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Dioses y monstruos (Gods and Monsters) - Bill Condon (1998)

Título original - Gods and Monsters
Año - 1998
Duración - 105 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Bill Condon
Guion - Bill Condon, que adapta la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram
Música - Carter Burwell
Fotografía - Stephen M. Katz
Montaje - Virginia Katz
Producción - Clive Barker
Productora - Lionsgate, Showtime, BBC Films, Regent Entertainment, Gregg Fienberg
Reparto - Ian McKellen, Brendan Fraser, Lynn Redgrave, Lolita Davidovich, Kevin J. O'Connor, David Dukes, Brandon Kleyla, Pamela Salem, Michael O'Hagan
Género - Drama / Cine dentro del cine, Homosexualidad


Bill Condon fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión con el que el mismo adapta la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram. Un sentido homenaje al realizador James Whale, recordado por llevar a la gran pantalla a la criatura creada por Mery Shelley, el inolvidable Frankenstein. Mención especial a la comparación que se realiza entre la soledad del monstruo y la de los días finales del director. Excelente trabajo de Ian McKellen y Brendan Fraser.


Sinopsis - Relato de los últimos días de vida del realizador James Whale, autor de Frankenstein. En principio su única compañía en esos momentos es su ama de llaves, pero pronto entabla relación con su nuevo jardinero, un apuesto joven al que confía su historia en el Hollywood de los años 30 y por el que se sentirá irresistiblemente atraído.

El director Bill Condon es un guionista y director estadounidense nacido en Nueva York, el 22 de octubre de 1955. Hijo de un detective de la policía, fue criado en una familia católica irlandesa. Asistió a la Regis High School y al Columbia College, graduándose en 1976 en filosofía. Dos películas tuvieron un impacto significativo en la vida temprana de Cordon: Bonnie and Clyde (1967), que lo hizo interesarse por los guiones cinematográficos, y Sweet Charity (1969), que según sus palabras lo llevó a "una historia de amor de por vida con películas que son vilipendiadas y rechazadas en su tiempo".

Su carrera como cineasta comenzó con guiones para la película independiente Strange Behavior (1981), un homenaje a las películas de terror pulp de la década de 1950, y la película de ciencia ficción Strange Invaders (1983), protagonizada por Nancy Allen y Wallace Shawn. Su debut como director fue Sister, Sister (1987), cuyo fracaso supuso un importante freno en su carrera. Tras dirigir varios telefilms y la evitable Candyman 2 (1995), escribió y dirigió Dioses y monstruos (1998), por la que ganó el Óscar al mejor guion adaptado. Tras ella llegaron títulos como Kinsey (2004), un drama sobre el biólogo Alfred Kinsey, interpretado por Liam Neeson; Dreamgirls (2006), un drama musical con Jamie Foxx, Beyoncé, Danny Glover, Jennifer Hudson y Eddie Murphy entre su reparto; La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 1 y 2 (2011 y 2012), un auténtico despropósito, como lo es la saga al completo; El quinto poder (2013), un drama sobre como Julian Assange y Daniel Domscheit-Berg crearon WikiLeaks, interpretado por Benedict Cumberbatch, Daniel Brühl y Alicia Vikander, entre otros; Mr. Holmes (2015), de la que os hablamos en este artículoLa bella y la bestia (2017), una adaptación en imagen real del clásico de Disney, en cuyo reparto lucen nombres como Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Emma Thompson o Ewan McGregor. Su último trabajo ha sido La gran mentira (2019), una comedia dramática de intriga con los magníficos Helen Mirren y Ian McKellen a la cabeza.

Condon es miembro de Independent Feature Projects (IFP) en Los Ángeles, una organización sin ánimo de lucro que apoya películas independientes, así como del Comité Directivo de Escritores Independientes, que fue iniciado por el Writers Guild of America (WGA). En julio de 2021, ha sido elegido para dirigir una adaptación cinematográfica de Guys and Dolls para TriStar Pictures.

La película - Hace poco os hablábamos en este artículo de la película El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie), un hermoso homenaje a la carrera de dos cómicos inolvidables qué hicieron brotar sonrisas en varias generaciones. En el caso que hoy nos ocupa, estamos ante un producto qué podemos decir que es en cierta forma similar al anterior y me explico: sus responsables, en vez de decidir realizar un biopic, un trabajo qué suele traer bastantes problemas a la hora de sintetizar una vida en lo que dura un largometraje, han preferido tomar un trozo de la existencia de su protagonista y realizar con el un merecido homenaje a dicho personaje. Si en aquella ocasión se eligió el final de la carrera de los que aquí conocemos como El Gordo y el flaco, en este se toma cómo referencia el final de la vida del famoso realizador, el que para muchos mejor supo plasmar a ese inolvidable monstruo llamado Frankenstein, creado por Mary Shelley, en la gran pantalla. El resultado no ha podido ser mejor, al menos en la opinión de quién les escribe, en un trabajo cuya principal virtud es la de humanizar a la leyenda, mostrando matices de la desconocida persona que hay tras el inolvidable director.


Su comienzo nos presenta a un realizador en la etapa final de su vida, en la que su ama de llaves parece ser prácticamente única compañía, a lo que hay que añadir los evidentes problemas de salud qué acarrea la edad del mismo. Como un pequeño resquicio dentro de la soledad que domina su vida, un nuevo jardinero que comienza a trabajar en la finca dónde vive irrumpe en su vida, proporcionándole alguien con quien poder conversar y que lo haga salir un poco de la oscura monotonía en la que vive. Puede parecer que el momento elegido para mostrar la vida del realizador no es el más propicio, al menos para mostrarlo como tal, como el inolvidable director qué fue, pero es el punto clave qué otorga humanidad a la película.

El guión escrito por el propio Bill Condon, que adapta la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram, lejos de limitarse a mostrar el final de la vida de nuestro personaje principal, aprovecha el relato para tratar temas que por suerte o por desgracia nos atañen a todos a lo largo de nuestra vida, cómo son la soledad y la vejez. Igualmente realiza una ácida crítica por la forma en la que estaba montada la industria cinematográfica, algo que lógicamente ha ido cambiando con el tiempo, aunque no seré yo quién opine si es para bien o para mal. Eso lo dejo en manos del espectador. El ritmo de la película es el adecuado, los diálogos fluyen a nuestro alrededor con más o menos transcendencia, que va in crescendo conforme avanza la trama, hasta llegar a una parte final que revaloriza el largometraje de forma increíble.

En los apartados técnicos podemos destacar la fotografía de Stephen M. Katz (Granujas a todo ritmo, Unos peques geniales, Angels Hard as They Come), que realiza un trabajo muy acorde con lo que la película demanda, sin excesivas estridencias, en el que destacan las escenas del rodaje de La novia de Frankenstein, toda una delicia para los melancólicos amantes de esas películas inigualables que no volverán jamás. También podemos destacar el montaje de Virginia Katz (Dreamgirls, 
Fearless - Sin miedo, Kinsey), de la que ya os hablamos aquí como la responsable del montaje de la película Mr. Holmes, igualmente interpretada por Ian McKellen. Su labor en esta ocasión es no demasiado protagonista, pero igualmente efectivo. Por último mencionar que la banda sonora es responsabilidad de Carter Burwell (Carol, Tres anuncios en las afueras, Fargo), que realiza un trabajo lleno de melancolía por el tiempo pasado, cuyas composiciones parecen no tener fin. El resultado es magnífico y no podría ser más apropiado. Pueden escucharlo más abajo, tras el tráiler de la película.


Lógicamente, si en cualquier película es fundamental el trabajo de su reparto, en una de este tipo alcanza una importancia descomunal. No puedo mas que aplaudir la elección de los actores, como son dirigidos y el brillante resultado final de su trabajo. A la cabeza del mismo tenemos al incombustible Ian McKellen, que da vida de forma brillante al realizador James Whale, una garantía total de éxito desde que mi memoria puede alcanzar. Su trabajo aquí no baja el excelente nivel que suele regalarnos, realizando una interpretación tan brillante como humana. Todo un acierto. 

Pero el que consiguió sorprenderme fue el bueno de Brendan Fraser en el papel de Clayton Boone, actor que no es precisamente santo de mi devoción, pero que aquí firma uno de los mejores trabajos, si no el mejor, que un servidor ha podido disfrutar de él. El realizador estadounidense consigue sacar lo mejor de él en una actuación de primerísimo nivel. Destacar también el trabajo de Lynn Redgrave en el papel de Hanna, su única compañía hasta la aparición de Clayton, Lolita Davidovich como Betty y David Dukes como David Lewis. Excelente el nivel general del reparto.

ConclusiónDioses y monstruos (Gods and Monsters) es uno de esos trabajos que no puedo mas que recomendar, de esos capaces de dejar huella en los aficionados con un mínimo de sensibilidad. Cierto es que a muchos les hubiera gustado disfrutar de un biopic del prácticamente olvidado director James Whale, pero a falta de ello, este me parece un hermoso homenaje a la persona que había tras el realizador, en el que además se realiza un perfecto retrato de la soledad y la vejez. Una maravilla que no deben dejar pasar si no la han visto y que merece la pena volver a disfrutar si ya lo hicieron en su día.




Fuentes consultadas - Filmaffinity, IMDb, Wikipedia, Youtube e iVoox

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) - Jon S. Baird (2018)

Título original - Stan & Ollie 
Año - 2018
Duración - 97 min.
País - Reino Unido 
Dirección - Jon S. Baird
Guion - Jeff Pope
Música - Rolfe Kent
Fotografía - Laurie Rose
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle y Billy Sneddon
Vestuario - Guy Speranza
Producción - Faye Ward
Productora - Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC, Fable Pictures, Sonesta Films, Entertainment One
Reparto - John C. Reilly, Steve Coogan, Shirley Henderson, Bentley Kalu, Nina Arianda, Danny Huston, Rufus Jones, Susy Kane, Stephanie Hyam, Charles Walters, Ella Kenion, Joseph Balderrama, Sophie Wardlow, Michael Haydon, Roger Ringrose, Julie Eagleton, Stewart Alexander, Andy Mihalache
nero - Drama, Comedia | Biográfico, Amistad, Comedia dramática, Cine dentro del cine, Teatro, Años 30, Años 50


Jon S. Baird es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion de Jeff Pope, que nos presenta el final de la carrera de los cómicos Laurel y Hardy (El Gordo y el Flaco en España). Un necesario y brillante homenaje a una pareja de una química y sincronización indudable, que alcanzó la cima haciendo reír al público con sus inolvidables sketches, brillantemente interpretados por Steve Coogan y John C. Reilly. Mención especial para la fotografía de Laurie Rose y la banda sonora de Rolfe Kent. Una delicia que no se deben perder.


Sinopsis - Stan (Steve Coogan) y Ollie (John C. Reilly), conocidos en castellano como "El gordo y el flaco", se embarcan en su gira de despedida ahora que su época dorada parece haber quedado anclada en el pasado. Con la ayuda de sus respectivas mujeres, Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), ambos logran conquistar al público de las salas de Reino Unido gracias a su peculiar manera de interpretar y de entender el mundo. Este biopic ahonda en la personalidad de ambos personajes y en las circunstancias personales que les convirtieron en figuras cómicas de leyenda.

El director - Jon S. Baird se ha convertido en poco tiempo, tras sus comienzos dentro de la producción, en uno de los jóvenes y brillantes talentos con más futuro de Escocia.

Nacido, criado y educado en Aberdeenshire (Escocia), Baird se trasladó a Londres a finales de los años noventa para sumergirse en todos los aspectos de la producción cinematográfica. El primer papel de Baird como director fue en el 2001, en el departamento de comedia de la BBC, donde dirigió varios sketches para programas de humor de actualidad. En 2004, Baird escribió, dirigió y produjo su primer cortometraje, It’s a casual life convirtiéndose posteriormente en productor asociado de Green Street Hooligans protagonizada por Elijah Wood.

Baird se dio a conocer por su dirección en la aclamada Cass (2008), una historia real basada en la vida de Cass, un huérfano jamaicano que pasó de ser el enemigo público número uno, a editor de libros de éxito. En su reparto aparecen nombres como Nonso Anozie, Natalie Press o Leo Gregory, entre otros. Tras Filth, el sucio (2013), trasladó su trabajo al mundo de la televisión, dirigiendo junto a Sally El Hosaini y Danny Boyle la serie Babylon (2014), una comedia policiaca con Brit Marling, James Nesbitt, Paterson Joseph, Bertie Carvel y Ella Smith. Tras ella dirigió algún episodio del prescindible remake Feed the Beast (2016), e hizo lo propio en la magnífica Vinyl (2016), un viaje a través de la industria de la música, en una Nueva York en los 70 espoleada por la droga y el sexo, en la que participaron Terence Winter, Martin Scorsese, Mick Jagger y Rich Cohen. Muy recomendable. También dirigió algún episodio de la comedia dramática Morir de pie (2017), que narra los inicios de la denominada 'stand-up comedy' que emergía en Los Ángeles en los años 70. Su brillante regreso a la gran pantalla ha sido El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) (2018), en la que narra el final de la carrera del querido dúo humorístico. Una maravilla que deberían disfrutar.

La película - Realizar un biopic (una película biográfica) suele ser una tarea sumamente complicada y, en muchas ocasiones, muy ingrata. Tan solo el hecho de condensar la vida de un personaje en la duración de un largometraje, ya resulta bastante complicado, ya no digamos la tarea titánica que puede ser contentar a todos sus admiradores y fans. Para colmo, suelen ser trabajos que no consiguen llevar al público a las salas de cine, por lo que a la complejidad de la realización de la película hay que añadir la, cuanto menos dudosa fiabilidad de conseguir un mínimo de rentabilidad en el negocio, que nos guste mas o menos, es lo que realmente es. Es suficiente con echar un vistazo a los resultados obtenidos hasta la fecha por los diversos biopic que se han realizado, para convencerse de la veracidad de lo que les cuento. Dicho de otra forma, suelen tener un alto riesgo para los que se dedican a financiar el cine y, salvo en contadas ocasiones, no permanecen por mucho tiempo ni en las salas de cine, ni en la memoria de los aficionados.


En un lugar solitario (In a Lonely Place) - Nicholas Ray (1950)

Título original - In a Lonely Place
Año - 1950
Duración - 91 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Nicholas Ray
Guion - Edmund North y Andrew Solt, basado en una historia de Dorothy B. Hughes 
Música - George Antheil
Fotografía - Burnett Guffey
Montaje - Viola Lawrence
Producción - Robert Lord
Productora - Columbia Pictures, Santana Pictures Corporation
Reparto - Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Carl Benton Reid, Art Smith, Jeff Donnell, Martha Stewart, Robert Warwick, Morris Ankrum, William Ching, Steven Geray, Hadda Brooks
Género - Cine negro, Intriga, Drama, Crimen, Drama romántico, Drama psicológico, Cine dentro del cine


Nicholas Ray fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion en el que Edmund North y Andrew Solt adaptan la novela homónima de Dorothy B. Hughes, publicada en 1947. Con la brillante fotografía de Burnett Guffey, la acertada banda sonora de George Antheil y los excepcionales Humphrey Bogart y Gloria Grahame en los papeles principales, estamos ante una de esas obras que ningún aficionado a este arte debería dejar pasar. CINE con mayúsculas, que para un servidor es de los mejores trabajos firmados tanto por el magistral realizador, como por uno de los galanes menos convencionales que nos ha dejado este arte.


Sinopsis - Dixon Steele "Dix" (Humphrey Bogart), famoso guionista en horas bajas que ha tenido ningún éxito «desde antes de la guerra», con fama de conflictivo y violento, tiene que afrontar la difícil tarea de adaptar un best-seller de nula calidad literaria. Casualmente se entera de que Mildred (Martha Stewart), la chica del guardarropa del bar que frecuenta, ha leído la obra en cuestión, por lo que le pide que lo acompañe a su casa, con la intención de que le cuente el argumento y ahorrarse así tan anodina lectura. A la mañana siguiente lo despierta su amigo, el detective de policía Brub Nicolai (Frank Lovejoy), que le comunica que la chica ha sido asesinada, por lo que Dix es la última persona que parece haberla visto con vida y uno de los principales sospechosos.

El director Nicholas Ray fue un director, guionista y actor de cine nacido en Galesville, Wisconsin, el 7 de agosto de 1911. Hijo de un padre alcohólico y de una madre que trabajaba en el mundo del espectáculo, comenzó a estudiar en la Universidad de Chicago, aunque tuvo que abandonar. 

Tras trasladarse a Nueva York, donde malvivía como podía, se unió a un grupo de Teatro de Improvisación, donde conoció a Elia Kazan, director que marcó su vida y lo contrató como ayudante en el rodaje de su primer trabajo en Hollywood, Lazos humanos (1945). 

Nicholas Ray debutó en la dirección tres años después con Los amantes de la noche (1948), tras la que llegaron títulos como El secreto de una mujer (1949), con Maureen O'Hara y Gloria Grahame, con la que se casó tras el rodaje; Llamad a cualquier puerta (1949), con Humphrey Bogart; En un lugar solitario (1950), protagonizada por Bogart y Grahame, Nacida para el mal (1950), Infierno en las nubes (1951), con John Wayne; La casa en la sombra (1951), con Ida Lupino y Robert Ryan; Hombres errantes (1952), con Robert Mitchum; Johnny Guitar (1954), con Joan Crawford y Sterling Hayden; Busca tu refugio (1955), con James Cagney; la inolvidable Rebelde sin causa (1955), con James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo; Más poderoso que la vida (1956), con James Mason, Barbara Rush y Walter Matthau; Amarga Victoria (1957), con Richard Burton; La verdadera historia de Jesse James (1957), con Robert Wagner; Chicago, años 30 (1958), con Robert Taylor y Cyd Charisse; Los dientes del diablo (1960), con Anthony Quinn y Peter O'Toole; Rey de reyes (1961); 55 días en Pekín (1963), con Charlton Heston, Ava Gardner y David Niven y la tardía Nunca volveremos a casa (1973), protagonizada también por el mismo.

En su último trabajo colaboró en la dirección de Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua, 1980), con el director alemán Wim Wenders. Se trata de un testimonio sobre el final de la vida de Nicholas Ray. En la última escena, sus amigos llevan sus cenizas, en un barco, hasta el océano. Murió de cáncer de pulmón el 16 de junio de 1979 en Nueva York.

La película - Tras finalizar el visionado de esta maravilla llamada In a Lonely Place, no puedo mas que preguntarme el porqué resulta tan difícil en la actualidad encontrar cine que consiga dejarte la sensación que este me ha dejado. Y es que el bueno de Nicholas Ray firma aquí lo que yo llamo un trabajo redondo, con un grupo de personajes escueto pero perfectamente desarrollados, en el que lejos de conformarse con seguir los eternos cánones del Cine negro, lo enriquece dejándonos trazas de un soberbio drama romántico y psicológico, que acaba retratando la condición del ser humano y una tormentosa relación sentimental, de forma mucho mas parecida a la vida real de lo que hoy día solemos encontrar. Parece realmente sencillo en manos del realizador, aunque en realidad sabemos que no lo es.


Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful) - Vincente Minnelli (1952)

Título original - The Bad and the Beautiful
Año - 1952
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Vincente Minnelli
Guión - Charles Schnee, basado en una historia de George Bradshaw
Música - David Raksin
Fotografía - Robert Surtees
Montaje - Conrad A. Nervig
Producción - John Houseman
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género - Drama
Reparto - Lana Turner, Kirk Douglas, Walter Pidgeon, Dick Powell, Barry Sullivan, Gloria Grahame, Gilbert Roland, Leo G. Carroll, Vanessa Brown, Paul Stewart, Sammy White, Elaine Stewart, Ivan Triesault


Sinopsis - El productor Harry Pebbel (Walter Pidgeon) reúne en Hollywood a el guionista James Lee Bartlow (Dick Powell), la actriz Georgia Lorrison (Lana Turner) y el director Fred Amiel (Barry Sullivan), que se niegan a hablar siquiera por teléfono con Jonathan Shields (Kirk Douglas), ya en su inevitable declive, que los necesita si quiere conseguir financiación para una película. Los tres recordarán su relación con Shields y cómo los utilizó de una u otra forma para conseguir el éxito, algo que no parecen estar dispuestos a perdonar.


El directorVincente Minnelli fue un director de cine estadounidense nacido en Chicago (Illinois), el 28 de febrero de 1903. Hijo de Mina Mary Lalouette Le Beau y Vincent Charles Minnelli, vivió y creció en una familia dedicada al teatro, ya que su padre era el director del Minnelli Brothers' Tent Theater, que cruzaba todo el Medio oeste de los Estados Unidos. Tras colaborar en trabajos como Mundo celestial (Strike Up the Band, 1940) y Babes on Broadway (1941), con Mickey Rooney y Judy Garland (su futura esposa de 1945 a 1951). Debutó como director con el modesto musical Una cabaña en el cielo (Cabin in the Sky,1943), que fue acogido de forma discreta por crítica y público. Su consolidación llegó con Cita en San Luis (Meet me in Saint Louis, 1944), con Judy Garland.

Dirigió más de una treintena de títulos entre los que podemos destacar El reloj (The Clock, 1945), con Judy Garland y Robert WalkerZiegfeld Follies (1945), que dirigió junto a Lemuel Ayers, Roy Del Ruth, Robert Lewis, George Sidney, Merrill Pye y Charles WaltersCorrientes ocultas (Undercurrent, 1946), con Katharine Hepburn, Robert Taylor y Robert MitchumEl pirata (The pirate, 1948), con Judy Garland y Gene KellyMadame Bovary (1949), con Jennifer Jones y Louis JourdanEl padre de la novia (Father of the Bride, 1950), con Spencer Tracy, Elizabeth Taylor y Joan BennettUn americano en París (An American in Paris, 1951), con Gene Kelly y Leslie CaronMelodías de Broadway (The Band Wagon, 1953), con Fred Astaire y Cyd Charisse; Brigadoon (1954), con Gene Kelly y Cyd Charisse; La tela de araña (The Cobweb, 1955), con Richard Widmark y Lauren Bacall; La maravillosa El loco del pelo rojo (Lust for Life, 1956), con Kirk Douglas y Anthony QuinnMi desconfiada esposa (Designing Woman, 1957), con Gregory Peck y Lauren Bacall; Como un torrente (Some Came Running, 1958), con Frank Sinatra, Dean Martin y Shirley MacLaine; Con él llegó el escándalo (Home from the Hill, 1960), con Robert Mitchum, Eleanor Parker, George Peppard y George Hamilton; Los cuatro jinetes del apocalipsis (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1962), con Glenn Ford e Ingrid Thulin o Castillos en la arena (The Sandpiper, 1965), con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Eva Marie Saint, Charles Bronson y Robert Webber.

Lo que son las cosas, no fue hasta Gigi (1958), cuando recibió el reconocimiento unánime que merecía, siendo nominada a nueve Oscars que acabó llevándose, entre ellos los de Mejor director y Mejor película. En 1974, publicó sus memorias bajo el título I Remember It Well.

La película - En la historia del cine existen numerosos ejemplos de películas que han pretendido mostrar como es el mundo del séptimo arte desde dentro, intentando abrir una ventana al espectador para que se haga una idea, más o menos fiel a la realidad, de cómo funciona la industria cinematográfica. Entre mis preferidas puedo nombrar títulos como El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950), La condesa descalza (Joseph L. Mankiewicz, 1954), The Big Knife (Robert Aldrich, 1955), Fellini, ocho y medio (Federico Fellini, 1963), El último magnate (Elia Kazan, 1976) o Caza de brujas (Irwin Winkler, 1991). Cualquiera de ellas merece la pena ser disfrutada, como mínimo.


En el caso que hoy nos ocupa, la historia gira alrededor de un productor, magníficamente interpretado por Kirk Douglas, sin ningún tipo de miramiento hacia quien lo rodea, capaz de hacer lo que sea necesario y pasar por encima de quien sea necesario para conseguir sus objetivos. Por lo tanto, y es algo que quiero que les quede claro, Cautivos del mal no nos habla del proceso creativo de realizar una película, ni nada por el estilo. Lo que si hace a la perfección es mostrar la trastienda de este, todo ese mundillo frenético que se movía en Hollywood en esa maravillosa época, en el cual esa realmente difícil hacerte un hueco y relativamente sencillo perderlo.  

Trumbo. La lista negra de Hollywood - Jay Roach (2015)

Trumbo, Jay Roach, Bryan CranstonTítulo original - Trumbo
Año - 2015
Duración - 124 min.
País - Estados Unidos
Director - Jay Roach
Guión - John McNamara
Música - Theodore Shapiro
Fotografía - Jim Denault
Montaje - Alan Baumgarten
Producción - Monica Levinson, Michael London, Nimitt Mankad, John McNamara, Shivani Rawat, Jay Roach y Janice Williams
Productora - Groundswell Productions / Inimitable Pictures / ShivHans Pictures
Género - Drama / Cine dentro del cine, Comedia dramática
Reparto - Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, David James Elliott, Roger Bart, J.D. Evermore, Mark Harelik, Peter Mackenzie, Toby Nichols, Becca Nicole Preston, Elijah Miskowski


Jay Roach es el director encargado de llevar a la gran pantalla el eficiente guión en el que John McNamara repasa uno de esos capítulos que hacen tambalearse a los pilares de la frágil democracia. Con un acertado toque de humor negro y la brillante interpretación de un Bryan Cranston que hace la película suya desde el primer instante, estamos ante un trabajo tachado por algunos de falto de solemnidad, pero que en mi opinión funciona a las mil maravillas y cumple su objetivo con creces. Mención especial para el trabajo del resto del reparto, que brilla a la altura de su protagonista. CINE con mayúsculas que deberían disfrutar.

Trumbo, Jay Roach, Bryan Cranston

Sinopsis: En los años 40, Dalton Trumbo (Bryan Cranston), el guionista mas brillante y mejor pagado de Hollywood, disfruta de sus éxitos sin abandonar en ningún momento la lucha por sus ideas políticas. Pero cuando comienza la llamada caza de brujas, la Comisión de Actividades Antiamericanas inicia una campaña anticomunista. Trumbo, uno de los llamados "10 de Hollywood", entra en la lista negra por dichos ideales. Biopic del famoso guionista Dalton Trumbo (Espartaco, Vacaciones en Roma, Éxodo) que tuvo que escribir bajo varios seudónimos tras ser acusado de comunista y apartado de los principales estudios.

Trumbo, Jay Roach, Bryan CranstonEl director: Jay Roach es un productor, director y guionista de cine y televisión estadounidense nacido en Albuquerque, Nuevo México, el 14 de junio de 1957. Ganador de dos Premios Emmy a la mejor dirección y al mejor telefilm por Recuento (Recount) (2008), debutó en 1997 dirigiendo la empalagosa Austin Powers: Misterioso agente internacional. En 1998 hizo lo propio con su secuela, Austin Powers 2: La espía que me achuchó, dirigiendo también ese mismo año la comedia Mystery, Alaska. Su siguiente trabajo fue Los padres de ella (2000), una comedia con Robert De Niro y Ben Stiller como protagonistas, a la que siguió la tercera parte de la saga interpretada por Mike Myers: Austin Powers en Miembro de Oro (2002). En 2004 realizó la secuela Los padres de él, en la que además de Ben Stiller y Robert De Niro, encontramos nombres como Dustin Hoffman o Barbra Streisand. Tras el telefilm Recuento (Recount) (2008), protagonizado por el brillante Kevin Spacey, dirigió la innecesaria La cena de los idiotas, remake de la magnífica película gala dirigida por Jay Roach. Su filmografía se completa con el telefilm Game Change (2012), la comedia En campaña todo vale (2012) y la dirección de algunos episodios de la serie de la HBO The Brink. En mayo de este año estrenó el telefilm All the Way, en el que vuelve a trabajar con Bryan Cranston.

La película: Realizar una película como Trumbo y dejar a todo el mundo satisfecho es una tarea realmente complicada, por no decir imposible. Estamos ante uno de esos innumerables episodios que dejan bastante debilitadas a las bases de cualquier supuesta democracia, tratándose además este de un caso con enorme repercusión mediática, ya que tanto verdugos como ajusticiados eran figuras notoriamente públicas. Creo que la intención de los responsables de la película era la de restar algo de dramatismo a un caso tan peliagudo y bochornoso como este, algo para lo que basta con observar quien fue el director elegido, un Jay Roach que apenas ha salido de la senda de la comedia en toda su carrera, por lo que tildar a la cinta de falta de seriedad me parece una contradicción en si misma.

Trumbo, Jay Roach, Bryan Cranston

Para mi Trumbo es, ante todo, un merecido homenaje a uno de los guionistas con mas talento que ha dado Hollywood, que en ningún momento deja de lado las vicisitudes que tuvo que pasar y lo difícil que lo tuvo para hacer lo que mas le gustaba, escribir guiones, pero lo hace de forma suavizada y amable, contando una historia que los que amamos el cine creemos que conoce mucha mas gente de la que realmente lo hace en realidad, pero cuya principal intención parece ser la de, a la vez que se ensalza la figura de Hollywood Dalton Trumbo y lo que tuvieron que soportar muchos de sus compañeros y familiares solo por sus ideas políticas, realizar un canto a la libertad de pensamiento y expresión.

Bellísima (Bellissima) - Luchino Visconti (1951)

Bellísima, Bellissima, Luchino Visconti, Anna MagnaniTítulo original - Bellissima
Año - 1951
Duración - 108 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi D'Amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti
Música - Franco Mannino
Fotografía - Piero Portalupi
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Salvo D'Angelo
Productora - Film Bellissima
Género - Drama / Neorrealismo, Cine dentro del cine
Reparto - Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli, Alessandro Blasetti, Tecla Scarano


Luchino Visconti escribió el guión en 1951 -junto a Suso Cecchi D'Amico y Francesco Rosi- y dirigió Bellissima, película en la que brilla con luz propia la magnífica Anna Magnani, una de las mas grandes actrices italianas de todos los tiempos, tras la que el director realizaría un punto y seguido en su idilio con el Neorrealismo. Un retrato de la Italia del momento y del mundo del cine en particular, enfocado en la figura de una madre que sueña con ver triunfar a su hija.

Bellísima, Bellissima, Luchino Visconti, Anna Magnani

Sinopsis: En los estudios de Cinecittà, el director Alessandro Blasetti (Alessandro Blasetti) está haciendo un casting para seleccionar a la niña que actuará en su nueva película. Entre las madres que han llevado a sus hijas está Maddalena Cecconi (Anna Magnani), una mujer de barrio que sueña con ver a su hija en el Olimpo de las grandes estrellas. Contra la voluntad de su marido, Maddalena no repara en medios para conseguir su objetivo: inscribe a María en un curso de baile y actuación, le paga fotógrafo y peluquera, le encarga vestidos a medida... Cualquier cosa por conseguir realizar su sueño.

Bellísima, Bellissima, Luchino Visconti, Anna MagnaniEl director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorrealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Rocco y sus hermanos (1960), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto. Falleció en Roma, el 17 de marzo de 1976.

La película: ¿Que no haría uno por un hijo o una hija? ¿Hasta donde estaría dispuesto a llegar para que el o ella viva de forma mejor a lo que uno lo ha hecho? ¿Hasta que punto tenemos derecho a enfocar y condicionar su vida por algo que quizás mas tarde sepamos que no era su deseo real? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras disfrutar de esta curiosa película, en la que el espléndido dúo formado por el realizador Luchino Visconti y la actriz Anna Magnani consiguen que nos metamos en la piel de una madre luchadora, de carácter y buen corazón, pero totalmente obsesionada con ver a su hija triunfar en el mundo del pujante cine italiano. Un suceso mucho mas común de lo que muchos podamos creer, que continua siendo habitual, y por desgracia lo seguirá siendo, aunque en los tiempos que corren los objetivos hayan variado bastante, algo que no cambia el problema y sus consecuencias.

Bellísima, Bellissima, Luchino Visconti, Anna Magnani

A esto hay que añadir la situación económica y social de la mayoría de las familias de ese momento, donde la miseria campaba a sus anchas y los sueños casi siempre se quedaban en eso, simples sueños que acababan escapándose de las manos sin la mas mínima posibilidad de ser alcanzados. Es ese uno de los motivos por el que el Neorealismo impactó tanto en los espectadores de todo el mundo, porque mostraba la verdad sin tapujos frente a las gloriosas producciones estadounidenses, mucho mas preocupadas en crear mundos paralelos a los que transportarnos que en mostrar la realidad real de la época. Basta con echar un vistazo a los trabajos que optaron a los Oscars de ese año para comprobarlo, encontrando títulos como Un americano en París, Quo Vadis, Un lugar bajo el sol, Un tranvía llamado deseo, La reina de África o Muerte de un viajante, entre otros. Dos estilos totalmente opuestos igualmente disfrutables.

Queridísima mamá (Mommie Dearest) - Frank Perry (1981)

Queridísima mamá, Frank Perry, Mommie Dearest, Mamita queridaTítulo original - Mommie Dearest
Año - 1981
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Perry
Guión - Frank Perry, Frank Yablans, Tracy Hotchner, Robert Getchell, basado en el libro de Christina Crawford
Música - Henry Mancini
Fotografía - Paul Lohmann
Montaje - Peter E. Berger
Producción - Frank Yablans, David Koontz, Terrence O'Neill y Neil A. Machlis
Productora - Paramount Pictures
Género - Drama
Reparto - Faye Dunaway, Steve Forrest, Diana Scarwid, Mara Hobel


Frank Perry escribió, junto a Frank Yablans, Tracy Hotchner y Robert Getchell, y dirigió Mommie Dearest (Queridísima mamá en España y Mamita querida en Hispanoamérica), una interesante película biográfica sobre la vida de Christina Crawford, la primera de los cuatro niños que la actriz Joan Crawford adoptó durante su vida. Un trabajo que deja bastante que desear en varios aspectos, que cuenta las experiencias personales de Christina con respecto a su madrastra, tomándose mas de una evidente licencia y que no debemos confundir con un biopic de la actriz, ya que solo se cuenta la parte de su vida relacionada con su hija, parte además descrita por la propia Christina en el polémico libro Mommie Dearest, que publicó con su madre aún viva. Tan obsesiva y repetitiva como interesante y ¿fidedigna?

Queridísima mamá, Frank Perry, Mommie Dearest, Mamita querida

Sinopsis: La película nos cuenta parte de la vida de la famosa actriz Joan Crawford, concretamente la parte vista desde los ojos de Christina Crawford, la primera niña que adoptó y la que, al parecer, sufrió en sus carnes los evidentes problemas mentales de la talentosa y controvertida actriz. Vapuleada por crítica y público durante años, el tiempo ha dado a este trabajo un lugar que nunca debería de haber ocupado si la juzgamos únicamente por su calidad, pero que gracias a su evidente exageración y a contar la presunta historia de una actriz a la que siempre acompañó la polémica, ha conseguido llegar a convertirse en todo un clásico "camp", e incluso en una película de culto para muchos.

Queridísima mamá, Frank Perry, Mommie Dearest, Mamita queridaEl director: Frank Perry fue un director estadounidense nacido en Nueva York, el 21 de agosto de 1930. Tras asistir a la Universidad de Miami, produjo varias obras de teatro en Westport, tras lo que se dedicó a la producción de documentales de televisión. Tras participar en la Guerra de Corea, debutó como director con el drama de bajo presupuesto Elisa (David and Lisa), con un guión escrito por su esposa Eleanor Rosenfeld, por el que fue nominada a un Oscar. Tras ella llegaron Ladybug Ladybug (1963) y varios telefilms, hasta que en 1968 dirigió El nadador, interpretada por Burt Lancaster y que es para mi su mejor película junto a su debut. Tras ella llegaron El verano pasado (1969), un buen drama en el que se adapta una novela de Evan Hunter y Trilogy (1969), en el que adaptan varias historias de Truman Capote (guión del propio Truman Capote y Eleanor Perry). Su siguiente trabajo fue Diario de una esposa desesperada (1970), una comedia dramática que adapta una novela de Sue KaufmanDuelo a muerte en el OK Corral (1971), Play It As It Lays (1972), Man on a Swing (1974), Vidas sin barreras (1975), el telefilm El tonto (1979), participó en la serie Skag (1980) y fue vapuleado por la que hoy nos ocupa. Hasta el final de su carrera dirigió Monseñor (1982), protagonizada por Christopher Reeve y las olvidables Posiciones comprometidas (1985) y ¿Estás muerta, cariño? (1987). Su último trabajo fue On the Bridge (1992), documental en el que narra la lucha contra el cáncer de próstata, que finalmente acabaría llevándoselo en 1995.

La película: Quiero comenzar dejando claro, si es que no lo he hecho suficientemente hasta ahora, que si estamos ante un biopic, no es precisamente sobre la actriz Joan Crawford, sino sobre la versión sobre la relación que esta tuvo con Christina Crawford, su primera hijastra. No seré yo quien ponga en entredicho la historia que cuenta Christina, ya que no poseo pruebas ni a favor ni en contra de su verosimilitud, pero si quiero dejar claro que hasta donde yo conozco, la historia se ha cambiado y se han omitido diversos detalles de la misma, no siendo estos precisamente livianos o insignificantes, como la no aparición de dos de los tres hermanastros que convivieron con ella o la forma en la que insinúa en el final de la película su intención de escribir la novela a la que tanto provecho sacó posteriormente, tras ser desheredada junto a su hermanastro, cuando esto fue consecuencia precisamente de haberla escrito con su madrastra aún viva, motivo que esgrimió la actriz para hacerlos desaparecer del testamento.

Queridísima mamá, Frank Perry, Mommie Dearest, Mamita querida

Tampoco quiero ser yo quien defienda a una magnífica actriz, que a su vez dejaba mucho que desear como persona, algo que no solo estaba en la mente de su hijastra, sino que ha sido corroborado por muchos y muchas de los que tuvieron la oportunidad de trabajar o conocer a la controvertida diva. Joan Crawford ha sido descrita por los que mejor la conocieron como manipuladora, de carácter un tanto bipolar, totalmente obsesionada con la limpieza y con una dependencia total al alcohol. De su vida amorosa prefiero no pronunciarme, al no tener datos objetivos, pero si les comentaré que se dice que era famosa por su promiscuidad, tanto con hombres como mujeres, algo que, al menos para mi, tiene escasa importancia.

Frances - Graeme Clifford (1982)

Frances, Graeme, CliffordTítulo original - Frances
Año - 1982
Duración - 134 min.
País - Estados Unidos
Director - Graeme Clifford
Guión - Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore
Música - John Barry
Fotografía - Laszlo Kovacs
Montaje - John Wright
Producción - Jonathan Sanger
Productora - Universal Pictures / Brooksfilms / EMI Films
Género - Drama
Reparto - Jessica Lange, Sam Shepard, Kim Stanley, Bart Burns, Jeffrey DeMunn, James Karen, Christopher Pennock, Kevin Costner, Anjelica Huston


Graeme Clifford fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore, en el que se nos cuenta gran parte de la vida de la desdichada actriz Frances Farmer. Un trabajo que merece la pena ser visto y refleja con incierta similitud a la realidad la vida de la artista, ya que sus creadores se toman alguna que otra licencia. En la película destaca el enorme dramatismo que desprende la historia y el magnífico trabajo de una Jessica Lange que borda su papel como "La chica mala de Seattle Oeste", por el que sería nominada a un Óscar.

Frances, Graeme, Clifford

Sinopsis: Frances Elena Farmer (Jessica Lange) es una adolescente rebelde con un enorme talento que vive en Seattle junto a sus padres. Tras ganar un viaje a la Unión Soviética por un controvertido ensayo llamado Dios Muere, su imagen en la comunidad deja mucho que desear, aunque esto no consigue hacerla desistir. Decidida a convertirse en actriz, se traslada a Hollywood donde rápidamente comienza a trabajar en la industria cinematográfica, pero su difícil carácter para la época en la que vivió y el poco interés que en ella despertaban los papeles para los que era elegida, la hacen mudarse a Nueva York para continuar haciendo teatro en el Group Theatre, de la mano del escritor Clifford Odets (Jeffrey DeMunn). Allí comenzará su progresivo declive, que acabará convirtiendo su vida en un auténtico calvario.

Frances, Graeme, CliffordEl director: Graeme Clifford es un director de cine australiano nacido en Sydney, Australia, en 1942. Después de trabajar varios años como editor, su carrera como director ha transcurrido principalmente en televisión, habiendo dirigido solo cuatro películas de cine: Burke & Wills (1985), con Jack Thompson y Nigel Havers como protagonistas, Al filo del abismo (1988), con nombres como Christian Slater, Steven Bauer o Richard Herd en su reparto y Ruby Cairo (1992), con la participación de Andie MacDowell, Liam Neeson y Viggo Mortensen, entre otros, además de la que hoy nos ocupa, su mejor película para mi. En televisión ha participado en multitud de series y telefilms como Los nuevos vengadores (1976), Cuentos de las estrellas (1982), El último Don I (1997) y II (1998), El último testigo (1999), Los Thornton (2003), El secreto del sótano (2004) o El guión de mi vida (2007), entre otras.

La película: La vida de la actriz Frances Farmer es una de las que mas páginas se han escrito en la historia del cine, ya que llama enormemente la atención como alguien que podía haberlo tenido todo pasó a tocar fondo de la noche a la mañana, algo que en la época fue noticia durante mucho tiempo y ocupó multitud de portadas. Con el paso del tiempo, por razones que ahora explicaré, dicha historia ha sufrido la inclusión de ciertos detalles que jamás han podido ser corroborar, pero que han pasado a formar parte de la leyenda de esta desdichada actriz de forma inexorable. Algunos de esos detalles fueron incluidos en este trabajo, por lo que hemos de verlo como lo que es, un producto de ficción basado en la vida de Frances y no un documental biográfico, que distan mucho de ser lo mismo.

Frances, Graeme, Clifford

Con esto no quiero decir que estemos ante una mala película o que no merezca la pena disfrutarla, algo que yo les animo a que hagan, ya que merece la pena sin ningún género de dudas, sino que hemos de tener en cuenta que ciertos aspectos están un tanto dramatizados para que el resultado final diese mas juego. Pero para ser justos, esto no es algo que comenzara a la hora de hacer este trabajo, ya que en la autobiografía que escribió la propia actriz junto a Lois Kibbee, titulada Will There Really Be A Morning, que fue publicada dos años después de su muerte, ya se exageraron ciertos aspectos de la vida de la actriz para hacerla mas comercial, como confirmaron posteriormente la propia Lois Kibbee, coautora de las memorias y Jean Ratcliffe, ambas amigas de la actriz.

Cazador blanco, corazón negro - Clint Eastwood (1990)

Cazador blanco, White Hunter, Clint EastwoodTítulo original - White Hunter, Black Heart
Año - 1990
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Director - Clint Eastwood
Guión - Burt Kennedy, Peter Viertel y James Bridges, basado en la novela homónima de Peter Viertel
Música - Lennie Niehaus
Fotografía - Jack N. Green
Montaje - Joel Cox
Producción - Clint Eastwood
Género - Aventuras, Drama
Productora - Warner Bros. Pictures / Malpaso
Reparto - Clint Eastwood, Jeff Fahey, George Dzundza, Alun Armstrong, Marisa Berenson, Timothy Spall, Charlotte Cornwell, Boy Mathias Chuma, Mel Martin, Clive Mantle


Clint Eastwood dirigió, interpretó y produjo este fiel retrato que, con la escusa de la preparación del rodaje de La reina de África, nos muestra la personalidad y el complejo carácter del director John Huston, un personaje que vivió su vida al límite y que sirve como ejemplo de como eran algunas estrellas de Hollywood de los años dorados. Un trabajo muy recomendable, en el que el realizador da la importancia justa a personajes como Katharine Hepburn, Lauren Bacall o Humphrey Bogart, para centrarse el la figura de Huston y repasar esa añorada época en la que se filmaban las grandes producciones de Hollywood en África, con la dificultad que los medios de la época imponían. Para muchos resultará un trabajo incompleto, sobre todo si conoce las vicisitudes del posterior rodaje, pero lo cierto es que cumple con la función para la que se creó de forma sobresaliente, realizando además un repaso a la sociedad de la época.

Cazador blanco, White Hunter, Clint Eastwood

Sinopsis: Pete Verrill (Jeff Fahey) es reclamado por el realizador John Wilson (Clint Eastwood) para que de los últimos retoques al guión de su próxima película, para la que solo resta el visto bueno de los productores. Esta se desarrolla en África, por lo que lo invita a acompañarlo al continente para elegir las localizaciones mas idóneas para filmarla, aunque en realidad su principal objetivo dista mucho de ser ese, ya que está obsesionado con cazar un animal grande, el mas grande de todos, un elefante. El principal problema es que Sam Spiegel (George Dzundza), el productor de la película que conoce bien al realizador, enviará con ellos a Ralph Lockhart (Alun Armstrong), un hombre de confianza que lo tendrá informado de los movimientos de Wilson, lo que pondrá en peligro constantemente un proyecto que pende de un hilo.

El director: ¿Que decir a estas alturas de uno de los grandes de este arte? Tras debutar en 1955 con un pequeño papel en El regreso del monstruo, alcanzó la fama interpretando al Hombre sin nombre en la Trilogía del dólar, que dirigió Sergio Leone en la década de 60 y a Harry Callahan en la serie de películas de Harry el Sucio durante los 70 y 80. Desde 1967 Eastwood posee su propia productora de cine, Malpaso Productions, que ha producido la mayor parte de sus películas, debutando como director con Escalofrío en la noche (1971). Cazador blanco, corazón negro supuso un punto de inflexión en su filmografía, alejando al actor de sus típicos papeles de hombre duro, algo que fue bien recibido por gran parte de la crítica, pero no tanto por el público, no acostumbrado aún a esta nueva faceta. Su estreno fue limitado y su recaudación en taquilla bastante pobre, por lo que estamos ante uno de los trabajos menos conocidos y valorados del realizador.

La película: El universo de Hollywood tiene, como casi todas las cosas relacionadas con personajes influyentes en este mundo, una imagen al exterior que no siempre se corresponde con la realidad, mostrando sobre todo el glamour que tanto atrae al espectador, para dejar en segundo plano muchas de las excentricidades de unas estrellas que, en multitud de ocasiones, perderían gran parte de su encanto mostradas tal y como son en realidad. En el caso que nos ocupa, puede parecer que el director realiza una dura crítica a la personalidad del controvertido John Huston, pero la realidad es que incluso suaviza bastante la imagen de el que Peter Viertel muestra en su novela, ya que tampoco era su intención menospreciar la figura de uno de sus directores favoritos, tan brillante en su trabajo como difícil de soportar en su vida privada, sobre todo para quien no tenía mas remedio que trabajar a su lado.

Cazador blanco, White Hunter, Clint Eastwood

Su verdadera intención era mostrar todo lo que se esconde tras las luces de neón, los lujosos vestidos y las inolvidables noches de estreno, realizando un retrato del mundo del cine de Hollywood de la época y del ser humano en general, algo que consigue sin excesivos problemas. Pero claro, no es eso lo que muchos esperaban ver en este trabajo, mas intrigados por los avatares de un rodaje que transcurrió entre enormes dificultades y del que han corrido desde entonces auténticos ríos de tinta, o por como era la vida de los Bogart, Bacall o Hepburn, estrellas que conservan a día de hoy gran parte de la gloria que consiguieron en su momento con su trabajo, o incluso mas, convertidos en auténticas leyendas en el mundo del cine.