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Una historia verdadera (The Straight Story) - David Lynch (1999)

historia verdadera, David Lynch, Straight StoryTítulo original - The Straight Story
Año - 1999
Duración - 111 min.
País - Estados Unidos
Director - David Lynch
Guión - John Roach y Mary Sweeney
Música - Angelo Badalamenti
Fotografía - Freddie Francis
Montaje - Mary Sweeney
Producción - Pierre Edelman, Neal Edelstein, Michael Polaire y Mary Sweeney
Productora - Coproducción USA-Francia; Le Studio Canal+ / Les Films Alain Sarde / Picture Factory & Film Four
Género - Drama, Road Movie, Cine independiente
Reparto - Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill, John Farley, Jane Galloway Heitz, Dan Flannery, Kevin P. Farley, Wiley Harker, Tracey Maloney


David Lynch sorprendió a propios y extraños con este trabajo basado en una sencilla pero emotiva historia real. Con un guión de John Roach y Mary Sweeney, la fotografía de Freddie Francis, la hermosa bahda sonora de Angelo Badalamenti y el protagonismo de Richard Farnsworth, excelentemente acompañado por Sissy Spacek, estamos ante un trabajo sorprendente, cuya sencillez contrasta con su enorme calidad y riqueza. Muy recomendable, no se la pierdan.

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Sinopsis: Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un anciano que vive en Iowa con una hija discapacitada (Sissy Spacek). Además de padecer un enfisema, a pesar de lo cual no deja sus puros, tiene graves problemas en la cadera que prácticamente le impiden estar de pie, lo que lo obliga a moverse con la ayuda de dos bastones. Pero cuando recibe la noticia de que su hermano, con el que no se habla hace años, ha sufrido un infarto, decide ir a verlo a Wisconsin, para lo que tendrá que recorrer los 500 kilómetros de distancia que hay en el único vehículo que posee, un viejo cortacésped.

El director: David Lynch es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense nacido en Missoula, Montana, el 20 de enero de 1946. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario.

historia verdadera, David Lynch, Straight StorySu amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio web, de pago.

Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló Inland Empire y su estreno se produjo en 2006. En 2007 estrenó More Things That Happened, que ncluye episodios que se desecharon en Inland Empire para no alargar demasiado el metraje. Actualmente se encuentra enfrascado en la creación de la secuela de la serie Twin Peaks, que se estrenará en Showtime en 2016.

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La película: El mundo en el que vivimos pasa ante nuestros ojos sin que la mayoría consigamos atrapar y disfrutar las mejores cosas que es capaz de ofrecernos, no siendo esto debido a nuestra poca capacidad o algo parecido, sino al estilo de vida que llevamos la mayoría de los mortales, mas preocupados en lograr sobrevivir en un mundo que exige un ritmo endiablado para conseguirlo, que en poder disfrutar del mayor regalo que se nos ha dado, la vida. Pero de vez en cuando, uno de nosotros es capaz de crear algo, ya sea un cuadro, una escultura, una pieza musical, o como este caso, una película, capaz de mostrarnos aunque sea por un breve instante, lo que realmente es importante en la vida.

Amor bajo el espino blanco - Zhang Yimou (2010)

espino, blanco, Zhang YimouTítulo original - Shan zha shu zhi lian (The Love of the Hawthorn Tree)
Año - 2010
Duración - 114 min.
País - China
Director - Zhang Yimou
Guión - Yin Lichuan y Gu Xiaobai, basado en la novela homónima de Ai Mi
Música - Chen Qigang
Fotografía - Zhao Xiaoding
Montaje - Meng Peicong
Producción - Zhang Weiping, Cao Yuayi, Hugo Shong y Bill Kong
Productora - Beijing New Picture Film Co.
Género - Drama, Romance
Reparto - Zhou Dongyu, Shawn Dou, Chen Taisheng, Rina Sa, Xi Meijuan, Li Xuejian, Lü Liping, Sun Haiying


Zhang Yimou regresó al cine profundo y poético, pero a la vez sobrio y realista, con Amor bajo el espino blanco, llevando a la gran pantalla el guión que Yin Lichuan y Gu Xiaobai escribieron sobre la novela de Ai Mi. Una historia sencilla basada en hechos reales, no apta para los aficionados mas nerviosos e impacientes, que nos cuenta una hermosa y dura historia de amor durante la Revolución Cultural china, en la que destaca la excelente dirección de Yimou y el magnífico trabajo de sus jóvenes protagonistas, Shawn Dou y, sobre todo, el de la actriz Zhou Dongyu.

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Sinopsis: Mientras que su padre ha sido encarcelado por sus ideas políticas y su madre lucha para alimentar a sus tres hijos, la joven Jing (Zhou Dongyu) es enviada a un remoto pueblecito para su reeducación, parte fundamental y necesaria si aspira a que su familia y ella misma puedan continuar con sus vidas. Pero allí conocerá a Sun (Shawn Dou), un joven hijo de un militar de alto rango de una posición social muy diferente, por lo que una relación entre ambos es poco menos que imposible. Un amor que marcará la vida de ambos para siempre.

El director: Nacido en la ciudad norteña de Xi'an en 1951, el director Zhang Yimou pertenece a la denominada Quinta generación del cine chino, integrada por directores que comenzaron su carrera tras la Revolución Cultural a finales de los años 70. Durante la misma (1966-1978), abandonó sus estudios y se integró en una granja de trabajo, donde trabajó como operario textil durante diez años. Acabada esta etapa, en 1978, con 28 años, retomó sus estudios e ingresó en la Academia de Cine de Pekín, logrando finalmente graduarse en 1982. Tras graduarse, empezó a trabajar como fotógrafo y dibujante.

Antes de director fue operador de cámara en la película Tierra amarilla de Chen Kaige (1984), que dio comienzo a una nueva etapa de cine chino más crítico con el estado y defensor de la importancia del individuo. Repitió en este rol, en otra película del mismo director, The Big Parade (1986).

Tras debutar en 1987 con Sorgo rojo, con la que ganó el Oso de Oro de Berlín, pasó a ser uno de los directores chinos con mayor proyección internacional. En su filmografía encontramos trabajos dispares de los que nombraremos varios: el magnífico drama romántico Ju Dou: Semilla de crisantemo (1990), el drama rural Qiu Ju, una mujer china (1992), el drama ambientado en los años 20 La linterna roja (1991), el drama familiar ¡Vivir! (1994), el drama La joya de Shanghai (1995), el drama rural Ni uno menos (1999), el drama romántico El camino a casa (1999), la comedia dramática Happy Times (2000), el drama de acción Hero (2002), la acción romántica de La casa de las dagas voladoras (2004), el drama La búsqueda (2005), la película de acción y aventuras La maldición de la flor dorada (2006), el drama bélico Las flores de la guerra (2011), en el que participa Christian Bale, el drama familiar  Regreso a casa (2014), el drama romántico Lady of the Dynasty (2015), que dirigió junto al realizador Shi Qing, la decepcionante y fantástica La gran muralla (2016), el drama de acción Sombra (2018) o el drama One Second (2020). Para este mismo año se esperan Under the Light, un nuevo drama con la participación de Zhengjun He, Lei Jiayin y Li Naiwen, y Cliff Walkers, un thriller de espionaje con nombres como Zhang Yi, Zhang Hanyu, Amanda Qin y Zhu Yawen entre su reparo.


La película: Amor bajo el espino blanco podría situarse perfectamente en el lado opuesto de la balanza de trabajos como La casa de las dagas voladorasLa maldición de la flor dorada, en las que la acción y las artes marciales copaban el protagonismo por encima de otras virtudes que brillaban en menor medida. Es este un cine que necesita de una total predisposición del espectador, no apto para todos los gustos y basado principalmente en la sencillez en casi todos sus apartados. Sobresale en ella la enorme capacidad de su director para mostrar un sentimiento tan presente en el mundo del cine, pero tan difícil de no parecer idealizado o llegar a resultar empalagoso, como es el amor, auténtico protagonista del film.

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Y es que una de las características mas llamativas de este trabajo es la forma en la que su realizador utiliza la situación social y política de su país en ese momento como un mero escenario, un condicionante de gran importancia en el desarrollo de la historia, al que Zhang Yimou nunca concede el protagonismo principal, ya que como el mismo declaró en mas de una ocasión, no quería hacer un trabajo de denuncia social o política, sino una hermosa historia de amor. Y vaya si lo consigue, dejándonos un trabajo que fluye de forma perfecta, en el que las miradas y los silencios ganan casi siempre la partida a los diálogos, utilizando constantemente esa habilidad que posee de alargar las escenas sin que pierdan un ápice de fuerza, sino mas bien al contrario.

La evasión (Le trou) - Jacques Becker (1960)

La evasión, Jacques Becker, 1960, Le trouTítulo original - Le trou
Año - 1960
Duración - 113 min.
País - Francia
Director - Jacques Becker
Guión - Jose Giovanni, Jacques Becker, Jean Aurel, basado en la novela The Break, de Jose Giovanni
Música - Philippe Arthuys
Fotografía - Ghislain Cloquet
Montaje - Marguerite Renoir y Geneviève Vaury
Producción - Georges Charlot, Jean Mottet y Serge Silberman
Productora - Coproducción Francia-Italia; Filmsonor / Play Art / Titanus
Género - Drama | Drama carcelario. Basado en hechos reales
Reparto - Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Kéraudy, Raymond Meunier, André Bervil


Jacques Becker dirigió este magnífico drama carcelario que fue estrenado en 1960, en el Festival de Cannes. Con un guión escrito por él mismo junto a Jean AurelJose Giovanni, autor de la novela en la que se basa llamada The Break, un estilo cuasi documental y un grupo de actores poco o nada conocidos, entre los que se encuentra Roland Darbant, uno de los integrantes reales de la fuga, estamos ante uno de los trabajos sobre la vida en prisión mas reales que un servidor ha podido disfrutar. Una nueva oportunidad de comprobar que se puede hacer cine de enorme calidad sin disponer de grandes medios. Imprescindible.

La evasión, Jacques Becker, 1960, Le trou

Sinopsis: Francia, 1947. Gaspard Claude (Marc Michel) es un recluso que está en prisión provisional a la espera de juicio, acusado del intento de asesinato de su mujer, aunque jura y perjura que es inocente. Por motivos de unas obras que se van a realizar en el centro, es trasladado a una nueva celda donde tendrá que convivir con cuatro reclusos desconocidos para el, a los que les esperan grandes condenas. Tras las lógicas reticencias iniciales, estos deciden comunicarle que planean fugarse de la prisión, por lo que le ofrecen la posibilidad de acompañarlos si contribuye con los laboriosos trabajos necesarios para la huida.

La evasión, Jacques Becker, 1960, Le trouEl director: Jacques Becker fue un director de cine francés nacido en París, el 15 de septiembre de 1906. Casado con la actriz Françoise Fabian y padre del también director Jean Becker, participó en 1936 en el documental La vida es nuestra, junto a directores como Jean Renoir (del que fue ayudante de dirección durante los años 30) o Jacques B. Brunius, entre otros. Debutó en 1942 con el drama policíaco Dernier atout, tras el que dirigió el drama Goupi mains rouges (1943), el drama romántico Falbalas (1945) y las comedias dramáticas Se escapó la suerte (1947) y Cita en julio (1949). Ya en los años 50 dirigió la comedia Édouard et Caroline (1951), el drama Calle de la Estrapada (La mudanza de Françoise) (1952), el excelente drama romántico París, bajos fondos (1952), la comedia dramática Alí Babá y los cuarenta ladrones (1954), el excelente thriller No toquéis la pasta (1954), del que os hablamos en este artículo, la cinta de intriga Las aventuras de Arsenio Lupin (1957) y el drama Los amantes de Montparnasse (1958). La evasión fue su última película, la mejor de su filmografía para muchos, tras la que, solo dos semanas después de finalizar el rodaje y sin haber sido aún estrenada, falleció en su París natal el 21 de febrero de 1960.

La película: Antes de ver este magnífico trabajo, conocía algo de la obra de Jacques Becker por haber disfrutado París, bajos fondos (1952) y No toquéis la pasta (1954), de la que ya os hablamos aquí, pero hace poco en una reunión familiar me recomendó mi hermano Jose Antonio este título, con tal efusividad que su nombre quedó rondándome la cabeza, hasta que hace unos días conseguí dar con ella. He de decir tras disfrutarla que, no solo no me ha defraudado, sino que ha incluso superado mis expectativas iniciales, sobre todo por ser uno de esos trabajos que, con un ajustadísimo presupuesto y un magnífico guión, es capaz de agarrar al espectador y no soltarlo hasta su finalización, siendo a la vez tan sencillo y disciplinado como efectivo y perdurable en la memoria. Una maravilla que todo amante de este arte debería ver.

La evasión, Jacques Becker, 1960, Le trou

Su premisa es bastante sencilla, comenzando por mostrarnos el traslado de Gaspard Claude (Marc Michel) a su nueva celda y la acogida que recibe por parte de sus compañeros, mostrándonos los principales rasgos de cada uno de ellos, pero sin llegar a profundizar en exceso. Pero cuando llega la escena en la que da comienzo la fuga, escena que parecerá un tanto exagerada para algunos, Jacques Becker nos confirma que no necesitaba hacer mas que un boceto de sus protagonistas, ya que la auténtica protagonista de esta película es ella, la propia fuga ideada por estos, con sus preparativos, sus contratiempos y su lento pero inexorable avance, al mismo ritmo en que crece la tensión y el público es casi partícipe de ella. En dicho camino llegaremos a conocer mejor a sus protagonistas y a la relación existente entre todos ellos.

Los falsificadores - Stefan Ruzowitzky (2007)

Título original - Die Fälscher (The Counterfeiters)
Año - 2007
Duración - 98 min.
País - Austria 
Dirección - Stefan Ruzowitzky
Guion - Stefan Ruzowitzky, adaptando una historia de Adolf Burger
Música - Marius Ruhland
Fotografía - Benedict Neuenfels
Montaje - Britta Nahler
Producción - Josef Aichholzer, Nina Bohlmann y Babette Schröder
Productora - Co-production Austria-Alemania;
Reparto - Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt
Género - Drama / Nazismo, Holocausto, Años 30, Basado en hechos reales


El realizador austriaco Stefan Ruzowitzky adapta una historia de Adolf Burger y dirige la película Los falsificadores, una coproducción entre Austria y Alemania que pone sus ojos en la conocida como Operación Bernhard, un plan de Tercer Reich para falsificar moneda y provocar un colapso de la economía británica durante la Segunda Guerra Mundial, visto desde los ojos de los judíos que fueron utilizados para ejecutarlo. Destacar la fotografía de Benedict Neuenfels, la hermosa banda sonora de Marius Ruhland y el magnífico trabajo del actor Karl Markovics. Se llevó el Oscar como Mejor película de habla no inglesa en 2008.


Sinopsis - Berlín, 1936. Salomon Sorowitsch (Karl Markovics), el rey de los falsificadores de moneda, es un judío sin escrúpulos que cree que "la manera más rápida de ganar dinero es fabricar dinero" y no le preocupa en absoluto lo que está sucediendo a su alrededor, ni siquiera la situación de los judíos. Sin embargo, cuando estalla la guerra, es arrestado y llevado a un campo de concentración nazi, donde se ve obligado a trabajar con otros falsificadores, para intentar salvar su vida acosta de ayudar al enemigo a financiar sus ejércitos y desestabilizar la moneda británica, un enorme dilema moral.

El director Stefan Ruzowitzky es un director de cine austriaco nacido en Viena, el 25 de diciembre de 1961. Estudió arte dramático e historia en la Universidad de Viena. Comenzó dirigiendo videos musicales para grupos como 'N Sync', además de realizar anuncios publicitarios.

Su debut cinematográfico fue con la comedia dramática Tempo (1996), en la que trata temas como la homosexualidad, protagonizada por Xaver Hutter y Anne Mertin. Con su siguiente trabajo, el thriller Los herederos (1998), con Sophie Rois, Simon Schwarz y Lars Rudolph, obtuvo el galardón como Mejor Película en el festival de cine de Rotterdam, así como en el Festival de Cine de Flandes. También obtuvo un premio en el Festival Internacional de Cine de Valladolid. Tras ella se adentró en el género del terror con Anatomía (2000), protagonizada por Franka Potente, que podemos posicionar entre los trabajos tipo Scream

Al año siguiente estrenó All the Queen's Men (2001), un trabajo que combina cine bélico, comedia y acción, protagonizado por Matt LeBlanc, Eddie Izzard, James Cosmo y Nicolette Krebitz; Tras ella dirigió la secuela Anatomía 2 (2003), con nombres como Barnaby Metschurat, Herbert Knaup, Heike Makatsch y Roman Knizka: tras un pequeño parón presentó Los falsificadores (2007), con la que ganó el Óscar a la Mejor película de habla no inglesa, interpretada por Karl Markovics, August Diehl y Devid Striesow; Tras ella llegaron la prescindible Kika Superbruja y el libro de hechizos (2009); el thriller La huida (Dead Fall, 2012), con Eric Bana, Olivia Wilde, Charlie Hunnam, Sissy Spacek y Kris Kristofferson, de la que os hablamos en este artículo; el documental Radical Evil (2013); el thriller Cold Hell (Die Hölle, 2017), con Violetta Schurawlow y Tobias Moretti en su reparto; la discreta Paciente cero (2018), una película de terror sobre una pandemia que ha eliminado a gran parte de la población convirtiéndola en seres violentos, con Matt Smith, Natalie Dormer, Stanley Tucci y Clive Standen; su último trabajo ha sido el drama ambientado en la edad media Narciso y Goldmundo (2020), protagonizado por Lukás Bech, Henriette Confurius, Roxane Duran y Georg Friedrich, entre otros.

La película - Continuando con nuestro repaso a ese selecto grupo de películas que han logrado alzarse con el Óscar a la Mejor película de habla no inglesa, hoy os hablaremos a la que consiguió la preciada estatuilla en el año 2008, Los falsificadores, un trabajo que trata un tema tan lamentable y espinoso como repetidamente utilizado en el cine, el del genocidio cometido por los nazis contra el pueblo judío y quien osara cruzarse en su camino. ¿Por que merece la pena disfrutarla entonces?. Muy sencillo. La película de Stefan Ruzowitzky se centra en un suceso poco conocido, al menos por un servidor, que pudo cambiar el devenir de la guerra, para bien o para mal, y que además nos retrata la vida dentro de un campo de concentración de los que podían sentirse afortunados, judíos que por poseer habilidades de las que necesitaba el ejercito nazi, pudieron intentar salvar sus vidas y pasar sus días encerrados en mejores condiciones que la mayoría de su pueblo.


Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta
Año - 1945
Duración - 100 min.
País - Italia 
Dirección - Roberto Rossellini
Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Ubaldo Arata
Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti
Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini
Productora - Excelsa Films
Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere
Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo


Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.


Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El directorRoberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.


Así nos ven (When They See Us) - Ava DuVernay (2019)

Título original - When They See Us
Año - 2019
Duración - 70 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Ava DuVernay 
Guion - Ava DuVernay, Attica Locke, Robin Swicord, Michael Starrbury y Julian Breece
Música - Kris Bowers
Fotografía - Bradford Young
Montaje - Spencer Averick, Terilyn A. Shropshire y Michelle Tesoro
Producción - Robert De Niro, Ava DuVernay, Jonathan King, Jane Rosenthal, Jeff Skoll, Berry Welsh y Oprah Winfrey.
Productora - Harpo Films, Tribeca Productions, Participant Media, Forward Movement (Distribuidora: Netflix)
Reparto - Jharrel Jerome, Aunjanue Ellis, Asante Blackk, Caleel Harris, Ethan Herisse, Marquis Rodriguez, Chris Chalk, Jovan Adepo, Justin Cunningham, Freddy Miyares, Niecy Nash, Michael Kenneth Williams, John Leguizamo, Dascha Polanco, Vera Farmiga, Felicity Huffman, Blair Underwood, Joshua Jackson, Storm Reid, Chris Jackson, Omar Dorsey, Adepero Oduye, Famke Janssen, Aurora Perrineau, William Sadler, Kylie Bunbury, Marsha Stephanie Blake, Reginald L. Barnes, Bryan Terrell Clark, Jim Cleary, Andrew Stewart-Jones, Suzzanne Douglas, Jayce Bartok, Blake DeLong, Kate Easton, Lynn Marocola, Frank Pando, Ariel Shafir, Matthias Sebastiun Garry, Joseph Adams, Mark Borkowski, Alex Breaux, J. Bernard Calloway, David Chen, Vincent De Paul, Michael Devine, Christy Escobar
Género - Serie de TV, Drama, Miniserie de TV, Basado en hechos reales, Años 80, Años 90, Racismo, Drama judicial, Drama carcelario


Tras la brillante Selma (2014), la realizadora Ava DuVernay coescribe y dirige esta magnífica miniserie que, en poco mas de cinco horas, adapta a la ficción el documental “The Central Park Five”. En ella nos cuenta la terrible historia de cinco chicos menores de edad, que pasaban por el lugar menos indicado en el momento equivocado, por lo que fueron acusados de un horrendo delito injustamente. Un trabajo redondo que no deben dejar pasar, en el que se nos muestra un hecho terrible de una forma magistral. Tan brillante como necesario. Si no le pongo el 10 es porque a Vera Farmiga no le pegan nada esos pelos...


Sinopsis - En el año 1989, cinco adolescentes de Harlem se ven atrapados en una pesadilla cuando se les acusa injustamente de un ataque brutal ocurrido en Central Park. Basada en hechos reales, esta miniserie expone las profundas grietas que presenta el sistema judicial y policial estadounidense.

La directoraAva Marie DuVernay es una directora, guionista, productora y actriz estadounidense, nacida en Los Ángeles, California, el 24 de agosto de 1972. En 2012 ganó el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Sundance, por su película Middle of Nowhere,​ siendo la primera mujer afroamericana en obtener ese galardón.​ Con su película Selma, fue también la primera directora de cine afroamericana en ser nominada al premio Óscar a la mejor película.

Durante sus estudios superiores, DuVernay se interesó en la producción de informativos. Fue becaria en CBS News y trabajó en los informativos nacionales de tarde con Connie Chung y Dan Rather durante el juicio por asesinato de O.J. Simpson. 

En 2008 hizo su debut en la dirección con el documental This is the Life, una historia sobre el movimiento artístico alrededor del Good Life Café de Los Ángeles. I Will Follow (2011) fue su primer largometraje de ficción, un drama interpretado por Salli Richardson-Whitfield. Le siguió el drama Middle of Nowhere (2012), por el que obtuvo el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Sundance y el Premio John Cassavetes. Tras dirigir algún episodio de la serie Scandal (2012), hizo lo propio con el cortometraje dramático The Door (2013). Su siguiente trabajo fue Selma (2014), una película sobre Martin Luther King Jr., Lyndon B. Johnson y la Marcha de Selma a Montgomery de 1965. La película fue nominada a los Oscars como Mejor Película y Mejor Canción, alzándose con el segundo por el tema Gloria. En 2016 participó en la serie Queen Sugar y realizó el documental Enmienda XIII (13th), en el que expertos, activistas y políticos analizan la criminalización de los afroamericanos y el boom de las cárceles en Estados Unidos. Tras un fallido acercamiento al cine fantástico con Un pliegue en el tiempo (2018), dirigió la magnífica miniserie Así nos ven (2019), de la que os hablamos hoy, creó la serie Cherish the Day (2020), una antología romántica.
 
La serie - Cuando leo junto al nombre de una película la leyenda Basado en hechos reales, un escalofrío recorre mi cuerpo, alentado sin duda por las nefastas experiencias pasadas. Si encima hablamos de una serie, suelo huir como de la peste, a no ser que se trate de una serie documental. Con When They See Us me ocurrió lo mismo, aunque tras ver su ficha creí haber leído algo del caso real del que trataba, aunque lo que realmente había hecho era haber visto el documental “The Central Park Five”, en el que se basa. Por ello decidí comenzar a verla para saber a que me enfrentaba. Solo puedo admitir que me he llevado una de las mas gratificantes sorpresas que recuerdo en los últimos tiempos, ya que estamos ante un producto que tiene todo lo que, para mi, una buena película ha de tener, con la posibilidad además de desarrollalo en las cinco brillantes horas que nos ofrece. Todo un acierto.


Así nos ven comienza haciéndonos una breve presentación de los personajes que mas tarde se verán envueltos en los terribles acontecimientos que nos relata, prácticamente el único momento en el que el espectador asiste a la historia de forma tranquila y parcial. Es algo pasajero, ya que muy pronto la historia comienza a sembrar en el una sensación mezcla de desazón e impotencia, que no te abandona fácilmente. Ava DuVernay consigue que quien "disfrute" de este producto, forme parte de su historia en primera persona, que sufra con sus personajes y desee tomar partido por ellos, sin dejar constantemente ese extraño sabor que este tipo de productos suelen dejar, cuando en vez de contarte una historia de forma veraz, asistes a una reivindicación descarada y manida que solo logra empalagar. 

El juicio de los 7 de Chicago (The Trial of the Chicago 7) - Aaron Sorkin (2020)

Título original - The Trial of the Chicago 7
Año - 2020
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Aaron Sorkin
Guion - Aaron Sorkin
Música - Daniel Pemberton
Fotografía - Phedon Papamichael
Montaje - Alan Baumgarten
Vestuario - Susan Lyall
Producción - Marc E. Platt, Stuart M. Besser y Matt Jackson
Productora - Co-production Estados Unidos-Reino Unido; Amblin Partners, Paramount Pictures, Cross Creek Pictures, Marc Platt Productions, Reliance Entertainment, DreamWorks SKG, MadRiver Pictures, ShivHans Pictures (Distribuidora: Netflix)
Reparto - Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Mateen II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson
Género - Drama, Basado en hechos reales, Años 60, Drama judicial, Abogados/as, Drama social


Aaron Sorkin es el guionista y director de The Trial of the Chicago 7, un trabajo que tras sortear multitud de dificultades durante 13 largos años, por fin vio la luz en 2020. En la actualidad está disponible en Netflix, por lo que tenéis la posibilidad de disfrutar de un excelente drama judicial al que no le faltan toques de humor, que nos cuenta la historia de uno de los juicios mas famosos y bochornosos de la historia en Estados Unidos, en una época de grandes cambios en el país norteamericano. Por cierto, acaba de ganar el Globo de oro al mejor guion. Juzguen ustedes mismos.


Sinopsis - En agosto de 1968, Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden, Rennie Davis, David Dellinger, Lee Weiner, John Froines y Bobby Seale hacen preparativos para realizar una marcha hacia Chicago, aprovechando la Convención Nacional Demócrata, con el objetivo de protestar por la cantidad de personas que pierden la vida en la guerra de Vietnam. Cinco meses después de los violentos disturbios que se produjeron en ellas, y tras el relevo del Fiscal General, los ocho son arrestados y acusados ​​de conspiración e incitación a la violencia. 

El directorAaron Benjamin Sorkin es un guionista, productor, dramaturgo y actor estadounidense nacido en Nueva York, el 9 de junio de 1961. Hijo de una maestra y un abogado especializado en derechos de autor que había combatido en la Segunda Guerra Mundial, se crio en el barrio neoyorquino de Scarsdale. Se formó en la Scarsdale High School, donde fue miembro de los clubes de drama y teatro, y en la Universidad de Siracusa.

Durante su brillante carrera nos ha dejado muestras de su trabajo como guionista en Algunos hombres buenos (1992), Malicia (1993), El presidente y Miss Wade (1995), Sports Night (1998 - 2000), El ala oeste de la Casa Blanca (1999 - 2006), Studio 60 (2006 - 2007), La guerra de Charlie Wilson (2007), La red social (2010), Moneyball: Rompiendo las reglas (2011), The Newsroom (2012 - 2014), Steve Jobs (2015), Molly's Game (2017) o El juicio de los 7 de Chicago (2020).

Es además el creador de las series de televisión Sports Night (1998 - 2000), El ala oeste de la Casa Blanca (1999 - 2006), Studio 60 (2006 - 2007) y The Newsroom (2012 - 2014). Ha dirigido recientemente los largometrajes Molly's Game (2017), con la participación de Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner y Michael Cera, y El juicio de los 7 de Chicago (2020). También ha interpretado pequeños papeles en alguno de los trabajos anteriormente mencionados y en las series Entourage (El séquito) (2009) y Rockefeller Plaza (2011). En la actualidad trabaja en Being the Ricardos, un largometraje que repasa la vida de Lucille Ball, y una adaptación para televisión de su primer gran éxito, Algunos hombres buenos.

La película - En el mundo del cine, tal como ocurre en multitud de campos en esta vida, hay trabajos que parecen gafados desde incluso antes de ver la luz. En el caso que hoy nos ocupa, el bueno de Aaron Sorkin tenía preparado su guion en 2007, para que Steven Spielberg dirigiese a un elenco de actores desconocidos, pero la huelga de guionistas de 2007 y algunos problemas de presupuesto llevaron a Spielberg a abandonar el proyecto. Una década después fue el propio Sorkin el que asumió la dirección del largometraje, que Paramount Pictures pensaba distribuir en cines, pero la dichosa pandemia impidió su normal difusión, por lo que tras una muy limitada distribución en un puñado de cines, fue la plataforma Netflix la que adquirió sus derechos y nos permite al menos disfrutarla en la comodidad del hogar.


Midway - Roland Emmerich (2019)

Título original - Midway
Año - 2019
Duración - 138 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Roland Emmerich
Guión - Wes Tooke
Música - Harald Kloser, Thomas Wanker
Fotografía - Robby Baumgartner
Montaje - Peter R. Adam y Christoph Strothjohann
Reparto - Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Dennis Quaid, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell, James Hicks
Producción - Roland Emmerich, Mark Gordon, Harald Kloser y Dong Yu
Productora - Coproducción Estados Unidos-China; Centropolis Entertainment / Starlight Culture Entertainment Group / The Mark Gordon Company. Distribuida por Lionsgate
Género - Bélico. Drama. Acción | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Histórico. Años 40. Pearl Harbor. Cine épico


Roland Emmerich es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla un guión de Wes Tooke, donde volvemos a asistir a la versión estadounidense del famoso ataque a Pearl Harbor por parte del ejército japonés y la oportuna réplica norteamericana, durante la II guerra mundial. Todo un espectáculo visual donde los efectos especiales reinan sobre todas las cosas, pero que se queda en eso, un mero espectáculo sin ningún tipo de complicación adicional, carente de una historia bien hilada y de personajes mínimamente desarrollados. Muy pobre, en mi modesta opinión, aunque para gustos los colores.



Sinopsis - Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la flota estadounidense queda claramente diezmada, por lo que el ejército japonés busca la forma de dar una estocada definitiva y finiquitar el conflicto. Por su parte, el ejercito estadounidense intentará resistir en inferioridad de condiciones, para tener tiempo de reponerse e intentar imponer su potencial. Midway es la clave que inclinará la balanza.

El directorRoland Emmerich es un director, productor y guionista de cine nacido en Stuttgart, el 10 de noviembre de 1955. Su carrera comenzó en su país natal con 1997: El principio del Arca de Noé (1984), a la que siguieron El secreto de Joey (1985), El secreto de los fantasmas (1987) y Estación lunar 44 (1990), que en un principio solo tuvieron repercusión en su país.

El salto a hollywood le permitió filmar Soldado universal (1992), siendo contratado para reemplazar al director Andrew Davis. Tras ella dirigió Stargate, puerta a las estrellas (1994), que logró ser el estreno más taquillero en un fin de semana para una película lanzada en el mes de octubre hasta esa fecha. Independence Day (1996) fue el primer film en recaudar 100 millones de dólares en menos de una semana, siendo aun hoy dia de las mas rentables de la historia. Tras ella llegaron la fallida Godzilla (1998), El patriota (2000), interpretado por Mel Gibson, que es uno de sus mejores trabajos, El día de mañana (2004), 10.000 (2008), todo un éxito en taquilla vapuleado por la crítica, la fallida 2012 (2009) y la curiosa Anonymous (2011).

A estos le siguieron trabajos como las aceptables Asalto al poder (2013) y Stonewall (2015) y la secuela Independence Day: Contraataque (2016). Actualmente trabaja en MoonfallMaya Lord, dos proyectos que se esperan para 2021.

La película - El cine del bueno de Roland Emmerich rara vez defrauda a los amantes de los efectos especiales y a los que solo conciben el cine como un mero espectáculo con el que entretenerse, sin necesidad de grandes esfuerzos para seguir las tramas, siendo este el aspecto en el que Midway brilla con luz propia. Tan solo hay que comenzar a disfrutar la película para darnos cuenta de ello, puesto que desde las primeras escenas son los buques y aviones de los ejércitos estadounidense y japonés los principales protagonistas, dejándonos escenas planificadas al milímetro, que demandan una buena calidad de imagen y, si es posible, una gran pantalla para disfrutarlas al máximo.


Pero de la misma forma y al mismo tiempo en que esto ocurre, podemos apreciar que la sobriedad no será la principal protagonista de la película, retratando a personajes a los que no solo no se les coje empatía, sino que comienzan a dar grima casi de inmediato. Es tal la bravuconería que el guión y la propia dirección les concede, que cualquier similitud con la realidad queda en entredicho desde el minuto uno. Puede que esto funcione con ciertos adolescentes carentes de paciencia y ávidos de mensajes de rebeldía constantes, pero para cualquier aficionado al cine, mucho más para un cinéfilo con multitud de películas a sus espaldas, resulta molesto, incluso insultante en muchos momentos.

The Iceman (El hombre de hielo) - Ariel Vromen (2012)

The Iceman, El hombre de hielo, Ariel VromenTítulo original - The Iceman
Año - 2012
Duración - 106 min.
País - Estados Unidos
Director - Ariel Vromen
Guión - Ariel Vromen y Morgan Land, basado en la novela The iceman: The true story of a cold-blooded killer, de Anthony Bruno
Música - Haim Mazar
Fotografía - Bobby Bukowski
Montaje - Danny Rafic
Producción - Ehud Bleiberg, Avi Lerner y Ariel Vromen
Productora - Bleiberg Entertainment / Millennium Films
Género - Thriller
Reparto - Michael Shannon, Winona Ryder, Ray Liotta, Chris Evans, David Schwimmer, Stephen Dorff, Robert Davi, Olga Fonda, Christa Campbell, Ryan O'Nan, Weronika Rosati, Danny A. Abeckaser, Ori Pfeffer, Brian Kinney, James Franco


Ariel Vromen adaptó, junto a Morgan Land, la novela de Anthony Bruno y dirigió este biopic que narra la historia de Robert Leonard Kuklinski, un asesino a sueldo al que se le atribuyen un mínimo de cien asesinatos durante los años 60 y 70, aunque podrían ser muchos mas. Un magnífico thriller filmado con pulso firme y gran brillantez, que sin embargo sufrió algo similar a lo que sufren todas las películas que tratan sobre el crimen organizado, la injusta comparación con los clásicos del género. Destacar el trabajo de todo su reparto, haciendo mención especial al del magnífico Michael Shannon, que da vida de forma magistral a Kuklinski. Muy recomendable.

The Iceman, El hombre de hielo, Ariel Vromen

Sinopsis: Richard Kuklinski (Michael Shannon) es un hombre de carácter frío que se gana la vida doblando películas porno, que después son distribuidas por la mafia. Un buen día es abordado en su lugar de trabajo por un grupo de hombres liderado por Roy DeMeo (Ray Liotta), un poderoso jefe de la mafia que le acaba comunicando que cierra el negocio de doblaje. Roy ve algo en el, por lo que le ofrece trabajo como recaudador y matón, algo que despertará al animal con el que Richard convive desde pequeño. Casado y con dos hijos, Kuklinski llevará una doble vida como marido y padre ejemplar en su vida privada y un frío asesino apodado "El hombre de hielo".

The Iceman, El hombre de hielo, Ariel VromenEl director: Ariel Vromen es un director de cine y guionista israelí nacido en Tel Aviv, el 14 de febrero de 1973. Desde los 12 años, fecha en que sus padres le compraron una cámara de 8 mm, pasó su adolescencia filmando multitud de cortometrajes. Tras su servicio militar y estudiar derecho en Inglaterra, dirigió el cortometraje Jewel of the Sahara (2001), protagonizado por Gerard Butler, que le abrió las puertas para escribir, junto a Morgan Land, y dirigir su primer largometraje, un thriller titulado RX. Al límite del riesgo (2005), en el que aparecen nombres como Eric Balfour, Colin Hanks o Lauren German. Al año siguiente estrenó Danika (2006), donde mezcla drama, terror y thriller con el indiscutible protagonismo de Marisa Tomei. Tras adaptar, junto a Morgan Land, y dirigir The Iceman (2012), este mismo año ha estrenado Criminal (2016), un thriller de ciencia ficción en el que ha contado con 3 pesos pesados como Kevin Costner, Gary Oldman y Tommy Lee Jones. Actualmente trabaja en el documental Renegade, que espera estrenar en 2017.

La película: No puedo decir que no conociera con anterioridad al personaje al que retrata la película, un asesino a sueldo llamado Richard Kuklinski, ya que tuve la oportunidad hace tiempo de ver el documental titulado Richard Kuklinski, el hombre de hielo, que podéis disfrutar mas abajo tras el trailer, pero lo que si puedo asegurar es que tras ver la actuación de Michael Shannon dándole vida en la película que hoy nos ocupa, realmente merece la pena verla. Aunque quiero que, quienes no la hayáis visto aún, tengáis una idea aproximada de lo que tenemos en frente. The Iceman no está realizada para ser una película de gansters, aunque lógicamente es el mundo en el que salió la bestia que llevaba en su interior nuestro protagonista, en el que se movió durante mas de dos décadas para saciar su macabro apetito, por lo que la presencia del crimen organizado en la película es algo constante. Lo que sus responsables quieren contarnos realmente es la vida de su protagonista y como consiguió durante tanto tiempo mantener a su familia al margen de todo, que es algo bastante diferente. Por lo tanto veo un tanto injusto compararla con cualquier película del género, en vez de con un biopic, que es lo que realmente es.

The Iceman, El hombre de hielo, Ariel Vromen

Dicho esto, me gustaría aclarar que estamos ante un trabajo muy completo, filmado de forma inteligente y bastante práctica, con un magnífico guión capaz de atrapar al espectador desde la primera escena y un reparto a la altura de las circunstancias. El principal escollo por el que creo no ha alcanzado la excelencia es que su director, principal artífice del proyecto, sea Ariel Vromen, que realiza un trabajo realmente meritorio, pero que desgraciadamente carece de esa magia que tan solo unos pocos elegidos han conseguido darle al cine desde la dirección, algo que podéis comprobar fácilmente echando un vistazo a su escueta filmografía. A pesar de ello, y como ya he mencionado anteriormente, Vromen firma su mejor trabajo hasta la fecha, supliendo sus carencias con grandes dosis de inteligencia y una enorme capacidad de utilizar los medios de los que dispone.

En el corazón del mar (In the Heart of the Sea) - Ron Howard (2015)

corazón del mar, Ron Howard, Heart of the SeaTítulo original - In the Heart of the Sea
Año - 2015
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Ron Howard
Guión - Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan y Amanda Silver
Música - Roque Baños
Fotografía - Anthony Dod Mantle
Montaje - Daniel P. Hanley y Mike Hill
Producción - Brian Grazer, Ron Howard, Will Ward y Joe Roth
Paula Weinstein
Productora - Warner Bros. / Village Roadshow Pictures / Cott Productions / Enelmar Productions / A.I.E. / Imagine Entertainment / Roth Films / Spring Creek Productions
Género - Aventuras
Reparto - Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Ben Whishaw, Brendan Gleeson, Michelle Fairley, Charlotte Riley, Joseph Mawle, Jordi Mollà, Andrew Crayford, Jamie Sives, Donald Sumpter, Paul Anderson, Frank Dillane


Ron Howard es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan y Amanda Silver, basado en la historia real del hundimiento del ballenero Essex en el siglo XIX. Una magnífica película de aventuras y supervivencia filmada de forma sobresaliente, que da el protagonismo a las duras condiciones que soportaban los marineros de la época y al duelo de sus dos actores protagonistas, mientras que la famosa ballena blanca pierde algo de dicho protagonismo. Lástima que en el plano emocional no brille tanto como debiera, lo que a la larga impide que hablemos de una obra colosal. Muy recomendable a pesar de ello.

corazón del mar, Ron Howard, Heart of the Sea

Sinopsis: Año 1820. El veterano marinero Owen Chase (Chris Hemsworth) aguarda con impaciencia su próximo viaje, con la promesa de capitanear este en busca del preciado aceite que solo las ballenas pueden ofrecer. Pero ante su asombro, los dueños de la empresa colocan como capitán a George Pollard (Benjamin Walker), un marinero de escasa experiencia con el que Owen tendrá que trabajar como primer oficial, algo que hará que entre los dos se creen continuas discrepancias durante el viaje. Obsesionados con encontrar aguas donde abunden las ballenas, ambos arriesgan demasiado en el viaje, lo que los llevará a tener que luchar por su supervivencia en condiciones extremas tras ser atacados por una enorme ballena blanca.

corazón del mar, Ron Howard, Heart of the SeaEl director: Ron Howard es un actor, director y productor de cine estadounidense nacido en Duncan, Oklahoma, el 1 de marzo de 1954. Hijo de la actriz Jean Speegle Howard y del actor, director y escritor Rance Howard, estudió en la escuela de cine de la Universidad del Sur de California, aunque no llegó a graduarse. Debutó en la dirección con Loca escapada a Las Vegas (1977), película que el mismo protagonizó junto a Nancy Morgan. Tras varios trabajos para televisión comenzó a hacer cine con asiduidad con títulos como Turno de noche (1982), con Michael Keaton y Shelley Long, Un, dos, tres... Splash (1984), con Tom Hanks y Daryl Hannah, Cocoon (1985), Pisa a fondo (1986), la inolvidable Willow (1988), Dulce hogar... ¡a veces! (1989), Llamaradas (1991), Un horizonte muy lejano (1992), The Paper (Detrás de la noticia) (1994), Apolo 13 (1995), que fue nominada a 9 Oscars, Rescate (1996) o las olvidables EDtv (1999) y El Grinch (2000). Por fin saboreó las mieles del olimpo con Una mente maravillosa (2001), por la que ganó los Oscars como mejor película, director, actriz reparto (Connelly) y guión adaptado. Su filmografía se completa con Desapariciones (2003), Cinderella Man (2005), El código Da Vinci (2006), El desafío: Frost contra Nixon (2008), que obtuvo 5 nominaciones a los Oscars, incluyendo mejor película y mejor director, Ángeles y demonios (2009), ¡Qué dilema! (2011), Rush (2013), magnífico trabajo del que os hablamos en este artículo y la que hoy nos ocupa. Para este año se espera Inferno, un thriller en el que vuelve a trabajar con Tom Hanks que se estrena en octubre y el documental The Beatles Live: Touring years (1962-1966).

La película: Cuando Herman Melville publicada en 1851 la novela Moby-Dick no creo que jamás imaginase la repercusión que esta alcanzaría pasados los años, menos aún conociendo que en un principio esta no obtuvo un gran éxito. En ella se relata el viaje comandado por el capitán Ahab en el barco ballenero Pequod, con la principal finalidad de dar caza a un gran cachalote blanco por el que con anterioridad había perdido una de sus piernas. El texto trataba la vida marinera de la época y los métodos que se utilizaban para la caza de las ballenas, además de rebosar un simbolismo un tanto abstracto, por lo que su lectura puede resultar un poco espesa. Con el paso de los años se ha adaptado en diversas ocasiones en cine, teatro y televisión, comenzando por la versión muda de 1926 llamada The Sea Beast y la posterior de 1930 del mismo nombre, ambas protagonizadas por John Barrymore. Ya en 1956 se filmó Moby Dick, dirigida por John Huston y protagonizada por Gregory Peck en el papel del capitán Ahab, con un guion del escritor estadounidense Ray Bradbury. En 1998 se realizó un telefilm protagonizado por Patrick Stewart y en 2007 el cineasta francés Philippe Ramos hizo una adaptación personal de la novela llamada Capitaine Achab.

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Digo esto porque hay que dejar claro que la película que hoy nos ocupa no es una nueva adaptación de la famosa novela de Herman Melville, por lo que tampoco tiene nada que ver con la mas famosa de sus adaptaciones al cine, Moby Dick de John Huston, así que invertir un solo minuto en comparar ambos trabajos resulta poco menos que absurdo. Por el contrario estamos ante una libre adaptación del hundimiento del Ballenero Essex, en la que ni los personajes ni los motivos del viaje tienen nada que ver con los anteriormente descritos, siendo la aparición de la famosa ballena albina una de las pocas coincidencias entre ambas. El guión escrito por Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan y Amanda Silver da lugar a una película de aventuras que, de la mano de Ron Howard y su equipo, resulta un espectáculo digno de ser disfrutado como tal.