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Retorno al pasado (Out of the Past) - Jacques Tourneur (1947)

Título original - Out of the Past
Año - 1947
Duración - 97 min.
País - Estados Unidos 
Dirección - Jacques Tourneur
Guion - Daniel Mainwaring, que adapta su propia novela de 1946 Build My Gallows High
Música - Roy Webb
Fotografía - Nicholas Musuraca
Montaje - Samuel E. Beetley
Vestuario - Edward Stevenson
Producción - Warren Duff
Productora - RKO Radio Pictures
Reparto - Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming, Richard Webb, Steve Brodie, Virginia Huston, Paul Valentine, Ken Niles, Dickie Moore
Género - Cine negro, Intriga / Crimen, Película de culto


Jacques Tourneur fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guion con el que Daniel Mainwaring adaptó su novela Build My Gallows High, de 1946. Un trabajo inolvidable que ocupa un lugar de honor entre los mejores del film noir, donde destacan la fotografía de Nicholas Musuraca, el montaje de Samuel E. Beetley, la banda sonora de Roy Webb y el magnífico trabajo de Robert Mitchum, Kirk Douglas, Rhonda Fleming o Richard Webb, pero sobre todo el de Jane Greer, como una de las mejores femmes fatales que un servidor recuerda. Imprescindible.


Sinopsis - Jeff Bailey (Robert Mitchum), un antiguo detective, posee una gasolinera en un pequeño pueblo, donde lleva una vida tranquila y sencilla. Sus amores son la pesca y una joven con la que quiere casarse. Inesperadamente, recibe la visita de un viejo conocido que le anuncia que el jefe quiere verlo. Bailey se ve entonces obligado a contarle a su novia su turbio pasado.

El directorJacques Tourneur fue un director de cine franco-estadounidense nacido en París, el 12 de noviembre de 1904. Comenzó una carrera en el cine mientras todavía asistía a la escuela secundaria como extra y más tarde como empleado de guiones en varias películas mudas. De joven, se fue a vivir a Nueva York y más tarde se trasladó a Hollywood, siempre junto a su padre, el también director Maurice Tourneur. Tanto Maurice como Jacques regresaron a Francia después de que su padre trabajara en la película The Mysterious Island en 1925.

Fue uno de esos directores atípicos dentro del mundo del cine, al que este le debe mucho mas de lo que la mayoría pueda imaginar.  Se hizo un nombre en el cine tras la realización de tres películas de terror, junto con el productor Val Lewton en RKO Pictures, durante los años 40: La mujer pantera (1942), que ya comentamos en esta entradaYo anduve con un zombie (1943), de la que os hablamos en este artículo, y El hombre leopardo (1943). Os recomiendo el visionado de cualquiera de ellas, descubriréis un director con un talento excepcional.

A partir de ahí experimentó en casi todos los géneros cinematográficos, realizando intriga, drama, cine bélico, western, cine negro, aventuras, romántico... con mayor o menor éxito de crítica o público, pero con una calidad incuestionable en su trabajo. Algunos ejemplos: Días de gloria (1944), Retorno al pasado (1947), El halcón y la flecha (1950) o La mujer pirata (1951). La lista es interminable, ya que era capaz de realizar una o mas películas al año. 

No fue hasta 1957, cuando regresó al género del terror realizando La noche del demonio, una cinta de serie B en la que mezcla terror, fantasía e intriga para adentrarse en el mundo de las sectas. Sería esta su última aportación al género y resulta igualmente recomendable que las anteriormente señaladas. Aún le quedó tiempo para rodar algunos capítulos de series como La dimensión desconocidaAventuras en el paraíso o Bonanza antes de retirarse de la dirección a finales de los años 60. Siempre destacó por su increíble habilidad para sacar un enorme partido a los bajos presupuestos con lo que contaba. Falleció en Bergerac, Francia, el 19 de diciembre de 1977.

La película - Poco después de finalizar la segunda guerra mundial, la RKO Pictures decidió apartarse un poco de la serie B que casi siempre la caracterizaba y entregar un presupuesto algo mas holgado a un Jacques Tourneur que les había demostrado en varias ocasiones de lo que era capaz de hacer tras las cámaras, aun sin disponer de el. El cine negro estaba en pleno auge y el realizador de origen parisino ideó un producto capaz de, no solo utilizar sus principales características, sino de enriquecerlas, complementarlas y dejar su impronta en el género con este completísimo e inolvidable trabajo del que hoy os he querido hablar. Los años pasan ante nuestros ojos, pero trabajos como Out of the Past consiguen mantener gran parte de su fuerza y su vigor, manteniendo al espectador inmóvil ante tal derroche de talento, como ya quisieran conseguir multitud de trabajos actuales.


En un lugar solitario (In a Lonely Place) - Nicholas Ray (1950)

Título original - In a Lonely Place
Año - 1950
Duración - 91 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Nicholas Ray
Guion - Edmund North y Andrew Solt, basado en una historia de Dorothy B. Hughes 
Música - George Antheil
Fotografía - Burnett Guffey
Montaje - Viola Lawrence
Producción - Robert Lord
Productora - Columbia Pictures, Santana Pictures Corporation
Reparto - Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Carl Benton Reid, Art Smith, Jeff Donnell, Martha Stewart, Robert Warwick, Morris Ankrum, William Ching, Steven Geray, Hadda Brooks
Género - Cine negro, Intriga, Drama, Crimen, Drama romántico, Drama psicológico, Cine dentro del cine


Nicholas Ray fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion en el que Edmund North y Andrew Solt adaptan la novela homónima de Dorothy B. Hughes, publicada en 1947. Con la brillante fotografía de Burnett Guffey, la acertada banda sonora de George Antheil y los excepcionales Humphrey Bogart y Gloria Grahame en los papeles principales, estamos ante una de esas obras que ningún aficionado a este arte debería dejar pasar. CINE con mayúsculas, que para un servidor es de los mejores trabajos firmados tanto por el magistral realizador, como por uno de los galanes menos convencionales que nos ha dejado este arte.


Sinopsis - Dixon Steele "Dix" (Humphrey Bogart), famoso guionista en horas bajas que ha tenido ningún éxito «desde antes de la guerra», con fama de conflictivo y violento, tiene que afrontar la difícil tarea de adaptar un best-seller de nula calidad literaria. Casualmente se entera de que Mildred (Martha Stewart), la chica del guardarropa del bar que frecuenta, ha leído la obra en cuestión, por lo que le pide que lo acompañe a su casa, con la intención de que le cuente el argumento y ahorrarse así tan anodina lectura. A la mañana siguiente lo despierta su amigo, el detective de policía Brub Nicolai (Frank Lovejoy), que le comunica que la chica ha sido asesinada, por lo que Dix es la última persona que parece haberla visto con vida y uno de los principales sospechosos.

El director Nicholas Ray fue un director, guionista y actor de cine nacido en Galesville, Wisconsin, el 7 de agosto de 1911. Hijo de un padre alcohólico y de una madre que trabajaba en el mundo del espectáculo, comenzó a estudiar en la Universidad de Chicago, aunque tuvo que abandonar. 

Tras trasladarse a Nueva York, donde malvivía como podía, se unió a un grupo de Teatro de Improvisación, donde conoció a Elia Kazan, director que marcó su vida y lo contrató como ayudante en el rodaje de su primer trabajo en Hollywood, Lazos humanos (1945). 

Nicholas Ray debutó en la dirección tres años después con Los amantes de la noche (1948), tras la que llegaron títulos como El secreto de una mujer (1949), con Maureen O'Hara y Gloria Grahame, con la que se casó tras el rodaje; Llamad a cualquier puerta (1949), con Humphrey Bogart; En un lugar solitario (1950), protagonizada por Bogart y Grahame, Nacida para el mal (1950), Infierno en las nubes (1951), con John Wayne; La casa en la sombra (1951), con Ida Lupino y Robert Ryan; Hombres errantes (1952), con Robert Mitchum; Johnny Guitar (1954), con Joan Crawford y Sterling Hayden; Busca tu refugio (1955), con James Cagney; la inolvidable Rebelde sin causa (1955), con James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo; Más poderoso que la vida (1956), con James Mason, Barbara Rush y Walter Matthau; Amarga Victoria (1957), con Richard Burton; La verdadera historia de Jesse James (1957), con Robert Wagner; Chicago, años 30 (1958), con Robert Taylor y Cyd Charisse; Los dientes del diablo (1960), con Anthony Quinn y Peter O'Toole; Rey de reyes (1961); 55 días en Pekín (1963), con Charlton Heston, Ava Gardner y David Niven y la tardía Nunca volveremos a casa (1973), protagonizada también por el mismo.

En su último trabajo colaboró en la dirección de Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua, 1980), con el director alemán Wim Wenders. Se trata de un testimonio sobre el final de la vida de Nicholas Ray. En la última escena, sus amigos llevan sus cenizas, en un barco, hasta el océano. Murió de cáncer de pulmón el 16 de junio de 1979 en Nueva York.

La película - Tras finalizar el visionado de esta maravilla llamada In a Lonely Place, no puedo mas que preguntarme el porqué resulta tan difícil en la actualidad encontrar cine que consiga dejarte la sensación que este me ha dejado. Y es que el bueno de Nicholas Ray firma aquí lo que yo llamo un trabajo redondo, con un grupo de personajes escueto pero perfectamente desarrollados, en el que lejos de conformarse con seguir los eternos cánones del Cine negro, lo enriquece dejándonos trazas de un soberbio drama romántico y psicológico, que acaba retratando la condición del ser humano y una tormentosa relación sentimental, de forma mucho mas parecida a la vida real de lo que hoy día solemos encontrar. Parece realmente sencillo en manos del realizador, aunque en realidad sabemos que no lo es.


El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley) - Edmund Goulding (1947)

Título original - Nightmare Alley 
Año - 1947
Duración - 112 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Edmund Goulding
Guion - Jules Furthman, basado en la novela homónima de William Lindsay Gresham
Música - Cyril J. Mockridge
Fotografía - Lee Garmes 
Montaje - Barbara McLean
Producción - George Jessel
Productora - 20th Century Fox
Reparto - Tyrone Power, Joan Blondell, Coleen Gray, Helen Walker, Taylor Holmes, Mike Mazurki, Ian Keith, George Beranger, Michael Lally, Al Herman, Florence Auer
Género - Cine negro, Drama, Drama psicológico, Película de culto


Edmund Goulding fue el realizador responsable de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Jules Furthman, que adapta la novela homónima de William Lindsay Gresham. Un trabajo de enorme calidad y una solidez envidiables, que utiliza una historia a caballo entre un circo ambulante y la ciudad de Chicago, para realizar un oscuro retrato de la condición humana y de como no podemos eludir nuestro destino. Cine negro con señas de identidad propias que merece la pena disfrutar. Lógico que para muchos sea considerada como una película de culto.
 

Sinopsis - Stanton Carlisle (Tyrone Power) es un joven inteligente y ambicioso que llega a una feria ambulante en busca de oportunidades. Allí conoce a Zeena (Joan Blondell), la pitonisa, que realiza un número junto a su marido Pete (Ian Keith), cuya adicción al alcohol lo consume poco a poco. Tras comenzar a formar parte de dicho número, comienza a rondar por su cabeza la idea de utilizar lo aprendido fuera del circo, montando un número con el que realizar un espectáculo en salas de fiestas, para lo que le vendría de perlas la ayuda de Molly (Colleen Gray), una bella joven que se siente atraída por él.

El director - Edmund Goulding fue un actor, guionista, director, letrista de canciones y novelista británico, nacido en Feltham, Middlesex, Reino Unido, el 20 de marzo de 1891. 

Comenzó trabajando como actor, interpretando a uno de los tres fantasmas en la película muda Three Live Ghosts (1922), junto a Norman Kerry y Cyril Chadwick. Mas tarde escribió varios guiones para la estrella Mae Murray, en películas dirigidas por su entonces esposo Robert Z. Leonard. (El gran Ziegfeld, The Master Key, Orgullo y prejuicio) Pero fue como director donde consiguió alcanzar la fama, distinguiéndose por ser capaz de abarcar multitud de géneros diferentes de forma brillante. De igual forma realizaba multitud de funciones en el set de rodaje, aunque muchas de ellas sin llegar a aparecer en los créditos. En su peculiar forma de filmar, estaba siempre encima de sus actores para sacar lo mejor de ellos, para lo que dejaba el uso de la cámara a los operadores contratados para ello.

Dentro de su extensa filmografía podemos destacar trabajos como Anna Karenina (1927), con John Gilbert y Greta Garbo; Gran hotel (1932), con Greta Garbo, John Barrymore y Joan Crawford; Una fiesta en Hollywood (1934), dirigida junto a Richard Boleslawski y Allan Dwan, con Stan Laurel y Oliver Hardy; Deslices (1934), con Norma Shearer y Robert Montgomery; Aquella mujer (1937), con Bette Davis y Henry Fonda; La escuadrilla de la aurora (1938), con Errol Flynn y David Niven; La solteronaAmarga victoria, ambas de 1939 y protagonizadas por Bette Davis; La gran mentira (1941), con Bette Davis y George Brent; La ninfa constante (1943), con Charles Boyer y Joan Fontaine; Cautivo del deseo (con Paul Henreid y Eleanor Parker) y El filo de la navaja (con Tyrone Power y Gene Tierney), ambas de 1946; Nightmare Alley (1947), con Tyrone Power y Joan Blondell; Si ella lo supiera (1949); El caso 880 (1950), con Burt Lancaster y Dorothy McGuire; No estamos casados (1952), con Ginger Rogers, Fred Allen, Victor Moore y Marilyn Monroe o Teenage Rebel (1956), con Ginger Rogers y Michael Rennie. 

Junto al director Jack Conway (por Viva Villa!, A Tale of Two Cities y Libeled Lady), tiene el dudoso honor de haber dirigido el mayor número de películas nominadas como Mejor película, sin haber recibido nunca una nominación como Mejor Director, ambos con tres (Grand Hotel, la única que se alzó con el premio, Dark Victory, que tuvo la mala fortuna de competir con la inolvidable Gone with the Wind y El filo de la navaja). Goulding falleció durante una cirugía cardíaca en el Hospital Cedars of Lebanon, en Los Ángeles, California. 
 
La película - Hoy os traemos otro de esos trabajos de los que no veo que se hable demasiado, en comparación con otros de similar o menor calidad que aparecen por todos sitios. Resulta curioso, pero no es ni mucho menos el único caso. Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas en nuestro país) es una de esas joyas poco conocidas, sobre todo viendo las notas y los comentarios que recibe tras su visionado por la mayoría de los espectadores, que sin duda merece ocupar un lugar de privilegio entre las mejores películas del Film Noir. Hacerla llegar a el público que no la ha disfrutado por no saber de ella es casi una obligación moral, ya que no hay tantas de la enorme calidad y la riqueza que esta posee.


El desvío (Detour) - Edgar G. Ulmer (1945) - Película completa

Título original - Detour
Año - 1945
Duración - 67 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Edgar G. Ulmer
Guion - Martin Goldsmith, basado en la novela de Martin Goldsmith
Música - Leo Erdody
Fotografía - Benjamin H. Kline
Montaje - George McGuire
Escenografía - Glenn P. Thompson
Sonido - Max M. Hutchinson
Maquillaje - Bud Westmore
Vestuario - Mona Barry
Producción - Leon Fromkess y Martin Mooney
Productora - Producers Releasing Corporation [USA]
Narración - Tom Neal
Reparto - Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake, Esther Howard, Pat Gleason, Edmund MacDonald, Tim Ryan, Don Brodie, Roger Clark, Eddie Hall
Género - Cine negro, Thriller, Intriga, Serie B, Road movie


Rodada en seis días y montada en tres días y medio, contando con un irrisorio presupuesto de 20.000 dólares, Detour es, ante todo, una de las principales muestras de que el talento aflora a pesar de las adversidades. La obra cumbre de un tristemente olvidado Edgar G. Ulmer, que tuvo la mala fortuna de enamorarse de la mujer del productor Max Alexander, sobrino de Carl Laemmle, el fundador de los estudios Universal. Gracias al esfuerzo de la fundación creada por su hija Arianné, se han podido ir recuperando algunos de sus trabajos y restaurarlos.


Sinopsis
- Al Roberts (Tom Neal) es un pianista que malvive tocando en un local de Nueva York junto a su novia, la cantante Sue Harvey (Claudia Drake). Un buen día esta le comunica que se marcha a Los Ángeles, a buscar la oportunidad de su vida. Tras un tiempo solo y deprimido, Al decide ir en su busca, para lo que, al no disponer apenas de dinero, decide hacer autostop. Tras ser recogido por Jack Haskell Jr. (Edmund MacDonald), quien conduce un lujoso descapotable, comenzará para el una increíble pesadilla de la que intentará escapar por todos los medios.

El directorEdgar G. Ulmer fue un destacado cineasta nacionalizado estadounidense, nacido en Olomouc, Chequia, el 17 de septiembre de 1900. Se interesó por el teatro desde niño, y concretamente por la escenografía, al trasladarse a Viena muy pronto para estudiar Arte y frecuentar el Burgtheater vienés. 

En los años veinte, marchó a Berlín, donde trabajó en los decorados de El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920); realizó siluetas para El Golem (1920); colaboró con Erich von Stroheim en Los amores de un príncipe (1923); asistió a F. W. Murnau (Las finanzas del gran duque y Der Letzte Mann, ambas de 1924) y a G.W. Pabst en Bajo la máscara del placer (1925). Además colaboró con Fritz Lang en Metrópolis (1927),  Los nibelungos (1923) y Spione (1928).

En Estados Unidos filmó también multitud de westerns hasta 1926. Amigo de Robert Siodmak, se relacionó pronto con Billy Wilder y con William Wyler, así como con Bobby Wyler, productor de cine. Fue conocido en Estados Unidos por Satanás (1934), con los actores Bela Lugosi y Boris Karloff, rodada en decorados de tipo Bauhaus, con los que logró una atmósfera terrorífica. Su hija ha confirmado que Ulmer arruinó sus posibilidades de escalar posiciones dentro de ese mundo al enamorarse de Shirley, su madre, la entonces mujer del productor Max Alexander, que además era sobrino de Carl Laemmle, el fundador de los estudios Universal.

Ulmer siempre fue siempre proclive a trabajar en zonas marginales cuando vivía en Nueva York, donde rodó Moon Over Harlem (1939). Tras trasladarse a Hollywood, destacó en filmes de serie B como Barbazul (1944), Detour (1945),  The Strange Woman (1946) o Traición (Ruthless, 1948). De sus mas de 40 películas, podemos destacar también Strange Illusion (1945), The Man from Planet X (1951), Babes in Bagdad (1952) y Naked Dawn (1955), así como las mas tardías Beyond the Time Barrier (1960) y The Amazing Transparent Man (1960). Aunque olvidado antes de su muerte, ocurrida en Hollywood, el 17 de septiembre de 1972, fue defendido por Godard o Truffaut y mas tarde por Wim Wenders o Peter Bogdanovich. A día de hoy es principalmente valorado por su cine negro o de misterio de su época inicial.

La película - Antes de empezar, me gustaría aclarar que no suelo calificar las películas solo por su calidad, ya que sería algo injusto para las que no han tenido la suerte de tener el auspicio de uno de los grandes estudios. Hay otros elementos que suelen influir decisivamente en mi decisión, entre los que están el talento y el ingenio necesarios para conseguir llegar al espectador, con independencia de los medios de que se disponga, y hacerlo partícipe de la historia. Digo esto porque la película que hoy nos ocupa fue realizada con un presupuesto ridículo, algo que por mucho esfuerzo que se realice se acaba notando, por lo que es la imaginación y la maestría de Edgar G. Ulmer, además del enorme trabajo de su equipo, fueron las que consiguieron dejarnos una película única, que merece ser valorada como tal.


La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle) - John Huston (1950)

Título original - The Asphalt Jungle
Año - 1950
Duración - 112 min.
País - Estados Unidos 
Dirección - John Huston
Guion - Ben Maddow y John Huston, que adaptan la novela homónima de W.R. Burnett
Música - Miklós Rózsa
Fotografía - Harold Rosson
Montaje - George Boemler
Producción - Buddy Adler
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Reparto - Sterling Hayden, Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James Whitmore, John McIntire, Marc Lawrence, Marilyn Monroe, Barry Kelley, Anthony Caruso, Brad Dexter, Dorothy Tree, Jack Warden
Género - Cine negro, Thriller


John Huston escribió junto a Ben Maddow y dirigió este magnífico trabajo que ocupa un lugar de privilegio entre las referencias del Cine negro. Con la fotografía de Harold Rosson, la música de Miklós Rózsa y el brillante trabajo de un reparto coral en estado de gracia, el prolífico director nos muestra su enorme habilidad en el manejo de la cámara y su maestría en la dirección de actores. Un minucioso y detallado retrato de un grupo de perdedores, pero sobre todo, de los seres humanos que hay tras ellos.


Sinopsis - Erwin "Doc" Riedenschneider (Sam Jaffe) es un experimentado ladrón que es puesto en libertad tras una larga temporada entre rejas. Justo antes de ser detenido, dejó perfectamente planificado un gran golpe que calcula puede reportarle mas de un millón de dólares. Su intención es ejecutarlo cuanto antes, aunque para ello necesita financiación y encontrar un grupo de especialistas que le permitan perpetrar el robo con las máximas garantías.

El director - John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Cayo Largo, John Huston, Key LargoConsiderado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981) o El honor de los Prizzi (1985). 

Falleció en Middletown (Rhode Island), a causa de un enfisema. Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película - Mientras que para algunos estamos ante uno de los directores mas grande que ha dado este arte, para otros está muy sobrevalorado. Para un servidor, en una carrera en la que nos dejó alrededor de 40 títulos tiene que haber de todo, como en botica, aunque yo si lo tengo entre los mejores, ya que podría mencionar casi una docena de títulos inolvidables que ocupan posiciones de privilegio dentro de mi clasificación personal. The Asphalt Jungle es uno de esos títulos, un trabajo mimado hasta en el mas mínimo detalle, de una calidad y una valentía dignas de elogio. Los años han pasado para ella, como para tod@s, pero la enorme valía de trabajos así tendrán siempre un lugar destacado en la historia del CINE, con mayúsculas claro.


Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success) - Alexander Mackendrick (1957)

Título original - Sweet Smell of Success
Año - 1957
Duración - 96 min.
País - Estados Unidos 
Dirección - Alexander Mackendrick
Guion - Ernest Lehman y Clifford Odets
Música - Elmer Bernstein
Fotografía - James Wong Howe
Montaje - Alan Crosland
Producción - James Hill
Productora - Norma Productions, Hill-Hecht-Lancaster Productions
Reparto - Burt Lancaster, Tony Curtis, Susan Harrison, Martin Milner, Sam Levene, Barbara Nichols, Emile Meyer
Género - Drama, Cine negro, Periodismo


Alexander Mackendrick, uno de esos directores injustamente infravalorados, nos regaló esta maravillosa mezcla de drama y cine negro en el que la violencia no es precisamente física. Con un magnífico guion de Ernest Lehman y Clifford Odets, la excelente fotografía de James Wong Howe, la música de Elmer BernsteinThe Chico Hamilton Quintet y las brillantes actuaciones de Tony Curtis y, por encima de todo, un estelar Burt Lancaster, estamos ante una de esas joyas que todo aficionado al cine debería disfrutar. De los mejores diálogos que nos ha dejado este arte.


Sinopsis - J. J. Hunsecker (Burt Lancaster) es un poderoso y ambicioso columnista acostumbrado a dominar toda una ciudad a través de la información que habitualmente consumen sus más de 60 millones de lectores. Su único punto débil es su hermana pequeña Susan (Susan Harrison), a la que ya no puede controlar como siempre ha hecho. Cuando ésta se enamora apasionadamente de Steve (Martin Milner), un guitarrista de jazz que no es de su agrado, obligará a uno de sus agentes de prensa, el amoral Sidney Falco (Tony Curtis), a tomar cartas en el asunto.

El director - Alexander MacKendrick fue un director de cine estadounidense de origen escocés nacido en Boston, Massachusetts, el 8 de septiembre de 1912. Fue el hijo único de Francis Robert MacKendrick y Martha MacKendrick, emigrantes de Glasgow, Escocia a los Estados Unidos dos años antes del nacimiento del director. Su padre era un constructor naval e ingeniero civil. Cuando MacKendrick tenía seis años, su padre moriría víctima de la Gripe española. Su madre trabajó como modista después de la muerte de Francis al mismo tiempo que dejaba a Alex al cargo de sus abuelos, por lo que Mackendrick volvería a Escocia con siete años de edad. Mackendrick nunca volvería a ver a su madre.

Se formó en el Hillhead High School desde 1919 hasta 1926 y estuvo tres años en el Glasgow School of Art, hasta que en la década de los 30, se trasladaría a Londres para trabajar como director en diferentes anuncios de la firma J. Walter Thompson. En 1937 MacKendrick escribiría su primer guion para una película Midnight Menace, junto con su primo Roger MacDougall y en 1943, se convertiría en el director de la segunda unidad junto al realizador italiano Roberto Rossellini, en la película Roma, ciudad abierta.

Debutó como director de películas de ficción en la comedia británica Whisky a gogó en 1949, a la que seguirían varios trabajos europeos como El hombre vestido de blanco (1951), Mandy (1952), La bella Maggie (1954) o El quinteto de la muerte (1955), su película más taquillera, donde Peter Sellers y Herbert Lom brillan como nunca.

En 1955 regresaría a Estados Unidos donde debutó con Chantaje en Broadway (1957), un rotundo éxito con Tony Curtis y Burt Lancaster como protagonistas. Tras algunos telefilms para televisión, en los 60 dirigió Sammy (Huida hacia el sur) (1963), Viento en las velas (1965), de la que os hablamos en este artículo y No hagan olas (1967), para después abandonar el cine y convertirse en profesor del California Institute of the Arts. Años mas tarde explicó sus motivos: "No estaba preparado para todos los problemas logísticos y financieros, y las productoras me decían las películas que tenía que hacer. Al final, me di cuenta que era mucho más feliz dando clases que haciendo películas. En Hollywood descubrí que para hacer películas, tienes que ser un gran negociador. Y yo no sirvo para esto. Me di cuenta que es un mal negocio". MacKendrick no pudo volver a Europa y murió debido a una neumonía en 1993. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park.

La película - Resulta curioso comprobar como hay trabajos en este, o en cualquier otro arte, que son constantemente alabados, mencionados y puestos como ejemplo. Normalmente uno ha de reconocer tras disfrutarlos, que realmente merecen el bombo que han recibido. Pero igualmente resulta incomprensible ver como hay otros, como el que hoy nos ocupa, que pasan muy desapercibidos y nunca recogen el reconocimiento al que sin lugar a dudas tienen derecho. Desconozco los motivos, pero lo que si os puedo asegurar es que Sweet Smell of Success debería de utilizarse como ejemplo para cualquiera que quiera realizar buen cine, siendo como es sobresaliente en la mayoría de sus apartados.  


El reloj asesino (The Big Clock) - John Farrow (1948) - Película completa

Título original - The Big Clock
Año - 1948
Duración - 95 min.
País - Estados Unidos
Dirección - John Farrow
Guion - Jonathan Latimer, basado en la novela homónima de Kenneth Fearing
Música - Victor Young
Fotografía - Daniel L. Fapp y John F. Seitz 
Montaje - LeRoy Stone
Producción - Richard Maibaum
Productora - Paramount Pictures
Reparto - Ray Milland, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan, George Macready, Rita Johnson, Elsa Lanchester, Ruth Roman
Género - Cine negro, Crimen, Periodismo


John Farrow fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Jonathan Latimer, que adapta la novela homónima de Kenneth Fearing The big clock. Cine negro ambientado en el mundo del periodismo, donde resalta la brillante fotografía de Daniel L. Fapp y John F. Seitz, la banda sonora de Victor Young y, por encima de todo, el trabajo del dúo interpretativo que forman Charles Laughton y Ray Milland. Un magnífico entretenimiento, aunque algo alejado de las grandes referencias del género.


Sinopsis - George Stroud (Ray Milland) es un periodista que trabaja desde hace años para el magnate de la comunicación Earl Janoth (Charles Laughton). Casado con Georgette Stroud (Maureen O'Sullivan), no pudo ni disfrutar de su luna de miel, por la tiranía con la que su jefe gobierna su negocio. Cuando Earl comete un crimen pasional, intentará que este recaiga sobre un desconocido, sin saber que este es George. La única manera que le quedará a George de demostrar su inocencia, será incriminar por si mismo al verdadero culpable.

El directorJohn Farrow fue un director, guionista y productor cinematográfico australiano nacido en  Sídney, el 10 de febrero de 1904, afincado en Estados Unidos. Su nombre completo era John N. B. Villiers-Farrow

Comenzó a escribir en los años veinte, cuando trabajaba como marinero en Australia. Se trasladó a Hollywood como consejero técnico en marina. Además de como guionista y director, es recordado también por su matrimonio con la actriz Maureen O'Sullivan, con la que para poder casarse, tuvo que convertirse al catolicismo. Tuvieron siete hijos, tres de ellas son actrices: Mia Farrow (la más popular), Stephanie Farrow y Prudence Farrow.

Ejerció de guionista desde 1927 hasta 1959, siendo también escritor de historias y relatos cortos. Entre sus trabajos podemos destacar The Showdown (1928), The Wolf Song (1929), The Bad One (1930), Don Quixote (1933) o John Paul Jones (1959)

Debutó en la dirección en 1934 con The Spectacle Maker. Durante su carrera dirigió mas de 40 largometrajes, entre los que podemos destacar títulos como West of Shanghai (1937), Sorority House (1939), China (1943), Calcutta (1947), Copper Canyon (1950), Hondo (1953), Back from Eternity (1956) y John Paul Jones (1959), que fue su último trabajo. Murió en 1963 de un ataque al corazón en Beverly Hills (California), a la edad de 58 años.

La película - El reloj asesino supuso el segundo acercamiento del realizador australiano a un género que en la época estaba en pleno auge, el cine negro. Farrow era un director voluntarioso y decidido, capaz de afrontar de forma correcta géneros muy dispares entre si, gracias a su enorme capacidad de trabajo y su convicción de que realizando este de forma detallista y metódica, no había objetivo que no fuera capaz de alcanzar. Era el dedicado trabajo el que conseguía paliar ese escaloncito que lo separaba de los grandes realizadores de la época, esa magia a la que solo unos pocos tienen acceso. Y es precisamente en este trabajo del que hoy hablamos, en el que consiguió la que es para un servidor su mejor película como director.  


Para lograrlo dispuso de varios ingredientes totalmente necesarios, como por ejemplo el guion escrito por Jonathan Latimer (Saqueo al sol, The Westland Case, Alias Nick Beal), que adapta de forma escrupulosa la brillante novela de Kenneth Fearing (The Hospital, Dagger of the Mind, Clark Gifford's Body), a la que respeta hasta en el título. Puede parecer banal lo que les comento, pero hay multitud de adaptaciones que pierden por completo la esencia del texto original. algo fatal para el resultado final. Los diálogos son vigorosos, la trama perfectamente hilada y los tiempos correctos. La parte introductoria puede resultar algo extensa, aunque al ir disfrutando la película compruebas que era necesaria.

Pacto tenebroso (Sleep, My Love) - Douglas Sirk (1948)

Título original - Sleep, My Love
Año - 1948
Duración - 97 min.
País - Estados Unidos 
Dirección - Douglas Sirk
Guion - St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten, basado en la novela de Leo Rosten
Música - Rudy Schrager
Fotografía - Joseph A. Valentine
Montaje - Lynn Harrison
Productora - United Artists
Producción - Ralph Cohn, Harold Greene, Charles 'Buddy' Rogers
Género - Cine negro. Intriga. Thriller, Thriller psicológico
Reparto - Claudette Colbert, Robert Cummings, Don Ameche, Rita Johnson, George Coulouris, Queenie Smith, Ralph Morgan, Raymond Burr, Keye Luke, Fred Nurney, Hazel Brooks

Sleep, My Love (Pacto tenebroso en España) es el sexto trabajo del germano Douglas Sirk con bandera estadounidense, en el que se mezclan cine negro, intriga, thriller psicológico y melodrama. Con un discreto guion de St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten, basado en la novela homónima de este último, la magnífica fotografía de Joseph A. Valentine y la interpretación del trio Claudette Colbert/Robert Cummings/Don Ameche, estamos ante una excelente oportunidad de disfrutar de un trabajo ejecutado de forma magistral por el rey del melodrama, donde la hermosa Hazel Brooks ejercerá de esa femme fatale tan representativa del género.


Sinopsis - Alison (Claudette Colbert) se despierta sobresaltada a bordo de un tren que va de Nueva York a Boston, al que no recuerda haber subido. Intentando recordar lo sucedido, encuentra además una pistola dentro de su bolso. Tras ser atendida y tranquilizada por un médico, que no encuentra una explicación lógica a lo sucedido, y llegar a su destino, contacta con su marido Richard (Don Ameche), que ya había informado a la policía de su repentina e inexplicable desaparición.

El director Hans Detlef Sierck (Douglas Sirk desde su exilio en Estados unidos) fue un cineasta alemán nacido en Hamburgo, Imperio Alemán, el 26 de abril de 1897. Tras pasar parte de su infancia en Dinamarca, se trasladó junto a su padre a Alemania, donde se formó en las universidades de Múnich, Jena y Hamburgo. Mientras tanto comenzó a trabajar en el teatro, siendo nombrado director artístico de varios teatros en Bremen y Leipzig.

Debutó en el cine en 1935, año en el que dirigió No empieces nada en abrilLa muchacha del páramoPilares de la sociedad. En los dos años siguientes rodó títulos como La novena sinfonía (Acorde final)La HabaneraLa golondrina cautiva, hasta que se vio forzado a emigrar a Estados unidos. Allí filmó Hitler's Madman, comenzando a aparecer en los créditos como Douglas Sirk. En esa década filmó títulos como Extraña confesión (1944), Escándalo en ParísLa extraña mujer (ambas de 1946),  El asesino poeta (1947), Con acento francésMás fuerte que la ley (ambas de 1949). En 1950 se incorporó a la Universal Pictures, adentrándose en géneros como lacomedia, el western o el cine bélico. Destacan títulos como El submarino fantasma (1950), La primera legiónTempestad en la cumbre (ambas de 1951), ¿Alguien ha visto a mi chica? (1952), Su gran deseo (1953), Atila, rey de los HunosObsesión (ambas de 1954), Orgullo de razaSiempre hay un mañanaSólo el cielo lo sabe (1955), Hoy como ayerEscrito sobre el viento (1956), Interludio de amorÁngeles sin brillo (1957), Tiempo de amar, tiempo de morir (1958) y Imitación a la vida (1959), entre otras.

Asqueado de la persecución a la que se sometía a escritores y cineastas en Estados unidos, decidió abandonar a la productora y regresar a Europa, residiendo en Suiza desde entonces, aunque dirigiendo varias piezas teatrales en Munich y varios cortometrajes en los años 60 y 70. No volvería a rodar un largometraje. Falleció en Lugano, Suiza, el 14 de enero de 1987.

La película - Poco antes de alcanzar su época dorada como realizador, convirtiéndose en uno de los referentes del melodrama, el bueno de Douglas Sirk ya nos daba buenos motivos para disfrutar de su habilidad tras las cámaras en trabajos como este Sleep, My Love. Y es que con este thriller psicológico que, sin su maestría bajaría muchos enteros, daba muestras de lo que realmente quería dirigir, aunque fuera en un segundo plano. De hecho, pienso que su trabajo es uno de los motivos por los que las carencias de la película quedan parcialmente disfrazadas, haciendo que merezca y mucho disfrutarla. 


Digo esto porque el guion escrito por St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten comienza de forma brillante, pero se va diluyendo cual azucarillo en el café, principalmente por pequeños detalles que descolocan a cualquier espectador medianamente perspicaz. La intriga y el misterio que caracterizan la primera parte del film da, en un momento dado, paso a lo evidente, perdiendo parte de su magia y restando puntuación al resultado final, que habría alcanzado cotas mucho mas altas si hubiera conseguido mantener el nivel inicial. 

Cayo Largo (Key Largo) - John Huston (1948)

Cayo Largo, John Huston, Key LargoTítulo original - Key Largo
Año - 1948
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - Richard Brooks y John Huston, basada en la obra de teatro homónima de Maxwell Anderson
Música - Max Steiner
Fotografía - Karl Freund
Montaje - Rudi Fehr
Producción - Jerry Wald
Reparto - Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro, Thriller


Inmediatamente después de rodar la magnífica El tesoro de Sierra Madre, el realizador John Huston escribió junto a Richard Brooks y dirigió su último trabajo con la Warner, el quinto en su filmografía. Rodeándose de un excelente reparto plagado de estrellas e intentando restar en todo momento la teatralidad innata que derrocha la historia, Huston firma un trabajo en el que los diálogos, las expresiones y los gestos comparten protagonismo por igual y la tensión fluye entre ellos de forma magistral. Todo un clásico del noir estadounidense catalogado como obra menor por parte de la crítica. Con media docena de trabajos así al año me conformaba yo.

Cayo Largo, John Huston, Key Largo

Sinopsis: Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de guerra que viaja a Cayo Largo, en Florida, para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Pero lo que en principio era una visita de cortesía se complicará por la presencia de un grupo de gansters a las ordenes de Johnny Rocco (Edward G. Robinson), al que también acompaña su novia (Claire Trevor), con los que quedarán atrapados por una fuerte tormenta y serán tomados como rehenes en el interior del hotel propiedad de la viuda y el padre de su antiguo compañero.

El director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Cayo Largo, John Huston, Key LargoConsiderado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). 

Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Si dedicamos un rato a repasar las opiniones de aficionados y críticos sobre la obra que hoy nos ocupa podemos encontrar casi de todo, desde los que no salen convencidos de la actuación de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, los que piensan que Huston realizó este trabajo a regañadientes y solo por quedarle una película que filmar con la Warner, los que no la meten entre las mejores películas del realizador, los que opinan que su guión es mejorable en algunos aspectos, los que ven en ella poco menos que una obra maestra y así podría llevarme hasta mañana. En lo que casi todos coinciden es en darle como mínimo un siete de nota, siendo muchos los que suben esta hasta llegar a casi la excelencia, por lo que creo que como mínimo se merece un visionado. Lo que normalmente ocurre con trabajos de este nivel es que lees opiniones que los encumbran tanto que a la hora de visualizarla hay quien puede sentirse un tanto decepcionado, aunque no haya sido ese mi caso.

Cayo Largo, John Huston, Key Largo

Para mi estamos ante un trabajo imprescindible, en el que la tensión se masca en el ambiente y los reducidos espacios donde se desarrolla son un protagonista mas y no secundario precisamente. Lo que en él no me acaba de convencer del todo es la relación que se establece entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, un tanto forzada y poco creíble en algunos momentos, algo que hablando de una pareja que nos ha dejado películas como Tener y no tener, dirigida por Howard Hawks (1944), en la que la relación entre ambos llenaba la pantalla y copaba todo el protagonismo, resulta un tanto chocante y te descoloca un poco. Además en su magnífico reparto también aparecen un Edward G. Robinson espléndido y una Claire Trevor que realiza una actuación magistral (le valió para ganar el Oscar a la mejor secundaria), por lo que el trabajo de la pareja eterna queda un tanto eclipsado.

Al rojo vivo (White Heat) - Raoul Walsh (1949)

rojo vivo, Raoul Walsh, White HeatTítulo original - White Heat
Año - 1949
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Raoul Walsh
Guión - Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg
Música - Max Steiner
Fotografía - Sid Hickox
Montaje - Owen Marcks
Producción - Louis F. Edelman
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro
Reparto - James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O'Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, John Archer, Wally Cassell, Fred Clark


Tras varios trabajos alejado del género en el que mejor se desenvolvía, James Cagney vuelve a interpretar el papel de un criminal sin escrúpulos, de esos que tan bien le iban, en este magnífico noir dirigido por Raoul Walsh. Con un guión de Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg, la fotografía de Sid Hickox y la banda sonora de Max Steiner, estamos ante uno de los clásicos ineludibles del género y una de las mejores interpretaciones del gran James Cagney, perfectamente acompañado por la femme fatale Virginia Mayo.

rojo vivo, Raoul Walsh, White Heat

Sinopsis: Después de asaltar un tren que transportaba una gran cantidad de dinero y dejar varios muertos a su paso, Cody Jarret (James Cagney) y su banda consiguen esconderse de la policía, que los buscan como principales responsables del robo. Tras verse acorralado, Cody realiza una inteligente jugada entregándose por un delito mucho menor, por el que solo es condenado a dos años de cárcel, dejando a su madre (Margaret Wycherly) al frente de la banda. Pero lo que en principio iban a ser unas pequeñas vacaciones, se complicarán ante los problemas que empiezan a dar alguno de sus chicos fuera y la insistencia de la propia policía, que tratará de tenderle una trampa para poder imputarle el violento robo.

rojo vivo, Raoul Walsh, White HeatEl director: Raoul Walsh fue un director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 11 de marzo de 1887. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro, aunque rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood. En una prolífica carrera entre el cine mudo y el sonoro, nos dejó mas de 80 títulos en varios géneros como director, de los que destacaremos varios: Regeneration (1915), El ladrón de Bagdad (1924), El precio de la gloria (1926), La frágil voluntad (1928), La gran jornada (1930), El arrabal (1933), Bajo presión (1935), Los violentos años veinte (1939), La pasión ciega (1940), Alta tensión (1941), La pelirroja (1941), El último refugio (1941), Murieron con las botas puestas (1941), Gentleman Jim (1942), Tres días de gloria (1944), Objetivo: Birmania (1945), Perseguido (1947), Río de plata (1948), Juntos hasta la muerte (1949), Tambores lejanos (1951), El mundo en sus manos (1952), Historia de un condenado (1953), Los implacables (1955), La esclava libre (1957) o Una trompeta lejana (1964). Falleció en Simi Valley, California, el 31 de diciembre de 1980.

rojo vivo, Raoul Walsh, White Heat

La película: En Al rojo vivo tenemos todos los ingredientes necesarios para crear una buena película de gansters, aunque uno de los que llama la atención desde un primer momento es el enorme uso de violencia que en ella se utiliza. Lo que ocurre es que resulta muy difícil que el público de hoy día sepa apreciar dicha cualidad, ya que los años han ido pasando y lo que en aquellos entonces era un trabajo violento, hoy día es como un juego de niños, en comparación con lo que el cine puede llegar a ofrecer al espectador en la actualidad. Pero dejando de lado esto, algo inevitable por el inexorable paso del tiempo, estamos ante uno de esos trabajos que han creado escuela en el mundo del séptimo arte, que centra su atención en una mente criminal de gran carisma, alrededor de la que gira toda la trama, realizando un minucioso estudio de como funciona su mente y de la soledad con la que ha de convivir quien se encuentra en la cima, no puede fiarse de casi nadie y solo puede ya caer.