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La infancia de Iván (Ivan's Childhood) - Andrei Tarkovsky (1962)

Título original - Ivanovo detstvo (Ivan's Childhood)
Año - 1962
Duración - 95 min.
País - Unión Soviética (URSS)
Dirección - Andrei Tarkovsky
Guion - Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava
Música - Vyacheslav Ovchinnikov
Fotografía - Vadim Yusov
Montaje - Lyudmila Feiginova
Producción - Gleb Kuznetsov
Productora - Mosfilm
Reparto - Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina
Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Espionaje, Infancia, Nazismo


La infancia de Iván (Ivan's Childhood) supuso el primer trabajo que el inolvidable realizador ruso Andrei Tarkovsky dejó para la historia del cine. Un trabajo del que se hizo cargo tras el despido del anterior realizador, en el que con la fotografía de Vadim Yúsov, el montaje de Lyudmila Feiginova, la banda sonora de Vyacheslav Ovchinnikov y el protagonismo de Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov y Yevgeni Zharikov, intentó mostrarnos de una manera hermosa y poética su enorme odio a la guerra. Un drama bélico en el que no asistiremos a ninguna batalla, pero si a los estragos del conflicto.


Sinopsis - Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. La película narra la historia de un niño huérfano, Iván (Nikolái Burliáyev), y de su infancia durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia ha muerto a manos de soldados alemanes. Él logra escapar y es adoptado por una unidad del Ejército Rojo en el frente oriental. En una forma de venganza, el pequeño Iván se decide a colaborar con las tropas soviéticas, y, gracias a su pequeña estatura, realiza con éxito labores de exploración que requieren que cruce las líneas enemigas.

El directorAndréi Arsénievich Tarkovski fue un director de cine, actor, poeta y escritor ruso, nacido en  Óblast de Ivánovo, antigua Unión Soviética, el 4 de abril de 1932. Su padre fue Arseni Tarkovski, reconocido como uno de los poetas rusos más destacados de todo el siglo XX, y su madre María Ivánova Vishnyakova. En su juventud, estudió música, pintura y escultura, aprendió lenguas orientales en Moscú antes de interesarse por el cine; también trabajó como geólogo por un tiempo en Siberia.

Pronto fue el centro de atención de todo el mundo con su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), que obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia, Italia (ex aequo con Cronaca familiare de Valerio Zurlini). Sin embargo, fue sometido a una estricta vigilancia de las autoridades soviéticas, que temían que sus siguientes filmes no siguiesen las férreas directrices del Partido Comunista de la Unión Soviética, por lo que se le recortó el presupuesto para filmar El idiota de Fiódor Dostoyevski y se le negó enteramente el rodaje de una película dedicada al Evangelio de Lucas (ninguna de ellas vio jamás la luz). Como resultado de esa vigilancia, su siguiente film, Andréi Rubliov (1966), fue prohibido hasta 1971. Su siguiente obra, Solaris (1972), fue aclamada en el Este y considerada por muchos como la respuesta soviética a la película 2001: Una odisea del espacio, del director estadounidense Stanley Kubrick, aunque Tarkovski siempre afirmó que no la había visto.

El realizador tuvo un problema con las autoridades, que por poco le cuesta la cárcel, a raíz de su película Zérkalo (El espejo) (1975), una densa y autobiográfica película con una radical, innovadora y sugestiva estructura narrativa. Su siguiente película, también de ciencia ficción, Stalker (1979), tuvo que ser filmada de nuevo, con una drástica reducción económica en la producción, después de que un accidente en el laboratorio destruyese totalmente la primera versión filmada. Nostalgia (1983), filmada en Italia, fue su última película realizada bajo la estricta vigilancia de la Unión Soviética, ya que poco después de su filmación huyó con su segunda mujer a Suecia. Su última película, Sacrificio (1986), fue filmada en Suecia con la ayuda de los colaboradores habituales del cineasta sueco Ingmar Bergman, ganó cuatro premios en el Festival de Cine de Cannes, un hecho sin precedentes en la historia del cine soviético. Sin embargo, Andréi Tarkovski estaba sufriendo los estragos del cáncer que acabaría con su vida, por lo que le fue imposible asistir a recoger el Premio Especial del Jurado que obtuvo esta película, siendo su hijo Andriushka quien lo recogió ante un aplauso general que se prolongó durante varios minutos. Falleció el 29 de diciembre de 1986, en París a los 54 años. Fue enterrado en el cementerio para inmigrantes rusos de Sainte-Geneviève-des-Bois, en Isla de Francia.

La película - Al cine de Andrei Tarkovsky le ocurre algo similar a lo que le ocurre al cine de Ingmar Bergman o David Lynch, pues resulta tan venerado y puesto por las nubes por sus incondicionales, que parte de los que no lo han disfrutado intentan hacerlo y acaban llevándose un chasco. La cosa pienso que debería ser mucho mas sencilla que todo eso. O te gusta o no lo hace, sin que si te gusta debas ser clasificado como un snop cinéfilo, como he leído ya en varias ocasiones, o si no te gusta tengas que ser tachado de inculto. Lo que no podemos, o mas bien no deberíamos, es tratar de imponer nuestros gustos y opiniones a los demás, algo que además de ser bastante desagradable, no hace mas que mostrar la bravuconería y la arrogancia que, por desgracia, cada vez están mas a la vista en la relación entre los seres humanos, sobre todo escudados tras la seguridad y la impunidad que les otorga un nick cualquiera. Con La infancia de Iván, y a pesar de ser una de las obras del realizador ruso mas accesibles, ocurre esto que les acabo de contar, un cine que jamás llegará a llenar a los que buscan simplemente entretenimiento, algo tan respetable como cualquier otra opinión, pero que sin embargo consigue llenar a otros espectadores, que suelen buscar algo diferente en este arte, o al menos a parte de ellos.


Espías desde el cielo (Eye in the Sky) - Gavin Hood (2015)

Título original - Eye in the Sky
Año - 2015
Duración - 102 min.
País - Reino Unido
Director - Gavin Hood
Guión - Guy Hibbert
Música - Paul Hepker y Mark Kilian
Fotografía - Haris Zambarloukos
Montaje - Megan Gill
Producción - Ged Doherty, Colin Firth y David Lancaster
Productora - Entertainment One / Raindog Films
Género - Thriller, Bélico
Reparto - Helen Mirren, Alan Rickman, Aaron Paul, Barkhad Abdi, Iain Glen, Phoebe Fox, Carl Beukes, Richard McCabe, Tyrone Keogh, Babou Ceesay, James Alexander, Lex King, Daniel Fox, John Heffernan, Luke Tyler, Jeremy Northam


Gavin Hood es el encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Guy Hibbert, un thriller sobre terrorismo y como las nuevas tecnologías han cambiado las reglas del juego. Lo mejor de ella el trabajo de su reparto, con Helen Mirren, Alan Rickman, Aaron Paul y Barkhad Abdi a la cabeza y la banda sonora de Paul Hepker y Mark Kilian. Lástima que su guión resulte un tanto predecible y plantee algunas situaciones poco reales, algo que la hubiera elevado bastante. Fue el último trabajo del lamentablemente desaparecido Alan Rickman, al que echamos mucho de menos.


Sinopsis - La coronel Katherine Powell (Helen Mirren), una oficial de la inteligencia militar británica, lidera una operación secreta que busca a un peligroso grupo de terroristas en Nairobi, Kenia. Cuando consiguen localizarlos, se dan cuenta de que están ultimando un gran atentado, por lo que la inicial idea de capturarlos pasa a ser la de eliminarlos y evitar así una masacre. El problema es que la célula está en el interior de un poblado, por lo que es necesario calcular muy bien los posibles daños colaterales entre los numerosos civiles que también la habitan.

El directorGavin Hood es un actor, director, guionista y productor de cine sudafricano, nacido en Johannesburgo, el 12 de mayo de 1963. Comenzó a dirigir cuando se le encargó hacer varios cortometrajes educativos para el Departamento de Salud de Sudáfrica. Su primer cortometraje comercial fue The Storekeeper (1998).

Su primer largometraje fue Luchar por sobrevivir (1999), interpretado por Gavin Hood, Nigel Hawthorne, Janine Eser y Vusi Kunene, trata acerca de un joven de una región rural en tierras zulú, acusado por el asesinato de un bebé de apenas un año, creyendo que éste estaba poseído por un espíritu demoniaco, el Tikoloshe. Tras ella dirigió una película de aventuras con bandera polaca, W pustyni i w puszczy (2001), que trata sobre dos niños de 15 y 9 años que son secuestrados durante una rebelión en Sudán. Está interpretada por Adam Fidusiewicz, Karolina Sawka y Artur Zmijewski

Por su siguiente trabajo, Tsotsi (2005), ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y fue nominado al Globo de Oro. Se trata de un drama social interpretado por Presley Chweneyagae, Terry Pheto, Kenneth Nkosi y Mothusi Magano. Tras ella dio el salto a Hollywood dirigiendo Expediente Anwar (2007), un thriller sobre terrorismo interpretado por Reese Witherspoon, Jake Gyllenhaal, Meryl Streep, Alan Arkin, Peter Sarsgaard, Omar Metwally y J.K. Simmons. Dos años mas tarde fue elegido para dirigir X-Men Orígenes: Lobezno (2009), con Hugh Jackman, Liev Schreiber, Danny Huston y Lynn Collins, entre otros. Tras el telefilm Tough Trade (2010) y dirigir algún episodio de la serie Ex Convictos (2011), dirigió El juego de Ender (2013), un trabajo de ciencia ficción protagonizado por Asa Butterfield, Harrison Ford, Hailee Steinfeld, Ben Kingsley y Viola Davis. Su siguiente trabajo fue Espías desde el cielo (2015), un thriller dramático sobre terrorismo y como ha cambiado la guerra hoy dia. Tiene entre su reparto nombres como Helen Mirren, Alan Rickman, Aaron Paul o Barkhad Abdi. Su último trabajo ha sido Secretos de Estado (2019), un thriller dramático ambientado en la guerra de Irak, basado en hechos reales. Cuenta con nombres como Keira Knightley, Matt Smith, Ralph Fiennes, Matthew Goode y Indira Varma, entre otros.

La película - Que la tecnología ha cambiado nuestras vidas es algo que creo pocos pueden dudar o rebatir. En los últimos tiempos ese cambio ha cogido bastante velocidad, obligando a empresas, instituciones y ciudadanos de a pie a ponerse las pilas y modernizarse o morir. Para colmo, la dichosa pandemia que nos asola ha acabado por acortar dichos tiempos, obligándonos a trabajar o asistir a clase a distancia, dependiendo de un ordenador, una tablet o un teléfono móvil como hasta hace poco ni hubiéramos imaginado. Lógicamente, si esto ha ocurrido en la vida civil, imagínense como ha podido cambiar la militar, teniendo como tienen acceso a tecnología que desde fuera ni imaginamos, pudiendo, por ejemplo, realizar rastreos a distancia que les permiten acceder a sitios donde un batallón lo tendría complicado, e incluso eliminar enemigos sin siquiera poner en peligro a militares a la hora de hacerlo. 


Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta
Año - 1945
Duración - 100 min.
País - Italia 
Dirección - Roberto Rossellini
Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Ubaldo Arata
Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti
Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini
Productora - Excelsa Films
Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere
Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo


Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.


Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El directorRoberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.


1917 - Sam Mendes (2019)

Título original - 1917
Año - 2019
Duración - 119 min.
País - Reino Unido
Dirección - Sam Mendes
Guión - Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns
Música - Thomas Newman
Fotografía - Roger Deakins
Montaje - Lee Smith
Producción - Pippa Harris, Callum McDougall, Sam Mendes, Jayne-Ann Tenggren
Productora - Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Amblin Partners / Neal Street Productions / DreamWorks SKG / New Republic Pictures. Distribuida por Universal Pictures
Reparto - George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Andrew Scott, Daniel Mays, Adrian Scarborough, Jamie Parker, Nabhaan Rizwan, Justin Edwards, Gerran Howell, Richard McCabe, Robert Maaser, John Hollingworth, Anson Boon, Jonny Lavelle, Michael Jibson, Chris Walley, Pip Carter, Paul Tinto, Andy Apollo, William Postlethwaite, Gabriel Akuwudike, Josef Davies, Spike Leighton, Adam Hugill, Benjamin Adams, Tommy French, Merlin Leonhardt, Jos Slovick, Jack Shalloo, Elliot Edusah, Jacob James Beswick, Daniel Attwell, Samson Cox-Vinell, Michael Rouse, Richard Dempsey, Phil Cheadle, Jonah Russell
Género - Bélico. Drama


Sam Mendes es el realizador responsable de llevar a la gran pantalla el guión escrito junto a Krysty Wilson-Cairns, en el que nos ponemos en la piel de dos soldados británicos con una difícil misión, durante la primera guerra mundial. Un trabajo que consigue algo muy complicado a estas alturas en el cine bélico, crear una propuesta original y cautivadora, capaz de hacer que el espectador viva la aventura junto a sus protagonistas. Muy merecidos sus dos Globos de oro (Mejor película de drama y Mejor dirección). La guerra vivida desde las trincheras.


Sinopsis - La película sigue a los jóvenes soldados británicos Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman), que reciben la orden de avisar a los batallones de primera línea de batalla, listos para atacar al supuestamente mermado ejército alemán, de abandonar dicha idea para evitar una auténtica masacre. El largo y difícil camino que les separa de ellos, teniendo que atravesar las líneas enemigas, hacen de dicha misión un reto casi imposible.

El director - Samuel Alexander Mendes, conocido como Sam Mendes, es un director de cine y teatro británico nacido en Reading, Berkshire, Inglaterra, en 1965.

Después de graduarse en la Universidad de Cambridge en 1987, Mendes fue contratado como asistente de dirección en el Chichester Festival Theatre. Tras ser nombrado director artístico de Donmar Warehouse, dirigió aclamadas obras como Cabaret (1993), Oliver! (1994), Company (1995) o Gypsy (2003).

Su debut cinematográfico fue la magnífica American Beauty (1999), protagonizada por Kevin Spacey, que se llevó el Globo de Oro, el BAFTA y el Óscar a la Mejor Película. Mendes ganó el Globo de Oro, el Premio del Gremio de Directores de América y el Óscar al Mejor Director. Su siguiente trabajo fue Camino a la perdición (2002), otra excelente película en la que contó con Tom Hanks, Paul Newman o un joven Jude Law. Tras ellas llegaron la bélica Jarhead, el infierno espera (2005), con Jake Gyllenhaal, el drama romántico Revolutionary Road, con Leonardo DiCaprio y Kate Winslet y la comedia dramática Un lugar donde quedarse (2008), con John Krasinski, Maya Rudolph y Jeff Daniels.

Sam Mendes entró en el universo de James Bond con Skyfall (2012), revitalizando la franquicia, para lo que contó con Daniel Craig, continuando en el papel del famoso agente, acompañado por Judi Dench, Ralph Fiennes y nuestro Javier Bardem (un papel memorable). Tal fue el éxito de crítica y público que repitió con Spectre (2015), con Daniel Craig, Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ralph Fiennes o Monica Bellucci en el reparto, aunque con ella baja un poco el listón de la anterior.

La película - Hace unos días les hablábamos de la película Midway en este otro artículo, un trabajo con el que poco o nada tiene éste en común, tan sólo pertenecer al género bélico. En aquella asistimos a un espectáculo de sonido e imágenes dignos de ser disfrutado en una gran pantalla, pero que no destacaba en ningún otro aspecto. 1917 es otra cosa completamente diferente, en la que en lugar de asistir a un gran espectáculo como lo que en realidad somos, meros espectadores, formamos parte del equipo protagonista de la película de principio a fin, o al menos esa es la impresión que no abandona al espectador en ningún momento. Esa es la enorme virtud de este trabajo, la de ponerte en la piel de los angustiados militares protagonistas, la de poder palpar el terror que no los abandona en ningún momento y compartir la única lucha que de verdad los mueve, la lucha por sobrevivir.


Hace ya mucho que dejé de necesitar héroes de cartón piedra para disfrutar una película de este estilo, que prefiero que me acerquen a la realidad a que intenten impregnarme con idealismos absurdos, pero claro, esa es solo mi opinión. El cine, nos guste o no, es más un negocio que un arte, por lo que es fundamental que sea capaz de satisfacer al público que lo va a consumir, en su mayoría público joven que prefiere espectacularidad a cualquier otra cosa. En este caso eso era complicado, pero no imposible, ya que la espectacularidad de las batallas vistas desde nuestro cómodo sillón ha sido sustituida por enormes raciones de fango, alambre de espino y mucha trinchera nauseabunda infectada de cadáveres, que te hacen participe de la acción.

Midway - Roland Emmerich (2019)

Título original - Midway
Año - 2019
Duración - 138 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Roland Emmerich
Guión - Wes Tooke
Música - Harald Kloser, Thomas Wanker
Fotografía - Robby Baumgartner
Montaje - Peter R. Adam y Christoph Strothjohann
Reparto - Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Dennis Quaid, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell, James Hicks
Producción - Roland Emmerich, Mark Gordon, Harald Kloser y Dong Yu
Productora - Coproducción Estados Unidos-China; Centropolis Entertainment / Starlight Culture Entertainment Group / The Mark Gordon Company. Distribuida por Lionsgate
Género - Bélico. Drama. Acción | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Histórico. Años 40. Pearl Harbor. Cine épico


Roland Emmerich es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla un guión de Wes Tooke, donde volvemos a asistir a la versión estadounidense del famoso ataque a Pearl Harbor por parte del ejército japonés y la oportuna réplica norteamericana, durante la II guerra mundial. Todo un espectáculo visual donde los efectos especiales reinan sobre todas las cosas, pero que se queda en eso, un mero espectáculo sin ningún tipo de complicación adicional, carente de una historia bien hilada y de personajes mínimamente desarrollados. Muy pobre, en mi modesta opinión, aunque para gustos los colores.



Sinopsis - Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la flota estadounidense queda claramente diezmada, por lo que el ejército japonés busca la forma de dar una estocada definitiva y finiquitar el conflicto. Por su parte, el ejercito estadounidense intentará resistir en inferioridad de condiciones, para tener tiempo de reponerse e intentar imponer su potencial. Midway es la clave que inclinará la balanza.

El directorRoland Emmerich es un director, productor y guionista de cine nacido en Stuttgart, el 10 de noviembre de 1955. Su carrera comenzó en su país natal con 1997: El principio del Arca de Noé (1984), a la que siguieron El secreto de Joey (1985), El secreto de los fantasmas (1987) y Estación lunar 44 (1990), que en un principio solo tuvieron repercusión en su país.

El salto a hollywood le permitió filmar Soldado universal (1992), siendo contratado para reemplazar al director Andrew Davis. Tras ella dirigió Stargate, puerta a las estrellas (1994), que logró ser el estreno más taquillero en un fin de semana para una película lanzada en el mes de octubre hasta esa fecha. Independence Day (1996) fue el primer film en recaudar 100 millones de dólares en menos de una semana, siendo aun hoy dia de las mas rentables de la historia. Tras ella llegaron la fallida Godzilla (1998), El patriota (2000), interpretado por Mel Gibson, que es uno de sus mejores trabajos, El día de mañana (2004), 10.000 (2008), todo un éxito en taquilla vapuleado por la crítica, la fallida 2012 (2009) y la curiosa Anonymous (2011).

A estos le siguieron trabajos como las aceptables Asalto al poder (2013) y Stonewall (2015) y la secuela Independence Day: Contraataque (2016). Actualmente trabaja en MoonfallMaya Lord, dos proyectos que se esperan para 2021.

La película - El cine del bueno de Roland Emmerich rara vez defrauda a los amantes de los efectos especiales y a los que solo conciben el cine como un mero espectáculo con el que entretenerse, sin necesidad de grandes esfuerzos para seguir las tramas, siendo este el aspecto en el que Midway brilla con luz propia. Tan solo hay que comenzar a disfrutar la película para darnos cuenta de ello, puesto que desde las primeras escenas son los buques y aviones de los ejércitos estadounidense y japonés los principales protagonistas, dejándonos escenas planificadas al milímetro, que demandan una buena calidad de imagen y, si es posible, una gran pantalla para disfrutarlas al máximo.


Pero de la misma forma y al mismo tiempo en que esto ocurre, podemos apreciar que la sobriedad no será la principal protagonista de la película, retratando a personajes a los que no solo no se les coje empatía, sino que comienzan a dar grima casi de inmediato. Es tal la bravuconería que el guión y la propia dirección les concede, que cualquier similitud con la realidad queda en entredicho desde el minuto uno. Puede que esto funcione con ciertos adolescentes carentes de paciencia y ávidos de mensajes de rebeldía constantes, pero para cualquier aficionado al cine, mucho más para un cinéfilo con multitud de películas a sus espaldas, resulta molesto, incluso insultante en muchos momentos.

Kajaki - Paul Katis (2014)

Kajaki, Paul Katis, Kilo Two BravoTítulo original - Kajaki: The True Story
Año - 2014
Duración - 108 min.
País - Reino Unido
Director - Paul Katis
Guión - Tom Williams
Fotografía - Chris Goodger
Montaje - Brin
Producción - Paul Katis y Andrew De Lotbiniere
Productora - MENA Film, Pukka Films
Género - Aventuras, Drama, Bélico
Reparto - Mark Stanley, Malachi Kirby, David Elliot, Paul Luebke, Ali Cook, Bryan Parry, Grant Kilburn, Andy Gibbins, Scott Kyle, Jon-Paul Bell

Paul Katis debuta en la dirección de un largometraje llevando a la pantalla el guión con el que Tom Williams relata fielmente una de esas historias reales que nos deja la guerra moderna, en este caso la de Afganistán. Un producto que destaca por su realismo retratando lo que realmente es la guerra, la confusión y el caos que en ella suele dominar, pero que peca de algo de gran importancia: cuenta una historia que no daba para una película. Plana y excesivamente documentalista, algo incluso lógico teniendo en cuenta los inicios de su director, pero que tratando el tema que trata resulta bastante duro de ver.

Kajaki, Paul Katis, Kilo Two Bravo

Sinopsis: Afganistán. Una pequeña unidad de soldados ingleses instalada en una colina con vistas a la presa Kajaki. Una patrulla de tres hombres se dispone a deshabilitar un control de carretera talibanes. Al caminar por el lecho seco del rio Kajaki uno de ellos pisa una mina anti-persona. Sus compañeros acuden rápidamente en su ayuda para posteriormente darse cuenta de que están atrapados en una zona altamente repleta de estas mortales minas. Cada movimiento que hagan a partir de ese instante les puede costar una pierna o incluso la vida.

Kajaki, Paul Katis, Kilo Two BravoEl director: Paul Katis debuta aquí en la dirección de un largometraje de ficción, en el que no puede evitar dejar algo de su pasado como documentalista, género en el que debutó con The Walton Sextuplets Hannah Luci Ruth Sarah Kate and Jenny y la posterior The Waltons: Meet Mickey Mouse (1989). Tras ellos ha dirigido los cortometrajes Wish You Were Here (1995), Starting Over (1998), Exposed (2010) y Exploited (2013). También es el responsable de los guiones de The Waltons: Meet Mickey Mouse (1989), Starting Over (1998) y Exposed (2010). Como productor está vinculado al documental Girlfriend in a Coma (2012), como productor asociado concretamente, además de producir junto a Andrew De Lotbiniere la película que hoy nos ocupa.

La película: El caso de Kajaki vuelve a abrir un debate que suele acompañar a este tipo de productos, sobre todo si, como ocurre en este caso, nos encontramos con un relato que tiene la verdadera intención de contar una historia real, que no es otro que hasta que punto se puede o se debe adornar la historia para hacerla llegar a un segmento mayor de público o simplemente para darle un poco de mordiente, respetando a la vez lo que sucedió en realidad. En este caso sus responsables han optado por ceñirse al máximo a los hechos ocurridos, algo muy loable y digno de admiración, pero que en este caso en concreto solo consigue que la historia sea bastante plana y el resultado final te deje un tanto frío, o al menos es lo que me ha ocurrido a mi.

Kajaki, Paul Katis, Kilo Two Bravo

Estamos ante un tipo de cine muy diferente al que habitualmente vemos en el género bélico, que no busca grandes gestas ni encumbrar al héroe de turno, sino simplemente mostrar un suceso ocurrido durante la guerra de Afganistán. El problema es que dicho suceso es bastante simple, por lo que al final te quedas con la extraña sensación de que, o no han sabido exprimir la historia como debían, o esta simplemente no daba para mas. La película está dividida en dos partes bien diferenciadas, una primera en la que nos presentan a los personajes y el entorno en el que se mueven, algo larga y con un ritmo un tanto cansino, seguida de una segunda que nos muestra una pequeña patrulla que se mete sin saberlo en un campo de minas, algo que hace que el resto de la historia transcurra casi por completo en unos pocos metros cuadrados.

Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows, Mr. Allison) - John Huston (1957)

Heaven Knows, Mr. Allison, Sólo Dios lo sabe, John HustonTítulo original - Heaven Knows, Mr. Allison
Año - 1957
Duración - 105 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - John Lee Mahin y John Huston, basado en la novela de Charles Shaw
Música - Georges Auric
Fotografía - Oswald Morris
Montaje - Russell Lloyd
Maquillaje - George Frost
Vestuario - Laura Nightingale
Producción - Buddy Adler y Eugene Frenke
Productora - 20th Century Fox
Género - Aventuras, Drama, Bélico, Romance
Reparto - Deborah Kerr, Robert Mitchum, Masao Ukon


John Huston escribió el guión junto a  John Lee Mahin, basado en la novela homónima de Charles Shaw y dirigió esta pequeña joya escondida en la jugosa filmografía del genio estadounidense y de la época. Mirada con lupa tanto por el ejercito como por la iglesia católica, Heaven Knows, Mr. Allison supone una de esas películas que tanto gustaban al realizador, que nos muestra la relación de dos personas muy diferentes, de distinto sexo y en un escenario muy particular. No, no es La reina de África, a pesar de algunas evidentes similitudes, pero perdérsela sería un verdadero pecado.

Heaven Knows, Mr. Allison, Sólo Dios lo sabe, John Huston

Sinopsis: El cabo del ejército estadounidense Henry Allison (Robert Mitchum) sobrevive al hundimiento del submarino donde se encontraba, quedando a la deriva en un pequeño bote. Exhausto tras la terrible experiencia, consigue alcanzar la costa de la pequeña isla Tuasiva, donde para su sorpresa solo encuentra a la novicia Angela (Deborah Kerr), que quedó atrapada en ella ante la inminente invasión japonesa. Juntos intentarán sobrevivir con los medios que tienen a su alcance, naciendo entre ellos una relación que va mas allá de la amistad.

Heaven Knows, Mr. Allison, Sólo Dios lo sabe, John HustonEl director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Como habréis podido comprobar en el apartado anterior, el talento del bueno de John Huston queda fuera de toda duda, firmando trabajos de una calidad indiscutible reconocidos por casi todos. Pero en el aspecto donde mas me ha sorprendido este genio durante su carrera, es en la capacidad que tenía de crear una gran película casi de la nada, convirtiendo una historia sencilla en un trabajo inolvidable, gracias a su enorme talento y a su habilidad para aprovechar todos los recursos a su alcance de forma brillante. Para colmo tenía la capacidad de exprimir a sus actores y actrices como pocos, por lo que casi cualquier obra suya merece un visionado como poco. No es esta de sus obras mas conocidas, algo que viendo su filmografía puede resultar hasta lógico, pero eso no significa que no estemos ante un magnífico trabajo, muy completo y ameno, que no deberían dejar pasar por alto.

Heaven Knows, Mr. Allison, Sólo Dios lo sabe, John Huston

Y es que en la película que hoy nos ocupa conviven a la perfección el drama, la aventura el belicismo e incluso el romance, formando un solido conjunto que, una vez se comienza a visionar, resulta realmente difícil abandonar. Su guión, escrito por el propio Huston junto a John Lee Mahin (Scarface, el terror del hampa, Quo Vadis, La mala semilla, Capitanes intrépidos), adapta la novela de Charles Shaw con la que comparte nombre, siendo candidato al Óscar al Mejor guión adaptado junto a títulos inolvidables como Vidas borrascosas (Peyton Place), Sayonara12 hombres sin piedad (12 Angry Men) o El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai), que acabaría alzándose con el preciado galardón.

Ciudad de vida y muerte - Lu Chuan (2009)

Ciudad de vida y muerte, Lu Chuan, City of Life and DeathTítulo original - City of Life and Death (Nanjing! Nanjing!)
Año - 2009
Duración - 132 min.
País - China
Director - Lu Chuan
Guión - Lu Chuan
Música - Liu Tong
Fotografía - Cao Yu y He Lei
Montaje - Teng Yu
Producción - Lu Chuan, Han Sanping y John Chong
Productora - China Film Group / Jiangsu Broadcasting System / Media Asia Films / Stellar Megamedia
Género - Bélico, Drama
Reparto - Liu Ye, Gao Yuanyuan, Hideo Nakaizumi, Fan Wei, Ryu Kohata, Qin Lan, Jiang Yiyan, Zhao Yisui, Yao Di, John Paisley, Yuko Miyamoto, Liu Bin, Beverly Peckous, Aisling Dunne, Sam Voutas, Zhao Yisui


Lu Chuan escribió el guión, dirigió y coprodujo este impresionante documento que desde ya ocupa uno de los lugares entre las películas mas duras que un servidor ha tenido la oportunidad de ver. En ella se detalla parte de la Batalla de Nankín, que por aquellos entonces era la capital de la República China, la toma de esta por el Ejército Imperial Japonés y los posteriores sucesos que allí ocurrieron. Un trabajo perfectamente rodado, con una fotografía y un montaje espléndidos, cuya extrema dureza, a pesar de haber pasado un duro examen por parte de la censura china, aconseja saber a que nos enfrentamos antes de verla. Avisados quedan.

Ciudad de vida y muerte, Lu Chuan, City of Life and Death

Sinopsis: Corría el año 1937 cuando, durante la guerra que enfrentó a China y Japón, las tropas japonesas están a punto de invadir la capital china, Nanking. Gran parte de la población y casi todo el ejercito abandona el lugar como buenamente puede, pero un batallón resiste en la ciudad, tratando de salvar la vida de muchos civiles que han quedado atrapados entre sus ruinas. La película nos muestra estos hechos y los que ocurrieron en las semanas posteriores a la ocupación, poniéndonos en la piel de varios personajes que participaron en los mismos, unos ficticios y otros reales.

Ciudad de vida y muerte, Lu Chuan, City of Life and DeathEl director: Lu Chuan es un director de cine, guionista y productor chino, nacido en 1971. Hijo del novelista Lu Tianming, fue educado en el People's Liberation Army International Relations University de Nanjing. Tras servir varios años en el ejercito como secretario de un general, realizó un máster en dirección en la Universidad de Beijing. Los dos primeros trabajos del realizador tuvieron un gran éxito tanto en su país como a nivel internacional, a pesar de disponer de un reducido presupuesto en ambos casos. Se trata de El arma perdida (2002) y la magnífica La patrulla de la montaña (2004). Tras Ciudad de vida y muerte, su primer trabajo con un mayor presupuesto, ha realizado dos trabajos que no hemos tenido la oportunidad de disfrutar, la cinta de acción The Last Supper (2012), que narra la lucha entre los generales Liu Bang y Xiang Yu por controlar el país y Chronicles of the Ghostly Tribe (2015), una fantástica que cuenta la historia de un soldado que encuentra unos extraños fósiles en las cuevas de una montaña.

La película: En la historia de la humanidad hay miles de episodios lamentables que merecerían ser recordados para intentar que algo así no vuelva a ocurrir, algo que por desgracia personalmente creo imposible, ya que nuestra extraña forma de ser impide el entendimiento entre muchos de los pueblos de la tierra, haciendo que la historia se repita una y otra vez. En occidente solemos relacionar la palabra genocidio con los actos cometidos por los nazis contra el pueblo judío, principalmente por la cantidad de información en forma de libros, series, películas y documentales que se han realizado al respecto, pero por desgracia son actos que se han cometido, se cometen y parece que se seguirán cometiendo en diferentes lugares de todo el planeta. Sin ir mas lejos, aquí mismo os hablamos de la película Katyn, dirigida por Andrzej Wajda (2007), que nos contaba las atrocidades cometidas por los ejércitos soviético y alemán tras la invasión de Polonia.

Ciudad de vida y muerte, Lu Chuan, City of Life and Death

Hoy os traemos la espeluznante crónica de otro de esos lamentables episodios, uno que personalmente no conocía, capaz de helar la sangre del mas pintado. Además hay que decir que el nivel general en todos sus apartados es muy notable, llegando a brillante en algunos de ellos, no teniéndole mucho que envidiar a películas de mayor enjundia producidas por grandes estudios. Lo que ocurre es que no es este un cine que todo el mundo tolere, algo lógico por otra parte, que hay que ver en un buen momento de ánimo y sabiendo a que nos enfrentamos. El trabajo de Lu Chuan es realmente meritorio, tanto en la redacción de su magnífico guión, como en la dirección, sacando todo el jugo posible al brillante elenco del que dispone.

Testamento de juventud - James Kent (2014)

Testamento de juventud, Testament of Youth, James KentTítulo original - Testament of Youth
Año - 2014
Duración - 129 min.
País - Reino Unido
Director - James Kent
Guión - Juliette Towhidi (Autobiografía: Vera Brittain)
Música - Max Richter
Fotografía - Rob Hardy
Montaje - Lucia Zucchetti
Producción - Rosie Alison y David Heyman
Productora - BBC Films / Heyday Films
Género - Bélico, Drama, Romance
Reparto - Alicia Vikander, Kit Harington, Emily Watson, Hayley Atwell, Dominic West, Colin Morgan, Miranda Richardson, Charlotte Hope, Anna Chancellor, Emily Bevan, Jonathan Bailey, Xavier Atkins, Amanda Fairbank-Hynes, Joanna Scanlan, Taron Egerton


El debut en la gran pantalla del realizador James Kent (Marchlands, Inside Men, El cuento número trece), adaptando el guión que Juliette Towhidi escribe sobre la autobiografía de Vera Brittain, confirma el indudable talento de este, del que ya os hemos hablado en varias ocasiones por aquí. Con la excelente fotografía de Rob Hardy, la banda sonora de Max Richter y el protagonismo de Alicia Vikander, estamos ante una dura y magníficamente contada historia, que nos muestra como cambió y marcó la vida de nuestra protagonista la I guerra mundial. Una película con la calidad que la BBC suele imprimir en sus productos, que no deberíais dejar escapar.

Testamento de juventud, Testament of Youth, James Kent

Sinopsis: Vera Brittain (Alicia Vikander) es una joven que consigue vencer las restricciones a las mujeres de la época y el inicial rechazo de su padre, para realizar el examen de acceso al Somerville College, en Oxford. Pero tras conseguir su ingreso y comenzar sus estudios, ve como comienza la I guerra mundial y su hermano Edward (Taron Egerton), su prometido Roland Leighton (Kit Harington) y sus amigos Victor Richardson (Colin Morgan) y Geoffrey Thurlow (Jonathan Bailey), con los que ha pasado gran parte de su juventud, son enviados a servir al frente, lo que la hará considerar la posibilidad de ayudar a su país ejerciendo como enfermera y dejando así momentáneamente sus estudios.

El director: James Kent lleva ya bastante tiempo llamando nuestra atención con productos para televisión de una calidad incuestionable, por lo que para mi fue una gratísima sorpresa ver su nombre vinculado a este trabajo. En su carrera nos ha dejado productos como los documentales John Wayne, el americano inquieto (1997) y The Genius of Mozart (2004), los telefilms Margaret (2009), The Secret Diaries of Miss Anne Lister (2010) y El cuento número trece (2013), de la que os hablamos aquí , las miniseries Marchlands (2011) y Inside Men (2012), de la que os hablamos aquí, además de participar en la serie La Reina Blanca (2013). Testamento de juventud es su primer trabajo para la gran pantalla, pero viendo los resultados obtenidos y su trayectoria, seguro que no será el último.

La película: Lo primero que ha de quedar claro es que no estamos ante un film bélico al uso, sino mas bien ante un drama romántico forzosamente ambientado en la I guerra mundial. A pesar de que el film debe ser incluido dentro del género de cine bélico, está contado desde la perspectiva de quien participó en la guerra ayudando como enfermera, tras ver partir al frente a sus seres queridos, así que no esperéis acciones militares deslumbrantes ni cine de acción, ya que en ningún momento es esa la intención de sus creadores. Estamos ante la imagen de dicho conflicto mostrado desde la perspectiva de sus mujeres, y en concreto de la de Vera Brittain, que interpuso su deseo de ayudar a su país antes que el de finalizar los estudios que tanto esfuerzo le había costado comenzar, algo que por suerte pudo hacer con posterioridad.

Testamento de juventud, Testament of Youth, James Kent

Al no haber leído la autobiografía de Vera Brittain, me es imposible asegurar el grado de fidelidad del guión que Juliette Towhidi escribió basándose en ella, pero conociendo las formas que habitualmente emplean los británicos en este tipo de productos y datos como que se tuvo el apoyo de Shirley Williams, hija de Brittain, y de Marcos Bostridge, biógrafo, editor de Brittain, y uno de sus albaceas literarios, que al parecer actuaba como asesor en la película, creo que queda fuera de toda duda que, al menos el espíritu y los detalles fundamentales de esta, están dignamente preservados. Y es que tras disfrutarla comprobareis que sería un pecado imperdonable variar la estremecedora historia que nos cuenta, manteniendo así intactas las vivencias de esta formidable mujer, de la que no quiero dar mas detalles para no desvelar nada mas.

Mandarinas - Zaza Urushadze (2013)

Tangerines, Mandarinas, Zaza UrushadzeTítulo original - Mandariinid (Tangerines)
Año - 2013
Duración - 83 min.
País - Estonia
Director - Zaza Urushadze
Guión - Zaza Urushadze
Música - Niaz Diasamidze
Fotografía - Rein Kotov
Montaje - Alexander Kuranov
Producción - Ivo Felt
Productora - Coproducción Estonia-Georgia; Allfilm / Georgian Film
Género - Drama. Bélico | Años 90
Reparto - Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass


Zaza Urushadze es el autor del guión y la dirección de esta pequeña joya llamada Mandarinas. Un agridulce alegato contra la violencia desmedida y absurda de cualquier guerra, escenificada en esta ocasión en un conflicto poco mediatizado, el de la guerra de Abjazia (1992-1993), que enfrentó a chechenos y georgianos por su posesión. Un trabajo de una riqueza indudable que, sin tomar partido por ninguno de los dos bandos ni juzgar sus motivos, lo analiza desde un punto de vista moral y ético, con el protagonismo de un estonio atrapado en el centro del conflicto que se niega a abandonar la tierra donde ha vivido. Cine de enorme grandeza y sencillez que merece la pena disfrutar y meditar.

Tangerines, Mandarinas, Zaza Urushadze

Sinopsis: Ivo (Lembit Ulfsak) es un hombre maduro que vive en un poblado estonio de Abjasia que se encuentra prácticamente desierto, ya que casi todos sus compatriotas han huido tras estallar el conflicto en el que chechenos y georgianos se disputan el control de la zona. Trabaja duro construyendo cajas de madera para ayudar a su vecino y amigo Margus (Elmo Nüganen), cuya cosecha de mandarinas necesita ser recolectada en breve, hasta el día en que en una escaramuza resultan muertos varios soldados de ambos bandos en la proximidad de las tierras de Margus. Casualmente sobreviven el checheno Ahmed (Giorgi Nakashidze) y al georgiano Niko (Misha Meskhi), por lo que Ivo se verá obligado a acogerlos y cuidarlos en su casa, hasta que ambos puedan valerse por si mismo.

El director: Zaza Urushadze es un director y guionista georgiano nacido el 30 de octubre de 1965. Hijo de Ramaz Urushadze, un famoso portero de fútbol soviético, se graduó en la Universidad de Georgia en 1988, donde estudió teatro y cine. Debutó en 1998 con el largometraje Here Comes the Dawn, tras el que llegaron títulos como Three Houses (2008), Stay with Me (2011) y The Guardian (2012). Mandarinas es la película que le ha dado mayor repercusión a nivel internacional, siendo nominado por ella al Óscar y al Globo de oro a la Mejor película de habla no inglesa y ganar el Satellite Award como Mejor película de habla no inglesa, además de triunfar en Palm Springs, Seattle, Varsovia o Bari, entre otros.

La película: Uno de los mayores alicientes que tiene para mi la celebración de la gala de los Oscars, es la posibilidad que nos da de conocer varias buenas películas filmadas lejos de la maquinaria de Hollywood, que resultaría bastante difícil conocer sin su participación en ella y casi imposible verlas distribuida fuera de su país. De la gala de 2015, hemos hablado ya de la ganadora Ida de Pawel Pawlikowski en este artículo y de la candidata Relatos salvajes de Damián Szifrón en este otro. En esta ocasión le toca el turno a Mandarinas, una obra con bandera estonia, aunque es co-producida junto a Georgia, que basa en su sencillez y su belleza todo su éxito, demostrando una vez mas que lo mas importante para hacer buen cine es tener algo bueno que contar y el suficiente talento para hacerlo de forma que su mensaje cale en el espectador.

Tangerines, Mandarinas, Zaza Urushadze

Mandarinas es un trabajo que, sin tener nada que ver con ella, me ha recordado a otro trabajo del que ya os hablamos aquí, Una historia verdadera de David Lynch. Mientras que aquella es una road movie, esta es un drama bélico, pero ambas poseen dos atributos similares que les dan un encanto especial, la sencillez de su historia y el protagonismo de una persona de avanzada edad, que acarrean consigo los achaques propios de la esta, pero también la sabiduría y experiencia que les ha dado. Tiempo atrás no hubiera disfrutado ninguno de estos trabajos como lo hago ahora, no se decir bien si es por los años que llevo viendo cine o por la amplitud de miras que estos me han dado, pero lo que os puedo asegurar es que en la actualidad se encuentran entre los que mas me llenan y mejor sabor de boca me dejan.