, entre otros. Tras Filth, el sucio (2013), trasladó su trabajo al mundo de la televisión, dirigiendo junto a Sally El Hosaini y Danny Boyle la serie Babylon (2014), una comedia policiaca con Brit Marling, James Nesbitt, Paterson Joseph, Bertie Carvel y Ella Smith. Tras ella dirigió algún episodio del prescindible remake Feed the Beast (2016), e hizo lo propio en la magnífica Vinyl (2016), un viaje a través de la industria de la música, en una Nueva York en los 70 espoleada por la droga y el sexo, en la que participaron Terence Winter, Martin Scorsese, Mick Jagger y Rich Cohen. Muy recomendable. También dirigió algún episodio de la comedia dramática Morir de pie (2017), que narra los inicios de la denominada 'stand-up comedy' que emergía en Los Ángeles en los años 70. Su brillante regreso a la gran pantalla ha sido El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) (2018), en la que narra el final de la carrera del querido dúo humorístico. Una maravilla que deberían disfrutar.

La película - Realizar un biopic (una película biográfica) suele ser una tarea sumamente complicada y, en muchas ocasiones, muy ingrata. Tan solo el hecho de condensar la vida de un personaje en la duración de un largometraje, ya resulta bastante complicado, ya no digamos la tarea titánica que puede ser contentar a todos sus admiradores y fans. Para colmo, suelen ser trabajos que no consiguen llevar al público a las salas de cine, por lo que a la complejidad de la realización de la película hay que añadir la, cuanto menos dudosa fiabilidad de conseguir un mínimo de rentabilidad en el negocio, que nos guste mas o menos, es lo que realmente es. Es suficiente con echar un vistazo a los resultados obtenidos hasta la fecha por los diversos biopic que se han realizado, para convencerse de la veracidad de lo que les cuento. Dicho de otra forma, suelen tener un alto riesgo para los que se dedican a financiar el cine y, salvo en contadas ocasiones, no permanecen por mucho tiempo ni en las salas de cine, ni en la memoria de los aficionados.


La juventud (Youth) - Paolo Sorrentino (2015)

Título original - Youth - La giovinezza
Año - 2015
Duración - 118 min.
País - Italia
Dirección - Paolo Sorrentino
Guion - Paolo Sorrentino
Música - David Lang
Fotografía - Luca Bigazzi
Montaje - Cristiano Travaglioli
Vestuario - Carlo Poggioli
Dirección artística - Daniel Newton y Marion Schramm
Producción - Nicola Giuliano, Francesca Cima y Carlotta Calori
Productora - Co-production Italia-Suiza-Francia-Reino Unido; Indigo Film, Medusa Produzione, C-Films AG, Bis Films, Pathé, Number 9 Films
Reparto - Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Madalina Ghenea, Emilia Jones, Mark Kozelek, Anabel Kutay, Rebecca Calder, Ian Keir Attard, Roly Serrano
Género - Drama


Paolo Sorrentino escribe y dirige este espectáculo sensorial perfectamente orquestado llamado La giovinezza (Youth / La juventud en España). Sus peculiares personajes, sus brillantes diálogos y la capacidad que posee de plantear multitud de reflexiones y dilemas, lo hacen ser uno de los mejores trabajos que un servidor ha disfrutado recientemente. Cine que mas que entretener, que también, invita a utilizar nuestra mente para poder mantener joven el alma. Inolvidable.


Sinopsis - Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

El directorPaolo Sorrentino es un director y guionista de cine italiano nacido en Nápoles, el 31 de mayo de 1970. Junto con sus hermanos Marco y Daniela, sufrió la repentina pérdida de sus padres cuando tenía 17 años a causa de una fuga de gas. A esa edad comienza a estudiar economía y comercio, pero a los 25 años abandonó esos estudios para dedicarse al cine.

El cine de Sorrentino posee un estilo surrealista, barroco y existencialista que cuestiona constantemente el poder y la religión. El realizador rompe claramente las barreras del cine comercial, para contarnos las historias que quiere hacernos llegar con una sensibilidad estética que recuerda en algunos momentos al inolvidable Fellini.

Tras el cortometraje L'amore non ha confini (1998), su primer largometraje fue El hombre de más (2001), su primer trabajo junto al actor Toni Servillo, nominada a tres premios David de Donatello, incluidos los de mejor director y guionista. Tras el documental La primavera del 2002 (2002) y el curioso telefilm Sabato, domenica e lunedì (2004) que fusiona cine, televisión y teatro, dirigió Las consecuencias del amor (2004), protagonizada por Toni Servillo y Olivia Magnani, entre otros, con la que se alzó con los premios de la academia del cine italiano a Mejor película y dirección. Le siguieron El amigo de la familia (2006); Il divo (2008), que fue Premio del Jurado en Cannes; Un lugar donde quedarse (2011); La gran belleza (2013), con la que consiguió el Oscars, el Globo de Oro y el BAFTA como Mejor película de habla no inglesa; La juventud (2015), con la que se alzó con los premios como Mejor película, director y actor (Michael Caine), en los Premios del Cine Europeo; Loro 1 y 2 (2018), un biopic sobre el ex Primer ministro italiano y empresario Silvio Berlusconi, y Silvio (y los otros) (2018), en el que Toni Servillo da vida a Berlusconi. 

Sus próximos trabajos serán el drama ambientado en su Nápoles natal The Hand of God, donde aparecen nombres como Toni Servillo, Lino Musella, Lubomir Misak y Alfonso Perugini, y el drama Mob Girl, que nos cuenta la historia de Arlyne Brickman, una mujer que creció entre criminales y mafiosos en el Lower East Side de la ciudad de Nueva York. En su reparto destacan Jennifer Lawrence y Lucas Royalty. 

La película - Después de leer multitud de críticas sobre el trabajo que hoy nos ocupa, no puedo más qué resignarme e intentar llegar a entender el porqué no consigue llegar a un público más amplio, que consiga disfrutar de toda la riqueza y profundidad que el bueno de Sorrentino ha sido capaz de regalarnos de nuevo. Por un lado puedo llegar a asimilar qué a gran parte del público incluso le moleste la pomposidad con la que La juventud adorna su brillante continente, que no lleguen a entender como un trabajo que luce tal nombre, pueda estar interpretado por un grupo de adinerados burgueses en el ocaso de sus vidas, qué deambulan por un balneario de lujo, pero lo que me produce una enorme tristeza es comprobar cómo una gran cantidad de aficionados se quedan solo en eso, en el que para mí es un hermoso envoltorio, que el director utiliza como un mero vehículo con el que ahonda en multitud de temas trascendentales, que continúan rondando tu mente hasta mucho después de haberla finalizado.


Truman - Cesc Gay (2015)

Truman, Cesc GayTítulo original - Truman
Año - 2015
Duración - 108 min.
País - España
Director - Cesc Gay
Guión - Cesc Gay y Tomás Aragay
Música - Nico Cota y Toti Soler
Fotografía - Andreu Rebés
Montaje - Pablo Barbieri Carrera
Fotografía - Diego Dubcovsky
Productora - Coproducción España-Argentina; Imposible Films / BD Cine
Género - Drama, Comedia
Reparto - Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi, Àlex Brendemühl, Javier Gutiérrez, Eduard Fernández, Elvira Mínguez, Silvia Abascal, Nathalie Poza, José Luis Gómez, Pedro Casablanc, Francesc Orella, Oriol Pla, Ana Gracia, Susi Sánchez, Àgata Roca


Cesc Gay escribe junto a Tomás Aragay y dirige este alegato a favor de la amistad sincera, en un espléndido trabajo que basa en su sencillez, su naturalidad y sus pequeños toques de comedia toda su eficacia. Una historia de una dureza indudable, que el astuto guionista y director convierte en un trabajo amable, que sabe ganarse al espectador huyendo del dramatismo excesivo, pero dejando también en el esa huella que permanece en el tiempo. Mención especial a la pareja que forman Ricardo Darín y Javier Cámara, que junto al animal que da nombre a la cinta nos llevan en volandas a través de varios días inolvidables, derrochando una química difícil de encontrar. Mas que recomendable, créanme.

Truman, Cesc Gay

Sinopsis: Tomás (Javier Cámara) hace años que abandonó España para vivir en Canadá, donde ha conseguido asentarse, formar una familia y hacer su vida. Después de muchos años sin volver, decide visitar a Julián (Ricardo Darín), un amigo de siempre que está pasando por el peor momento de su vida. Junto a el y su perro Truman pasarán unos días inolvidables, en los que rememorarán todo lo que vivieron juntos en el pasado, sabiendo ambos que esta será con toda seguridad la última vez que sus vidas se crucen.

El director: Cesc Gay es un director de cine y guionista español nacido en Barcelona en 1967. Tras estudiar cine en la Escuela Municipal de Audiovisuales de Barcelona (EMAV), debutó como director en 1998, junto a el realizador argentino Daniel Gimelberg, con la película Hotel Room. En el 2000 fue elegido para llevar al cine la obra de teatro Krámpack, realizando además su adaptación. Tras ella ha dirigido los largometrajes En la ciudad (2003), Ficció (Ficción) (2006) y V.O.S. (2009), además del cortometraje Álex (2010). Su último trabajo anterior a Truman fue Una pistola en cada mano (2012), en la que también trabajaban Ricardo Darín y Javier Cámara. En este enlace os dejo el artículo que escribí sobre ella.

La película: He de comenzar reconociendo que soy un incondicional del señor Ricardo Darín, del que, desde que vi en el año 2001 las magníficas Nueve reinas y El hijo de la novia, procuro no perderme ninguno de los trabajos en los que participa, ya que, además de no defraudar nunca como el soberbio actor que es, suele elegir bastante bien los proyectos en los que interviene. En el caso que hoy nos ocupa, como ya he señalado con anterioridad, repite bajo la dirección del catalán Cesc Gay, con el que rodó Una pistola en cada mano en 2012, película en la que también participó el brillante Javier Cámara, realizando un nuevo despliegue de su enorme talento y firmando un trabajo de esos que deja un gran sabor de boca, sin renunciar a dejar huella en el espectador.

Truman, Cesc Gay

Son varios los motivos por los que no dejar de disfrutar este magnífico trabajo, pero entre los primeros que me vienen a la mente son su sencillez y su honestidad. Cesc Gay consigue redactar junto a Tomás Aragay un guión realmente brillante, en el que sus inteligentes diálogos adquieren una importancia y una trascendencia enormes, consiguiendo además llevarlos a la gran pantalla con enorme pericia, aprovechando con maestría cada segundo de metraje, cada pequeña pausa, para acabar firmando un trabajo muy completo. Para ello huye totalmente de estridencias innecesarias, utilizando un barrio cualquiera de una de nuestras ciudades como el escenario perfecto para que lo que nos cuenta nos resulte totalmente real, haciendo además un uso de la cámara muy inteligente y cercano.

El cazador (The Deer Hunter) - Michael Cimino (1978)

cazador, Deer Hunter, CiminoTítulo original - The Deer Hunter
Año - 1978
Duración - 183 min.
País - Estados Unidos
Director - Michael Cimino
Guión - Deric Washburn, basándose en la historia del propio Deric Washburne y Michael Cimino
Música - Stanley Myers
Fotografía - Vilmos Zsigmond
Montaje - Peter Zinner
Producción - Michael Cimino, Michael Deeley, John Peverall y Barry Spikings
Productora - EMI Films
Género - Drama, Bélico
Reparto - Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, John Savage, John Cazale, George Dzundza, Chuck Aspegren, Amy Wright, Joe Grifasi, Rutanya Alda


Michael Cimino fue el encargado en 1978 de llevar a la gran pantalla el guión de Deric Washburn, inspirado en la novela Three Comrades de José María Remarque. Tres horas que constituyen una de las primeras películas filmadas sobre la guerra de Vietnam en la que sus responsables no toman partido por ninguno de los bandos, mostrándonos la vida de un grupo de amigos antes, durante y después de su participación en el conflicto. Un extraordinario alegato anti-belicista en el que destaca la destreza de su director, la banda sonora de Stanley Myers y el trabajo de su excelente reparto, encabezado por un Robert De Niro colosal. Simplemente imprescindible.

cazador, Deer Hunter, Cimino

Sinopsis: Michael (Robert De Niro), Nick (Christopher Walken) y Steven (John Savage) son tres obreros de una planta siderúrgica que han de alterar su ritmo de vida tras ser llamados a filas durante la guerra de Vietnam. La película nos muestra sus vivencias durante los días anteriores de la partida, en los que vivirán al límite sin saber cual será allí su suerte, su participación en el conflicto, en la que llegarán a ser capturados por el Vietcong, que mantienen a los presos en condiciones infrahumanas, utilizándolos a su antojo por el simple hecho de entretenerse, y las consecuencias físicas, y sobre todo psicológicas, con las que deberán aprender a convivir tras sobrevivir a tal infierno.

La película: Michael Cimino es un director que, desgraciadamente para el, ha pasado a la historia de este arte por dos hechos totalmente contrapuestos: la realización de la película que hoy nos ocupa, una de las mejores y mas completas obras que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar, y por la consecuencias de sus excentricidades en el rodaje de La puerta del cielo (1980), trabajo en el que se sobrepasó sobradamente el presupuesto asignado, llevando casi a la quiebra a la United Artists, que le había dado carta blanca para el proyecto y que acabó siendo vendida posteriormente. Su escueta filmografía solo consta de seis títulos debido a ello, siendo los tres posteriores a los mencionados financiados de forma independiente.

The Deer Hunter posee todo lo que un buen aficionado al cine sueña con ver en una película, resultando realmente difícil encontrar un apartado en el que poder achacarle algún detalle que desentone en exceso, algún fallo que invite a no verla. De hecho, tan solo su extenso metraje puede suponer un hándicap a la hora de visualizarla, aunque yo después de haberla visto ya en tres ocasiones, no le cortaría un solo plano. Merece la pena dejarse llevar por la forma en la que el realizador da a conocer a los personajes, desarrollándolos sobradamente para que en el momento en que estos se encuentren en dificultades, el espectador sea participe de su sufrimiento de forma muy real, ya que conoce sobradamente como es cada uno de ellos.

cazador, Deer Hunter, Cimino

Su guión fue escrito por Deric Washburn, que adapta una historia barruntada por el mismo junto all realizador, Quinn K. RedekerLouis Garfinkle, inspirada a su vez en la novela Three Comrades (José María Remarque, 1937). Entre sus principales características hay que destacar su correcto ritmo, el desarrollo de los personajes, su total neutralidad a la hora de mostrar el conflicto, a pesar de la forma en la que enseña como son tratados los prisioneros por parte del Vietcong, y la enorme cantidad de escenas memorables que, junto a la maestría que demuestra Cimino a la hora de filmarlas, dan como resultado un trabajo de esos que resulta casi imposible olvidar.

Papillon - Franklin J. Schaffner (1973)

Papillon, Franklin J, SchaffnerTítulo original - Papillon
Año - 1973
Duración - 150 min.
País - Estados Unidos
Director - Franklin J. Schaffner
Guión - Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. basado en la novela homónima de Henri Charrière
Música - Jerry Goldsmith
Fotografía - Fred J. Koenekamp
Montaje - Robert Swink
Producción - Robert Dorfmann, Franklin J. Schaffner y Ted Richmond
Productora - Allied Artists / Solar Productions
Género - Aventuras, Drama
Reparto - Steve McQueen, Dustin Hoffman, Victor Jory, Don Gordon, Anthony Zerbe, Robert Deman, Bill Mumy, George Coulouris, Woodrow Parfrey


El inolvidable, aunque poco reconocido director Franklin Schaffner, que aunque no fue excesivamente prolífico en el mundo del cine nos dejó varias joyas para la posteridad, dirigió este alegato a la amistad y la libertad, con un guión de Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. basado en la maravillosa novela homónima de Henri Charrière. Uno de esos trabajos que dejan huella de por vida, de esos que hay que ver antes de morir y que nos da la oportunidad de disfrutar del magnífico dúo protagonista, formado por los señores Steve McQueen y Dustin Hoffman. Inolvidable.

Papillon, Franklin J, Schaffner

Sinopsis: Henri Charrière, mas conocido como Papillón (Steve McQueen), es un delincuente que es condenado por un crimen que no cometió, siendo exiliado a las colonias penitenciarias de la Guayana Francesa. En el transcurso del viaje tiene conocimiento de que el famoso estafador Degà (Dustin Hoffman), ha sido condenado igualmente y le ofrece protección a cambio de la ayuda económica necesaria para planear su fuga, algo a lo que tras su negativa inicial, Degá acabará accediendo para salvar la vida. Entre ellos nacerá una fructífera amistad, que les ayudará a soportar las duras condiciones de la penitenciaría.

El director: Franklin James Schaffner fue un director de cine estadounidense nacido en Tokio, Japón, un 30 de mayo de 1920. Hijo de misioneros, tras su regreso a los Estados Unidos se graduó en la Franklin & Marshall College en Lancaster, Pennsylvania, tras lo que estudió Derecho en la Universidad de Columbia, Nueva York, hasta que su educación fue interrumpida para alistarse en la marina estadounidense en la Segunda Guerra Mundial.

Papillon, Franklin J, SchaffnerTras su regreso, encontró trabajo en el mundo televisivo participando en March of Time, tras lo que se unió a la CBS, donde ganó cuatro premios Emmys, uno por la adaptación televisiva de Doce hombres sin piedad, dos por la adaptación de la obra de Broadway, The Caine Mutiny Court Martial y el último por la serie The Defenders.

Debutó con el largometraje Rosas perdidas (1963), un drama romántico con la participación de Joanne Woodward, Richard Beymer y Claire Trevor, entre otros. Tras el llegaron El mejor hombre (1964), un drama sobre política con Henry Fonda, Cliff Robertson y Edie Adams; le siguió El señor de la guerra (1965), una de aventuras protagonizada por Charlton Heston; tras ella dirigió Mi doble en los Alpes (1967), un thriller de intriga con Yul Brynner como protagonista; al año siguiente dirigió la inolvidable El planeta de los simios (1968), de nuevo con Charlton Heston en el papel protagonista; la siguiente fue Patton (1970), protagonizada por George C. Scott y que se alzó con siete Oscars, incluyendo Mejor película, director, actor y guión; a esta le siguieron Nicolás y Alejandra (1971), Papillon (1973) y La isla del adiós (1977), un drama donde repetía George C. Scott como protagonista; Los niños del Brasil (1978) fue su última gran película, una de intriga sobre el nazismo, con la participación de Gregory Peck, Laurence Olivier, James Mason y Lilli Palmer; el resto de su filmografía está compuesta por La esfinge (1981), Sí, Giorgio (1982), Lionheart (1987) y Bienvenido a casa (1989), aunque ninguna de ellas llega al nivel de su mejor época como director.

La película: Como suelo hacer cada vez que escribo una reseña, he vuelto a ver esta inolvidable película tras haber pasado bastantes años desde que, primero leí la magnífica novela de Henri Charrière y después disfruté de la adaptación al cine de Schaffner. He de decir que la experiencia ha sido igualmente satisfactoria, si no mas, ya que el espíritu de esta ha permanecido intacto y está realizada de una forma que ya no podemos disfrutar en el cine actual. Quizás sea, junto a El planeta de los simios (1968), Patton (1970) y Los niños del Brasil (1978), lo mejor que el director nos dejó a lo largo de su carrera, pero os aseguro que es la que mejor sabor de boca me ha dejado de todas ellas, que ya es mucho decir.

El ángel borracho (El ángel ebrio) - Akira Kurosawa (1948)

ángel, ebrio, KurosawaTítulo original - Yoidore tenshi (Drunken Angel)
Año - 1948
Duración - 102 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa y Keinosuke Uegusa
Música - Fumio Hayakawa
Fotografía - Takeo Ito
Montaje - Akikazu Kôno
Producción - Sôjirô Motoki
Productora - Toho
Género - Drama, Cine negro
Reparto - Takashi Shimura, Toshirô Mifune, Reisaburo Yamamoto, Chieko Nakakita, Michiyo Kogure, Noriko Sengoku, Eitaro Shindo, Choko Iida, Taiji Tonoyama, Katao Kawasaki, Sachio Sakai, Yoshiki Kuga, Shizuko Kasagi, Masao Shimizu, Sumire Shiroki


Cinco años después de su debut, el maestro Akira Kurosawa llevó a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Keinosuke Uegusa. Un drama con aroma a cine negro que supondría la primera de 16 colaboraciones entre el director y el inolvidable actor Toshirō Mifune, entregándole el papel protagonista de forma mas que acertada a un Takashi Shimura en estado de gracia. Como casi toda la obra del japonés, imprescindible.

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Sinopsis: Sanada (Takashi Shimura) es un médico con un carácter muy peculiar, que vive atormentado por lo que pudo haber sido su vida y no fue ahogando sus penas en alcohol, aunque a pesar de todo, ejerce su labor con una dedicación casi absoluta en un barrio periférico del Tokio de postguerra, donde la mafia impone su ley en las calles. Un buen día, el doctor recibe a altas horas de la noche a un hombre (Toshirô Mifune), requiriendo le cure una herida en su mano que se hizo al golpearse con una puerta, pero en el transcurso de dicha cura, el doctor extraerá una bala de la herida, que iniciará una estraña relación entre ambos.

El director: Akira Kurosawa fue un director de cine japonés nacido en Shinagawa, un 23 de marzo de 1910. Durante su carrera dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria

ángel, ebrio, KurosawaKurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de los 50, y que le dio a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones, o usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (El Emperador), por su estilo como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

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Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. Kurosawa era igualmente detallista con la música, por lo que solía buscar un solo instrumento (por ejemplo, sólo trompetas), para acompañar una escena en concreto. Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más compleja.

La película: Después de haber leído mucho sobre este genio del séptimo arte y de como la censura mutiló y consiguió evitar que sacara toda su magia, tenía curiosidad por ver alguno de sus primeros trabajos, aunque no esperaba encontrarme con una obra tan completa como la que hoy tratamos. La verdad es que este film marca un antes y un después en su filmografía, mostrando ya en el parte del enorme talento que atesoraba para este arte y dando rienda suelta a su capacidad para retratar al ser humano, mostrando sus carencias y sus virtudes de una forma única.

Paul - Greg Mottola (2011)

Paul, Greg, Mottola* Título original - Paul
* Año - 2011
* Duración - 103 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Greg Mottola
* Guión - Nick Frost, Simon Pegg
* Música - David Arnold
* Fotografía - Lawrence Sher
* Montaje - Chris Dickens
* Vestuario - Nancy Steiner
* Efectos especiales - Larz Anderson
* Producción - Nira Park, Tim Bevan y Eric Fellner
* Productora - Coproducción EEUU-Reino Unido; Universal Pictures / Relativity Media / Working Title Films
* Género - Comedia. Aventuras. Ciencia ficción
* Reparto - Simon Pegg, Nick Frost, Jane Lynch, Kristen Wiig, Jason Bateman, Sigourney Weaver, Bill Hader, Joe Lo Truglio, Jeffrey Tambor, Blythe Danner, John Carroll Lynch
* Web oficial - http://www.quienespaul.es/


Greg Mottola es el director responsable de esta comedia de ciencia ficción basada en un guión de Simon Pegg y Nick Frost e interpretada por ellos mismos, junto al alienígena que da nombre a la cinta, Paul. Un saludable entretenimiento que hará las delicias de los mas frikis y pasar un buen rato a todos los demás, aunque queda muy por debajo de los films de la pareja con bandera británica. Ideal para esos días en los que solo te apetece ver cine palomitero, sin excesivos esfuerzos intelectuales.

Paul, Greg, Mottola

Sinopsis: Graeme Willy (Simon Pegg) y Clive Gollings (Nick Frost) son dos frikis ingleses que realizan el sueño de su vida viajando hasta la Convención Internacional de Cómics de San Diego para después realizar una ruta por los lugares donde ha habido presencia extraterrestre. Pero en las cercanías del famoso Area 51, observarán un accidente de circulación y tras bajarse para auxiliar a los heridos, se toparan con un extraterrestre que les pide ayuda para escapar de las garras del gobierno y volver a su planeta.

El director: Greg Mottola es un guionista y director de cine y televisión estadounidense que se crio en Dix Hills, Nueva York, en una familia católica de ascendencia irlandesa-italiana. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad Carnegie Mellon y en cine en la de Columbia.

Paul, Greg, MottolaDebutó en la gran pantalla con la inspirada y prometedora comedia dramática 'The Daytrippers' (1996), de cuyo guión es también responsable. Tras ello se dedicó a la televisión, dirigiendo seis episodios de la serie 'Vida universitaria' (2001), el piloto de serie 'The Big Wide World of Carl Laemke' (2003) que no llegó a ver la luz, tres episodios de la serie 'Arrested Development' (entre 2003 y 2004) y dos episodios de la serie 'The Comeback' (2005).

Por fin, y tras once años desde el estreno de su ópera prima, dirige la comedia adolescente 'Supersalidos' (2007), a la que le sigue un trabajo similar en cuanto a género, 'Adventureland' (2009) de la que también se encarga de su guión. Tras dirigir la que hoy nos ocupa en 2011, dirige el piloto y un par de episodios mas de 'The Newsroom' (2012). Su último trabajo ha sido un telefilm titulado 'Clear History' (2013) que os recomiendo, sobre todo si sois fans de la serie Larry David, ya que el propio Larry es su protagonista y mantiene muchas similitudes con ella.

La película: Cuando vi el póster y las primeras imágenes de 'Paul' consiguieron llamar mi atención, principalmente por su pareja protagonista (Simon Pegg y Nick Frost), a la que ya he disfrutado en varias ocasiones, eso si, en trabajos con bandera británica. Me vienen a la mente la serie 'Spaced' (1999 a 2001) y la trilogía formada por 'Zombies party' (2004), 'Arma fatal'  (2007) y 'Bienvenidos al fin del mundo' (2013). Pero no quiero que me malinterpreten, no tengo nada en contra de los Estados Unidos, ni mucho menos del cine que se hace allí, pero si he de reconocer que últimamente me llevo muchas decepciones con sus productos y con la forma en la que ha evolucionado la industria cinematográfica allí. Y si hablamos de comedias, pues cada vez me cuesta mas encontrar alguna que me haga reír, gustándome mas el estilo que se usa en el Reino Unido, aunque esto solo es una opinión personal. Cuestión de gustos nada mas.

Déjame entrar - Tomas Alfredson (2008)

Déjame, entrar, Tomas, Alfredson* Título original - Låt den rätte komma in (Let the Right One In)
* Año - 2008
* Duración - 110 min.
* País - Suecia
* Director - Tomas Alfredson
* Guión - John Ajvide Lindqvist
* Música - Johan Söderqvist
* Fotografía - Hoyte Van Hoytema
* Montaje - Tomas Alfredson y Daniel Jonsäter
* Producción - Carl Molinder y John Nordling
* Productora - EFTI
* Género - Fantástico, Drama, Terror, Romance, Película de culto
* Reparto - Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg, Ika Nord, Mikael Rahm, Karl-Robert Lindgren, Anders T. Peedu
* Web oficial - http://www.lettherightoneinmovie.com


Tomas Alfredson fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión que John Ajvide Lindqvist realizó de su propia novela homonima. Una historia tan fría como los paisajes donde transcurre que da una nueva y original vuelta de tuerca al sub-género vampírico y en la que caben romanticismo, acoso escolar y autentico terror, siempre visto desde la mirada de nuestro rubio protagonista. Muy recomendable.

Déjame, entrar, Tomas, Alfredson

Sinopsis: Oskar (Kåre Hedebrant) es un niño tímido de doce años que vive en la ciudad de Estocolmo a comienzos de los 80. Sufre los abusos y palizas de sus compañeros de clase y vive obsesionado con evitarlos e incluso vengarse. Una noche conoce a Eli (Lina Leandersson), que se ha mudado recientemente al piso vecino de Oskar con un hombre mayor, Hakan (Per Ragnar). Eli es una chica extraña que sólo sale de noche y a la que no parece afectar el intenso frío, aunque se encuentra igual de sola que el, por lo que nacerá entre los dos un vinculo que traspasará los límites de una simple amistad.

Déjame, entrar, Tomas, AlfredsonEl director: Tomas Alfredson debutó en la gran pantalla con 'Bert, el último virgen' (1995), una comedia romántica sobre un adolescente obsesionado con perder la virginidad. Tras varios trabajos para televisión en 1999 y 2000, realizó en 2003 'Office Hours', una comedia dramática sobre dos chicas que trabajan en la misma oficina y al año siguiente (2004) presentó ' Four Shades of Brown', una nueva comedia en la que el grupo de humoristas Killingganget presenta cuatro historias sobre el comportamiento humano y que ya dejaba entrever parte del gran talento que posee.

Tras cuatro años sin dar señales de vida, sorprendió a propios y extraños con 'Déjame entrar', con la que se ganó un nombre en los circuitos internacionales. Ya en 2011 realizó su primer trabajo fuera de su país, dirigiendo la producción britanica 'El topo' (2011), un thriller de intriga sobre la guerra fría en los años 70 que adapta el libro de John le Carré de 1974. Para ello dispone de un magnífico reparto entre los que destacan Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong y Benedict Cumberbatch entre otros y que consiguió tres nominaciones para los Oscars, ademas de excelentes críticas.

Su cine está claramente influenciado por uno de sus compatriotas mas ilustres en la industria cinematográfica, el director Ingmar Bergman, siendo considerado el mejor director sueco tras el. En la actualidad trabaja en dos películas, la sueca 'The Brothers Lionheart' que debe estrenarse este mismo año y la británica 'La gente de Smiley' que se espera para 2015. Esperemos que no bajen el magnífico nivel que ha demostrado últimamente.

La película: 'Déjame entrar' deja claras sus intenciones desde el primer fotograma que nos ofrece. Como el perfecto exponente del cine nórdico que es, se nos presenta con una frialdad que no abandona en casi ningún momento, mostrándonos una escena en la que mientras un señor maduro y una joven llegan al bloque de pisos donde vive nuestro protagonista, este juguetea con una navaja prácticamente desnudo imaginando como defenderse de quien habitualmente le hace daño. Toda una declaración de intenciones que deja a las claras que el realizador nunca se irá por las ramas.

Appaloosa - Ed Harris (2008)

Appaloosa, Ed, Harris* Título original - Appaloosa
*Año - 2008
*Duración - 107 min.
*País - Estados Unidos
*Director - Ed Harris
*Guión - Ed Harris y Robert Knott a partir de la novela de Robert B. Parker
*Música - Jeff Beal
*Fotografía - Dean Semler
*Productora - Warner Bros. Pictures / New Line Cinema / Groundswell Productions
*Género - Western, Drama
*Reparto - Viggo Mortensen, Ed Harris, Renée Zellweger, Jeremy Irons, Timothy Spall, Ariadna Gil, James Gammon, Cerris Morgan-Moyer, Tom Bower
*Web oficial - http://welcometoappaloosa.warnerbros.com/


Ed Harris produce, escribe junto a Robert Knott, dirige e interpreta junto a Viggo Mortensen,  Renée Zellweger y Jeremy Irons este peculiar western basado en una novela de Robert B. Parker. Una historia de amistad magníficamente filmada que revitaliza algo un género muy necesitado últimamente.

Appaloosa, Ed, Harris

Virgil Cole (Ed Harris) y su socio Everett Hitch (Viggo Mortensen) son dos pistoleros que se dedican a hacer cumplir la ley allá donde son contratados. Cuando llegan a Appaloosa, una ciudad sin ley en Nuevo México dominada por un despiadado y poderoso ranchero llamado Randall Bragg (Jeremy Irons), reciben el encargo de hacer cumplir la ley, una tarea que no resultará sencilla.

Appaloosa, Ed, HarrisDe Ed Harris poco quedará ya por decir que no se haya dicho antes. Desde que en 1978 debutase en 'Coma' de Michael Crichton hasta su reciente aparición en 'Snowpiercer' ha participado en mas de 60 películas, en la mayoría de las ocasiones como el excelente actor que es.  'La Roca', 'Abyss', 'Apolo 13', 'Elegidos para la gloria', Una mente maravillosa', Una historia de violencia' o 'El show de Truman' son solo algunos ejemplos de su variado trabajo durante 36 años que lleva deleitándonos.

Como director debutó en el año 2000 con 'Polloc', un drama biográfico sobre el artista de los años 40 Jackson Pollock que interpreta el mismo, consiguiendo el premio al mejor actor en el Festival de Toronto y a su pareja Lee Krasner, interpretada por Marcia Gay Harden, consiguiendo el Oscar y el premio del círculo de críticos de Nueva York a la mejor actriz secundaria. Ademas de la soberbia interpretación de ambos, la película destaca por la elegante dirección del director debutante.

Con 'Appaloosa' firma su segundo tras la cámara volviendo a realizar un drama, pero en esta ocasión se atreve con un género que le encanta, el western. Su trabajo vuelve a ser elegante, sobrio y de un gusto exquisito, eligiendo cada plano de forma acertada y realizando un manejo de la cámara atractivo y muy dinámico. La dirección de actores también es muy buena, sacando el máximo partido posible a la mayoría del reparto.