Matar a un ruiseñor - Robert Mulligan (1962)

Título original - To Kill a Mockingbird
Año - 1962
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Mulligan
Guión - Horton Foote, basado en la novela de Harper Lee
Música - Elmer Bernstein
Fotografía - Russell Harlan
Montaje - Aaron Stell
Producción - Alan J. Pakula
Productora - Universal. Productores: Alan J. Pakula & Robert Mulligan
Género - Drama
Reparto - Gregory Peck, Mary Badham, Brock Peters, Phillip Alford, John Megna, Frank Overton, Rosemary Murphy, Robert Duvall

Robert Mulligan fue el encargado de llevar de forma magistral a la gran pantalla un guion de Horton Foote, basado en la novela homónima de la escritora Harper Lee, que fue galardonada con el Premio Pulitzer en 1961. Con semejante materia prima, el director usa toda su maestría y nos regala uno de los trabajos mas completos visto por un servidor, capaz de tocar temas de lo mas delicados con un tacto digno de elogio, mostrándolos desde los ojos de una de sus protagonistas, una niña. Mención especial al brillante trabajo de un Gregory Peck, que ganó merecidamente un Oscar de la academia por ella. Imprescindible.

Sinopsis: Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado de una pequeña ciudad del estado sureño de Alabama, en la época de la Gran Depresión. Vive junto a sus dos hijos Scout (Mary Badham) y Jem (Phillip Alford) desde que enviudó, a los que intenta inculcar los valores que guían su vida, por lo que cuando le ofrecen la defensa de un hombre de color acusado de la violación de una joven blanca, da un paso al frente y acepta hacerse caso del caso, sin dejarse amilanar por la evidente presión que, en una población totalmente dividida por el racismo, tendrá que soportar.

El director: Robert Mulligan fue un director estadounidense de cine y televisión nacido en Nueva York, el 23 de agosto de 1925. Adscrito a la llamada "generación de la televisión" junto con Stanley Kramer y Robert Altman, entre otros, dirigió casi una treintena de trabajos entre los que podemos encontrar auténticas maravillas. Mencionaré aquí algunos de mis favoritos: Perdidos en la gran ciudad (1960), El gran impostor (1961), Cuando llegue septiembre (1961), Camino de la jungla (1962), Amores con un extraño (1963), La última tentativa (1965), La rebelde (1965), La noche de los gigantes (1968), En busca de la felicidad (1971), Verano del 42 (1971), El otro (1972), de la que os hablamos en este artículo, El hombre clave (1974), El próximo año a la misma hora (1978) o Un verano en Louisiana (1991). Cualquiera de ellas merece la pena ser disfrutada.

La película: Estas navidades he tenido que trabajar doce horitas el día de navidad, algo por lo que hay que dar las gracias, mas aún viendo como está el mercado laboral, pero que no es precisamente plato de muy buen gusto. Como la fecha es delicada, decidí ir a lo seguro y no arriesgarme con cine por descubrir, así que decidí realizar un re-visionado de esta maravilla, pensando además en que fuera el último artículo que escribiría en este 2015 que ya nos deja, ya que como bien dicen por estas tierras, bien está lo que bien acaba. El día fue relativamente duro, no les voy a engañar, pero lo que os puedo asegurar es que las dos horas largas que dura esta magnífica obra, fueron las mejores hasta que llegué a casa, con mucha diferencia además.

Y es que el señor Robert Mulligan es uno de los realizadores que mejor ha sabido reflejar en la gran pantalla una historia vista desde los ojos de un niño, algo que repitió una década después con la excelente El otro (1972), ya anteriormente mencionada. Lógicamente, mucho tiene que ver en ello la magistral obra de Harper Lee, una maravilla muy bien adaptada por Horton Foote, pero sin la enorme habilidad del realizador, lo mas normal es que la película no consiguiera hacer justicia a tan hermoso texto. En el se utiliza la inocencia y candidez de una niña, para tratar temas tan conflictivos como el racismo, la infancia, la dureza de la vida en una pequeña población rural cuando ya estás catalogado como tal o como cual, etc.

Mr. Holmes - Bill Condon (2015)

Título original - Mr. Holmes
Año - 2015
Duración - 104 min.
País - Reino Unido
Director - Bill Condon
Guión - Jeffrey Hatcher, basado en la novela de Mitch Cullin
Música - Carter Burwell
Fotografía - Tobias A. Schliessler
Montaje - Virginia Katz
Producción - Iain Canning, Anne Carey y Emile Sherman
Productora - Co-production Reino Unido-USA; AI-Film / See-Saw Films / Archer Gray
Género - Intriga. Drama | Sherlock Holmes. Años 40
Reparto - Ian McKellen, Milo Parker, Laura Linney, Hattie Morahan, Hiroyuki Sanada, Patrick Kennedy, Roger Allam, Frances de la Tour, Nicholas Rowe, Philip Davis, Takako Akashi, Frances Barber, Charles Maddox, John Sessions
Web oficial - http://www.mrholmesfilm.com/

Bill Condon es el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Jeffrey Hatcher escribió basándose en la novela A Slight Trick of the Mind, de Mitch Cullin. Un trabajo atípico que nos muestra a un Holmes alejado del mito, como a una persona normal en el ocaso de su vida, que intenta poner esta en orden antes de su inevitable final. A su favor está su originalidad, lo humana que resulta su historia y el impecable trabajo de Ian McKellen. En su contra, al menos para algunos, la humanización de un mito, que no gustará a todos por igual, y su ritmo pausado. En mi opinión es un trabajo muy disfrutable, aunque no redondo del todo. Juzguen ustedes mismos.

Sinopsis: Sherlock Holmes (Ian McKellen), retirado de la vida pública y de su oficio como detective, vive su vejez en un remoto pueblo de la campiña inglesa en una casa, atendido en todo por la Sr. Munro (Laura Linney) y su hijo pequeño, Roger (Milo Parker). A través de su relación con éste, Holmes busca luchar contra su senilidad y su pérdida de memoria para recordar su último caso, "Sherlock Holmes y la Dama de Gris", en la creencia de que Watson no se ajustó a la verdad a la hora de escribirla, con el propósito de enmendar los fallos de Watson y explicar lo que realmente pasó.

El director: Bill Condon es un guionista y director estadounidense nacido en Nueva York, el 22 de octubre de 1955. Hijo de un detective de la policía, fue criado en una familia católica irlandesa. Asistió a la Regis High School y al Columbia College, graduándose en 1976 en filosofía. Dos películas tuvieron un impacto significativo en la vida temprana de Cordon: Bonnie and Clyde (1967), que lo hizo interesarse por los guiones cinematográficos, y Sweet Charity (1969), que segun sus palabras lo llevó a "una historia de amor de por vida con películas que son vilipendiadas y rechazadas en su tiempo".

Su carrera como cineasta comenzó con guiones para la película independiente Strange Behavior (1981), un homenaje a las películas de terror pulp de la década de 1950, y la película de ciencia ficción Strange Invaders (1983), protagonizada por Nancy Allen y Wallace Shawn. Su debut como director fue Sister, Sister (1987), cuyo fracaso supuso un importante freno en su carrera. Tras dirigir varios telefilms y la evitable Candyman 2 (1995), escribió y dirigió Dioses y monstruos (1998), por la que ganó el Óscar al mejor guion adaptado, de la que os hablamos en este artículo. Tras ella llegaron títulos como Kinsey (2004), un drama sobre el biólogo Alfred Kinsey, interpretado por Liam Neeson; Dreamgirls (2006), un drama musical con Jamie Foxx, Beyoncé, Danny Glover, Jennifer Hudson y Eddie Murphy entre su reparto; La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 1 y 2 (2011 y 2012), un auténtico despropósito, como lo es la saga al completo; El quinto poder (2013), un drama sobre como Julian Assange y Daniel Domscheit-Berg crearon WikiLeaks, interpretado por Benedict Cumberbatch, Daniel Brühl y Alicia Vikander, entre otros; Mr. Holmes (2015), de la que os hablamos hoy; La bella y la bestia (2017), una adaptación en imagen real del clásico de Disney, en cuyo reparto lucen nombres como Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Emma Thompson o Ewan McGregor. Su último trabajo ha sido La gran mentira (2019), una comedia dramática de intriga con los magníficos Helen Mirren y Ian McKellen a la cabeza.

La película: Ante todo he de advertir que no he tenido la oportunidad de leer la novela en la que se basa el guión escrito por Jeffrey Hatcher, por lo que no puedo juzgar la fidelidad de este con el texto original. Lo que si puedo asegurarles es que no estamos ante un trabajo típico de los que en la historia se han realizado con el famoso detective como protagonista, algo que es a la vez su principal virtud y su mayor defecto, dependiendo del tipo de espectador que se disponga a disfrutarla. Digo esto porque mas que una película de Sherlock Holmes, es una película sobre el final de su vida y su intento por dejar esta lo mas ordenada posible, así que no esperen un trabajo con grandes dosis de acción e intriga, porque acabarían decepcionados.

Pero no es algo que deba de servir como escusa para no verla, sino mas bien como orientación para no llevarse ningún chasco, que decimos por aquí. Yo veo mas a Mr. Holmes como un drama, como un retrato humano del que ha sido uno de los detectives mas famosos tanto en literatura, como en el cine y televisión. Lógicamente, habrá muchos aficionados a los que no les guste ver al que ha sido su ídolo durante tanto tiempo con 93 años, cuya memoria y capacidad intelectual comienzan a deteriorarse, pero es algo que hemos de mirar desde otra perspectiva, al menos en mi modesta opinión, porque ¿que mejor ejemplo que el querido sabueso para realizar un alegato sobre el final de la vida y el poder de la culpa y el remordimiento?. Si tenemos claro esto, estamos ante un trabajo muy disfrutable, que además se aleja de todo lo realizado con anterioridad sobre Holmes.

Orphan Black - Graeme Manson y John Fawcett (2013)

Título original - Orphan Black
Año - 2013
Duración - 45 min.
País - Canadá
Director - John Fawcett, Graeme Manson, John Fawcett y T.J. Scott
Guión - Graeme Manson, John Fawcett, Alex Levine y Karen Walton
Música - Trevor Yuile
Fotografía - Aaron Morton
Montaje - D. Gillian Truster, Brett Sullivan, Jay Prychidny, Stephen Lawrence y Matthew Anas
Producción - Claire Welland y Tatiana Maslany
Productora - Coproducción Canadá-EEUU; BBC America / Space / Temple Street Productions
Género - Serie de TV, Ciencia ficción, Intriga, Drama. Acción
Reparto - Tatiana Maslany, Dylan Bruce, Skyler Wexler, Jordan Gavaris, Kevin Hanchard, Evelyne Brochu, Inga Cadranel, Maria Doyle Kennedy, Michael Mando, Drew Davis, Millie Davis, Kristian Bruun
Web oficial - http://www.bbcamerica.com/orphan-black/

Graeme Manson y John Fawcett son los creadores de esta curiosa serie que, a la sombra de otras superproducciones con las que le es imposible competir en promoción, por ejemplo, tiene ya anunciada una cuarta temporada para el año que está a punto de nacer. Un trabajo con un ritmo frenético que nunca decae, un guión un tanto alocado, pero inteligente y adictivo, una mezcla de géneros muy bien condimentada y la actuación de Tatiana Maslany, que interpreta innumerables papeles con una profesionalidad y una frescura dignas de elogio. Tan extraña y diferente como eficaz. Un soplo de aire fresco que funciona muy bien.

Sinopsis: Sarah (Tatiana Maslany) es una mujer huérfana que dejó a su hija hace meses en mano de la persona que la crió, huyendo de una relación destructiva que no quería que afectara a la pequeña. Tras regresar a la ciudad con la intención de reunirse con su hija, presencia como una chica deja sus efectos personales en un andén, por lo que se acerca hasta ella con el tiempo suficiente para ver que es idéntica a ella, antes de que esta se suicide. Sin tiempo para pensar, recoge el bolso de esta y decide adoptar su identidad, para poder investigar con calma quien era esa persona con la que compartía rostro y poder conocer algo mas sobre su desconocido origen.

Los creadores: Graeme Manson es un guionista y productor canadiense. Fue el autor del guión de la película Cube, dirigida por Vincenzo Natali en 1997, de la que os hablamos en este enlace. Ha escrito para series como Rent-a-Goalie (2006 - 2008), The Bridge (2010), Flashpoint (2010 - 2011) y la propia Orphan Black (2013 - 2015), entre otras. John Fawcett es un director de cine y televisión canadiense. Ha dirigido los largometrajes Amigo o enemigo (1997), Ginger Snaps (2000) y The Dark (2005). En televisión ha dirigido episodios sueltos en multitud de series como Xena, la princesa guerrera (1999 - 2001), Abducidos (2002), La clave Da Vinci (2001 - 2004), Missing (2005), The Bridge (2010), Heartland (2010 - 2011) o Spartacus: Sangre y arena (2013), entre muchas otras. Ambos habían colaborado juntos con anterioridad en el telefilm Lucky Girl (2001).

La serie: Tengo que empezar reconociendo que esta es una de esas series que veo pasar por delante de mis ojos cientos de veces antes de decidirme a hincarle el diente, ya que a primera vista no era de las candidatas a que un servidor le dedicase el tiempo que una serie te exige, pero cuando la renovaron para una tercera temporada decidí darle una oportunidad, algo de lo que, lejos de lamentarme, me alegro enormemente haber hecho. Desde entonces se ha convertido en una especie de oasis en el que de vez en cuando descanso de otras mas serias y exigentes, principalmente por su acertada mezcla de acción, intriga y humor, que consiguen que puedas disfrutarla de forma muy amena y distendida.

Y es que, ese es uno de los principales aciertos de Orphan Black, la forma en la que es capaz de atrapar al espectador, no solo por su enrevesada trama, que funciona bastante bien, sino por sus personajes, a los que si damos una oportunidad, acabarán atrapándonos sin remedio, haciéndose un pequeño hueco en nuestros corazones. La verdad es que también he de reconocer que tardé dos o tres episodios en conocerlos bien y adaptarme al ritmo en el que está contada la historia, un tanto alocado en algunos momentos, pero una vez metido en faena, lo complicado pasó a ser dejar de verla. El guión, en el que participan sus creadores, además de Alex Levine y Karen Walton, destaca en su vertiginoso ritmo y en la comicidad de muchas de las situaciones que plantea.

Coche policial - Jon Watts (2015)

Título original - Cop Car
Año - 2015
Duración - 86 min.
País - Estados Unidos
Director - Jon Watts
Guión - Jon Watts y Christopher D. Ford
Música - Phil Mossman
Fotografía - Matthew J. Lloyd y Larkin Seiple
Montaje - Megan Brooks y Andrew Hasse
Producción - Sam Bisbee, Andrew Kortschak, Cody Ryder, Alicia Van Couvering y Jon Watts
Productora - Audax Films / Dark Arts Film / Park Pictures
Género - Thriller, Comedia negra, Cine independiente
Reparto - Kevin Bacon, James Freedson-Jackson, Hays Wellford, Shea Whigham, Camryn Manheim

Jon Watts escribe junto a Christopher D. Ford y dirige este interesante trabajo, inspirado en un sueño de juventud del realizador y filmado en su Colorado natal. Una mezcla de road movie y thriller, con ciertos tintes de western y destellos de comedia negra, tan escueto en su duración como en la información que el espectador recibe de sus personajes, e interpretado por Kevin Bacon, que brinda gran parte del carácter que posee la cinta, junto a James Freedson-Jackson y Hays Wellford, que dan vida a dos mocosos que consiguen hacer realidad el sueño de millones de niños.

Sinopsis: Travis (James Freedson-Jackson) y Harrison (Hays Wellford) son dos jóvenes que han decidido marcharse de casa, comenzando un largo viaje a pie. Mientras caminan campo a través, llegan a una zona arbolada donde descubren un coche de policía que parece abandonado, por lo que comienzan a jugar con el. Lo que no saben es que acaban de realizar un acto que cambiará sus vidas para siempre, obligándolos a iniciar un viaje que pasará de ser un placido entretenimiento, a una lucha por conseguir sobrevivir.

El director: Jon Watts es un director de cine, productor y guionista estadounidense nacido en Fountain, Colorado, el 28 de junio de 1981. Comenzó creando anuncios promocionales para la compañía Park Pictures, además de dirigir los cortos Clay Pride: Being Clay in America (2001), The Invisible Dog (2005), Clown (2010) y Jewish Santa Is Coming (2010). Dirigió 10 episodios de la serie Onion SportsDome (2011), 13 de la serie The Onion News Network (2011-2012) y los telefilms The Fuzz (2011) y Eugene! (2012). Su debut en la gran pantalla fue Our RoboCop Remake (2014), dirigiendo ese mismo año Clown (2014). Ha sido anunciado como el director encargado de la próxima película de Spider-Man, aún sin título, que se espera para 2017 y cuenta ya con Tom Holland y Marisa Tomei entre su reparto.

La película: Su tuviese que elegir un adjetivo para calificar Cop Car, este sería sin duda minimalista. Es quizás este el motivo por el que algunos ven en ella una historia que da solo para un corto o mediometraje, pero la verdad es que entonces ya no se parecería en nada a la película que hoy nos ocupa, ya que habría perdido una de sus principales señas de identidad. Es minimalista porque su director ha evitado mostrarnos información de sus personajes fuera de lo que consiguen ver nuestros ojos, porque evita el uso de una voz en off, de flashbacks o cualquier otro método que nos muestre el pasado de sus protagonistas o como han llegado a la situación en la que comenzamos a verlos y conocerlos.

Esta circunstancia, que para muchos es un inequívoco síntoma de falta de profundidad, obliga al espectador a seguir la historia con suma atención, mientras las preguntas se suceden y asaltan su mente constantemente, algo que no gustará a todos por igual, pero que forma parte de su ADN nos guste o no. En mi caso en concreto, siempre reconociendo que el guión de Jon Watts y Christopher D. Ford tiene cosas mejorables, no supone un problema excesivamente grande, ni un motivo para dejar de disfrutarla, sino que le le imprime unas señas de identidad propias. Lo que si hace es convertirlo en cine no apto para impacientes, de una sequedad y un ritmo pausado pero en constante crecimiento, que hay que saber digerir.

Nightingale - Elliott Lester (2014)

Título original - Nightingale
Año - 2014
Duración - 83 min.
País - Estados Unidos
Director - Elliott Lester
Guión - Frederick Mensch
Música - Mark D. Todd
Fotografía - Pieter Vermeer
Montaje - Nicholas Wayman-Harris
Producción - Elliott Lester, Josh Weinstock y Katrina Wolfe
Reparto - David Oyelowo, Barlow Jacobs, Heather Storm
Productora - BN Films / Yoruba Saxon Productions
Género - Drama, Telefilm

Elliott Lester es el director encargado de dar vida al guión escrito por Frederick Mensch, en una trabajo que nos muestra la bajada a los infiernos de Peter Snowden, al que interpreta de forma magistral el actor David Oyelowo. Un trabajo bastante arriesgado, con un presupuesto mínimo, que entrega a su protagonista el peso total de la película y al espectador la tarea de ir desgranando los motivos de su conducta, sus evidentes trastornos mentales y las causas que lo han podido llevar hasta donde se encuentra. Una puerta abierta a una mente enferma en forma de telefilm, con el sello de HBO.

Sinopsis: Peter Snowden (David Oyelowo) es un varón afroamericano que ronda la treintena y vive junto a su madre. Ex-combatiente de la guerra de Irak, agobiado por un triste trabajo en un supermercado que solo le da para ir tirando y marcado por su estricta educación y por una relación imposible, su mente parece haber dicho "hasta aquí hemos llegado". Su mayor obsesión parece ser conseguir que un antiguo compañero venga una noche a cenar, aunque la esposa de este no parece a estar dispuesta ni a darle sus recados.

El director: Elliott Lester es un productor y director que inició su carrera como director de videoclips musicales y anuncios publicitarios. Debutó en la dirección de un largometraje en 2006 con Love Is the Drug, un drama sobre un peligroso triangulo amoroso. En 2011 dirigió Blitz, un thriller interpretado por  Jason Statham. Tras Nightingale, la que hoy nos ocupa, dirigió la serie Chop Shop en 2014. Tiene preparado ya el telefilm Thirst y el thriller Sleepwalker, escrito por Jack Olsen e interpretado por Richard Armitage, Haley Joel Osment y Kevin Zegers, entre otros.

La película: Los trabajos en los que se nos muestra parte de la vida de un personaje con evidentes desequilibrios psicológicos, no suelen ser sencillos de filmar y mucho menos de visualizar y digerir, ya que nos muestran formas de actuar que no podemos entender, algo muy lógico por otra parte, además de conseguir crear cierto desasosiego en el espectador, en el caso de estar bien realizados, claro. Pero si además de todo ello le sumamos que la historia transcurre casi en su totalidad en el interior de una casa y que su protagonista principal es prácticamente el único actor al que vemos trabajar en el, la complicación alcanza niveles insospechados.

En un principio, puede que las premisas que les he comentado no sean excesivamente llamativas para muchos de los que estéis leyendo esta reseña, pero lo que os puedo asegurar sin ningún género de dudas, es que en esta ocasión podéis llevaros una grata sorpresa, ya que el trabajo del que hablamos es capaz de llamar la atención del espectador desde muy pronto, para ya no soltarla hasta que llegue su escena final, algo realmente difícil de conseguir con los condicionantes anteriormente mencionados. Para que tengáis una idea de que tipo de trabajo tenemos delante, siempre guardando las distancias y sin llegar a siquiera insinuar que sean parecidos, podemos compararlo con Locke, el drama dirigido por Steven Knight e interpretado por Tom Hardy en 2013, del que os hablamos en este artículo.

Un par de seductores - Frank Oz (1988)

Título original - Dirty Rotten Scoundrels
Año - 1988
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Oz
Guión - Dale Launer, Stanley Shapiroy Paul Henning
Música - Miles Goodman
Fotografía - Michael Ballhaus
Montaje - Stephen A. Rotter y  William S. Scharf
Producción - Bernard Williams
Productora - Orion Pictures
Género - Comedia | Remake
Reparto - Michael Caine, Steve Martin, Glenne Headley, Anton Rodgers, Barbara Harris, Ian McDiarmid

Frank Oz fue el director encargado de realizar el remake de la obra que 24 años antes dirigió Ralph Levy, titulada Dos seductores. Con los mismos guionistas de la primera (Stanley Shapiro y Paul Henning) junto a Dale Launer, Michael Caine en el papel que interpretaba David Niven y Steve Martin en el de Marlon Brando, asistimos a una de esas escasas ocasiones en que la hermana pequeña mejora bastante a la mayor, principalmente por el trabajo de su director, mucho mas redondo que el de su antecesor. Una comedia ideal para disfrutar junto a un buen bol de palomitas y buena compañía. Ideal para estas fechas.

Sinopsis: Lawrence Jamieson (Michael Caine) es un seductor con enorme clase que utiliza sus encantos para embaucar a mujeres de la alta sociedad, a las que saca dinero para supuestas buenas causas. Al comienzo del verano, mientras que viaja en tren hacia la Riviera francesa, conoce a Freddy Benson (Steve Martin), un compañero con mucha menos experiencia y clase, pero con un indudable encanto, que le confiesa que se dirige al mismo sitio que el para, sin saberlo, hacerle la competencia. Tras intentar sin éxito deshacerse de el, intentará enseñarle todo lo que sabe para trabajar hombro con hombro, pero continuando manejando los hilos, algo a lo que Freddy no estará dispuesto.

El director: Frank Oz es un director de cine, actor y titiritero estadounidense, nacido el 25 de mayo de 1944 en Hereford, Reino Unido. Tras trasladarse a California, Estados Unidos, con sus padres cuando tenía cinco años, comenzó a trabajar con títeres desde los 12 años, uniéndose al grupo de Jim Henson 7 años después. Ha dado vida a personajes tan entrañables como la cerdita Piggy, el oso Fozzie, Beto, el Monstruo de las galletas, etc. En su filmografía como director aparecen títulos como Cristal oscuro (1982), Los Muppets en Nueva York (1984), La pequeña tienda de los horrores (1986), ¿Qué pasa con Bob? (1991), Esposa por sorpresa (1992), In & Out (1997), The Score (Un golpe maestro) (2001), Las mujeres perfectas (2004) o Un funeral de muerte (2007), siendo, como podéis comprobar, la comedia la que ha copado toda su obra.

La película: Cuando antes de ver una película, tenga la pinta que tenga, veo la palabra remake asociada a ella, no puedo mas que echarme a temblar. Y es que en los últimos tiempos parece que se ha perdido la imaginación y el interés en realizar buenos guiones, proliferando de forma masiva la utilización o adaptación de libretos ya existentes e intentando volver a filmarlos con la ventaja que las nuevas tecnologías dan a sus responsables. El problema es que dicha tecnología no garantiza, ni mucho menos, que los resultados mejoren lo anteriormente filmado, dando lugar a una gran cantidad de trabajos que acaban por ser sepultados en el olvido al poco de estrenarse. Pero el caso que hoy nos ocupa es un oasis en medio del desierto, porque tras volver a disfrutarlo tras varios años, sigo siendo de la opinión de que mejora con creces el dirigido un cuarto de siglo antes por Ralph Levy.

Los motivos para ello son fáciles de explicar, teniendo mucho que ver con el trabajo realizado por un Frank Oz que nos entrega un trabajo mucho mas redondo y mejor filmado que el anterior, sacando mucho mas partido a un guión que no varía en exceso al utilizado en Dos seductores, excepto en su final, mejorado para la ocasión. Y es que Un par de seductores tiene todo lo que yo necesito ver en una buena comedia, comenzando por una historia fácil de seguir pero que no por ello pierde calidad o efectividad, algo que cada vez brilla mas por su ausencia. La elegancia con la que está contada es una de sus señas de identidad, alejándose de ese humor grueso y basto que triunfa hoy día en la mayoría de productos.

Operación U.N.C.L.E. - Guy Ritchie (2015)

Título original - The Man From U.N.C.L.E.
Año - 2015
Duración - 116 min.
País - Estados Unidos
Director - Guy Ritchie
Guión - Scott Z. Burns y David C. Wilson, basándose en la serie de Sam Rolfe
Música - Daniel Pemberton
Fotografía - John Mathieson
Montaje - James Herbert
Producción - Steve Clark-Hall, Guy Ritchie, John Davis y Lionel Wigram
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Acción, Thriller
Reparto - Henry Cavill, Armie Hammer, Alicia Vikander, Elizabeth Debicki, Hugh Grant, Jared Harris, Christopher Sciueref, Susan Gillias, Luca Calvani, Nicon Caraman
Web oficial - http://manfromuncle.com/

Guy Ritchie fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Scott Z. Burns y David C. Wilson escribieron, basándose en la famosa serie de los años 60, El agente de C.I.P.O.L. Un trabajo visualmente atractivo, en el que destaca su diseño de producción y ese toque característico que el realizador suele dar a su cine, pero que está lastrado por su guión, bastante plano e incluso aburrido diría yo, y la alarmante falta de química entre sus principales protagonistas. Aún así les recomiendo que la vean, ya que su nota media en las principales webs de cine ronda el 7, así que tendrá virtudes que yo no he sabido apreciar.

Sinopsis: Napoleon Solo (Henry Cavill), agente de la CIA, e Illya Kuryakin (Armie Hammer), agente del KGB, deberán dejar de lado momentáneamente sus diferencias y unir fuerzas para evitar los avances de una misteriosa organización que amenaza con romper el, ya de por si, frágil equilibrio existente en la carrera armamentística nuclear. Para ello deberán utilizar a Gaby Teller (Alicia Vikander), cuyo padre parece ser la clave utilizada para enriquecer uranio y crear una bomba atómica, para poder intervenir a tiempo y evitar el desastre.

El director: La carrera de Guy Ritchie comenzó de forma meteórica, dejándonos dos trabajos de esos que no se olvidan fácilmente y se disfrutan en varias ocasiones, Lock & Stock (1998) y la anteriormente mencionada Snatch. Cerdos y diamantes (2000). Pero ahí pareció acabársele la inspiración, porque en los siguientes ocho años solo realizó la penosa Barridos por la marea (2002) y Revolver (2005), bastante mejor que la anterior, pero muy por debajo de las primeras. Rocknrolla supuso el renacer del realizador, que sin llegar a la brillantez de sus dos primeros trabajos, si que los sigue muy de cerca. De ella os hablamos en este artículo. Actualmente trabaja en King Arthur, una historia fantástica que se espera para 2016 y en cuyo reparto destacan nombres como Charlie Hunnam, Jude Law, Eric Bana, Hermione Corfield y Astrid Bergès-Frisbey, entre otros.

La película: Como ya comenté en la crítica de la anterior película de Guy Ritchie, una Rocknrolla que nos hacía pensar que retomaría la excelente senda emprendida con sus dos primeros trabajos: Lock & Stock (1998) y Snatch. Cerdos y diamantes (2000), tenía muchas ganas de ver si con Operación U.N.C.L.E. se confirmaba dicha tendencia definitivamente. Ya en verano pude leer varias críticas que, si bien no la ponían a la altura de esas obras, si que la retrataban como una de las mejores películas del verano. Tras visionarla por fin, he de decir que me ha decepcionado bastante, no ya porque sea un trabajo que no ha alcanzado mis expectativas, sino porque por desgracia he de decir que me ha aburrido bastante, encontrando además en el varios errores de bulto que no debería tener una película así.

Entre esos fallos hay que comenzar mencionando el guión escrito por Scott Z. Burns y David C. Wilson, que me parece bastante plano y un tanto soso, además de querer aparentar una inteligencia que yo no le veo por ningún lado. Se que me repito con este tema una y otra vez, pero como decía el genial Billy Wilder, para que un director realice un buen trabajo necesita un buen guión, algo que yo aquí no veo por ninguna parte. Ritchie cambia aquí el frenético ritmo de trabajos como Rocknrolla por uno mas pausado y casi constante, que mas que llevarnos en volandas nos arrastra por una historia sin mucho punch, vista ya en multitud de ocasiones y que no consigue destacar en exceso ni en sus escenas de acción, ni en sus intentos cómicos, que si que nos dejan varias escenas bastante penosas, como la de Illya Kuryakin arrancando la parte trasera de un coche o la de Napoleon Solo parándose a degustar algo de comida en el interior de un camión, en medio de una persecución.

Hipócrates - Thomas Lilti (2014)

Título original - Hippocrate
Año - 2014
Duración - 102 min.
País - Francia
Director - Thomas Lilti
Guión - Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y Thomas Lilti
Música - Jérôme Bensoussan y Nicolas Weil
Fotografía - Nicolas Gaurin
Montaje - Christel Dewynter
Producción - Emmanuel Barraux y Agnès Vallée
Productora - 31 Juin Films
Género - Comedia, Drama
Reparto - Vincent Lacoste, Reda Kateb, Félix Moati, Jacques Gamblin, Marianne Denicourt, Carole Franck, Philippe Rebbot

Una frase: "Ser médico no es un trabajo, es una especie de maldición."

El realizador Thomas Lilti es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y Thomas Lilti, en el que, en clave de comedia dramática, se realiza un pequeño pero interesante retrato de la vida en un hospital francés, del mundo de la medicina en general y, en un segundo plano, de los problemas de la sanidad pública y como la crisis económica ha afectado a su calidad y efectividad. Un trabajo que pone los puntos sobre las is sobre multitud de cuestiones de una importancia indiscutibles, pero haciendo gala de una mesura y un tacto casi obligados. Un ejercicio de reflexión disfrazado de entretenimiento, que rebosa valentía e inteligencia, pero adolece de la fuerza de la fusta de alguien ajeno a la profesión.

Sinopsis: Benjamin (Vincent Lacoste) tiene el camino allanado para llegar a ser un prestigioso médico. Acaba de ingresar como residente en un hospital en el que su padre, el doctor Barois (Jacques Gamblin), es toda una eminencia y posee un enorme peso en su gobierno y administración, por lo que sus posibilidades aumentan considerablemente. Pero sus primeras experiencias en la medicina real, las adversas condiciones en las que han de trabajar y lo diferente que resulta a la teoría, lo llevarán a dudar sobre si realmente está hecho para la profesión o si por el contrario, debe pensar en seguir otro camino.

El director: Thomas Lilti es un director y guionista francés nacido el 30 de de mayo de 1976. Lilti es también médico de medicina general, algo que como comentaremos mas tarde, tiene una enorme influencia en el trabajo que hoy nos ocupa. Comenzó su carrera en el cine escribiendo y dirigiendo los cortometrajes Quelques heures en hiver (1999), Après l'enfance (2002) y Roue libre (2003). En 2007 debutó en la dirección de un largometraje con Les yeux bandés, que también escribió junto a Pierre Chosson. Actualmente trabaja en Médecin de campagne, que se encuentra en fase de post-production y cuyo estreno se espera para 2016.

La película: Hipócrates es uno de esos sorprendentes trabajos que de vez en cuando nos regala el cine francés, capaces de llegar a un amplio segmento de público de forma clara, poniendo a la vez sobre la mesa temas de una actualidad y una importancia fuera de toda duda. Cine muy inteligente y eficaz, que no destaca precisamente en sus apartados técnicos, pero que a cambio es capaz de reavivar debates y poner algo de luz en temas que nos afectan a todos, desde el punto de vista además, de alguien que pertenece, o al menos ha pertenecido, a una profesión que aquí es retratada de forma bastante veraz, mostrando a los que se dedican a ella como lo que realmente son, personas con sus virtudes y sus defectos, con sus aciertos y sus fallos.

Destaca en ella el guión escrito por Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y el propio Thomas Lilti, que aunque a algunos les pueda parecer un tanto lineal, esconde una riqueza indudable, capaz de tratar multitud de cuestiones de forma mas o menos extensa, pero que sirve para señalarlas y llamar la atención del espectador. Por ello, además de retratar el mundo de la medicina pública en una gran ciudad como París, tiene como centro de atención la ética profesional que se le presupone a cada profesional, de ahí su apropiado título, pero además es capaz de mostrar con bastante brillantez como los recortes efectuados en épocas de crisis afectan y mucho, tanto a los pacientes, que no pueden acceder a todos los procedimientos y tratamientos mas adecuados, como a los médicos y el personal que gira en torno a ellos, que han de continuar ejerciendo su profesión, intentando atender a sus pacientes de la mejor forma posible, cada vez con mas tensión y mas trabas, ejerciendo además de amortiguador entre sus jefes y las familias de los enfermos.

Pinceladas de clásicos del terror: El Barón Sardónico (Mr. Sardonicus) - William Castle (1961)

Título original - Mr. Sardonicus
Año - 1961
Duración - 89 min.
País - Estados Unidos
Director - William Castle
Guión - Ray Russell
Música - Von Dexter
Fotografía - Burnett Guffey
Montaje - Edwin H. Bryant
Producción - William Castle
Productora - William Castle Productions / Columbia Pictures
Género - Terror, Intriga, Drama
Reparto - Oskar Homolka, Ronald Lewis, Audrey Dalton, Guy Rolfe, Vladimir Sokoloff, Erika Peters, Lorna Hanson

William Castle fue el realizador encargado de producir y dirigir esta película titulada originalmente como Mr. Sardonicus, llevando a la gran pantalla un guión escrito por Ray Russell. Un trabajo en el que su director regresa al cine clásico de terror de los años 30 y 40, en el que tanto juego dieron la ambientación gótica, las mansiones en lugares remotos e inaccesibles y temas tan recurrentes como la profanación de tumbas, aunque no consiga llegar a la altura de los mejores títulos de la época de la Hammer. Serie B con un encanto indiscutible, una ambientación muy lograda y cierta originalidad, aunque viendo su principio no lo parezca. Su principal lastre, algunas actuaciones un tanto forzadas y el inexorable paso del tiempo.

Sinopsis: Sir Robert Cargrave (Ronald Lewis) es un prominente doctor e investigador londinense que un buen día recibe una carta sellada de la que fue su gran amor, Maude (Audrey Dalton), que ahora vive en Gorslava junto a su esposo, el misterioso Barón Sardonicus (Guy Rolfe), en la que le pide ayuda urgente sin precisar poco mas. Tras el largo viaje es recogido por Krull (Oskar Homolka), un criado del Barón al que le falta un ojo, que lo lleva al remoto castillo donde se encuentra con Maude. Esta le cuenta que el Barón sufre una extraña aflicción que espera que el pueda ayudar a curar, ya que teme la reacción de este si Robert no accede a los deseos del extraño personaje.

El director: William Castle fue un director, productor y actor cinematográfico estadounidense nacido el 24 de abril de 1914 en Nueva York. La mayor parte de su adolescencia la pasó trabajando en Broadway en diversas ocupaciones que iban desde el montaje de decorados hasta la actuación, hasta que a los 23 años de edad se trasladó a Hollywood, donde trabajó como ayudante de dirección de Orson Welles en La dama de Shanghai (1947). Aunque trabajó varios géneros, es principalmente recordado por títulos de terror de serie B, de las que nombraré varias: Escalofrío (1959), La mansión de los horrores (House on Haunted Hill) (1959), Los 13 fantasmas (1960), La vieja casa oscura (1963), El caso de Lucy Harbin (1964) o Jugando con la muerte (1965). También produjo y tuvo un breve papel sin diálogos en la película de Roman Polanski La semilla del diablo (Rosemary's Baby, 1968).

La película: La historia de William Castle es realmente curiosa y merece ser tenida en cuenta, a pesar de que en su extensa trayectoria nos haya dejado apenas un puñado de títulos que merezcan ser revisionados. Era conocido por ser un director diferente a lo habitual, muy amigo de las novedades, a las que daba una gran promoción, a pesar de realizar siempre cine de bajo presupuesto. Cuentan que, además de producir, quiso dirigir Rosemary's Baby, aunque por fortuna, y viendo los resultados conseguidos por Polanski, el estudio se opuso a ello. Una de esas novedades era la llamada Punisment Poll, una votación que hacía entre el público que asistía a ver sus películas, que supuestamente decidían la suerte del villano de turno, aunque en realidad solo se conoce un final para cada trabajo, por lo que era mas una cuestión de marketing que otra cosa.

En el trabajo que hoy nos ocupa, Castle realiza un pequeño homenaje al cine clásico de terror, volviendo a introducir en su película varios de los ingredientes que hicieron estremecer a varias generaciones. Una de sus virtudes, sin embargo, es la originalidad de su historia, ya que a pesar de que en un primer momento puede parecer lo contrario, nada tiene esta que ver con ningún trabajo anterior. Eso si, he de avisar que tras una primera introducción que nos muestra al doctor Robert Cargrave (Ronald Lewis) recibiendo la carta de su eterno amor, lo normal es que el espectador se escame un poco: un largo viaje, la recogida de un extraño criado lisiado, el viaje en coche de caballo por tierras donde no parece crecer casi nada o la llegada al misterioso y oscuro castillo, recuerdan y mucho a otro título de cuyo nombre no quiero acordarme, pero ahí queda la cosa, por lo que no debéis preocuparos.

Animal - Fernando Balihaut (2015)

Título original - Animal
Año - 2015
Duración - 110 min.
País - España
Director - Fernando Balihaut
Guión - Fernando Balihaut
Música - Fran Romguer
Fotografía - Fernando Balihaut
Montaje - Fernando Balihaut
Producción - Fernando Balihaut
Productora - Zembala Films
Género - Thriller
Reparto - Fidel Betancourt, Barbara Hermosilla, Georbis Martínez, Natxo Molinero, Javier Peña
Web oficial - https://www.facebook.com/Animallapelicula
Web para verla online: https://www.filmin.es/pelicula/animal

Animal es la ópera prima del realizador argentino Fernando Balihaut, que tras varios cortometrajes debuta en la dirección de un largometraje en un trabajo modesto, en el que además se hace cargo de la fotografía, el montaje, el guión, y la producción. Un trabajo que se alzó con la Biznaga de Plata Premio del público en el Festival de Málaga, pero que en mi opinión deja mucho que desear, resultando una historia poco creíble e insulsa, por no decir vacía. Tendrá su público, no lo dudo, pero como me ocurre cada vez que observo un producto que tiene a la violencia y a los problemas psíquicos como los principales, y casi únicos, protagonistas, sin ni tan siquiera mostrarnos una causa, he acabado totalmente asqueado. Si esa era la intención del director, le doy mi mas sincera enhorabuena, lo ha conseguido con creces.

Sinopsis: Javier (Georbis Martínez) es un chico solitario en busca de si mismo, por lo que no tiene casi nada claro en esta vida. Es hijo de una prostituta, tiene una novia a la que no hecha mucha cuenta y sobrevive repartiendo pizzas, mientras que en su tiempo libre ve pornografía o pasea por los parques sin saber muy bien que busca. Un buen día es testigo de una agresión a una chica llamada Laura (Barbara Hermosilla) por parte de su novio Marin (Fidel Betancourt) en uno de esos paseos y, tras ayudarla y acompañarla a casa, comienza a verla en secreto, algo peligroso para ambos, ya que Martin, además de ser una persona extremadamente violenta, es traficante de drogas. El triángulo que se forma entre los tres no puede traer nada bueno...

El director: Fernando Balihaut nació en Buenos Aires, Argentina, el 1 de junio de 1983. Antes de Animal, la que significa su debut al frente de un largometraje, hizo su primera toma de contacto en 2003 con el cortometraje Estatuas, en el que además de dirigir, se encargó de escribir su guión, la producción, fotografía, la edición y el sonido. En 2005 se encargó de la edición del corto Crovara 48, dirigido y escrito por Martín A. Biaggini. Al año siguiente, en 2006, dirigió el corto La señora, del que se encargó también de la producción, la fotografía y la edición. Con Animal le ha ocurrido algo parecido, encargándose, además de la dirección, de la producción, el guión, la fotografía y la edición, por lo que se le supone un brillante futuro en el cine, ya que es capaz de salir airoso en multitud de facetas dentro de este exigente mundillo.

La película: He de comenzar dejando claro que, a pesar de que estamos ante un producto que no ha sido de mi agrado, por motivos que mas adelante comentaré, eso no significa, ni que todos tengáis que tener la misma opinión sobre el, ni que haya que quitarle un ápice de merito a su responsable, un Fernando Balihaut ante el que he de quitarme el sombrero. Debutar en la dirección de un largometraje con escasos medios, haciéndose cargo de tal cantidad de trabajos diferentes en el (producción, guión, fotografía y edición, además de la dirección), nos muestra claramente la valentía y las ganas de un realizador al que nada parece poner freno en sus deseos de hacer cine, algo que hay que valorar y mucho. Además hay que tener en cuenta sus brillantes resultados, al ganar la Biznaga de Plata Premio del público en el Festival de Málaga, algo de lo que no todos pueden presumir, y que a la vez muestra que tiene todo lo necesario para convencer al gran público, algo fundamental en esta profesión.

Lo que ocurre es que soy una persona entrado en los cuarenta, con dos hijas que poco a poco van creciendo, algo que me ha hecho observar con horror la historia que nos cuenta Fernando, que aunque posee varias incoherencias en el guión, además de ser para mi excesivamente cruda y atrevida, nos muestra personajes que resultan extremadamente reales en la sociedad que vivimos, algo que para cualquier padre resulta de todo, menos tranquilizador. El solo hecho de pensar que pueden estar en contacto con personas así sin tan siquiera darse cuenta de como son, le quita el sueño al mas pintado, dejando en mi una sensación de desasosiego que difícilmente desaparecerá en mucho tiempo. Productos de una sociedad enferma en la que los valores brillan por su ausencia, en la que ciertos individuos, como los que protagonizan este trabajo, piensan que cualquier cosa vale con tal de poder satisfacer sus propios deseos.

Viaje a Sils Maria - Olivier Assayas (2014)

Título original - Sils Maria (Clouds of Sils Maria)
Año - 2014
Duración - 124 min.
País - Francia
Director - Olivier Assayas
Guión - Olivier Assayas
Fotografía - Yorick Le Saux
Montaje - Marion Monnier
Producción - Sylvie Barthet, Karl Baumgartner, Rémi Burah, Charles Gillibert y Martin Hampel
Productora - Coproducción Francia-Alemania; CG Cinéma / CAB Productions / Pallas Film / Vortex Sutra / Arte France Cinéma
Género - Drama
Reparto - Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Johnny Flynn, Lars Eidinger, Hanns Zischler, Claire Tran, Angela Winkler, Frank M. Ahearn, Alister Mazzotti, Steffen Mennekes
Web oficial - https://www.facebook.com/CloudsOfSilsMariaMovie

Olivier Assayas es el autor del guión y el realizador encargado a llevar a la gran pantalla este curioso e inteligente drama que indaga en la vida de una gran estrella de cine y teatro, en sus costumbres, sus manías y la forma en la que ha de aceptar el paso de los años y lo diferentes que son las nuevas generaciones de actrices que llegan tras ella. Un trabajo de una riqueza indiscutible, aunque no apto para todos los paladares, donde los diálogos tienen una enorme importancia y el trío de actrices protagonistas acaparan gran parte de la atención. Sin querer omitir ni menospreciar a nadie, creo que en general será mas apreciada por el público de cierta edad, que guste del cine europeo, y en especial del francés, muy diferente al que nos suele llegar de Hollywood. Para mi, mas que recomendable.

Sinopsis: María Enders (Juliette Binoche) es una actriz madura que viaja junto a su su asistente personal Valentine (Kristen Stewart) para recoger un premio en nombre de un buen amigo, autor de varias de las obras que ha representado. Allí se encuentra con el famoso director Klaus Diesterweg (Lars Eidinger), que le ofrece interpretar a Helena en su próximo trabajo, una lesbiana madura a la que su fascinación por la joven Sigrid la llevará al suicidio. El problema es que María interpretó a Sigrid 20 años antes, papel con el que siempre se ha identificado y que además le dio la fama, por lo que duda seriamente si aceptar el papel o no, al no identificarse con el personaje.

El director: Olivier Assayas es un director, guionista y crítico de cine francés nacido en París el 25 de enero de 1955. Después de dirigir algunos cortometrajes y escribir para la revista Cahiers du cinéma, debutó en la dirección en 1986 con el largometraje Desorden. En sus casi 30 años de carrera ha dirigido mas de 20 trabajos para cine y televisión, de los que destacaremos varios: El niño del invierno (1989), París se despierta (1991), El agua fría (1994), Irma Vep (1996), Finales de agosto, principios de septiembre (1998), Los destinos sentimentales (2000), Paris, je t'aime (2006), Boarding Gate (2007), Carlos (2010) y Después de mayo (2012). En la actualidad trabaja en Personal Shopper, en cuyo reparto aparecen nombres como Kristen Stewart, Anders Danielsen Lie, Nora von Waldstätten, Lars Eidinger o Sigrid Bouaziz y cuyo estreno se espera para 2016.

La película: Que Viaje a Sils Maria es una gran película, rica en matices y filmada con mimo y precisión, es algo de lo que no me queda ninguna duda, aunque lógicamente no todo el mundo pensará como yo. Lo que creo que si que hay que tener en cuenta antes de disfrutarla, es si realmente nos apetece ver lo que tenemos delante, si nos interesan los temas que toca, porque de no ser así corremos el riesgo de no llegar despiertos ni a la mitad de su metraje. Digo esto porque en muchas ocasiones valoramos la calidad de una película por el interés que ha conseguido despertar en nosotros, sin pararnos a pensar en si realmente hemos visto un trabajo mal realizado o si simplemente trataba de temas que para nosotros no tienen el mas mínimo interés. En mi caso en concreto, por poner un ejemplo fácil de entender, todo lo que tenga que ver con superhéroes no suele conseguir llamar mi atención, algo que no quiere decir que la gran cantidad de películas y series que se realizan en la actualidad sobre ellos, sean malas o no merezca la pena verlas, sino que simplemente no están entre los productos que prefiero ver.

La historia nos muestra a una actriz consagrada en edad madura, que ha creado una pequeña burbuja donde vivir como le apetece, eligiendo los papeles que le interesan y desechando los demás, relativamente adaptada a las nuevas tecnologías pero de una forma de ser y vivir muy diferente a las de las nuevas generaciones. Pero Viaje a Sils Maria es mucho mas que una película sobre actrices, mucho mas que un trabajo sobre cine o teatro, en el que se trata como los humanos hemos de adaptarnos a la llegada de la madurez, en el que la lucha de su protagonista por no resignarse a lo inevitable cobra gran importancia, algo que se nos muestra desde un primer momento viendo la forma en la que convive con su asistente personal, la manera en la que intenta utilizarla para poder comprender como son las nuevas generaciones, como piensan, como actúan, como valoran cada suceso, cada detalle, cada noticia.

Croupier - Mike Hodges (1998)

Título original - Croupier
Año - 1998
Duración - 94 min.
País - Reino Unido
Director - Mike Hodges
Guión - Paul Mayersberg
Música - Simon Fisher Turner
Fotografía - Mike Garfath
Montaje - Les Healey
Producción - Jonathan Cavendish y Christine Ruppert
Productora - Coproducción Channel Four Films / Filmstiftung Nrw / WDR / La Sept Cinema and Arte present a Little Bird / Tatfilm Production
Género - Intriga, Drama, Neo-noir
Reparto - Clive Owen, Alex Kingston, Gina McKee, Kate Hardie, Nicholas Ball, Nick Reding, Alexander Morton, Barnaby Kay, John Radcliffe, Sheila Whitfield, David Hamilton

El irregular realizador Mike Hodges, fue el director encargado de llevar a la gran pantalla un guión escrito por Paul Mayersberg, en un trabajo con un metraje muy ajustado y un aire a cine negro inconfundible, que tiene en la interpretación de un joven Clive Owen uno de sus principales atractivos, muy bien acompañado por la actriz Alex Kingston. Por desgracia, el uso de la cámara que hace el director y ciertos flecos del guión evitan que alcance cotas mas altas. Muy conseguida la forma en que se nos muestra el aire viciado propio de una sala de juego y la ambientación en general.

Sinopsis: Jack Manfred (Clive Owen) es un joven que intenta ser escritor sin tener excesiva inspiración ni saber muy bien por donde comenzar la que será su primera novela y sobrevive junto a su novia Marion (Gina McKee), una ex-policía que trabaja en la seguridad de unos grandes almacenes. Su vida dará un giro cuando su padre Jack (Nicholas Ball) le comunique por teléfono que le ha conseguido una entrevista para trabajar de Crupier en un casino. Tras conseguir el trabajo y aclimatarse poco a poco a el, comenzará a notar como su vida da un giro enorme y este comienza a afectar a su vida privada, aunque a la vez le sirve de inspiración para comenzar esa ansiada novela que desea escribir.

El director: Mike Hodges es un guionista y director de cine británico nacido en Bristol, Reino Unido, el 29 de julio de 1932. A pesar de que su carrera como director se extiende durante 22 años, en ella solo ha dirigido un total de 10 largometrajes. Debutó en 1971 con Asesino implacable (Get Carter), protagonizada por Michael Caine y que curiosamente es el mejor trabajo de toda su filmografía, al menos para mi. Tras el dirigió películas tan dispares como Historias peligrosas (1972), El hombre terminal (1974), Flash Gordon (1980), Los locos del planeta Blob (Ineptos interplanetarios) (1985), Réquiem por los que van a morir (1987), Más allá del arco iris (1989), Dandelion Dead (TV) (1994) y Fuera de control (2003), además de la que hoy nos ocupa.

La película: Este es uno de esos trabajos de los que me encantaría leer su guión, mas que nada porque estoy casi seguro de que este no fue muy bien llevado a la gran pantalla, o al menos, no todo lo bien que se podría haber hecho. Digo esto porque estamos ante un largometraje de esos que merece la pena ver, pero que a la vez te deja una sensación de ser claramente mejorable, algo que consigue desesperarme de forma notoria. La historia está bien contada, la intriga consigue mantenerte atento durante todo su metraje, pero cuando finaliza, parece intentar dejarte meditando por un tiempo, algo que cuando se consigue es una auténtica delicia, pero en esta ocasión a mi me dejó cara de tonto, que como comprenderéis no tiene nada que ver. Y creo que se debe a la torpeza de su director al rodar el final, un tanto precipitado e incompleto, al menos para mi gusto.

Películas sobre el juego hay muchas, y algunas muy buenas, pero la premisa de esta resulta bastante original en comparación con la de la mayoría, ya que en vez de poner en el punto de mira a los pobres desgraciados que malgastan su valioso tiempo y dinero en las salas de las que rara vez salen con algo mas de lo que llevaban en el momento de entrar en ellas, en esta ocasión son las personas que trabajan en los casinos y salas de juegos los que copan el protagonismo, mostrándonos como no resulta un trabajo fácil de sobrellevar, además de resultar realmente difícil conseguir que no afecte a tu vida privada, no ya solo por los difíciles horarios que han de soportar, de lo que personalmente podría darles un máster, sino también por el estrés y la tensión que este trae consigo, resultando prácticamente imposible separarlo de tu vida privada.