Celda 213 - Stephen Kay (2011)

Título original - Cell 213
Año - 2011
Duración - 109 min.
País - Canadá
Director - Stephen Kay
Guión - Maninder Chana
Música - Jonathan Goldsmith
Fotografía - Luc Montpellier
Montaje - Tad Seaborn
Producción - Hassain Zaidi
Productora - Access Motion Pictures
Género - Terror
Reparto - Eric Balfour, Deborah Valente, Michael Rooker, Bruce Greenwood, Conrad Coates, Marie-Josée Colburn, Darlene Cooke, Murray Furrow, Tamara Gorski, Rothaford Gray, Darren Hynes, Viv Leacock

Celda 213 es el último trabajo que el director Stephen Kay ha dirigido para la gran pantalla hasta la fecha. Con un guión de Maninder Chana, la fotografía de Luc Montpellier y el protagonismo de Eric Balfour, Deborah Valente, Michael Rooker y Bruce Greenwood, asistimos a un trabajo un tanto irregular como película de terror, pero muy capaz de mantener la atención del espectador durante todo su metraje, gracias a el interés de su historia y el buen hacer de varios de sus protagonistas. Lástima que se pierda en los pequeños detalles, algo que por desgracia suele acompañar al director a lo largo de su carrera.

Sinopsis: Michael Gray (Eric Balfour) es un joven abogado con una meteórica carrera por la que está a punto de ser nombrado socio de su bufete, una oportunidad que no está dispuesto a dejar pasar. Inmerso en el juicio de un importante cliente, que se antoja fundamental para lograr su objetivo, acude a la penitenciaría a visitar a un acusado de la violación y la muerte de una pequeña, teniendo la mala fortuna de que su defendido se suicida ante el, siendo acusado por el guarda de prisiones Ray Clement (Michael Rooker), que se presenta como único testigo. Condenado por dicho crimen, ingresará en la misma prisión donde todo ocurrió, siendo encerrado en la celda 213, la misma donde pasó sus últimos días su cliente.

El director: Stephen Kay es un actor, director y guionista de cine y televisión, nacido en Nueva Zelanda, en 1963. Su carrera puede calificarse como irregular, siendo esto mas un cumplido que un agravio, créanme. Para la gran pantalla ha dirigido trabajos como La última vez que me suicidé (1997), Get Carter (Asesino implacable) (2000), Boogeyman, la puerta del miedo (2005) o Isolation (2010), no alcanzando siquiera el aprobado en ninguna de ellas (en las principales webs de cine). En televisión ocurre algo parecido, habiendo dirigido varios telefilms como La muerte no miente (El fantasma de Nueva Orleans) (2004), BTK Asesino en serie (2005),  Justicia para Natalee (2011), El asesino de Craigslist (2011) o La asesina de ojos azules (2012). Quizás sea en su participación en las series The shield: al margen de la ley, Friday Night Lights y Hijos de la Anarquía donde ha obtenido mejores resultados, aunque su participación no ha sido excesivamente extensa.

La película: Ya son varias las ocasiones en las que he pensado que no se ha aprovechado todo lo que se debería un escenario tan propicio para ello como es una prisión, siempre refiriéndome al cine de terror, claro. No se si será una apreciación solo mía, pero me parece un marco inmejorable para desarrollarlas, sobre todo si se trata de terror psicológico, en el que los espacios reducidos y cerrados suelen dar bastante juego, por lo que cuando un amigo me recomendó ver este trabajo y aún conociendo la discreta trayectoria de su director en el género, la idea no me pareció nada mala. Una vez vista, he de decir que como trabajo de terror no consiguió precisamente su objetivo, que no pasé miedo al verla, diciéndolo mas claro, pero si he de reconocer que en ningún momento tuve la tentación de quitarla, haciéndome pasar un entretenido rato ante la pantalla, mucho mas de lo que esperaba en un principio.

Eso si, he de reconocer que su comienzo sembró en mi ciertas dudas, principalmente por lo enrevesado que resulta lo que nos cuenta, pero es algo que no debe ser motivo suficiente para abandonar de buenas a primeras, ya que conforme avanza el metraje, la cosa mejora bastante dejándolo como una simple anécdota. El guión escrito por Maninder Chana (The Boom, Deadline: A Sequential Zombie, Little Terrors), resulta un tanto irregular en algunos momentos, pero tiene la plausible capacidad de crear en el espectador la necesidad de saber la respuesta a las varias preguntas que plantea, algo que sin duda compensa la carencia de mejores diálogos y de algo mas de desarrollo en algunos de sus personajes.

Profanación (Los casos del Departamento Q) - Mikkel Nørgaard (2014)

Título original - Fasandræberne (The Absent One)
Año - 2014
Duración - 119 min.
País - Dinamarca
Director - Mikkel Nørgaard
Guión - Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, basándose en la novela de Jussi Adler-Olsen
Música - Patrik Andrén, Uno Helmersson y Johan Söderqvist
Fotografía - Eric Kress
Montaje - Morten Egholm y Frederik Strunk
Producción - Jonas Bagger, Peter Aalbæk Jensen y Louise Vest Productora - Zentropa Entertainments / Film i Väst
Género - Cine negro, Thriller, Intriga
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Danica Curcic, Pilou Asbæk, David Dencik, Sarah-Sofie Boussnina, Johanne Louise Schmidt, Marco Ilsø, Søren Pilmark, Camilla Gottlieb, Adam Ild Rohweder, Morten Kirkskov
Web oficial - http://www.departamentoq.es/

Mikkel Nørgaard vuelve a la carga con la segunda entrega de los casos protagonizados por los agentes Carl Mørck y Assad, llevando a la gran pantalla el guión escrito por Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, que adapta la novela superventas de Jussi Adler-Olsen. Sin necesidad ya de presentaciones, nos encontramos ante un caso mas complejo y oscuro que el de su predecesora, que hará que nuestros protagonistas den lo máximo de si para solucionar un caso que se creyó cerrado hace dos décadas y en el que parecen estar relacionados varios de los hombres mas poderosos de Dinamarca. Si la primera fue una agradable sorpresa, esta es una magnífica confirmación que incluso mejora a su predecesora.

Sinopsis: El Departamento Q no pasa por su mejor momento. Tras el ya lejano éxito de su primer caso resuelto, las dudas de sus superiores amenazan con finalizar la trayectoria de los agentes, que no consiguen cerrar con éxito ningún otro. Un buen día aparece el cadáver de un padre que se ha suicidado tras pasar 20 años intentando encontrar a los culpables reales de la muerte de sus dos hijos adolescentes, caso que en su día se cerró tras entregarse un hombre sin motivos aparentes. Antes de acabar con su vida, este deja una caja con todos los datos recopilados hasta la fecha, datos que apuntan a la posible participación de varios de los hombres mas influyentes del país, algo que llamará la atención de detective Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas), que intentará convencer a Assad (Fares Fares) para continuar con la investigación.

El director: Mikkel Nørgaard Søncksen es un director de cine y televisión danés nacido el 23 de enero de 1974. Tras graduarse en la Escuela de Cine de Dinamarca en 2001, comenzó a trabajar en televisión participando en la dirección de varias series, entre las que se encuentran Langt fra Las Vegas (2001), Klovn (2005), Anna Pihl (2006) o la magnífica Borgen (2010), que les recomiendo no se pierdan. Ese mismo año debutó en la dirección de un largometraje con Klovn: The Movie (2010), continuación de la serie anteriormente mencionada. Misericordia (2013) y Profanación (2014) parecen haber iniciado un idilio del director con la obra literaria de Jussi Adler-Olsen, que esperemos no quede aquí. En breve se espera el estreno de Klown Forever (2015), secuela de la exitosa comedia televisiva Klovn: The Movie.

La película: Si en su primer trabajo Misericordia (Los casos del Departamento Q) (2013), del que os hablamos en este artículo, ya os animábamos a disfrutar de los comienzos de estos dos singulares detectives, a pesar de la sencillez y la sobriedad del caso que servía como aperitivo para la creación del departamento policial, Profanación no es mas que la confirmación de la creación de una franquicia que promete dar muchas alegrías a los seguidores de este tipo de productos, ofreciendo además un trabajo que me ha resultado aún mas completo y atrayente, en el que sin dar de lado sus principales señas de identidad, se consigue mostrar un producto mas enrevesado y oscuro, que da una pequeña vuelta de tuerca mas a su brillante predecesora, consiguiendo así limar los pocos peros que a aquella se le podían achacar.

Sin haber llegado a leer ninguna de las dos novelas, resulta complicado asegurar si en esta mejoría influyen estas directamente o simplemente es el guión escrito por Nikolaj Arcel (autor del de la primera entrega), ayudado en esta ocasión por Rasmus Heisterberg, el que resulta mas completo que su antecesor. De lo que no me queda ninguna duda, es de que en la profundidad y complejidad de la historia es donde radica este pequeño salto adelante que hace de Profanación un producto brillante que invita al espectador a esperar con impaciencia una posible nueva entrega, que esperemos nos llegue con el tiempo.

La ley de Herodes - Luis Estrada (1999)

Título original - La ley de Herodes
Año - 1999
Duración - 120 min.
País - México
Director - Luis Estrada
Guión - Luis Estrada, Jaime Sampietro, Vicente Leñero y Fernando León, basándose en la historia de los dos primeros
Música - Santiago Ojeda
Fotografía - Norman Christianson
Montaje - Luis Estrada
Producción - Luis Estrada
Productora - Bandidos Films
Género - Comedia
Reparto - Damián Alcázar, Pedro Armendáriz Jr., Guillermo Gil, Isela Vega, Salvador Sánchez, Eduardo López Rojas, Manuel Ojeda, Ernesto Gómez Cruz, Alex Cox, Leticia Huijara, Juan Carlos Colombo, Delia Casanova, Evangelina Sosa, Jorge Zárate, Jesús Ochoa, Lucía Muñoz, Manuel Poncelis

Luis Estrada ideó junto a Jaime Sampietro, escribió junto a Sampietro, Vicente Leñero y Fernando León, dirigió y produjo esta magnífica comedia que satiriza la situación política de su país en los años 40, durante el largo mandato del PRI, realizando a la vez un profundo estudio de como la codicia y el poder es capaz de cambiar a la inmensa mayoría de los seres humanos. Con el indiscutible protagonismo de su actor fetiche, el genial Damián Alcázar, asistiremos a dos horas de una comedia que se torna mas y mas negra a la vez que avanza su metraje. Como bien dice su título: ¡Te tocó la ley de Herodes, o te chingas o te jodes!.

Sinopsis: Corre el año 1949, cuando los habitantes de la localidad de San Pedro de los Saguaros decapitan de un machetazo a su alcalde cuando trataba de huir del pueblo con el dinero de las arcas municipales. En plena carrera electoral, lo último que quieren los dirigentes del PRI es un escándalo que les haga daño en las elecciones, por lo que el secretario de Gobierno estatal, el licenciado Fidel López (Pedro Armendáriz Jr.), decide buscar un hombre de confianza con escasa experiencia para el cargo que asuma el puesto hasta las elecciones. El elegido es Juan Vargas (Damián Alcázar), encargado de un triste basurero y militante del PRI desde hace mucho tiempo, que acepta su encargo con las mejores intenciones, pero que pronto comprobará que la tarea no será nada fácil.

El director: Luis Estrada Rodríguez es un director, guionista, escritor y productor de cine mexicano nacido el 17 de enero de 1962 en Ciudad de México. Es hijo del famoso director de cine José "El Perro" Estrada y es conocido por su critica abierta hacia el sistema político mexicano y los temas polémicos que giran alrededor de este. Tras el corto La divina Lola (1984), debutó con Camino largo a Tijuana (1989), tras la que llegaron Bandidos (1991) y Ámbar (1993). Tras una pausa de 6 años comenzó su idilio con su amigo Damián Alcázar, actor que ha protagonizado todas sus películas desde entonces. Tras la que hoy nos ocupa dirigió Un mundo maravilloso (2006), El Narco (El infierno) (2010), de la que os hablamos en este artículo, y La dictadura perfecta (2014), todas ellas muy recomendables.

La película: Resulta curioso ver como el valiente trabajo de directores como Luis Estrada, capaces de crear cine que critica constantemente la situación política y las desigualdades de su país, sean tan poco reconocidos, no ya dentro de el, algo de lo que no tengo constancia para poder opinar, sino fuera de sus fronteras. Dejando a un lado la calidad de su cine, que en el caso que nos ocupa es indiscutible, la valentía que demuestran es digna de admiración y merecerían mucho mas atención de la que habitualmente se les presta, sobre todo en países como el nuestro, cuya historia está tan unida a la de la mayoría de países del continente americano, además de vivir constantemente en la fina linea que separa una democracia consolidada como muchas de las europeas, de un sistema que, bajo la apariencia democrática, esconde un cortijo donde la corrupción campa a sus anchas en casi todos sus estamentos.

El caso de Estrada riza ya el rizo, en un país como México, donde las desigualdades entre los de las clases pudientes y el resto son inimaginables, donde pasan los años, las décadas, y no se adivinan cambios que hagan tener un mínimo de esperanza a su pueblo, no quiero ni imaginar las enormes trabas que han de superar para conseguir llevar a buen puerto cada uno de sus trabajos. En el que nos ocupa, fue capaz de incluir en sus anuncios promocionales la frase ¿Por qué no quieren que la veas?, que claramente se refiere a las dificultades que tuvieron para poder llevarla a buen puerto y poder estrenarla en su país.

Mandarinas - Zaza Urushadze (2013)

Título original - Mandariinid (Tangerines)
Año - 2013
Duración - 83 min.
País - Estonia
Director - Zaza Urushadze
Guión - Zaza Urushadze
Música - Niaz Diasamidze
Fotografía - Rein Kotov
Montaje - Alexander Kuranov
Producción - Ivo Felt
Productora - Coproducción Estonia-Georgia; Allfilm / Georgian Film
Género - Drama. Bélico | Años 90
Reparto - Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass

Zaza Urushadze es el autor del guión y la dirección de esta pequeña joya llamada Mandarinas. Un agridulce alegato contra la violencia desmedida y absurda de cualquier guerra, escenificada en esta ocasión en un conflicto poco mediatizado, el de la guerra de Abjazia (1992-1993), que enfrentó a chechenos y georgianos por su posesión. Un trabajo de una riqueza indudable que, sin tomar partido por ninguno de los dos bandos ni juzgar sus motivos, lo analiza desde un punto de vista moral y ético, con el protagonismo de un estonio atrapado en el centro del conflicto que se niega a abandonar la tierra donde ha vivido. Cine de enorme grandeza y sencillez que merece la pena disfrutar y meditar.

Sinopsis: Ivo (Lembit Ulfsak) es un hombre maduro que vive en un poblado estonio de Abjasia que se encuentra prácticamente desierto, ya que casi todos sus compatriotas han huido tras estallar el conflicto en el que chechenos y georgianos se disputan el control de la zona. Trabaja duro construyendo cajas de madera para ayudar a su vecino y amigo Margus (Elmo Nüganen), cuya cosecha de mandarinas necesita ser recolectada en breve, hasta el día en que en una escaramuza resultan muertos varios soldados de ambos bandos en la proximidad de las tierras de Margus. Casualmente sobreviven el checheno Ahmed (Giorgi Nakashidze) y al georgiano Niko (Misha Meskhi), por lo que Ivo se verá obligado a acogerlos y cuidarlos en su casa, hasta que ambos puedan valerse por si mismo.

El director: Zaza Urushadze es un director y guionista georgiano nacido el 30 de octubre de 1965. Hijo de Ramaz Urushadze, un famoso portero de fútbol soviético, se graduó en la Universidad de Georgia en 1988, donde estudió teatro y cine. Debutó en 1998 con el largometraje Here Comes the Dawn, tras el que llegaron títulos como Three Houses (2008), Stay with Me (2011) y The Guardian (2012). Mandarinas es la película que le ha dado mayor repercusión a nivel internacional, siendo nominado por ella al Óscar y al Globo de oro a la Mejor película de habla no inglesa y ganar el Satellite Award como Mejor película de habla no inglesa, además de triunfar en Palm Springs, Seattle, Varsovia o Bari, entre otros.

La película: Uno de los mayores alicientes que tiene para mi la celebración de la gala de los Oscars, es la posibilidad que nos da de conocer varias buenas películas filmadas lejos de la maquinaria de Hollywood, que resultaría bastante difícil conocer sin su participación en ella y casi imposible verlas distribuida fuera de su país. De la gala de 2015, hemos hablado ya de la ganadora Ida de Pawel Pawlikowski en este artículo y de la candidata Relatos salvajes de Damián Szifrón en este otro. En esta ocasión le toca el turno a Mandarinas, una obra con bandera estonia, aunque es co-producida junto a Georgia, que basa en su sencillez y su belleza todo su éxito, demostrando una vez mas que lo mas importante para hacer buen cine es tener algo bueno que contar y el suficiente talento para hacerlo de forma que su mensaje cale en el espectador.

Mandarinas es un trabajo que, sin tener nada que ver con ella, me ha recordado a otro trabajo del que ya os hablamos aquí, Una historia verdadera de David Lynch. Mientras que aquella es una road movie, esta es un drama bélico, pero ambas poseen dos atributos similares que les dan un encanto especial, la sencillez de su historia y el protagonismo de una persona de avanzada edad, que acarrean consigo los achaques propios de la esta, pero también la sabiduría y experiencia que les ha dado. Tiempo atrás no hubiera disfrutado ninguno de estos trabajos como lo hago ahora, no se decir bien si es por los años que llevo viendo cine o por la amplitud de miras que estos me han dado, pero lo que os puedo asegurar es que en la actualidad se encuentran entre los que mas me llenan y mejor sabor de boca me dejan.

Mientras duermes - Jaume Balagueró (2011)

Título original - Mientras duermes (Sleep Tight)
Año - 2011
Duración - 107 min.
País - España
Director - Jaume Balagueró
Guión - Alberto Marini
Música - Lucas Vidal
Fotografía - Pablo Rosso
Montaje - Guillermo De La Cal
Producción - Julio Fernández
Productora - Filmax
Género - Thriller, Terror
Reparto - Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida, Tony Corvillo
Web - http://www.mientrasduermeslapelicula.com/

En un mundo donde la mentira y la hipocresía campan a sus anchas, donde la incomunicación de los individuos es cada día mas evidente y nada es lo que parece, ¿crees que conoces realmente como son las personas que te rodean? ¿De quien te puedes fiar? ¿Por quien puedes poner la mano en el fuego? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras ver esta magnifica película de Jaume Balagueró. Un thriller inquietante que nos hará desconfiar, al menos por un tiempo, de todas esas personas que tratamos habitualmente pero de las que realmente nada conocemos.

Sinopsis: Cesar (Luis Tosar) trabaja como portero en un edificio de apartamentos, una persona atenta y trabajadora que tiene una buena relación con la mayoría de los vecinos, para los que es lo que solemos llamar un trabajador de confianza. Pero bajo su apariencia servicial habita una persona totalmente diferente a la que creen conocer. Desde su puesto en la portería tiene un sillón privilegiado desde el que observar las vidas de todos y conocer sus mas íntimos secretos, que le proporciona cierto poder con el que a el le encanta jugar. Cesar es incapaz de ser feliz y le irrita sobremanera palpar esa felicidad en los demás, algo que le resulta insoportable. La llegada de Clara (Marta Etura), la nueva vecina del bloque, supondrá un nuevo aliciente para el, ya que ella derrocha simpatía e irradia felicidad.

El director: Jaume Balagueró i Bernat es un director de cine español nacido en Lleida, el 3 de noviembre de 1968. Especializado en el género de terror, más concrétamente en la vertiente del terror psicológico, debutó con el cortometraje Alicia (1994), con el que triunfaría en el Festival de Sitges, tras el que dirigió Días sin luz (1995), un corto con el que consolidaría un estilo que perdurará en sus siguientes películas. En su filmografía destacan trabajos como Los sin nombre (1999), con el que debutó en la gran pantalla ganando el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea, Darkness (2002), Frágiles (2005), el telefilm Para entrar a vivir (2006), la saga [•REC], que incluye cuatro trabajos de los que participó en tres: [•REC] (2007), [•REC]² (2009) y [•REC] 4: Apocalipsis (2014), además de los cortos Miedo (2010) e Inquilinos (2014).

La película: El cine de terror es un género en el que podemos destacar varias ramas o subgéneros muy diferentes entre si, que gustan mas o menos en función de las preferencias de cada espectador. Así tenemos quien prefiere el terror paranormal, donde el miedo a lo desconocido es el que mueve al espectador, el terror gótico, caracterizado por una ambientación peculiar y el protagonismo de ciertas criaturas, el gore, en el que domina la extrema violencia y los excesos de sangre y vísceras, el slasher, caracterizado por tener como centro de atención a un asesino que va dejando un reguero de víctimas a su paso, etc. Personalmente, el que mas ha conseguido captar mi atención es el terror psicológico, que centra su atención en los temores de los personajes, sus culpas, creencias y supersticiones. En el, el miedo trata de suscitarse afectando directamente a la emotividad del espectador, que debe acabar identificándose con los padecimientos o vivencias extremas de determinados personajes, utilizando mas la sugerencia que el susto en si.

Es este último el tipo de cine que Jaume Balagueró utiliza en el trabajo que hoy nos ocupa, un cine capaz de poner los pelos de punta por la simple posibilidad de poder ser cualquiera de nosotros las victimas de lo que ocurre en el, por la cercanía de los personajes que vemos y lo sencillo que nos resulta identificarnos con ellos. Un cine que no necesita de criaturas abominables ni entes paranormales para atrapar al espectador, que por el simple hecho de presenciar lo que va ocurriendo en el, es capaz de crear paralelismos inmediatos entre las vidas de sus personajes y la suya propia, asistiendo al tipo de cine de terror que menos descabellado resulta, al mas tangible, al mas real. Porque, ¿cuantos Cesar conocéis? ¿cuantas personas así son parte de nuestra vida sin que lleguemos a tener idea de como son en realidad?

Stromboli, tierra de Dios - Roberto Rossellini (1950)

Título original - Stromboli, terra di Dio
Año - 1950
Duración - 107 min.
País - Italia
Director - Roberto Rossellini
Guión - Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y Roberto Rossellini
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Otello Martelli
Montaje - Roland Gross y Alfred L. Werker
Producción - Roberto Rossellini
Productora - Coproducción Italia-Estados Unidos; Berit Films / Bero Productions / RKO Radio Pictures
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponzo, Roberto Onorati, Gaetano Famularo

Dicen que la actriz Ingrid Bergman envió una carta al realizador Roberto Rossellini expresándole la admiración por su obra y el deseo de trabajar con él. Tras ella llegó una fructífera y controvertida relación (ambos estaban casados) que ha pasado a la historia del cine, cuyo primer retoño, cinematográficamente hablando, fue esta Stromboli, tierra de Dios. Un trabajo que retrata la dureza de la posguerra, la soledad de muchos de sus supervivientes y como la desesperación lleva al ser humano a tomar decisiones que no siempre son las mas correctas. Un trabajo a camino entre la época neorealista del director italiano y la dirección que posteriormente tomaría su cine, que exige la comprensión del contexto histórico donde está rodada para ser justamente valorado.

Sinopsis: Karin (Ingrid Bergman) es una exiliada lituana en Italia que lucha por escapar y olvidar la soledad que se ha apoderado de su vida tras la guerra. Tras intentar emigrar a Argentina, siendo rechazada su solicitud por las autoridades, la desesperación la hace aceptar casarse con Antonio (Mario Vitale), un prisionero de guerra que conoce tan solo a través de una alambrada, que le habla de la isla donde vive y le ofrece una oportunidad de futuro. Pero tras llegar a Stromboli, la pequeña isla donde Antonio vive y trabaja como pescador, descubre que la vida en ella no es lo que imaginaba, encontrando una tierra inhóspita, dominada por un volcán y habitada por gentes muy diferentes a ella, que no se lo pondrán nada fácil.

El director: Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en Roma, Italia, el 8 de mayo de 1906, considerado como uno de los principales exponentes del neorrealismo italiano. Debutó con Un piloto regresa (1942), la primera de la llamada Trilogía Fascista, que se completa con La nave blanca (1942) y L'uomo dalla croce (1943). Tras ella llegó la Trilogía Neorrealista, formada por Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (Camarada) (1946) y Alemania, año cero (1948). Del resto de su filmografía, que abarca mas de 30 títulos entre cine y televisión, podemos destacar varias: Deseo (1946), El amor (1948), Francisco, juglar de Dios (1950), Europa '51 (1952), Nosotras las mujeres (1953), Dov'è la libertà...? (1954), Juana de Arco (1954), Ya no creo en el amor (1954), Te querré siempre (1954), El general de la Rovere (1959), Fugitivos en la noche (1960), Ro.Go.Pa.G. (Rogopag) (1963), La toma del poder por parte de Luis XIV (1966), Sócrates (1971) y Blaise Pascal (1972), las dos últimas realizadas para televisión.

La película: La oscura actualidad en el planeta está encabezada una vez mas por varios conflictos bélicos y la triste historia de los refugiados que estos han creado, entre los que está el de millones de sirios que luchan por huir de uno de ellos, además de la, como poco, bochornosa forma en la que esta está siendo tratada por medio mundo, y en especial por una Comunidad Económica Europea que parece haber tardado muy poco en olvidar su pasado reciente, repleto de sangrientas dictaduras y continuos conflictos que hicieron de Europa un lugar asolado por la miseria y necesitado de la ayuda internacional. Creo por tanto que estamos ante un momento inmejorable para poder comprender la película que hoy nos ocupa, una historia imposible de valorar con justicia si la sacamos del contexto en el que se desarrolla, uno que por desgracia se repite una y otra vez en la historia y que lamentablemente se seguirá repitiendo.

Digo esto porque, desde un primer momento, la forma de proceder de su principal protagonista puede parecer un tanto impulsiva y egoísta, sobre todo si no tenemos en cuenta las razones que tiene para comportarse como lo hace. La película no nos cuenta lo que ha sufrido hasta llegar a su comienzo, algo que con el paso de los años se antoja fundamental. Stromboli, tierra de Dios es un retrato de una huida hacia ninguna parte, de la desesperación y la soledad de una mujer atormentada por el inevitable rumbo que ha tomado su vida y de su lucha por mantener sus señas de identidad y volver a sentirse libre. Su guión, obra de Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y el propio Roberto Rossellini, intenta mostrar en la persona de Karin la lucha constante del ser humano por sobrevivir, algo que consigue con nota.

The Missing - Tom Shankland (2014)

Título original - The Missing
Año - 2014
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Shankland
Guión - Harry Williams y Jack Williams
Música - Dominik Scherrer
Fotografía - Ole Bratt Birkeland
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle (6 episodios), Fiona Colbeck y Danielle Palmer
Producción - Chris Clough
Productora - Coproducción USA-Reino Unido; New Pictures / Company Pictures / Two Brothers Pictures / Playground Entertainment / Fortis Film Fund Czar / Vlaamse Radio en Televisie (VRT) / All3Media / British Broadcasting Corporation (BBC) / Starz Entertainment
Género - Drama, Intriga, Miniserie de TV
Reparto - James Nesbitt, Frances O'Connor, Tchéky Karyo, Anastasia Hille, Émilie Dequenne, Jason Flemyng, Saïd Taghmaoui, Titus De Voogdt, Diana Kent, Arsher Ali, Joséphine de La Baume, Issaka Sawadogo
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b04n9mtk

Tom Shankland es el director encargado de llevar a la pequeña pantalla el guión escrito por Harry Williams y Jack Williams, para ofrecernos la historia de la desaparición de un menor y las enormes consecuencias que esta origina. Ocho episodios de una hora de duración de una calidad indiscutible, que basa en su excelente guion, la enorme calidad de su reparto y la maestría del realizador y su equipo, los excelentes resultados que mantendrán al espectador con el corazón en un puño y el alma en un hilo. Una maravilla que no deberían dejar pasar de largo. Por cierto, ha sido tal su éxito que, a pesar de nacer como una miniserie, se ha encargado una segunda temporada que nos contará otro caso totalmente distinto. Por algo será.

Sinopsis: Tony (James Nesbitt) y Emily (Frances O'Connor) sufrieron la desaparición de su hijo Oliver Hughes (Oliver Hunt) durante unas vacaciones en un pequeño pueblo de Francia. Separados hace años, ella intentar rehacer su vida como puede formando otra familia, mientras que el continúa buscando indicios que le permitan saber que fue del chico, algo que se ha convertido en su forma de vida. Cuando cree reconocer la bufanda que Oliver llevaba el día que desapareció en una foto, regresa al lugar de los hechos y pide ayuda a Julien Baptiste (Tchéky Karyo), el inspector que llevó la investigación y que ya está jubilado, para intentar conseguir que se vuelva a abrir el caso.

El director: Thomas Otto "Tom" Shankland es un guionista y director británico de cine y televisión nacido el 07 de mayo 1968. En sus comienzos realizó tres cortometrajes llamados Bubbles (1998), Bait (1999) y Going Down (2000), que le dieron la oportunidad de trabajar en televisión participando en la serie Clocking Off (2000), a la que le siguieron el brillante telefilm Ninguna noche dura lo suficiente (2002) y la participación en la serie Marple (2004). Su debut en la gran pantalla fue Waz (2007), donde mezcla thriller y terror para contarnos la historia de un asesino en serie y los policías que luchan por atraparlo. Al año siguiente presentó The Children (2008), un slasher donde los niños son los protagonistas. De vuelta al mundo televisivo, ha participado en las series The Fades (2010) y Ripper Street (2012), antes de hacerse cargo en solitario de la que hoy nos ocupa.

La serie: The Missing es uno de los productos mas completos que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos, destacando en casi todos los apartados posibles, pero si tuviese que destacar una cualidad por encima de las demás, esta sería el extraordinario y desasosegante realismo que desprende en todo momento, algo que la hace entrar en el alma del espectador sin excesivos problemas, y que en el caso de que este sea padre o madre, se multiplica de tal manera que lo hace de alguna forma participe del dolor de los desdichados protagonistas, algo que unido a las enormes dosis de intriga que derrocha de principio a fin, la hacen no solo una excelente miniserie, sino una historia de las que no se olvidan con facilidad.

Los ingredientes necesarios para conseguir estos excelentes resultados están encabezados por el brillante guión escrito por los hermanos Williams (Roman's Empire, Honest, Fried). En el hay que destacar su excelente ritmo, que rara vez es excesivamente apresurado pero en ningún momento resulta monótono o cansino, la maestría con la que mezcla drama e intriga, que consigue administrar con las dosis precisas en cada momento, su habilidad para mezclar y mostrar a la misma vez los acontecimientos actuales y los que sucedieron en el momento de la desaparición, y por último, la riqueza que las pequeñas historias paralelas sobre las vidas privadas de sus personajes dan al conjunto, siendo estos desarrollados de forma impecable.

Canción de cuna para un cadáver - Robert Aldrich (1964)

Título original - Hush... Hush, Sweet Charlotte
Año - 1964
Duración - 133 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Aldrich
Guión - Lukas Heller y Henry Farrell
Música - Frank DeVol
Fotografía - Joseph Biroc
Montaje - Michael Luciano
Producción - Robert Aldrich
Productora - 20th Century Fox
Género - Intriga, Thriller psicológico
Reparto - Bette Davis, Olivia de Havilland, Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Cecil Kellaway, Victor Buono, Mary Astor, George Kennedy, William Campbell, William Marshall, Bruce Dern

Dos años después de la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), el bueno de Robert Aldrich dirigió y produjo un nuevo trabajo pensado para el lucimiento de la inolvidable Bette Davis, esta vez acompañada por Olivia de Havilland, Joseph Cotten y Agnes Moorehead. Un largometraje que muchos insisten en comparar con el primero, no sin algo de razón, todo hay que decirlo, pero que merece la pena disfrutar sin ningún género de dudas, por su excelente reparto, lo inverosímil que resulta su guión, la brillante fotografía de Joseph Biroc, la maestría de la partitura de Frank DeVol y el buen hacer del memorable Robert Aldrich. Similitudes con el anterior tiene algunas, pero menospreciarla por ello resulta un tanto absurdo, al menos para mi.

Sinopsis: Charlotte Hollis (Bette Davis) vive recluida en la mansión familiar que heredó de su querido padre, sin haber llegado a recuperarse nunca de la trágica muerte de su gran amor, un hombre casado llamado John Mayhew (John Mayhew), de la que el pueblo la hace responsable. Con evidentes problemas mentales y la única compañía de su siempre malhumorada criada Velma (Agnes Moorehead), recibe la noticia de que el estado está a punto de expropiar sus tierras para la construcción de una autopista, por lo que intentará recurrir a su prima Miriam (Olivia de Havilland) y a su viejo amigo Drew (Joseph Cotten), para intentar evitar a toda costa que la echen del que siempre ha sido su hogar.

El director: Robert Aldrich fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Se inició en los estudios RKO y fue ayudante de dirección de Jean Renoir, Joseph Losey y Charles Chaplin. En las tres décadas que permaneció en activo, nos dejó mas de una treintena de trabajos dirigidos, entre los que podemos destacar: Apache (1954), Vera Cruz (1954), La podadora (1955), El beso mortal (1955), Hojas de otoño (1956), Ataque! (1956), El último atardecer (1961), Sodoma y Gomorra (1962), ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), El vuelo del Fénix (1965), Doce del patíbulo (1967), La leyenda de Lylah Clare (1968), Comando en el mar de China (1970), La banda de los Grissom (1971), La venganza de Ulzana (1972), El emperador del norte (1973) y la que hoy nos ocupa.

La película: Lo primero que siempre me viene a la mente cuando observo los estropicios que las actrices actuales cometen al someterse a innumerables intervenciones de cirugía estética, es la variedad y calidad de trabajos que la inolvidable Bette Davis nos dejó durante su carrera, pero en especial los que realizó ya con una edad avanzada. Tanto estirarse la cara acaba por inmovilizar sus rostros, que pierden por completo la capacidad de expresión que deberían tener. En el trabajo que hoy nos ocupa, tras una larga escena introductoria, los títulos de crédito iniciales son acompañados de la imagen de Bette, que por si no fuera suficiente el alarde interpretativo que nos dejará en las dos horas largas que dura la película, nos regala como aperitivo un abanico de gestos y muecas que van desde la alegría a la pena, sin siquiera tener que soltar una palabra, algo que en la actualidad pocas actrices de su edad podrían siquiera imitar.

Digo esto porque, siempre hablando en mi modesta opinión, solo con tenerla a ella en el reparto ya merece la pena ver la película. Ahora bien, el trabajo del que hablamos hoy es como la hermana pequeña de un genio en cualquier materia, siempre a la sombra del mayor e injustamente comparada continuamente con el. No alcanzo a comprender porque esto resulta tan importante para muchos aficionados o críticos, porque si las similitudes entre uno y otro existen, estas se limitan a ser un drama psicológico ambas y a el papel de su principal protagonista, muy similar al que realizó en la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? un par de años antes. Si solo por eso somos incapaces de ver una sin compararla con la otra mal vamos, ya que no existen tantas posibilidades de disfrutar de esta enorme actriz como para dar de lado o menospreciar uno de sus grandes papeles.

Hidden: Terror en Kingsville - Matt Duffer y Ross Duffer (2015)

Título original - Hidden
Año - 2015
Duración - 85 min.
País - Estados Unidos
Director - Matt Duffer y Ross Duffer
Guión - Matt Duffer y Ross Duffer
Música - David Julyan
Fotografía - Thomas Townend
Montaje - Jeffrey M. Werner
Producción - Lawrence Grey, Roy Lee, Mason Novick y Richard D. Zanuck
Productora - Primal Pictures / Warner Bros.
Género - Terror, Thriller
Reparto - Alexander Skarsgård, Andrea Riseborough, Heather Doerksen, Emily Alyn Lind, William Ainscough

El debut en la gran pantalla de los hermanos Duffer (Matt y Ross Duffer) ha llegado a España sin hacer excesivo ruido, saliendo directamente en DVD, por lo que su título le viene que ni pintado. Una pequeña joya escondida que traslada una gran idea a un magnífico guión, capaz de innovar en un género cada vez mas repetitivo, en el que la originalidad brilla cada vez mas por su ausencia. Ideal para los que gustan de ese cine de terror que cumple su cometido sin excesos de hemoglobina, apoyándose en la calidad de la historia, grandes dosis de intriga y el miedo irracional a lo que creemos que anda por ahí, aunque nunca lo hayamos tenido delante. Toda una sorpresa que no puedo mas que recomendaros.

Sinopsis: Ray (Alexander Skarsgård), Claire (Andrea Riseborough) y su hija, Zoe (Emily Alyn Lind), sobreviven como pueden en un antiguo refugio anti-nuclear en el que consiguieron refugiarse hace ya 300 días. Los avisos de las autoridades dieron paso al pánico generalizado de la población, hecho por el que desde entonces viven encerrados intentando no perder la esperanza de que algún día puedan volver a la superficie, aunque lo único que saben con seguridad es que fuera existe algo horrible y desconocido a lo que no quieren ni pueden enfrentarse, algo que en cuanto conozca su existencia irá a por ellos sin ninguna piedad.

Los directores: Los hermanos Duffer han trabajado casi siempre juntos como guionistas o directores principalmente, hasta ahora en cortometrajes o para televisión. Suyos son los cortometrajes We All Fall Down (2005) y Eater (2007). Han participado como guionistas en varios episodios de la serie Wayward Pines (2015), de la que os hablamos aquí y actualmente preparan como guionistas y directores la serie Stranger Things, que actualmente se encuentra en pre-producción y se espera para el próximo 2016.

La película: Antes que nada he de advertiros que estamos ante uno de esos trabajos que basan su efectividad en el desconocimiento del espectador de varios detalles de su trama, por lo que os recomiendo que tengáis especial cuidado si os apetece leer algo mas sobre el fuera de este dominio, no vaya a ser que cualquier "descuidado" os chafe la experiencia antes de tiempo. Créanme, se muy bien de que les hablo. De hecho, yo tendré el máximo cuidado para que conozcáis lo mínimo posible de su historia, comentando solo los motivos por lo que recomiendo su visionado y algunas características de la película que no tendrán influencia alguna a la hora de disfrutarla.

He de reconocer que Hidden: Terror en Kingsville es un título que ya en si mismo creó dudas en mi antes de disfrutarla, aunque es algo a lo que gran parte de la población mundial, y en especial los españoles, deben ya estar mas que acostumbrados, ante la diversidad de títulos que, según en que país se distribuya, se utilizan para un mismo trabajo, por lo que no debemos guiarnos por ello. Mi sorpresa ha sido mayúscula cuando, a la vez que avanzaba el metraje, he ido descubierto un trabajo de una riqueza poco común en el género, que quizás en un principio pueda resultar algo light para los amantes de las emociones mas fuertes, pero que esconde en su interior varias cosas que rara vez nos regala una película de terror o un thriller.

La ruta natural - Àlex Pastor (2004)

Título original - La ruta natural
Año - 2004
Duración - 11 min.
País - España
Director - Àlex Pastor
Guión - Àlex Pastor y Martí Roca
Música - Joan Villarroya
Fotografía - Eduard Grau
Montaje - Eloi Tomàs
Producción - Carlos Pastor y Teresa Vallejo
Productora - Escándalo Films S.L. / ESCAC
Género - Drama, Cortometraje
Reparto - Pere Ventura, Albert López-Murtra, Albert Capdevila, Carlota Ribes, Lucas Zamora

Sinopsis: Cuando Divad (Pere Ventura) despierta tras un extraño accidente en la bañera, es incapaz de recordar nada, ni siquiera su propio nombre. Su casa, su supuesta esposa Arual (Silvia Serván)... Absolutamente todo es desconocido para él. Aunque no pueda concretarlo, algo inquietante y fuera de lo normal parece ocurrir en el mundo que le rodea, algo a lo que tendrá que enfrentarse desde la soledad y la perplejidad que produce el desconocimiento.

El director: La ruta natural fue el primer trabajo del realizador español Àlex Pastor, autor también del cortometraje Peacemaker (2006), un western que contó con José Luís Adserías, Enric Arquimbau y Jordi Gràcia en su reparto y de los largometrajes Infectados (Carriers) (2009), donde mezcla drama, terror y ciencia ficción, con la participación de Chris Pine, Piper Perabo, Lou Taylor Pucci, Emily VanCamp, etc. y Los últimos días (2013), un thriller de ciencia ficción postapocalíptico protagonizado por Quim Gutiérrez, José Coronado y Marta Etura, ambos escritos y dirigidos junto a David Pastor.

El cortometraje: Que levante la mano la persona que no haya deseado alguna vez en su vida dar marcha atrás en el tiempo, para así tener la posibilidad de actuar de forma distinta o disfrutar mas de ciertas cosas que, con el paso del tiempo, adquieren para nosotros su importancia real. Pero lo que realmente anhelamos es volver a vivir cierto periodo de tiempo, algo que nada tiene que ver con cambiar el sentido de los acontecimientos, el orden en el que los vamos viviendo y experimentando.

Bajo esta curiosa premisa, Àlex Pastor y Martí Roca escribieron el jugoso guión en el que se basa este curioso cortometraje, que es de esos que invitan a la reflexión tras su visionado, mostrándonos esas pequeñas cosas que quizás no apreciamos tanto como deberíamos o a las que simplemente no prestamos la suficiente atención. La forma de señalarlas es brillante, ya que les basta con ponernos en el lugar de alguien que ha perdido la memoria y ha de vivirlas como si de la primera vez se tratase. El resultado es bastante satisfactorio, por lo que no es de extrañar la multitud de premios que obtuvo, entre los que destacan el Premio Nova Autoria (mejor guión) en el Festival de Sitges, el premio al Mejor cortometraje internacional en el Festival de Sundance y la nominación al Mejor cortometraje de ficción en los Goya.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Pinceladas de clásicos del terror: El extraño caso del Dr. Jekyll - Victor Fleming (1941)

Título original - Dr. Jekyll and Mr. Hyde
Año - 1941
Duración - 113 min.
País - Estados Unidos
Director - Victor Fleming
Guión - John Lee Mahin, basado en la novela El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson
Música - Franz Waxman
Fotografía - Joseph Ruttenberg
Montaje - Harold F. Kress
Producción - Victor Fleming y Victor Saville
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género - Drama, Terror
Reparto - Spencer Tracy, Ingrid Bergman, Lana Turner, Donald Crisp, Ian Hunter, Barton MacLane, C. Aubrey Smith, Peter Godfrey, Sara Allgood, Frederick Worlock, William Tannen, Frances Robinson, Denis Green, Billy Bevan, Forrester Harvey, Lumsden Hare, Lawrence Grant

Victor Fleming fue el encargado de co-producir y dirigir en 1941 una nueva película de una de las novelas que mas adaptaciones ha soportado en la historia, El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson. Con un excelente reparto encabezado por Spencer Tracy, Ingrid Bergman y Lana Turner, el guión de John Lee Mahin y la fotografía de Joseph Ruttenberg, estamos ante un trabajo muy disfrutable, aunque tildado de innecesario por muchos de los incondicionales de la versión de 1931 (El hombre y el monstruo), dirigida por Rouben Mamoulian y que dio, aunque fuese de manera compartida, el Oscar como mejor actor al brillante Fredric March, a la que creo no consigue superar.

Sinopsis: El Dr. Jekyll (Spencer Tracy) es un prestigioso doctor y un incansable doctor obsesionado con la lucha entre el bien y el mal, para lo que tiene la intención de crear un fármaco capaz de aislarlos y poder controlarlos. A pesar de estar a punto de casarse con la bella Bea Emery (Lana Turner), sus investigaciones lo llevan a obsesionarse de tal forma que, ante la imposibilidad de experimentar con seres humanos, decide probar el mismo los efectos del medicamento que ha creado, dando nacimiento así a Mr. Edward Hyde, un ser lleno de maldad que tan solo comparte con el el uso de su cuerpo, resultando cada vez mas difícil para el Dr. Jekyll evitar la transformación en Hyde, o al menos poder llegar a controlarlo.

El director: Victor Fleming fue un cineasta norteamericano nacido en La Cañada, California, el 23 de febrero de 1889. Entrando en el mundo del cine casi por casualidad, debutó en 1919 dirigiendo junto a Theodore Reed el mediometraje Pesadillas (1919). En sus 30 años dirigiendo cine realizó mas de 40 trabajos entre los que podemos destacar El virginiano (1929), Tierra de pasión (1932), La isla del tesoro (1934), Capitanes intrépidos (1937), El gran vals (1938), La vida es así (1942), Dos en el cielo (1943) y Juana de Arco (1948), además de los dos trabajos consecutivos que lo han hecho pasar a la historia de cine entre los mas grandes: El mago de Oz y Lo que el viento se llevó (junto a George Cukor y Sam Wood), ambas de 1939.

La película: Para entender un poco mejor como funcionaba la industria del cine en otras épocas viene bien conocer pequeñas historias como la de esta película, o en este caso concreto, el ultraje que intentaron cometer sus responsables con los fines que podéis imaginar. La Metro-Goldwyn-Mayer adquirió los derechos de la película de 1931, originalmente lanzada por Paramount Pictures, con el fin de mantener la película fuera de la circulación. No contentos con ello, cada copia de la película de 1931 que pudieron localizar fue destruida, convirtiéndola durante décadas en un producto perdido del que solo quedaban unas cuantas imágenes para el recuerdo. Por suerte, y después de mucho tiempo, se encontró una copia de la misma y esta fue recuperada y restaurada, evitando así uno de los actos mas deplorables cometidos en el universo del séptimo arte. ¿Los motivos? Como he mencionado antes, que cada cual saque sus propias conclusiones.

Dicho esto, creo que sería injusto no disfrutar de este trabajo solo por la forma de actuar de algunos de sus responsables, ya que una cosa es conocer ciertos hechos históricos y otra muy diferente sería juzgar un trabajo solo por ellos. La adaptación de Victor Fleming tiene, al menos a priori, todos los ingredientes necesarios para ser una gran película, aunque también se cometieron en ella ciertos errores que evitan que su nota suba un par de puntos, al menos esa es mi opinión particular, que no tiene por que coincidir con la suya. El guión de John Lee Mahin (Senda prohibida, Quo Vadis, Mogambo, La mala semilla) es bastante brillante, aunque hay que decir que se toma bastantes licencias en referencia a la novela. La historia es muy interesante, tiene un ritmo adecuado y consigue mantener la atención del espectador hasta el final.

Son of a Gun - Julius Avery (2014)

Título original - Son of a Gun
Año - 2014
Duración - 108 min.
País - Australia
Director - Julius Avery
Guión - Julius Avery
Música - Elliott Wheeler
Fotografía - Nigel Bluck
Montaje - Jack Hutchings
Producción - Timothy White
Productora - Bridle Path Films / WBMC / Media House Capital / Southern Light Films / Altitude Film Entertainment
Género - Thriller, Acción
Reparto - Ewan McGregor, Brenton Thwaites, Alicia Vikander, Matt Nable, Damon Herriman, Nash Edgerton, Jacek Koman, Tom Budge, Eddie Baroo, David Partridge, Ben Weirheim, Tammie West, Rick Tonna, Isaac Money, Warwick Sadler

Son of a Gun es el primer largometraje de Julius Avery, en el que se encarga, además de la dirección, de la redacción de su guión. Un trabajo en el que mezcla varios géneros de forma algo arriesgada, que le sirve para mostrar sus credenciales y que lo presenta como un realizador que puede darnos muchas alegrías en el futuro, ya que talento no le falta. Con la fotografía de Nigel Bluck y los papeles principales para Ewan McGregor, Brenton Thwaites y Alicia Vikander, estamos ante un título bien dirigido y muy interesante, a pesar de ser irregular y mejorable en varios aspectos.

Sinopsis: El joven J.R. (Brenton Thwaites) es encerrado por primera vez por un delito menor. Su falta de experiencia lo pondrá pronto en el punto de mira de un grupo de peligrosos reclusos que ven en el a un candidato ideal para sus juegos sexuales, ante lo que Brendan Lynch (Ewan McGregor), uno de los criminales mas peligrosos de Australia le ofrece su protección. Sin otra salida, J.R. no tiene mas remedio que aceptar, aunque no tardará mucho en comprobar que la ayuda de Lynch no será gratuita, ya que tiene pensado un arriesgado trabajo para el en el momento que sea puesto en libertad.

El director: A pesar de que Julius Avery debute en la gran pantalla con Son of a Gun, posee ya una amplia experiencia en el mundo del cine, habiendo realizado tareas como guionista, montador, encargado de la fotografía, de cámara y electricidad, e incluso de productor. Como director es responsable de seis cortometrajes: Matchbox (2002), Little Man (2004), Solvent (2004), End of Town (2006), The Tank (2007) y Jerrycan (2008). En todos ellos ha ejercido también como guionista, además de escribir el guión de Yardbird (2012), dirigido por Michael Spiccia.

La película: Son of a Gun es lo que yo llamo un trabajo correcto, bastante ameno de ver y muy esperanzador, ya que tenemos que tener en cuenta que es un debut y en el se ven los ingredientes necesarios como para esperar con bastante optimismo los próximos trabajos de un director que necesita algo de experiencia, pero al que parecen sobrarle condiciones para ello. Digo esto porque su trabajo en la dirección resulta bastante bueno, sobre todo tras las cámaras, aunque aún le falte una chispa para concretar una buena dirección de actores, uno de los apartados en los que la cinta resulta mejorable.

Y es que estamos ante un producto con bastantes elementos a su favor, pero que carece de la consistencia necesaria para llegar a ser notable. Parte de culpa de ello la tiene el guión escrito por el propio Julius Avery, que posee elementos meritorios pero algo inconexos entre si, como si de un buen plato con buenos ingredientes se tratase, pero no del todo bien cocinado hasta su resultado final. Sus personajes no están del todo bien dibujados o son insuficientemente desarrollados en algunos casos, restando bastante credibilidad al resultado final. Su intento de unir varios géneros resulta un tanto forzada, una lástima viendo el buen resultado conseguido en dichos elementos por separado, algo de lo que no creo que se pueda dudar.