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Four Lions (4 Lions) - Christopher Morris (2010)

Four, Lions, Christopher, MorrisTítulo original - Four Lions
Año - 2010
Duración - 94 min.
País - Reino Unido
Director - Christopher Morris
Guión - Jesse Armstrong, Sam Bain, Christopher Morris y Simon Blackwell
Fotografía - Lol Crawley
Montaje - Billy Sneddon
Producción - Mark Herbert y Derrin Schlesinger
Productora - Wild Bunch Films
Género - Comedia
Reparto - Riz Ahmed, Kayvan Novak, Nigel Lindsay, Adeel Akhtar, Arsher Ali, Preeya Kalidas, Julia Davis, Craig Parkinson, Wasim Zakir, Mohammad Aqil, Waleed Elgadi, Alex Macqueen, Marcus Garvey, Benedict Cumberbatch
Web oficialhttp://www.fourlionsthemovie.com/


En el 2010 debutó en la gran pantalla el realizador Christopher Morris con este irreverente trabajo en el que satiriza un tema tan espinoso como el terrorismo islámico, Four Lions. Con un guión escrito por el mismo junto a Jesse Armstrong, Sam Bain y Simon Blackwell, realizó este inclasificable producto donde no deja títere con cabeza, arremetiendo no solo contra el fundamentalismo, sino también contra la burocracia, los servicios de inteligencia y casi todo lo que toca de su país. Un trabajo valiente, que obtuvo excelentes críticas, pero que está claro que puede dañar la sensibilidad de muchas personas, y no me refiero solo a los fundamentalistas a los que se supone que parodia, por lo que me lleva a la pregunta de siempre: ¿Donde está la linea donde se pasa del uso de la libertad de expresión a la falta de respeto y el insulto?

Four, Lions, Christopher, Morris

Sinopsis: Omar (Riz Ahmed) tiene nacionalidad británica y vive con su mujer y su hijo en una sociedad a la que, sin embargo, odia profundamente por sus convicciones. Trabaja en una empresa de seguridad, mientras que su tiempo libre lo pasa hablando con su mujer y su hijo sobre la Yihad y formando un grupo que aspira a inmolarse en un objetivo aún por decidir. El problema es que la capacidad psíquica e intelectual de sus compañeros deja mucho que desear, estando este formado por Barry (Nigel Lindsay), un blanco converso que disputa con el el liderazgo del grupo, Waj (Kayvan Novak), un amigo con pocas luces incapaz de decidir nada por si mismo y Faisal (Adeel Akhtar), un ingenuo que intenta adiestrar cuervos para enviar bombas con ellos. Omar y Waj van a un campo de entrenamiento terrorista en Pakistán, de donde volverán dispuestos a ejecutar su plan suicida.

El director: Christopher J "Chris" Morris es un comediante, escritor, director, actor, actor de voz, y productor británico nacido el 15 de junio de 1962 en Colchester, Essex. Tras iniciarse en la radio, donde trabajó bastante tiempo, dio el salto al mundo televisivo participando como actor en series como The Day TodayKnowing Me, Knowing You with Alan PartridgeI'm Alan Partridge. En 1998 se inició en la dirección, en la serie Big Train, tras la que dirigió seis episodios de la serie Jam (2000). Tras el corto My Wrongs 8245-8249 and 117 (2002), dirigió siete episodios de la serie Nathan Barley (2005). Tras la película que hoy nos ocupa, ha dirigido cuatro episodios de la serie Veep, de 2002 a 2004. Continúa con su carrera como actor participando en series como Los informáticosVeepThe DoubleStewart Lee's Comedy Vehicle.

La película: Quiero comenzar dejando claro que me posiciono en contra de todo tipo de fanatismo, ya sea de índole político, religioso, deportivo o de cualquier otro tipo, ya que mis convicciones pasan por el simple hecho de dar lo que voy a exigir de igual modo, respeto, y como comprenderéis, son cosas que quedan muy lejos unas de otras. Pienso que cualquier signo de fanatismo equivale a incultura, bien sea por poca capacidad mental propia, por la educación recibida, por estar condicionados por donde y con quien viven, por la arrogancia de creer que las ideas propias han de ser las correctas, o por cualquier otro motivo que se os ocurra. Por lo tanto, estoy a favor de la libertad de expresión, pero también de que su uso implica el cumplimiento de ciertas reglas para nunca sobrepasar la delgada linea que separa mi libertad de la de los demás, para hacerlo siempre con el debido respeto, la clave para mi de todo.

Four, Lions, Christopher, Morris

Creo, o mas bien quiero creer, que por ahí va lo que Christopher Morris intenta transmitir con este trabajo, la idea de que el fanatismo está relacionado directamente con la estupidez, la falta de educación y de unos buenos valores bien arraigados, algo para lo que se embarca en una empresa muy atrevida y treméndamente arriesgada, intentar que todos entiendan su mensaje, algo que veo bastante improbable, por no decir imposible. Por ello no hay que dejarse engañar por las apariencias y conviene dedicar hora y media de nuestro tiempo a verla y así poder formaros vuestra propia opinión, que al fin y al cabo es la que cuenta. De lo que estoy seguro es de que estamos ante algo mucho mas complejo de lo que algunos quieren ver en ella, una simple comedia negra de humor grueso, ya que tras esa máscara se esconde un guión con multitud de aristas, que pone patas arriba casi todo lo que toca.

La favorita (The Favourite) - Yorgos Lanthimos (2018)

Título original - The Favourite
Año - 2018
Duración - 121 min.
País - Reino Unido 
Dirección - Yorgos Lanthimos
Guion - Deborah Davis y Tony McNamara
Fotografía - Robbie Ryan
Montaje - Sam Sneade
Producción - Ceci Dempsey, Ed Guiney, Lee Magiday y Yorgos Lanthimos
Productora - Coproducción Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos; Element Pictures, Scarlet Films, Film4 Productions, Waypoint Entertainment. Distribuidora: Fox Searchlight
Reparto - Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, Mark Gatiss, Jenny Rainsford, Tim Ingall, Basil Eidenbenz, Timothy Innes, Jack Veal, James Melville, Hannah Morley, John Locke
Género - Drama, Comedia / Comedia negra, Siglo XVIII


El realizador griego Yorgos Lanthimos fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Deborah Davis y Tony McNamara, en el que en forma de comedia negra se nos muestra la encarnizada lucha de poder que se vivió durante el reinado de Ana de Gran Bretaña, brillantemente interpretada por Olivia Colman, inmejorablemente complementada por Emma Stone y Rachel Weisz. Un trabajo muy recomendable que no suele dejar indiferente a nadie, que luchó por varios premios de la academia, aunque finalmente fue Roma, de Alfonso Cuarón, la gran vencedora de la velada. Una delicia para unos e insufrible para otros. ¿En que grupo os encontráis?


Sinopsis - Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra contra Francia. Una reina debilitada, Anne (Olivia Colman), ocupa el trono, mientras que su amiga Lady Sarah (Rachel Weisz) gobierna en la práctica el país en su lugar, debido al precario estado de salud y al carácter inestable de la monarca. Cuando una nueva sirvienta, Abigail (Emma Stone), aparece en palacio, su encanto seduce a Sarah. Esta ayuda a Abigail, la cual ve una oportunidad para regresar a sus raíces aristocráticas. Como la política ocupa gran parte del tiempo de Sarah, Abigail empieza a acompañar con más frecuencia a la reina.

El director Yorgos Lanthimos es un director de cine y teatro griego, que también ha ejercido como productor de cine, guionista y fotógrafo, nacido en Pangrati, Atenas, el 23 de septiembre de 1973. Criado principalmente por su madre, su padre, Antonis Lanthimos, era jugador de baloncesto profesional que jugó para el Pagrati B.C. y en la selección nacional de baloncesto de Grecia. Después de haberse graduado de la Moraitis School, comenzó a estudiar Administración de Empresas y jugó durante un período en el Pagrati B.C. Finalmente abandonó y estudió Dirección de Cine y Televisión en la Escuela Helénica de Cine y Televisión Stavrakos (HCTSS), en Atenas. Está casado desde 2013 con la actriz greco-francesa Ariane Labed.

Durante los años 90 dirigió una serie de videos para compañías griegas de danza y teatro. Desde 1995 ha dirigido comerciales de televisión, videos musicales, cortometrajes y obras de teatro experimental. También fue miembro del equipo creativo que diseñó las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.

La carrera cinematográfica de Lanthimos comenzó con la película My Best Friend (2001), que codirigió con Lakis Lazopoulos, y la película experimental Kinetta (2005), que se estrenó en el Festival de Cine de Toronto. Comenzó a destacar con su tercera película, Canino (2009), con la que ganó el premio Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes y fue nominado a mejor película de habla no inglesa en los 83º Premios dela Academia. En 2010, actuó y coprodujo Attenberg, una película dramática griega dirigida por Athina Rachel Tsangari. Su cuarto largometraje, Alpes (2011), ganó el Premio Osella al Mejor Guion en el 68º Festival Internacional de Cine de Venecia.

El guion de su quinta película, The Lobster (2015), ganó el Premio Internacional ARTE 2013 como Mejor Proyecto CineMart en el 42º Festival Internacional de Cine de Rotterdam. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2015 y ganó el Premio del Jurado. Con El sacrificio de un ciervo sagrado (2017) ganó el premio como Mejor guion en Festival de Cannes y el Premio de la Crítica en el Festival de Sitges (ambos ex aequo). En el 75º Festival de Cine de Venecia presentó La favorita (2018), y ganó el Gran Premio del Jurado. La película se alzó con diez nominaciones en la 91ª entrega de los Premios de la Academia, incluyendo mejor película y mejor director, aunque solo se lo llevó a la Mejor actriz (Olivia Colman), el mismo premio que ganó en los Globos de Oro, de cinco nominaciones. Para 2022 se espera Poor Things, un thriller fantástico en el que aparecen nombres como Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe o Ramy Youssef, entre su reparto.

La película - El drama de época ya no es lo que era. La seriedad y encorsetamiento al que este tipo de productos han estado sujetos desde siempre, ha ido desapareciendo poco a poco en los últimos tiempos. Basta con echar la vista a títulos como María Antonieta (2006), Belle (2013), Amor y amistad (2016), Lady Macbeth (2016), Colette (2018), Retrato de una mujer en llamas (2019) o Emma (2020), para darnos cuenta que el abanico se ha abierto en multitud de direcciones diferentes, algo que puede no guste a los mas puristas, pero que era mas que necesario en los tiempos que corren. La favorita es un ejemplo perfecto de ello, una película que no suele dejar indiferente a nadie, de esas que te atrapa o te mata de aburrimiento, que podrá ser tachada de muchas cosas, pero nunca de falta de originalidad o de no intentar mostrar, de un modo muy distinto al habitual, las confabulaciones y luchas de poder en la corte británica de principios del siglo XVIII.


Elling - Petter Naess (2001)

Elling, Petter, NaessTítulo original - Elling
Año - 2001
Duración - 90 min.
País - Noruega
Director - Petter Naess
Guión - Axel Hellstenius, basado en la novela de Ingvar Ambjørnsen
Música - Lars Lillo Stenberg
Fotografía - Svein Krøvel
Montaje - Inge-Lise Langfeldt
Producción - Dag Alveberg
Reparto - Sven Nordin, Per Christian Ellefsen, Marit Pia Jacobsen, Jorgen Langhelle, Per Christensen
Productora - Film OG TV Produksion / Nordisk Film / Audiovisuelt Produksionfond
Género - Comedia, Drama


Petter Naess fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Axel Hellstenius escribió adaptando la novela Brødre i blodet (Hermanos de sangre) de Ingvar Ambjørnsen. Un magnífico trabajo basado en su enorme sencillez, la perfecta construcción de sus personajes y el enorme oficio del que hacen gala dos magníficos actores que hasta ahora eran desconocidos para mi: Sven Nordin y Per Christian Ellefsen. Una comedia que te hará reír y sufrir junto a sus personajes, con el suficiente tacto y buen gusto como para que acabes respetándolos y queriéndolos, pero nunca riéndote de ellos. Brillante.

Elling, Petter, Naess

Sinopsis: Elling (Per Christian Ellefsen) y Kjell Bjarne (Sven Nordin) son compañeros de habitación en la institución mental donde están internados desde hace algún tiempo. Son dos personajes totalmente diferentes, pero parece que se llevan y se compenetran bastante bien, hecho por el cual la asistencia social noruega decide concederles un apartamento y tutelarlos mientras se acostumbran a su nuevo estatus, vivir en libertad. Pero para dos personas acostumbradas a las normas y la seguridad que les da la institución, no será nada fácil realizar tareas sencillas que para cualquiera son cotidianas, pero para ellos suponen todo un reto.

Elling, Petter, NaessEl director: Petter Naess es un actor y director de cine noruego nacido en Oslo, el 14 de marzo de 1960. Comenzó como actor de teatro en 1985, ejerciendo como tal también en cine y televisión. En el teatro comenzó a escribir guiones y a dirigir sus propias obras trabajando en el Oslo Nye Teater desde 1997, entre las que destaca la exitosa Elling and Kjell Bjarne, que posteriormente dio lugar a la película que hoy nos ocupa. Debutó en el cine con la comedia dramática Absolute Hangover (1999), tras la que dirigió Elling (2001). Prosiguió su carrera en el cine noruego dirigiendo el drama Just Bea (2004) y la comedia dramática Elsk meg i morgen (2005), tras las que dirigió su primer y único trabajo hasta la fecha con bandera estadounidense, Crazy in Love (Locos de amor) (2005). Tras dirigir el drama sueco Leaps and Bounds (2007) regresó al cine de su país, donde ha dirigido la comedia romántica Gone with the Woman (2007), el drama Shameless (2010) y el drama bélico Perdidos en la nieve (2012), su último trabajo hasta la fecha.

La película: Ante todo, por si alguno de ustedes se habían hecho una idea equivocada, aclarar que estamos ante un producto muy diferente a la mayoría de los trabajos que en tono de comedia se suelen hacer sobre temas similares a la que trata Elling. Además hay que dejar claro que hablamos de una comedia dramática a la europea, que poco o nada suele tener que ver con las que nos llegan de Estados Unidos, por lo que no esperemos que consiga sacarnos excesivas carcajadas. Por el contrario consigue que, sin necesidad de ridiculizar a sus protagonistas ni adjudicarles conductas poco realistas, asistamos a su odisea con media sonrisa en la cara. Acabas empatizando con ellos, cogiéndoles cariño, algo que para algunos es sinónimo de búsqueda de sentimentalismo fácil, pero que yo no comparto. Para mi es la consecuencia lógica de una excelente construcción de sus personajes y dos magníficas interpretaciones.

Elling, Petter, Naess

La heroicidad no es un concepto que suela ir unido a la fama, el reconocimiento o la admiración por parte de los demás. Muy alejados de los ojos de la mayoría de las personas existen seres que luchan a diario contra la adversidad, con la simple meta de llevar lo que la sociedad denomina "una vida normal", haciendo frente a las dificultades que tienen para hacer cosas que a nosotros nos parecen sencillas o habituales y aguantando además la poca consideración y comprensión de la mayoría de sus semejantes, muy dados a señalar y segregar a cualquiera por el simple hecho de ser diferentes. Héroes de a diario, de los que pocos hablan, cuyas hazañas rara vez salen en los libros de aventuras, pero que en este hermoso trabajo son, aunque sea por una sola vez y si quieren sin que sirva de precedente, los principales protagonistas.

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) - Jon S. Baird (2018)

Título original - Stan & Ollie 
Año - 2018
Duración - 97 min.
País - Reino Unido 
Dirección - Jon S. Baird
Guion - Jeff Pope
Música - Rolfe Kent
Fotografía - Laurie Rose
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle y Billy Sneddon
Vestuario - Guy Speranza
Producción - Faye Ward
Productora - Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC, Fable Pictures, Sonesta Films, Entertainment One
Reparto - John C. Reilly, Steve Coogan, Shirley Henderson, Bentley Kalu, Nina Arianda, Danny Huston, Rufus Jones, Susy Kane, Stephanie Hyam, Charles Walters, Ella Kenion, Joseph Balderrama, Sophie Wardlow, Michael Haydon, Roger Ringrose, Julie Eagleton, Stewart Alexander, Andy Mihalache
nero - Drama, Comedia | Biográfico, Amistad, Comedia dramática, Cine dentro del cine, Teatro, Años 30, Años 50


Jon S. Baird es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion de Jeff Pope, que nos presenta el final de la carrera de los cómicos Laurel y Hardy (El Gordo y el Flaco en España). Un necesario y brillante homenaje a una pareja de una química y sincronización indudable, que alcanzó la cima haciendo reír al público con sus inolvidables sketches, brillantemente interpretados por Steve Coogan y John C. Reilly. Mención especial para la fotografía de Laurie Rose y la banda sonora de Rolfe Kent. Una delicia que no se deben perder.


Sinopsis - Stan (Steve Coogan) y Ollie (John C. Reilly), conocidos en castellano como "El gordo y el flaco", se embarcan en su gira de despedida ahora que su época dorada parece haber quedado anclada en el pasado. Con la ayuda de sus respectivas mujeres, Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), ambos logran conquistar al público de las salas de Reino Unido gracias a su peculiar manera de interpretar y de entender el mundo. Este biopic ahonda en la personalidad de ambos personajes y en las circunstancias personales que les convirtieron en figuras cómicas de leyenda.

El director - Jon S. Baird se ha convertido en poco tiempo, tras sus comienzos dentro de la producción, en uno de los jóvenes y brillantes talentos con más futuro de Escocia.

Nacido, criado y educado en Aberdeenshire (Escocia), Baird se trasladó a Londres a finales de los años noventa para sumergirse en todos los aspectos de la producción cinematográfica. El primer papel de Baird como director fue en el 2001, en el departamento de comedia de la BBC, donde dirigió varios sketches para programas de humor de actualidad. En 2004, Baird escribió, dirigió y produjo su primer cortometraje, It’s a casual life convirtiéndose posteriormente en productor asociado de Green Street Hooligans protagonizada por Elijah Wood.

Baird se dio a conocer por su dirección en la aclamada Cass (2008), una historia real basada en la vida de Cass, un huérfano jamaicano que pasó de ser el enemigo público número uno, a editor de libros de éxito. En su reparto aparecen nombres como Nonso Anozie, Natalie Press o Leo Gregory, entre otros. Tras Filth, el sucio (2013), trasladó su trabajo al mundo de la televisión, dirigiendo junto a Sally El Hosaini y Danny Boyle la serie Babylon (2014), una comedia policiaca con Brit Marling, James Nesbitt, Paterson Joseph, Bertie Carvel y Ella Smith. Tras ella dirigió algún episodio del prescindible remake Feed the Beast (2016), e hizo lo propio en la magnífica Vinyl (2016), un viaje a través de la industria de la música, en una Nueva York en los 70 espoleada por la droga y el sexo, en la que participaron Terence Winter, Martin Scorsese, Mick Jagger y Rich Cohen. Muy recomendable. También dirigió algún episodio de la comedia dramática Morir de pie (2017), que narra los inicios de la denominada 'stand-up comedy' que emergía en Los Ángeles en los años 70. Su brillante regreso a la gran pantalla ha sido El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) (2018), en la que narra el final de la carrera del querido dúo humorístico. Una maravilla que deberían disfrutar.

La película - Realizar un biopic (una película biográfica) suele ser una tarea sumamente complicada y, en muchas ocasiones, muy ingrata. Tan solo el hecho de condensar la vida de un personaje en la duración de un largometraje, ya resulta bastante complicado, ya no digamos la tarea titánica que puede ser contentar a todos sus admiradores y fans. Para colmo, suelen ser trabajos que no consiguen llevar al público a las salas de cine, por lo que a la complejidad de la realización de la película hay que añadir la, cuanto menos dudosa fiabilidad de conseguir un mínimo de rentabilidad en el negocio, que nos guste mas o menos, es lo que realmente es. Es suficiente con echar un vistazo a los resultados obtenidos hasta la fecha por los diversos biopic que se han realizado, para convencerse de la veracidad de lo que les cuento. Dicho de otra forma, suelen tener un alto riesgo para los que se dedican a financiar el cine y, salvo en contadas ocasiones, no permanecen por mucho tiempo ni en las salas de cine, ni en la memoria de los aficionados.


Plácido - Luis García Berlanga (1961)

Título original - Plácido
Año - 1961
Duración - 85 min.
País - España
Dirección - Luis García Berlanga
Guion - Rafael Azcona, Luis García Berlanga, José Luis Colina y José Luis Font
Música - Miguel Asins Arbó
Fotografía - Francisco Sempere 
Montaje - José Antonio Rojo
Vestuario - Hermanos Peris
Maquillaje - Rodrigo Gurrucharri
Producción - Alfredo Matas
Productora - Jet Films. Productor: Alfredo Matas
Reparto - Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintilla, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Manuel Alexandre, Mari Carmen Yepes, Agustín González, Luis Ciges, Antonio Ferrandis
Género - Comedia / Pobreza, Navidad, Sátira


Luis García Berlanga escribió, junto a Rafael Azcona, José Luis Colina y José Luis Font, y dirigió esta magnífica sátira disfrazada de comedia costumbrista, con la que retrató de forma magistral la España de la época y las enormes diferencias entre las clases sociales que la poblaban. De gran repercusión internacional en su momento, el film fue candidato al Óscar a la mejor película de habla no inglesa, finalmente derrotada por Como en un espejo, de Ingmar Bergman. Única e inolvidable.


Sinopsis - En una pequeña ciudad provinciana, a unas burguesas ociosas se les ocurre la idea de organizar una campaña navideña cuyo lema es: "Siente a un pobre a su mesa". Se trata de que los más necesitados compartan la cena de Nochebuena con familias acomodadas y disfruten del calor y el afecto que no tienen. Plácido (Cassen) ha sido contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero surge un problema que le impide centrarse en su trabajo: ese mismo día vence la primera letra del vehículo, que es su único medio de vida.

El directorLuis García-Berlanga Martí fue un director de cine y guionista español, nacido en Valencia, el 12 de junio de 1921, en una familia de terratenientes de Camporrobles, provincia de Valencia. De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde realizó sus primeros cortometrajes.

Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a este, se lo considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Mister Marshall. Trabajó en siete ocasiones con el guionista Rafael Azcona, y de esta asociación surgieron algunas de las películas más célebres del cine español, además de las citadas, como La escopeta nacional.

Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contralectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los jueves, milagro.

Su película Plácido fue candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1986 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1993 el Goya al mejor director por su película Todos a la cárcel. El 25 de abril de 1988 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e ingresó al año siguiente con un discurso titulado El cine, sueño inexplicable.

Obtuvo premios y galardones internacionales en los más importantes festivales, como Cannes, Venecia, Montreal y Berlín. En el Festival de Karlovy Vary fue elegido como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Además, poseía un incontable número de reconocimientos nacionales. Falleció a los 89 años por causas naturales en su casa de la urbanización de Somosaguas (Pozuelo de Alarcón, Madrid) el 13 de noviembre de 2010.

La película - He de reconocer que resulta complicado que gran parte de las nuevas generaciones, las que han tenido la suerte de nacer en un país que aparentemente ha abanzado mucho y crecen escuchando hablar de derechos que personalmente no veo por ninguna parte, puedan valorar lo que realmente es este trabajo. Buena parte de ellos no tienen ni idea de lo que se ha pasado en este país, de las penurias que nuestros antepasados tubieron que soportar para dar algo de comer a su familia, pero no se equivoquen, ninguna culpa tienen de ello. Si no lo han vivido y nuestra moderna sociedad no se preocupa porque lo conozcan (la historia de España parece que se limita a los tiempos de Colón y los Reyes católicos, poco mas), puede que nos acabe ocurriendo lo que mil veces hemos escuchado: El pueblo que desconoce su historia está condenado a repetirla.


Tres colores: Blanco (Three Colours: Blanc) - Krzysztof Kieślowski (1994)

Título original - Trois couleurs : Blanc
Año - 1994
Duración - 92 min.
País - Francia
Dirección - Krzysztof Kieślowski
Guion - Krzysztof Piesiewicz, Krzysztof Kieślowski
Música - Zbigniew Preisner
Fotografía - Edward Klosinski
Montaje - Urszula Lesiak
Producción - Marin Karmitz
Productora - Co-production Francia-Polonia-Suiza; MK2 Productions, CAB Productions, France 3 Cinéma, CAB Productions, Studio Filmowe TOR
Reparto - Zbigniew Bielawski, Julie Delpy, Janusz Gajos, Jerzy Stuhr, Grzegorz Warchol, Jerzy Nowak, Aleksander Bardini, Cezary Harasimowicz, Jerzy Trela, Juliette Binoche, Florence Pernel
Género - Comedia, Drama, Comedia dramática


Krzysztof Kieślowski escribe junto a Krzysztof Piesiewicz y dirige, la segunda de las películas dedicadas a los colores de la bandera francesa y a los ideales que estos representan. Un trabajo que aborda la igualdad desde un punto de vista muy particular, utilizando para ello un ejemplo tan conflictivo como actual, dejando muestras de nuevo de su enorme habilidad para tratar los temas mas groseros de la forma mas amable posible. Cine con alma propia que pretende despertar conciencias sin llegar a infligir daños innecesarios. Una delicia que pasa volando ante nuestros ojos.


Sinopsis - Karol (Zbigniew Zamachowski) es un inmigrante polaco casado con Dominique (Julie Delpy), una francesa a la que ama profundamente. Tras ella presentar una demanda de divorcio, debido a que él sufre un problema de impotencia supuestamente temporal, Karol se verá solo en las calles de la ciudad. Gracias a la ayuda de Mikolaj (Janusz Gajos), un compatriota que lo encuentra interpretando melodías de su Polonia natal en el metro, decidirá regresar a su país para intentar rehacer su vida.

El director - Krzysztof Kieslowski fue un director y guionista de cine polaco, nacido en Varsovia el 27 de junio de 1941. Criado en una familia modesta, intentó ser bombero, idea que abandonó para volver a sus estudios. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. 

Tras realizar numerosos cortometrajes en la segunda mitad de los años 60, al comienzo de los 70 comenzó a trabajar en televisión, dirigiendo varios documentales y telefilms, sin dejar de realizar cortos. 

Su debut en el cine llegó en 1976 con La cicatriz, tras la que llegaron El aficionado (Amator) (1979), Sin fin (1985) y El azar (Cita a ciegas) (1987). A fines de los 80, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que Kieślowski utilizó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora. Su último trabajo con bandera polaca fue La doble vida de Verónica (1991), tras la que comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su trabajo más importante, la trilogía Tres Colores, dedicada a los colores de la bandera francesa y a lo que representan, de cuya segunda película nos ocupamos en el artículo de hoy. Tras esto, decidió retirarse del cine. Falleció en 1996 de un ataque cardíaco en su ciudad natal.

La película - Tras la inolvidable Tres colores: Azul, de la que os hablamos en este artículo, hoy os traemos la segunda parte de la trilogía que el director dedicó a los colores de la bandera francesa y a los valores que estos representan. Su nombre es Tres colores: Blanco, simbolizando este blanco impoluto a la igualdad, un derecho tantas veces exigido cómo pocas veces respetado. Sin entrar en comparaciones odiosas, si me gustaría dejar claro que este nuevo trabajo nada tiene que ver con el primero, por lo que aunque pertenezca a la misma trilogía que Azul, poco o nada tienen en común, aparte de su realizador, claro está. Por otro lado, comentarles que es igualmente disfrutable que el anterior, poseyendo sus propias señas de identidad, además de la inconfundible firma de Kieślowski.


Anomalisa - Charlie Kaufman y Duke Johnson (2015)

Anomalisa, Charlie Kaufman, Duke JohnsonTítulo original - Anomalisa
Año - 2015
Duración - 90 min.
País - Estados Unidos
Director - Charlie Kaufman y Duke Johnson
Guión - Charlie Kaufman y Dan Harmon
Música - Carter Burwell
Fotografía - Animation
Montaje - Garret Elkins
Producción - Charlie Kaufman, Duke Johnson, Dino Stamatopoulos y Rosa Tran
Productora - Starburns Industries
Género - Animación, Drama, Comedia
Reparto - Animation
Web oficial - http://www.kickstarter.com/projects/anomalisa/charlie-kaufmans-anomalisa


Charlie Kaufman y Dan Harmon adaptan la obra de teatro (escrita por el propio Kaufman) y el propio Kaufman, junto a Duke Johnson, dirigen esta comedia dramática de animación para adultos, enormemente alejada de casi todo lo que he visto hasta la fecha. Filmada en stop motion, estamos ante uno de los retratos mas desgarradores de la soledad que un servidor ha presenciado, con todo lo que ello conlleva para bien o para mal. Tan sencilla como la vida misma y rodada de forma tan brillante como original, Anomalisa hace honor a su nombre, presentándose como una hermosa y amarga anomalía dentro del universo del cine de animación.

Anomalisa, Charlie Kaufman, Duke Johnson

Sinopsis: La película tiene por protagonista a un motivador profesional experto en servicio de atención al cliente llamado Michael Stone. Su principal problema es que cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina encuentra su vida, hasta el punto que todo el mundo le parece y le suena igual. Preparando su charla para el día siguiente escucha la voz de una chica que le suena diferente a todo lo demás, algo que lo hace buscarla y, tras conocerla, llegar a replantearse toda su vida, hasta el punto de estar dispuesto a abandonarlo todo y a todos, con el único anhelo de alcanzar la felicidad junto a ella y volver a dar sentido a su existencia.

Anomalisa, Charlie Kaufman, Duke JohnsonLos directores: Charlie Kaufman es un guionista, productor y director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 19 de noviembre de 1958. En su trabajo como guionista es responsable de trabajos como Being John Malkovich (1999), que le valió una nominación al Oscar y al Globo de Oro y un premio BAFTA, Human Nature (2001), Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002), por la que obtuvo otra nominación al Óscar y su segundo BAFTA, Confesiones de una mente peligrosa (Confessions of a Dangerous Mind) (2002), Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) y Synecdoche, New York (2008), que supuso su debut en la dirección. Duke Johnson es un director de cine estadounidense nacido en St. Louis, Missouri, el 20 de marzo de 1979. Especializado en la animación stop-motion, actualmente es socio minoritario de los estudios Dino Stamatopoulos. Ha sido nominado para los Annie Awards en 2011 y 2012, por dirigir episodios de las series Mary Shelley's FrankenholeCommunityAnomalisa es su primer trabajo juntos y, visto lo visto, esperemos no sea el último.

La película: El cine, y mas concretamente el de animación, permite al espectador realizar viajes y fantasías imposibles, recorrer universos inexplorados y vivir multitud de experiencias que difícilmente nos regalará nuestra monótona y anodina realidad. Pero, ¿que ocurre cuando una película de animación nos muestra todo lo contrario, cuando simplemente nos permite observar desde fuera la cruda realidad de la vida que la mayoría de nosotros alcanzamos a vivir?. Es el caso de Anomalisa, un trabajo con alma e identidad propia, que desde su primera escena intenta retratar uno de los principales males de la sociedad actual, la sensación de soledad y vacío con la que muchos hemos de convivir, algo que consigue con creces, pero que por otro lado, no será un plato que sacie todos los paladares.

Anomalisa, Charlie Kaufman, Duke Johnson

Me gustaría aclarar que la animación es solo el medio utilizado por Charlie Kaufman y Duke Johnson para contarnos su historia, un gran acierto en mi opinión, pero a la vez complejo para llegar a cierta parte del público. Lo que tengo claro es que a muchos de los amantes del cine animado no les hará excesiva gracia este trabajo, acostumbrados a otro tipo de cine muy diferente, mientras que el público que disfrutará con ella no creo que suela ver mucho cine de animación, por lo que habrá una buena cantidad que ni le hayan prestado la mas mínima atención solo por ello. Lo ideal es dejar de lado los prejuicios y disponerse a ver un trabajo que habla sobre la naturaleza humana, de como es nuestra vida actual y de una de las grandes paradojas actuales: cuanto mas medios tecnológicos tenemos para estar comunicados, mas y mas solos parecernos sentirnos.

Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors) - Woody Allen (1989)

Crimes and Misdemeanors, Delitos y faltas, Woody AllenTítulo original - Crimes and Misdemeanors
Año - 1989
Duración - 104 min.
País - Estados Unidos
Director - Woody Allen
Guión - Woody Allen
Música - Varios
Fotografía - Sven Nykvist
Montaje - Susan E. Morse
Producción - Robert Greenhut
Productora - Orion Pictures
Género - Drama, Comedia
Reparto - Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, Anjelica Huston, Mia Farrow, Martin Landau, Jerry Orbach, Caroline Aaron, Sam Waterston, Joanna Gleason, Martin Bergmann, Jenny Nichols, Daryl Hannah, Zina Jasper, Frances Conroy


Fue en 1989 cuando el bueno de Woody Allen escribió y dirigió la que, para mi y para muchos, es una de sus mejores películas, realizando una mezcla perfecta entre comedia y drama, con un excelente guión en el que destacan sus inolvidables diálogos, sus elaborados personajes y un mensaje tan real y directo como la vida misma. En su reparto, el propio Allen, Alan Alda, Anjelica Huston, Mia Farrow o Martin Landau, entre otros, consiguen rematar una obra realmente brillante y atemporal como pocas. Así es esta vida y así seguirá siendo, nos guste o no.

Crimes and Misdemeanors, Delitos y faltas, Woody Allen

Sinopsis: La película nos cuenta las historias paralelas de dos hombres muy distintos: Judah Rosenthal (Martin Landau) es un oftalmólogo de prestigio al que la vida le sonríe. Tiene una hermosa familia y vive con todo tipo de comodidades, pero tras varios años de relación extra-matrimonial con Dolores Paley (Anjelica Huston), esta amenaza con destruir su vida tras saber que el pretende dejarla. Por otro lado, Cliff Stern (Woody Allen) es un documentalista de poco éxito atrapado en una relación que agoniza. Para colmo, es contratado por su arrogante y exitoso cuñado Lester (Alan Alda), al que odia profundamente, para realizar un documental sobre su vida y su obra. Así conocerá a Halley Reed (Mia Farrow), una de las productoras del documental, de la que se sentirá atraído de inmediato.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Tras haber visto este trabajo ya en tres ocasiones, algo que en todas ellas ha sido un verdadero placer, incluso creciendo este en cada visionado, puedo casi asegurar que estamos ante la película, al menos para mi gusto, que consigue dejar uno de los mensajes mas pesimistas de los que se le pueden mandar a un ser humano, consiguiendo magistralmente que a este se le quede la sensación de haber visto una buena comedia. Decirlo o escribirlo resulta fácil, pero llevarlo a cabo de la forma en la que lo hace el bueno de Woody Allen, no puede ser mas que calificado como magistral. Tanto si eres admirador de su cine, como si lo detestas, esta magnífica obra deberías verla, ya que consigue tratar varios de los temas mas trascendentales de los que podemos debatir los seres humanos, con una naturalidad y un sentido del humor fundamentales para no acabar asqueado de la vida misma.

Crimes and Misdemeanors, Delitos y faltas, Woody Allen

El guión escrito por el propio Allen, es sin duda uno de los mejores que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar llevado a la gran pantalla, principalmente por como su creador es capaz de dosificar las dosis de drama y comedia, ya que con solo imaginar una historia similar sin el alivio que suponen sus chispeantes diálogos y varias de las situaciones que nos plantea, ya se le baja a uno la moral por completo. Olvídense del tipo de películas en las que las buenas acciones, las loables intenciones, son recompensadas por la misma vida o por cualquier Dios en el que crean y las malas son duramente castigadas, porque aquí el realizador estadounidense le da completamente la vuelta a la tortilla, enfrentándose a toda esa carga moral para intentar realizar un fiel retrato de como es la vida en realidad, por desgracia para la mayoría de nosotros.

Ha vuelto (Look Who’s Back) - David Wnendt (2015)

Look Who’s Back, Ha vuelto, David WnendtTítulo original - Er ist wieder da (Look Who’s Back)
Año - 2015
Duración - 116 min.
País - Alemania
Director - David Wnendt
Guión - David Wnendt, adaptando la novela homónima de Timur Vermes
Música - Enis Rotthoff
Fotografía - Hanno Lentz
Montaje - Hans Funck
Producción - Lars Dittrich y Christopher Müller
Productora - Mythos Film / Claussen Wöbke Putz Filmproduktion / Constantin Film Produktion
Género - Comedia / Falso documental
Reparto - Oliver Masucci, Fabian Busch, Christoph Maria Herbst, Katja Riemann, Franziska Wulf, Lars Rudolph, Michael Kessler


David Wnendt adapta la novela Ha vuelto de Timur Vermes y dirige esta curiosa comedia satírica tras la que se esconde una voraz crítica a la sociedad alemana actual y a la europea en general. Filmada como un falso documental, utiliza la figura del nefasto dictador alemán para dirigir su mirada a una sociedad que parece no haber aprendido demasiado del pasado, algo que puede resultar nefasto. Su irregularidad y su largo metraje impiden quizás que alcance cotas mayores, aunque no deben de ser escusas para dejar de disfrutarla. Original y valiente como pocas, conviene meditar profundamente sobre su peliaguda advertencia.

Look Who’s Back, Ha vuelto, David Wnendt

Sinopsis: Berlín, año 2014. Adolf Hitler (Oliver Masucci) se despierta en un pequeño parque sin recordar nada de lo ocurrido desde 1945. Tras un lógico desconcierto inicial, el famoso dictador observa aterrado como ha cambiado su país, interpretando poco a poco la marcha de la sociedad alemana actual. Fabian Sawatzki (Fabian Busch), un periodista cuyo trabajo no pasa por su mejor momento, lo descubre y lo lleva al canal de televisión donde trabaja, donde deciden proporcionarle una pequeña aparición en un programa de humor. Su presencia no pasa inadvertida para la población, que lejos de creer que se trata del auténtico genocida, cree tener ante sus ojos a un actor totalmente metido en su papel, que no deja a nadie indiferente.

Look Who’s Back, Ha vuelto, David WnendtEl director: David Wnendt es un director de cine y guionista alemán nacido en Gelsenkirchen, en 1977. Hijo del diplomático Werner Wnendt y la licenciada en geología Eleanor Wnendt, estudió hasta 2004 administración de empresas y periodismo en la Universidad de Berlín, compaginándolo durante un año con estudios en la famosa escuela de cine de Praga. Entre sus primeros trabajos destaca el cortometraje Sueños de California (2005), con el que ganó el primer premio en el Festival Internacional de cortometrajes de Berlín, y el posterior mediometraje Pequeñas luces (2008). El éxito le llegó muy pronto, con su película de graduación titulada Guerrera (Sangre y honor) (2011), con la que ganó tres Premios del cine alemán. Se trata de un drama sobre una violenta chica neonazi que culpa a los demás del ingreso en prisión de su novio, interpretada por la actriz Alina Levshin. Su segundo largometraje fue Wetlands (2013), una polémica comedia dramática sobre una chica aficionada a utilizar verduras para masturbarse y que piensa que la higiene corporal está completamente sobrevalorada, interpretada por Carla Juri. Ha vuelto es su último trabajo hasta la fecha, augurando un prometedor futuro a este guionista y director que no suele dejar indiferente a nadie en cada uno de sus trabajos.

La película: Atrevida, original, controvertida, irreverente, muchos son los calificativos que podría utilizar para definir esta divertida película llamada Ha vuelto, que comienza de forma sorprendente, sacando mas de una carcajada a un espectador que no imagina todavía la que se le viene encima, e incluso puede llegar a creer que está viendo un divertido vídeo de algún avispado aficionado. Ante todo quiero avisaros, sobre todo a los menos propensos al cambio de género o la sorpresa inesperada, de que no estamos ante una simple comedia al uso, aunque es lo que parezca cuando comenzamos a disfrutarla, ya que tras su cara amable y divertida, se esconde algo mucho mas complejo y profundo, capaz de atizar a todo y a todos los que encuentra a su paso, para lo que utiliza sabiamente y sin ningún pudor la mirada del famoso y sanguinario dictador que tanto daño causó con su aventajada mente y su innegable poder de persuasión.

Look Who’s Back, Ha vuelto, David Wnendt

Ya el simple hecho de colocar al dictador, de cuyo nombre prefiero ni acordarme, en las calles del mismo Berlín y filmar la reacción de miles de personas a su paso, es un acto de indudable valentía que por si solo supone todo un hito, una última tuerca necesaria para que el pueblo alemán se libre de una vez por todas de las cadenas que aún los une con tan sombría figura, pero el hecho de utilizar su atónita mirada ante los enormes cambios que ha sufrido nuestra sociedad desde que finalizó su reinado de terror, de utilizar su opinión sobre cada adelanto tecnológico y cada nueva costumbre, es todo un acierto que le da a este trabajo unas señas de identidad propias y genuinas, por las que sin duda merece la pena disfrutarlo.

La modista (The Dressmaker) - Jocelyn Moorhouse (2015)

La modista, The Dressmaker, Jocelyn MoorhouseTítulo original - The Dressmaker
Año - 2015
Duración - 118 min.
País - Australia
Director - Jocelyn Moorhouse
Guión - Jocelyn Moorhouse, basado en la novela homónima de Rosalie Ham
Música - David Hirschfelder
Fotografía - Donald McAlpine
Montaje - Jill Bilcock
Producción - Sue Maslin
Productora - Film Art Media / Screen Australia
Género - Drama, Comedia
Reparto - Kate Winslet, Judy Davis, Liam Hemsworth, Hugo Weaving, Sarah Snook, Sacha Horler, Caroline Goodall, James Mackay, Kerry Fox, Alison Whyte, Barry Otto, Julia Blake, Rebecca Gibney, Shane Jacobson, Genevieve Lemon, Shane Black, Shane Bourne, Hayley Magnus


Jocelyn Moorhouse adapta la novela The Dressmaker, escrita por Rosalie Ham, y dirige este curioso trabajo en el que mezcla sin ningún pudor comedia y drama, además de otro puñado de subgéneros inimaginables, de forma un tanto drástica, dando lugar a un trabajo sumamente original, aunque difícilmente digerible por buena parte del público. Una obra en la que se respira por momentos aromas a cine memorable, que se apoya en el indiscutible carisma y el buen hacer de Kate Winslet, pero que acaba quedándose en recomendable, sin llegar a ser un trabajo redondo por diversos detalles.

La modista, The Dressmaker, Jocelyn Moorhouse

Sinopsis: Australia, años 50. Tilly Dunnage (Kate Winslet), una glamurosa modista, regresa a su casa en el turbio pueblo de Dungatar tras muchos años trabajando en exclusivas casas de moda de París, con el objetivo de cerrar heridas del pasado y vengarse de quienes la forzaron a marcharse años atrás. Allí intentará reconciliarse con Molly (Judy Davis) y armada únicamente con su máquina de coser y su excepcional estilo, intentará transformar a las mujeres del pueblo y lograr de esta peculiar forma su dulce y ansiada venganza.

La modista, The Dressmaker, Jocelyn MoorhouseLa directora: Jocelyn Moorhouse Denise es una guionista y directora de cine nacida en Melbourne, Australia, el 4 de septiembre de 1960. Mientras estudiaba en el Australian Film, Television and Radio School (AFTRS) dirigió su primer cortometraje, titulado Pavane (1983). Tras graduarse al año siguiente comenzó a trabajar en televisión, participando en programas como c/o The Bartons for the ABC, The Flying Doctors, Out of the Blue, A Place to Call Home o The Humpty Dumpty Man. Debutó en el cine en 1991 con el drama Proof (La prueba), ganando varios premios en Festivales de gran prestigio entre los que destaca la Mención especial - Cámara de Oro en Cannes. Tras ella dirigió Donde reside el amor (1995), un drama romántico con la participación de Winona Ryder y Anne Bancroft, entre otros; Heredarás la tierra (1997) ha sido su último trabajo para la gran pantalla anterior al que hoy nos ocupa. Se trata de un melodrama que cuenta entre su reparto con nombres como Michelle Pfeiffer, Jessica Lange, Jason Robards, Jennifer Jason Leigh, Keith Carradine o Colin Firth, entre otros, que no gozó de excesivo éxito, quizás la principal causa de que haya tardado ocho largos años en volver a hacer cine.

La película: He de comenzar aclarando que La modista (The Dressmaker) es un trabajo que ha dejado en mi sensaciones un tanto dispares, no porque no sea una película aconsejable, que para mi lo es, ni porque no posea casi todo lo necesario para llegar a ser redonda, sino porque su intento de innovar en cuanto a la grotesca mezcla de géneros que en ella se da, no tiene el resultado que su realizadora esperaba, al menos no lo ha tenido en mi, consiguiendo incluso restar mas que sumar en algunos momentos. Es un trabajo ameno de ver, divertido en muchos momentos, e incluso brillante diría yo, pero cuando la historia exige un cambio de tono, este resulta excesivamente brusco, algo que no gustará a todos por igual, sobre todo teniendo en cuenta que no hablamos de un solo momento, sino de varios a lo largo de la historia.

La modista, The Dressmaker, Jocelyn Moorhouse

Un vaivén de emociones realmente difícil de explicar, que asaltan constantemente a un espectador que nunca sabe que será lo próximo que le puede esperar, tan original y poco convencional para algunos como brusca e incluso mareante para otros. Destacan en ella muchos de sus personajes, totalmente caricaturizados y en algunos casos difíciles de olvidar, en los que se basa gran parte del encanto de la película. Y todo ello para contarnos algo mil veces contado ya, una historia de venganza disfrazada de mil y una formas, pero que inevitablemente acaba desprendiéndose de todas ellas y mostrando su verdadera identidad, eso si, sin dejar de lado en ningún momento un humor que pasa del mas convencional al mas negro que puedan imaginar.

La familia Bélier (La famille Bélier) - Eric Lartigau (2014)

familia Bélier, Eric Lartigau, famille BélierTítulo original - La famille Bélier
Año - 2014
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Eric Lartigau
Guión - Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau
Música - Evgueni Galperine y Sacha Galperine
Fotografía - Romain Winding
Montaje - Jennifer Augé
Producción - Philippe Rousselet, Éric Jehelmann y Stéphanie Bermann
Productora - Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma
Género - Comedia, Drama
Reparto - Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe


Eric Lartigau escribió el guión junto a Victoria Bedos y Thomas Bidegain, además de dirigir esta excepcional muestra de como mezclar en las dosis adecuadas comedia y humor, sin llegar a parecer frívolo con los espinosos temas que toca, ni llegar a ser excesivamente melodramático. Hermosa, humana, divertida, trascendente, son solo algunos de los calificativos que me vienen a la cabeza a la hora de describirla, debiendo hacer mención especial al trabajo de todo su reparto y a unos personajes que llegan a nosotros para quedarse. Francia continúa regalándonos pequeñas joyas de vez en cuando, de esas que merece la pena disfrutar y que rara vez ya se olvidan. ¡Chapeau! Monsieur Eric Lartigau.

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Sinopsis: Todos los miembros de la familia Bélier son sordomudos, excepto Paula (Louane Emera), de 16 años. Ella hace de intérprete para sus padres, especialmente en lo que respecta al funcionamiento de la granja familiar. Un día, alentada por su profesor de música, que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France, pero se trata de una elección que la obligará a distanciarse de su familia en caso de ser elegida, por lo que decidir si tomarla no será nada sencillo.

El director: Eric Lartigau es un director francés nacido en París, el 20 de junio de 1964. Tras trabajar en una casa de subastas, fue contratado como chofer del realizador Pascal Thomas, para el que acabó trabajando como asistente de dirección. Continuó realizando dicho trabajo para directores de la talla de Emir Kusturica , Édouard Molinaro o Diane Kurys. Comenzó a trabajar en televisión participando en series como Les Guignols de l'info (1988) y H (2000-2001). Debutó en la dirección de un largometraje con ¿Pero quién mató a Pamela Rose? (2003), una comedia bastante discreta. Tras ella llegaron la comedia de ciencia ficción Un ticket pour l'espace y una nueva comedia llamada Prête-moi ta main, ambas de 2006, el drama The Big Picture (2010) y la olvidable Los infieles, que dirigió junto a directores como Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé o Alexandre Courtès, entre otros. La familia Bélier ha supuesto un paso adelante en su carrera, al conseguir sacar petroleo donde muchos hubieran naufragado estrepitosamente. Seguiremos atentos a sus próximos trabajos.

La película: He de reconocer que cuando me disponía a ver esta película no las tenía todas conmigo, principalmente porque resulta extremadamente difícil encontrar un trabajo de este tipo que no peque por exceso o por defecto, ya que hay que reconocer que mezclar drama y comedia no suele ser tarea sencilla. Pero conforme la cinta avanza, tras un comienzo algo mas alocado y vivaz que el tono general de la misma, me di cuenta que estaba ante uno de esos trabajos que consiguen que recuerde el porqué de mi amor por este arte, capaz de regalarnos muchas de las características que hacen que adore el cine clásico, trasladadas al presente en un trabajo de una riqueza indudable, llevado además a la pantalla de forma muy inteligente y amena. Para que os hagáis una idea de donde la ubico yo, deciros que es para mi como una mezcla ente Billy Elliot (Quiero bailar), dirigida por Stephen Daldry en el 2000 y Pequeña Miss Sunshine, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris en el 2006, de la que os hablamos aquí, siempre guardando las distancias y sin entrar a compararla con ambas..

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Son varios los detalles que hacen de La familia Bélier una película muy recomendable, comenzando por el inteligente guión escrito por Victoria Bedos, Thomas Bidegain y el propio Eric Lartigau, capaz de contarnos una historia mucho mas trascendente de lo que en principio aparenta, que trata temas como la adolescencia, la inserción de los discapacitados en la sociedad, la familia, la amistad, el amor, etc, sin llegar a ser empalagosa o excesivamente dura en ningún momento, endulzándola además con un humor muy natural, que a pesar de mostrar alguna que otra situación un tanto surrealista o algo forzada, consigue su objetivo sin excesivos esfuerzos. Sus personajes, parte fundamental del magnífico resultado final, están perfectamente desarrollados y se ganan el favor del espectador casi inmediatamente, dándole a la película identidad propia.