Vivir (Ikiru) - Akira Kurosawa (1952)

Título original - Ikiru
Año - 1952
Duración - 143 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni
Música - Fumio Hayasaka
Fotografía - Asakazu Nakai
Montaje - Kôichi Iwashita
Producción - Sojiro Motoki
Productora - Toho Company
Género - Drama
Reparto - Takashi Shimura, Nobuo Kaneko, Kyôko Seki, Makoto Kobori, Kumeko Urabe, Yoshie Minami, Miki Odagiri, Kamatari Fujiwara

Ikiru es el nombre del trabajo que hoy os presento, dirigido por Akira Kurosawa y escrito por el propio Kurosawa, junto a Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni. Una obra exigente con el espectador enmarcada en los trabajos mas realistas del maestro nipón, pero que a cambio nos regala una riqueza inusual, en la que se realiza una reflexión sobre la vida, la muerte y la forma en que los seres humanos las encaramos, las experimentamos y las afrontamos, poniéndonos en la piel del funcionario público Kanji Watanabe, magistralmente interpretado por el inolvidable Takashi Shimura. Cine para ver con atención, algo de paciencia y el alma abierta de par en par, cuyo mensaje mantiene y mantendrá intacta su vigencia para quien esté dispuesto a escucharlo. Exigente, si, pero sin duda imprescindible.

Sinopsis: Kanji Watanabe (Takashi Shimura) es un funcionario público que lleva media vida consumiendo su vida entre las cuatro paredes de las oficinas, que poco a poco ha ido encajando en el entramado engranaje de la administración. Encargado de la sección de los ciudadanos, pasa el día poniendo escusas ante sus problemas y utilizando el sello necesario para que pueda seguir su curso cada documento que cae en sus manos, mientras que las personas que lo rodean solo lo miran con interés, ya sea en su familia, donde solo piensan en la herencia que recibirán, como en el trabajo, donde todos ansían llegar a ocupar su puesto. Un buen día recibirá la noticia de que padece cáncer de estómago, por lo que sus días de "vida" están contados, algo que lo hará dirigir la mirada a lo que ha sido su existencia e intentar buscar la manera de finalizarla haciendo lo que apenas ha hecho hasta ese momento, vivir.

El director: Akira Kurosawa fue un director asiático nacido en Shinagawa, Tokio, Japón, el 23 de marzo de 1910. Considerado por muchos, entre los que me encuentro, como uno de los mejores y mas completos directores de todos los tiempos, nos dejó más de 30 películas en su maravillosa filmografía, de la que resulta difícil elegir cuales recomendar, ya que es disfrutable al completo. Aún así, por poner algunos ejemplos de la misma, nombraremos la siguientes: El ángel borracho (1948), de la que os hablamos en esta reseña, Duelo silencioso (1949), El perro rabioso (1949), Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954), Trono de sangre (1957), La fortaleza escondida (1958), Yojimbo (El mercenario) (1961), Sanjuro (1962), El infierno del odio (1963), Barbarroja (1965), Dersu Uzala (El cazador) (1975), Ran (1985) o Los sueños de Akira Kurosawa (1990), además de la que hoy nos ocupa. Comentar que ninguna de ellas baja del 7 o el 8 en las principales webs de cine, así que no es solo cosa del que aquí escribe, y advertir que me dejo atrás auténticas joyas, pero resulta del todo inevitable hacer una selección.

La película: Creo necesario comenzar aclarando el porqué de mi calificación de exigente de este trabajo, principalmente porque no me gustaría que me acusasen de exceso de celo a la hora de valorarla, ya que el maestro Kurosawa es uno de los directores que mas han marcado mi forma de disfrutar el cine, por lo que puede parecer que soy poco imparcial a la hora de hablar de su obra. Hay que saber que tenemos delante para no llevarnos excesivas sorpresas ni perder nuestro tiempo si no es lo que buscamos o nos apetece. Cuando decía que es exigente, es porque estamos ante un trabajo de casi dos horas y media de duración, cuyo ritmo puede resultar excesivamente lento para algunos aficionados, como suele ocurrir con gran parte del cine asiático que podemos disfrutar. Además se trata de un cine cargado de simbolismo, realizado para activar la capacidad de pensamiento y meditación del espectador, algo que si no llega a conseguir, lo convierte en un trabajo estéril y poco cautivador. Cine que exige paciencia y toda nuestra capacidad de atención para ser disfrutado, ofreciendo a cambio una riqueza indudable.

También me parece fundamental tener claro en que época y dentro de que cultura nos encontramos, aunque en realidad, y como ya he dicho antes, su mensaje sigue y seguirá vigente por siempre. Veo bastante complicado que alguien que lo ha tenido todo en la vida sin excesivos esfuerzos, sea capaz de captar y valorar adecuadamente el contexto en el que esta se desarrolla, perdiendo quizás fuerza en dichos casos, ya que la mayoría de los detalles y situaciones que en ella se describen pueden parecerles incluso ridículos, porque nunca llegaron a valorar esos pequeños detalles que, mientras que para alguien criado en una familia humilde pueden resultar incluso familiares, para alguien que ha vivido sin ningún tipo de carencia, difícilmente habrán llegado nunca a llamar siquiera su atención.

Dioses y monstruos (Gods and Monsters) - Bill Condon (1998)

Título original - Gods and Monsters

Año - 1998

Duración - 105 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Bill Condon

Guion - Bill Condon, que adapta la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram

Música - Carter Burwell

Fotografía - Stephen M. Katz

Montaje - Virginia Katz

Producción - Clive Barker

Productora - Lionsgate, Showtime, BBC Films, Regent Entertainment, Gregg Fienberg

Reparto - Ian McKellen, Brendan Fraser, Lynn Redgrave, Lolita Davidovich, Kevin J. O'Connor, David Dukes, Brandon Kleyla, Pamela Salem, Michael O'Hagan

Género - Drama / Cine dentro del cine, Homosexualidad

Bill Condon fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión con el que el mismo adapta la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram. Un sentido homenaje al realizador James Whale, recordado por llevar a la gran pantalla a la criatura creada por Mery Shelley, el inolvidable Frankenstein. Mención especial a la comparación que se realiza entre la soledad del monstruo y la de los días finales del director. Excelente trabajo de Ian McKellen y Brendan Fraser.

Sinopsis - Relato de los últimos días de vida del realizador James Whale, autor de Frankenstein. En principio su única compañía en esos momentos es su ama de llaves, pero pronto entabla relación con su nuevo jardinero, un apuesto joven al que confía su historia en el Hollywood de los años 30 y por el que se sentirá irresistiblemente atraído.

El director - Bill Condon es un guionista y director estadounidense nacido en Nueva York, el 22 de octubre de 1955. Hijo de un detective de la policía, fue criado en una familia católica irlandesa. Asistió a la Regis High School y al Columbia College, graduándose en 1976 en filosofía. Dos películas tuvieron un impacto significativo en la vida temprana de Cordon: Bonnie and Clyde (1967), que lo hizo interesarse por los guiones cinematográficos, y Sweet Charity (1969), que según sus palabras lo llevó a "una historia de amor de por vida con películas que son vilipendiadas y rechazadas en su tiempo".

Su carrera como cineasta comenzó con guiones para la película independiente Strange Behavior (1981), un homenaje a las películas de terror pulp de la década de 1950, y la película de ciencia ficción Strange Invaders (1983), protagonizada por Nancy Allen y Wallace Shawn. Su debut como director fue Sister, Sister (1987), cuyo fracaso supuso un importante freno en su carrera. Tras dirigir varios telefilms y la evitable Candyman 2 (1995), escribió y dirigió Dioses y monstruos (1998), por la que ganó el Óscar al mejor guion adaptado. Tras ella llegaron títulos como Kinsey (2004), un drama sobre el biólogo Alfred Kinsey, interpretado por Liam Neeson; Dreamgirls (2006), un drama musical con Jamie Foxx, Beyoncé, Danny Glover, Jennifer Hudson y Eddie Murphy entre su reparto; La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 1 y 2 (2011 y 2012), un auténtico despropósito, como lo es la saga al completo; El quinto poder (2013), un drama sobre como Julian Assange y Daniel Domscheit-Berg crearon WikiLeaks, interpretado por Benedict Cumberbatch, Daniel Brühl y Alicia Vikander, entre otros; Mr. Holmes (2015), de la que os hablamos en este artículo; La bella y la bestia (2017), una adaptación en imagen real del clásico de Disney, en cuyo reparto lucen nombres como Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Emma Thompson o Ewan McGregor. Su último trabajo ha sido La gran mentira (2019), una comedia dramática de intriga con los magníficos Helen Mirren y Ian McKellen a la cabeza.

Condon es miembro de Independent Feature Projects (IFP) en Los Ángeles, una organización sin ánimo de lucro que apoya películas independientes, así como del Comité Directivo de Escritores Independientes, que fue iniciado por el Writers Guild of America (WGA). En julio de 2021, ha sido elegido para dirigir una adaptación cinematográfica de Guys and Dolls para TriStar Pictures.

La película - Hace poco os hablábamos en este artículo de la película El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie), un hermoso homenaje a la carrera de dos cómicos inolvidables qué hicieron brotar sonrisas en varias generaciones. En el caso que hoy nos ocupa, estamos ante un producto qué podemos decir que es en cierta forma similar al anterior y me explico: sus responsables, en vez de decidir realizar un biopic, un trabajo qué suele traer bastantes problemas a la hora de sintetizar una vida en lo que dura un largometraje, han preferido tomar un trozo de la existencia de su protagonista y realizar con el un merecido homenaje a dicho personaje. Si en aquella ocasión se eligió el final de la carrera de los que aquí conocemos como El Gordo y el flaco, en este se toma cómo referencia el final de la vida del famoso realizador, el que para muchos mejor supo plasmar a ese inolvidable monstruo llamado Frankenstein, creado por Mary Shelley, en la gran pantalla. El resultado no ha podido ser mejor, al menos en la opinión de quién les escribe, en un trabajo cuya principal virtud es la de humanizar a la leyenda, mostrando matices de la desconocida persona que hay tras el inolvidable director.

Su comienzo nos presenta a un realizador en la etapa final de su vida, en la que su ama de llaves parece ser prácticamente única compañía, a lo que hay que añadir los evidentes problemas de salud qué acarrea la edad del mismo. Como un pequeño resquicio dentro de la soledad que domina su vida, un nuevo jardinero que comienza a trabajar en la finca dónde vive irrumpe en su vida, proporcionándole alguien con quien poder conversar y que lo haga salir un poco de la oscura monotonía en la que vive. Puede parecer que el momento elegido para mostrar la vida del realizador no es el más propicio, al menos para mostrarlo como tal, como el inolvidable director qué fue, pero es el punto clave qué otorga humanidad a la película.

El guión escrito por el propio Bill Condon, que adapta la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram, lejos de limitarse a mostrar el final de la vida de nuestro personaje principal, aprovecha el relato para tratar temas que por suerte o por desgracia nos atañen a todos a lo largo de nuestra vida, cómo son la soledad y la vejez. Igualmente realiza una ácida crítica por la forma en la que estaba montada la industria cinematográfica, algo que lógicamente ha ido cambiando con el tiempo, aunque no seré yo quién opine si es para bien o para mal. Eso lo dejo en manos del espectador. El ritmo de la película es el adecuado, los diálogos fluyen a nuestro alrededor con más o menos transcendencia, que va in crescendo conforme avanza la trama, hasta llegar a una parte final que revaloriza el largometraje de forma increíble.

En los apartados técnicos podemos destacar la fotografía de Stephen M. Katz (Granujas a todo ritmo, Unos peques geniales, Angels Hard as They Come), que realiza un trabajo muy acorde con lo que la película demanda, sin excesivas estridencias, en el que destacan las escenas del rodaje de La novia de Frankenstein, toda una delicia para los melancólicos amantes de esas películas inigualables que no volverán jamás. También podemos destacar el montaje de Virginia Katz (Dreamgirls, 

Fearless - Sin miedo, Kinsey), de la que ya os hablamos aquí como la responsable del montaje de la película Mr. Holmes, igualmente interpretada por Ian McKellen. Su labor en esta ocasión es no demasiado protagonista, pero igualmente efectivo. Por último mencionar que la banda sonora es responsabilidad de Carter Burwell (Carol, Tres anuncios en las afueras, Fargo), que realiza un trabajo lleno de melancolía por el tiempo pasado, cuyas composiciones parecen no tener fin. El resultado es magnífico y no podría ser más apropiado. Pueden escucharlo más abajo, tras el tráiler de la película.

Lógicamente, si en cualquier película es fundamental el trabajo de su reparto, en una de este tipo alcanza una importancia descomunal. No puedo mas que aplaudir la elección de los actores, como son dirigidos y el brillante resultado final de su trabajo. A la cabeza del mismo tenemos al incombustible Ian McKellen, que da vida de forma brillante al realizador James Whale, una garantía total de éxito desde que mi memoria puede alcanzar. Su trabajo aquí no baja el excelente nivel que suele regalarnos, realizando una interpretación tan brillante como humana. Todo un acierto. 

Pero el que consiguió sorprenderme fue el bueno de Brendan Fraser en el papel de Clayton Boone, actor que no es precisamente santo de mi devoción, pero que aquí firma uno de los mejores trabajos, si no el mejor, que un servidor ha podido disfrutar de él. El realizador estadounidense consigue sacar lo mejor de él en una actuación de primerísimo nivel. Destacar también el trabajo de Lynn Redgrave en el papel de Hanna, su única compañía hasta la aparición de Clayton, Lolita Davidovich como Betty y David Dukes como David Lewis. Excelente el nivel general del reparto.

Conclusión - Dioses y monstruos (Gods and Monsters) es uno de esos trabajos que no puedo mas que recomendar, de esos capaces de dejar huella en los aficionados con un mínimo de sensibilidad. Cierto es que a muchos les hubiera gustado disfrutar de un biopic del prácticamente olvidado director James Whale, pero a falta de ello, este me parece un hermoso homenaje a la persona que había tras el realizador, en el que además se realiza un perfecto retrato de la soledad y la vejez. Una maravilla que no deben dejar pasar si no la han visto y que merece la pena volver a disfrutar si ya lo hicieron en su día.

Fuentes consultadas - Filmaffinity, IMDb, Wikipedia, Youtube e iVoox

Una historia verdadera (The Straight Story) - David Lynch (1999)

Título original - The Straight Story
Año - 1999
Duración - 111 min.
País - Estados Unidos
Director - David Lynch
Guión - John Roach y Mary Sweeney
Música - Angelo Badalamenti
Fotografía - Freddie Francis
Montaje - Mary Sweeney
Producción - Pierre Edelman, Neal Edelstein, Michael Polaire y Mary Sweeney
Productora - Coproducción USA-Francia; Le Studio Canal+ / Les Films Alain Sarde / Picture Factory & Film Four
Género - Drama, Road Movie, Cine independiente
Reparto - Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill, John Farley, Jane Galloway Heitz, Dan Flannery, Kevin P. Farley, Wiley Harker, Tracey Maloney

David Lynch sorprendió a propios y extraños con este trabajo basado en una sencilla pero emotiva historia real. Con un guión de John Roach y Mary Sweeney, la fotografía de Freddie Francis, la hermosa bahda sonora de Angelo Badalamenti y el protagonismo de Richard Farnsworth, excelentemente acompañado por Sissy Spacek, estamos ante un trabajo sorprendente, cuya sencillez contrasta con su enorme calidad y riqueza. Muy recomendable, no se la pierdan.

Sinopsis: Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un anciano que vive en Iowa con una hija discapacitada (Sissy Spacek). Además de padecer un enfisema, a pesar de lo cual no deja sus puros, tiene graves problemas en la cadera que prácticamente le impiden estar de pie, lo que lo obliga a moverse con la ayuda de dos bastones. Pero cuando recibe la noticia de que su hermano, con el que no se habla hace años, ha sufrido un infarto, decide ir a verlo a Wisconsin, para lo que tendrá que recorrer los 500 kilómetros de distancia que hay en el único vehículo que posee, un viejo cortacésped.

El director: David Lynch es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense nacido en Missoula, Montana, el 20 de enero de 1946. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario.

Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio web, de pago.

Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló Inland Empire y su estreno se produjo en 2006. En 2007 estrenó More Things That Happened, que ncluye episodios que se desecharon en Inland Empire para no alargar demasiado el metraje. Actualmente se encuentra enfrascado en la creación de la secuela de la serie Twin Peaks, que se estrenará en Showtime en 2016.

La película: El mundo en el que vivimos pasa ante nuestros ojos sin que la mayoría consigamos atrapar y disfrutar las mejores cosas que es capaz de ofrecernos, no siendo esto debido a nuestra poca capacidad o algo parecido, sino al estilo de vida que llevamos la mayoría de los mortales, mas preocupados en lograr sobrevivir en un mundo que exige un ritmo endiablado para conseguirlo, que en poder disfrutar del mayor regalo que se nos ha dado, la vida. Pero de vez en cuando, uno de nosotros es capaz de crear algo, ya sea un cuadro, una escultura, una pieza musical, o como este caso, una película, capaz de mostrarnos aunque sea por un breve instante, lo que realmente es importante en la vida.

Paranoia Agent - Satoshi Kon (2004)

Título original - Môsô Dairinin
Año - 2004
Duración - 316 min.
País - Japón
Director - Satoshi Kon
Guión - Satoshi Kon, Tomomi Yoshino y Seishi Minakami, basado en la historia de Satoshi Kon
Música - Susumu Hirasawa
Fotografía - Katsutoshi Sugai
Montaje - Kashiko Kimura
Producción - Mitsuru Uda y Satoshi Fujii
Productora - Madhouse Studios
Género - Serie de TV, Animación, Animación para adultos, Thriller, Intriga, Fantástico, Película de culto.
Reparto - Animación
Web oficial - http://www.paranoiaagent.com/

Satoshi Kon es el creador de la historia, co-guionista y director, de esta serie de animación para adultos que gustosamente hubiera firmado el propio David Lynch. Una feroz crítica a la hipócrita sociedad japonesa que saca a la luz sus peores defectos, escondidos bajo esa falsa apariencia de perfección que el creador japonés tira por tierra en cinco horas largas, divididas en 13 episodios de una calidad incuestionable. ¿Defectos? Pues los creados si no aguantas las historias oníricas y diferentemente interpretables por cada espectador. El chico del bate, un mal que por desgracia, sería muy necesario. Advertencia: No la abandonen después del primer o segundo episodio, estarían cometiendo un gran error, ya que en mi opinión, hay que verla completa para formarse una idea real de ella.

Sinopsis: Sagi Tsukiko, creadora de Maromi, juguete y personaje animado muy famoso en Japón, se encuentra sometida a una gran presión, ya que sus jefes le exigen el diseño de un nuevo personaje mientras ella está sumida en una profunda crisis creativa. Un día es atacada al salir del trabajo por un chico con un bate de béisbol ligeramente doblado, lo que obliga a hospitalizarla. Pero muchos creen que es una invención suya para salir del paso, hasta que el ataque del chico del bate se vuelve a repetir con victimas diferentes, lo que creará un estado de intranquilidad en la población. El detective Keichii Ikari y su ayudante Maniwa se harán cargo de la extraña investigación.

La serie: He de comenzar ampliando lo que les comentaba en la presentación, ya que aunque no estamos ante un producto para todos los gustos, de eso no cabe ninguna duda, no conviene hacernos una idea de el antes de tiempo, por lo que a quien no lo haya visto le recomiendo un poco de paciencia, ya que puede que necesiten algo mas que uno o dos episodios para comenzar a disfrutarla. En mi caso en concreto, asistí boquiabierto a los dos primeros capítulos, siendo a partir del tercero cuando la experiencia alcanzó su nivel óptimo, algo que no tiene porqué ocurrirle a ustedes, pero avisados quedan.

Paranoia Agent nace de la intención del cineasta de dar vida a ciertas historias que en su momento quedaron fuera de películas como Perfect Blue, Millennium Actress o Tokyo Godfathers, siendo fundidas para la ocasión con gran habilidad. Su guión, obra del propio Satoshi Kon, junto a Tomomi Yoshino y Seishi Minakami, las entremezcla para ofrecernos una despiadada y directa crítica a la sociedad japonesa, en forma de personajes e historias totalmente alejados de la imagen que pretende dar el país, y que de hecho, casi siempre consigue. Estamos ante un anime para adultos, un hecho indiscutible viendo la variedad de personajes que lo pueblan y los delicados temas que en el se tratan, así que no se vayan a creer que por la simpática imagen de algunos de sus personajes, es un producto que pueda verse en familia.

Four Lions (4 Lions) - Christopher Morris (2010)

Título original - Four Lions
Año - 2010
Duración - 94 min.
País - Reino Unido
Director - Christopher Morris
Guión - Jesse Armstrong, Sam Bain, Christopher Morris y Simon Blackwell
Fotografía - Lol Crawley
Montaje - Billy Sneddon
Producción - Mark Herbert y Derrin Schlesinger
Productora - Wild Bunch Films
Género - Comedia
Reparto - Riz Ahmed, Kayvan Novak, Nigel Lindsay, Adeel Akhtar, Arsher Ali, Preeya Kalidas, Julia Davis, Craig Parkinson, Wasim Zakir, Mohammad Aqil, Waleed Elgadi, Alex Macqueen, Marcus Garvey, Benedict Cumberbatch
Web oficial - http://www.fourlionsthemovie.com/

En el 2010 debutó en la gran pantalla el realizador Christopher Morris con este irreverente trabajo en el que satiriza un tema tan espinoso como el terrorismo islámico, Four Lions. Con un guión escrito por el mismo junto a Jesse Armstrong, Sam Bain y Simon Blackwell, realizó este inclasificable producto donde no deja títere con cabeza, arremetiendo no solo contra el fundamentalismo, sino también contra la burocracia, los servicios de inteligencia y casi todo lo que toca de su país. Un trabajo valiente, que obtuvo excelentes críticas, pero que está claro que puede dañar la sensibilidad de muchas personas, y no me refiero solo a los fundamentalistas a los que se supone que parodia, por lo que me lleva a la pregunta de siempre: ¿Donde está la linea donde se pasa del uso de la libertad de expresión a la falta de respeto y el insulto?

Sinopsis: Omar (Riz Ahmed) tiene nacionalidad británica y vive con su mujer y su hijo en una sociedad a la que, sin embargo, odia profundamente por sus convicciones. Trabaja en una empresa de seguridad, mientras que su tiempo libre lo pasa hablando con su mujer y su hijo sobre la Yihad y formando un grupo que aspira a inmolarse en un objetivo aún por decidir. El problema es que la capacidad psíquica e intelectual de sus compañeros deja mucho que desear, estando este formado por Barry (Nigel Lindsay), un blanco converso que disputa con el el liderazgo del grupo, Waj (Kayvan Novak), un amigo con pocas luces incapaz de decidir nada por si mismo y Faisal (Adeel Akhtar), un ingenuo que intenta adiestrar cuervos para enviar bombas con ellos. Omar y Waj van a un campo de entrenamiento terrorista en Pakistán, de donde volverán dispuestos a ejecutar su plan suicida.

El director: Christopher J "Chris" Morris es un comediante, escritor, director, actor, actor de voz, y productor británico nacido el 15 de junio de 1962 en Colchester, Essex. Tras iniciarse en la radio, donde trabajó bastante tiempo, dio el salto al mundo televisivo participando como actor en series como The Day Today, Knowing Me, Knowing You with Alan Partridge o I'm Alan Partridge. En 1998 se inició en la dirección, en la serie Big Train, tras la que dirigió seis episodios de la serie Jam (2000). Tras el corto My Wrongs 8245-8249 and 117 (2002), dirigió siete episodios de la serie Nathan Barley (2005). Tras la película que hoy nos ocupa, ha dirigido cuatro episodios de la serie Veep, de 2002 a 2004. Continúa con su carrera como actor participando en series como Los informáticos, Veep, The Double o Stewart Lee's Comedy Vehicle.

La película: Quiero comenzar dejando claro que me posiciono en contra de todo tipo de fanatismo, ya sea de índole político, religioso, deportivo o de cualquier otro tipo, ya que mis convicciones pasan por el simple hecho de dar lo que voy a exigir de igual modo, respeto, y como comprenderéis, son cosas que quedan muy lejos unas de otras. Pienso que cualquier signo de fanatismo equivale a incultura, bien sea por poca capacidad mental propia, por la educación recibida, por estar condicionados por donde y con quien viven, por la arrogancia de creer que las ideas propias han de ser las correctas, o por cualquier otro motivo que se os ocurra. Por lo tanto, estoy a favor de la libertad de expresión, pero también de que su uso implica el cumplimiento de ciertas reglas para nunca sobrepasar la delgada linea que separa mi libertad de la de los demás, para hacerlo siempre con el debido respeto, la clave para mi de todo.

Creo, o mas bien quiero creer, que por ahí va lo que Christopher Morris intenta transmitir con este trabajo, la idea de que el fanatismo está relacionado directamente con la estupidez, la falta de educación y de unos buenos valores bien arraigados, algo para lo que se embarca en una empresa muy atrevida y treméndamente arriesgada, intentar que todos entiendan su mensaje, algo que veo bastante improbable, por no decir imposible. Por ello no hay que dejarse engañar por las apariencias y conviene dedicar hora y media de nuestro tiempo a verla y así poder formaros vuestra propia opinión, que al fin y al cabo es la que cuenta. De lo que estoy seguro es de que estamos ante algo mucho mas complejo de lo que algunos quieren ver en ella, una simple comedia negra de humor grueso, ya que tras esa máscara se esconde un guión con multitud de aristas, que pone patas arriba casi todo lo que toca.

La favorita (The Favourite) - Yorgos Lanthimos (2018)

Título original - The Favourite

Año - 2018

Duración - 121 min.

País - Reino Unido 

Dirección - Yorgos Lanthimos

Guion - Deborah Davis y Tony McNamara

Fotografía - Robbie Ryan

Montaje - Sam Sneade

Producción - Ceci Dempsey, Ed Guiney, Lee Magiday y Yorgos Lanthimos

Productora - Coproducción Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos; Element Pictures, Scarlet Films, Film4 Productions, Waypoint Entertainment. Distribuidora: Fox Searchlight

Reparto - Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, Mark Gatiss, Jenny Rainsford, Tim Ingall, Basil Eidenbenz, Timothy Innes, Jack Veal, James Melville, Hannah Morley, John Locke

Género - Drama, Comedia / Comedia negra, Siglo XVIII

El realizador griego Yorgos Lanthimos fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Deborah Davis y Tony McNamara, en el que en forma de comedia negra se nos muestra la encarnizada lucha de poder que se vivió durante el reinado de Ana de Gran Bretaña, brillantemente interpretada por Olivia Colman, inmejorablemente complementada por Emma Stone y Rachel Weisz. Un trabajo muy recomendable que no suele dejar indiferente a nadie, que luchó por varios premios de la academia, aunque finalmente fue Roma, de Alfonso Cuarón, la gran vencedora de la velada. Una delicia para unos e insufrible para otros. ¿En que grupo os encontráis?

Sinopsis - Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra contra Francia. Una reina debilitada, Anne (Olivia Colman), ocupa el trono, mientras que su amiga Lady Sarah (Rachel Weisz) gobierna en la práctica el país en su lugar, debido al precario estado de salud y al carácter inestable de la monarca. Cuando una nueva sirvienta, Abigail (Emma Stone), aparece en palacio, su encanto seduce a Sarah. Esta ayuda a Abigail, la cual ve una oportunidad para regresar a sus raíces aristocráticas. Como la política ocupa gran parte del tiempo de Sarah, Abigail empieza a acompañar con más frecuencia a la reina.

El director - Yorgos Lanthimos es un director de cine y teatro griego, que también ha ejercido como productor de cine, guionista y fotógrafo, nacido en Pangrati, Atenas, el 23 de septiembre de 1973. Criado principalmente por su madre, su padre, Antonis Lanthimos, era jugador de baloncesto profesional que jugó para el Pagrati B.C. y en la selección nacional de baloncesto de Grecia. Después de haberse graduado de la Moraitis School, comenzó a estudiar Administración de Empresas y jugó durante un período en el Pagrati B.C. Finalmente abandonó y estudió Dirección de Cine y Televisión en la Escuela Helénica de Cine y Televisión Stavrakos (HCTSS), en Atenas. Está casado desde 2013 con la actriz greco-francesa Ariane Labed.

Durante los años 90 dirigió una serie de videos para compañías griegas de danza y teatro. Desde 1995 ha dirigido comerciales de televisión, videos musicales, cortometrajes y obras de teatro experimental. También fue miembro del equipo creativo que diseñó las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.

La carrera cinematográfica de Lanthimos comenzó con la película My Best Friend (2001), que codirigió con Lakis Lazopoulos, y la película experimental Kinetta (2005), que se estrenó en el Festival de Cine de Toronto. Comenzó a destacar con su tercera película, Canino (2009), con la que ganó el premio Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes y fue nominado a mejor película de habla no inglesa en los 83º Premios dela Academia. En 2010, actuó y coprodujo Attenberg, una película dramática griega dirigida por Athina Rachel Tsangari. Su cuarto largometraje, Alpes (2011), ganó el Premio Osella al Mejor Guion en el 68º Festival Internacional de Cine de Venecia.

El guion de su quinta película, The Lobster (2015), ganó el Premio Internacional ARTE 2013 como Mejor Proyecto CineMart en el 42º Festival Internacional de Cine de Rotterdam. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2015 y ganó el Premio del Jurado. Con El sacrificio de un ciervo sagrado (2017) ganó el premio como Mejor guion en Festival de Cannes y el Premio de la Crítica en el Festival de Sitges (ambos ex aequo). En el 75º Festival de Cine de Venecia presentó La favorita (2018), y ganó el Gran Premio del Jurado. La película se alzó con diez nominaciones en la 91ª entrega de los Premios de la Academia, incluyendo mejor película y mejor director, aunque solo se lo llevó a la Mejor actriz (Olivia Colman), el mismo premio que ganó en los Globos de Oro, de cinco nominaciones. Para 2022 se espera Poor Things, un thriller fantástico en el que aparecen nombres como Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe o Ramy Youssef, entre su reparto.

La película - El drama de época ya no es lo que era. La seriedad y encorsetamiento al que este tipo de productos han estado sujetos desde siempre, ha ido desapareciendo poco a poco en los últimos tiempos. Basta con echar la vista a títulos como María Antonieta (2006), Belle (2013), Amor y amistad (2016), Lady Macbeth (2016), Colette (2018), Retrato de una mujer en llamas (2019) o Emma (2020), para darnos cuenta que el abanico se ha abierto en multitud de direcciones diferentes, algo que puede no guste a los mas puristas, pero que era mas que necesario en los tiempos que corren. La favorita es un ejemplo perfecto de ello, una película que no suele dejar indiferente a nadie, de esas que te atrapa o te mata de aburrimiento, que podrá ser tachada de muchas cosas, pero nunca de falta de originalidad o de no intentar mostrar, de un modo muy distinto al habitual, las confabulaciones y luchas de poder en la corte británica de principios del siglo XVIII.

Amor bajo el espino blanco - Zhang Yimou (2010)

Título original - Shan zha shu zhi lian (The Love of the Hawthorn Tree)
Año - 2010
Duración - 114 min.
País - China
Director - Zhang Yimou
Guión - Yin Lichuan y Gu Xiaobai, basado en la novela homónima de Ai Mi
Música - Chen Qigang
Fotografía - Zhao Xiaoding
Montaje - Meng Peicong
Producción - Zhang Weiping, Cao Yuayi, Hugo Shong y Bill Kong
Productora - Beijing New Picture Film Co.
Género - Drama, Romance
Reparto - Zhou Dongyu, Shawn Dou, Chen Taisheng, Rina Sa, Xi Meijuan, Li Xuejian, Lü Liping, Sun Haiying

Zhang Yimou regresó al cine profundo y poético, pero a la vez sobrio y realista, con Amor bajo el espino blanco, llevando a la gran pantalla el guión que Yin Lichuan y Gu Xiaobai escribieron sobre la novela de Ai Mi. Una historia sencilla basada en hechos reales, no apta para los aficionados mas nerviosos e impacientes, que nos cuenta una hermosa y dura historia de amor durante la Revolución Cultural china, en la que destaca la excelente dirección de Yimou y el magnífico trabajo de sus jóvenes protagonistas, Shawn Dou y, sobre todo, el de la actriz Zhou Dongyu.

Sinopsis: Mientras que su padre ha sido encarcelado por sus ideas políticas y su madre lucha para alimentar a sus tres hijos, la joven Jing (Zhou Dongyu) es enviada a un remoto pueblecito para su reeducación, parte fundamental y necesaria si aspira a que su familia y ella misma puedan continuar con sus vidas. Pero allí conocerá a Sun (Shawn Dou), un joven hijo de un militar de alto rango de una posición social muy diferente, por lo que una relación entre ambos es poco menos que imposible. Un amor que marcará la vida de ambos para siempre.

El director: Nacido en la ciudad norteña de Xi'an en 1951, el director Zhang Yimou pertenece a la denominada Quinta generación del cine chino, integrada por directores que comenzaron su carrera tras la Revolución Cultural a finales de los años 70. Durante la misma (1966-1978), abandonó sus estudios y se integró en una granja de trabajo, donde trabajó como operario textil durante diez años. Acabada esta etapa, en 1978, con 28 años, retomó sus estudios e ingresó en la Academia de Cine de Pekín, logrando finalmente graduarse en 1982. Tras graduarse, empezó a trabajar como fotógrafo y dibujante.

Antes de director fue operador de cámara en la película Tierra amarilla de Chen Kaige (1984), que dio comienzo a una nueva etapa de cine chino más crítico con el estado y defensor de la importancia del individuo. Repitió en este rol, en otra película del mismo director, The Big Parade (1986).

Tras debutar en 1987 con Sorgo rojo, con la que ganó el Oso de Oro de Berlín, pasó a ser uno de los directores chinos con mayor proyección internacional. En su filmografía encontramos trabajos dispares de los que nombraremos varios: el magnífico drama romántico Ju Dou: Semilla de crisantemo (1990), el drama rural Qiu Ju, una mujer china (1992), el drama ambientado en los años 20 La linterna roja (1991), el drama familiar ¡Vivir! (1994), el drama La joya de Shanghai (1995), el drama rural Ni uno menos (1999), el drama romántico El camino a casa (1999), la comedia dramática Happy Times (2000), el drama de acción Hero (2002), la acción romántica de La casa de las dagas voladoras (2004), el drama La búsqueda (2005), la película de acción y aventuras La maldición de la flor dorada (2006), el drama bélico Las flores de la guerra (2011), en el que participa Christian Bale, el drama familiar  Regreso a casa (2014), el drama romántico Lady of the Dynasty (2015), que dirigió junto al realizador Shi Qing, la decepcionante y fantástica La gran muralla (2016), el drama de acción Sombra (2018) o el drama One Second (2020). Para este mismo año se esperan Under the Light, un nuevo drama con la participación de Zhengjun He, Lei Jiayin y Li Naiwen, y Cliff Walkers, un thriller de espionaje con nombres como Zhang Yi, Zhang Hanyu, Amanda Qin y Zhu Yawen entre su reparo.


La película: Amor bajo el espino blanco podría situarse perfectamente en el lado opuesto de la balanza de trabajos como La casa de las dagas voladoras o La maldición de la flor dorada, en las que la acción y las artes marciales copaban el protagonismo por encima de otras virtudes que brillaban en menor medida. Es este un cine que necesita de una total predisposición del espectador, no apto para todos los gustos y basado principalmente en la sencillez en casi todos sus apartados. Sobresale en ella la enorme capacidad de su director para mostrar un sentimiento tan presente en el mundo del cine, pero tan difícil de no parecer idealizado o llegar a resultar empalagoso, como es el amor, auténtico protagonista del film.

Y es que una de las características mas llamativas de este trabajo es la forma en la que su realizador utiliza la situación social y política de su país en ese momento como un mero escenario, un condicionante de gran importancia en el desarrollo de la historia, al que Zhang Yimou nunca concede el protagonismo principal, ya que como el mismo declaró en mas de una ocasión, no quería hacer un trabajo de denuncia social o política, sino una hermosa historia de amor. Y vaya si lo consigue, dejándonos un trabajo que fluye de forma perfecta, en el que las miradas y los silencios ganan casi siempre la partida a los diálogos, utilizando constantemente esa habilidad que posee de alargar las escenas sin que pierdan un ápice de fuerza, sino mas bien al contrario.

Retorno al pasado (Out of the Past) - Jacques Tourneur (1947)

Título original - Out of the Past

Año - 1947

Duración - 97 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Jacques Tourneur

Guion - Daniel Mainwaring, que adapta su propia novela de 1946 Build My Gallows High

Música - Roy Webb

Fotografía - Nicholas Musuraca

Montaje - Samuel E. Beetley

Vestuario - Edward Stevenson

Producción - Warren Duff

Productora - RKO Radio Pictures

Reparto - Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming, Richard Webb, Steve Brodie, Virginia Huston, Paul Valentine, Ken Niles, Dickie Moore

Género - Cine negro, Intriga / Crimen, Película de culto

Jacques Tourneur fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guion con el que Daniel Mainwaring adaptó su novela Build My Gallows High, de 1946. Un trabajo inolvidable que ocupa un lugar de honor entre los mejores del film noir, donde destacan la fotografía de Nicholas Musuraca, el montaje de Samuel E. Beetley, la banda sonora de Roy Webb y el magnífico trabajo de Robert Mitchum, Kirk Douglas, Rhonda Fleming o Richard Webb, pero sobre todo el de Jane Greer, como una de las mejores femmes fatales que un servidor recuerda. Imprescindible.

Sinopsis - Jeff Bailey (Robert Mitchum), un antiguo detective, posee una gasolinera en un pequeño pueblo, donde lleva una vida tranquila y sencilla. Sus amores son la pesca y una joven con la que quiere casarse. Inesperadamente, recibe la visita de un viejo conocido que le anuncia que el jefe quiere verlo. Bailey se ve entonces obligado a contarle a su novia su turbio pasado.

El director - Jacques Tourneur fue un director de cine franco-estadounidense nacido en París, el 12 de noviembre de 1904. Comenzó una carrera en el cine mientras todavía asistía a la escuela secundaria como extra y más tarde como empleado de guiones en varias películas mudas. De joven, se fue a vivir a Nueva York y más tarde se trasladó a Hollywood, siempre junto a su padre, el también director Maurice Tourneur. Tanto Maurice como Jacques regresaron a Francia después de que su padre trabajara en la película The Mysterious Island en 1925.

Fue uno de esos directores atípicos dentro del mundo del cine, al que este le debe mucho mas de lo que la mayoría pueda imaginar.  Se hizo un nombre en el cine tras la realización de tres películas de terror, junto con el productor Val Lewton en RKO Pictures, durante los años 40: La mujer pantera (1942), que ya comentamos en esta entrada, Yo anduve con un zombie (1943), de la que os hablamos en este artículo, y El hombre leopardo (1943). Os recomiendo el visionado de cualquiera de ellas, descubriréis un director con un talento excepcional.

A partir de ahí experimentó en casi todos los géneros cinematográficos, realizando intriga, drama, cine bélico, western, cine negro, aventuras, romántico... con mayor o menor éxito de crítica o público, pero con una calidad incuestionable en su trabajo. Algunos ejemplos: Días de gloria (1944), Retorno al pasado (1947), El halcón y la flecha (1950) o La mujer pirata (1951). La lista es interminable, ya que era capaz de realizar una o mas películas al año. 

No fue hasta 1957, cuando regresó al género del terror realizando La noche del demonio, una cinta de serie B en la que mezcla terror, fantasía e intriga para adentrarse en el mundo de las sectas. Sería esta su última aportación al género y resulta igualmente recomendable que las anteriormente señaladas. Aún le quedó tiempo para rodar algunos capítulos de series como La dimensión desconocida, Aventuras en el paraíso o Bonanza antes de retirarse de la dirección a finales de los años 60. Siempre destacó por su increíble habilidad para sacar un enorme partido a los bajos presupuestos con lo que contaba. Falleció en Bergerac, Francia, el 19 de diciembre de 1977.

La película - Poco después de finalizar la segunda guerra mundial, la RKO Pictures decidió apartarse un poco de la serie B que casi siempre la caracterizaba y entregar un presupuesto algo mas holgado a un Jacques Tourneur que les había demostrado en varias ocasiones de lo que era capaz de hacer tras las cámaras, aun sin disponer de el. El cine negro estaba en pleno auge y el realizador de origen parisino ideó un producto capaz de, no solo utilizar sus principales características, sino de enriquecerlas, complementarlas y dejar su impronta en el género con este completísimo e inolvidable trabajo del que hoy os he querido hablar. Los años pasan ante nuestros ojos, pero trabajos como Out of the Past consiguen mantener gran parte de su fuerza y su vigor, manteniendo al espectador inmóvil ante tal derroche de talento, como ya quisieran conseguir multitud de trabajos actuales.

La evasión (Le trou) - Jacques Becker (1960)

Título original - Le trou
Año - 1960
Duración - 113 min.
País - Francia
Director - Jacques Becker
Guión - Jose Giovanni, Jacques Becker, Jean Aurel, basado en la novela The Break, de Jose Giovanni
Música - Philippe Arthuys
Fotografía - Ghislain Cloquet
Montaje - Marguerite Renoir y Geneviève Vaury
Producción - Georges Charlot, Jean Mottet y Serge Silberman
Productora - Coproducción Francia-Italia; Filmsonor / Play Art / Titanus
Género - Drama | Drama carcelario. Basado en hechos reales
Reparto - Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Kéraudy, Raymond Meunier, André Bervil

Jacques Becker dirigió este magnífico drama carcelario que fue estrenado en 1960, en el Festival de Cannes. Con un guión escrito por él mismo junto a Jean Aurel y Jose Giovanni, autor de la novela en la que se basa llamada The Break, un estilo cuasi documental y un grupo de actores poco o nada conocidos, entre los que se encuentra Roland Darbant, uno de los integrantes reales de la fuga, estamos ante uno de los trabajos sobre la vida en prisión mas reales que un servidor ha podido disfrutar. Una nueva oportunidad de comprobar que se puede hacer cine de enorme calidad sin disponer de grandes medios. Imprescindible.

Sinopsis: Francia, 1947. Gaspard Claude (Marc Michel) es un recluso que está en prisión provisional a la espera de juicio, acusado del intento de asesinato de su mujer, aunque jura y perjura que es inocente. Por motivos de unas obras que se van a realizar en el centro, es trasladado a una nueva celda donde tendrá que convivir con cuatro reclusos desconocidos para el, a los que les esperan grandes condenas. Tras las lógicas reticencias iniciales, estos deciden comunicarle que planean fugarse de la prisión, por lo que le ofrecen la posibilidad de acompañarlos si contribuye con los laboriosos trabajos necesarios para la huida.

El director: Jacques Becker fue un director de cine francés nacido en París, el 15 de septiembre de 1906. Casado con la actriz Françoise Fabian y padre del también director Jean Becker, participó en 1936 en el documental La vida es nuestra, junto a directores como Jean Renoir (del que fue ayudante de dirección durante los años 30) o Jacques B. Brunius, entre otros. Debutó en 1942 con el drama policíaco Dernier atout, tras el que dirigió el drama Goupi mains rouges (1943), el drama romántico Falbalas (1945) y las comedias dramáticas Se escapó la suerte (1947) y Cita en julio (1949). Ya en los años 50 dirigió la comedia Édouard et Caroline (1951), el drama Calle de la Estrapada (La mudanza de Françoise) (1952), el excelente drama romántico París, bajos fondos (1952), la comedia dramática Alí Babá y los cuarenta ladrones (1954), el excelente thriller No toquéis la pasta (1954), del que os hablamos en este artículo, la cinta de intriga Las aventuras de Arsenio Lupin (1957) y el drama Los amantes de Montparnasse (1958). La evasión fue su última película, la mejor de su filmografía para muchos, tras la que, solo dos semanas después de finalizar el rodaje y sin haber sido aún estrenada, falleció en su París natal el 21 de febrero de 1960.

La película: Antes de ver este magnífico trabajo, conocía algo de la obra de Jacques Becker por haber disfrutado París, bajos fondos (1952) y No toquéis la pasta (1954), de la que ya os hablamos aquí, pero hace poco en una reunión familiar me recomendó mi hermano Jose Antonio este título, con tal efusividad que su nombre quedó rondándome la cabeza, hasta que hace unos días conseguí dar con ella. He de decir tras disfrutarla que, no solo no me ha defraudado, sino que ha incluso superado mis expectativas iniciales, sobre todo por ser uno de esos trabajos que, con un ajustadísimo presupuesto y un magnífico guión, es capaz de agarrar al espectador y no soltarlo hasta su finalización, siendo a la vez tan sencillo y disciplinado como efectivo y perdurable en la memoria. Una maravilla que todo amante de este arte debería ver.

Su premisa es bastante sencilla, comenzando por mostrarnos el traslado de Gaspard Claude (Marc Michel) a su nueva celda y la acogida que recibe por parte de sus compañeros, mostrándonos los principales rasgos de cada uno de ellos, pero sin llegar a profundizar en exceso. Pero cuando llega la escena en la que da comienzo la fuga, escena que parecerá un tanto exagerada para algunos, Jacques Becker nos confirma que no necesitaba hacer mas que un boceto de sus protagonistas, ya que la auténtica protagonista de esta película es ella, la propia fuga ideada por estos, con sus preparativos, sus contratiempos y su lento pero inexorable avance, al mismo ritmo en que crece la tensión y el público es casi partícipe de ella. En dicho camino llegaremos a conocer mejor a sus protagonistas y a la relación existente entre todos ellos.

La llegada (Arrival) - Denis Villeneuve (2016)

Título original - Arrival 

Año - 2016

Duración - 116 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Denis Villeneuve

Guion - Eric Heisserer, adaptando un relato corto de Ted Chiang

Música - Jóhann Jóhannsson

Fotografía - Bradford Young

Montaje - Joe Walker

Producción - Dan Levine, Shawn Levy, David Linde y Aaron Ryder

Productora - Lava Bear Films, 21 Laps Entertainment, Filmnation Entertainment, Reliance Entertainment, Xenolinguistics. Distribuidora: Paramount Pictures

Reparto - Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O'Brien, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Tzi Ma, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen, Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann, Andrew Shaver, Anana Rydvald, Jadyn Malone, Frank Schorpion, Lucas Chartier-Dessert, Christian Jadah, Sonia Vigneault, Mark Camacho, Tony Robinow, Ruth Chiang, Bineyam Girma, Abdelghafour Elaaziz, Abdul Ayoola, Albert Kwan, Lorne Brass, Genevieve Sirois, Victor Andres Turgeon-Trelles, Reda Guerinik, Adrien Benn, Sasha Samar, Kattia Thony, Leisa Reid, Brent Skagford, Shawn Campbell, Dan Duran, Max Walker, Lori Graham, John Sanford Moore, Hal Roberts, Tammie Sutherland, Paul-Antoine Taillefer

Género - Ciencia ficción, Drama / Extraterrestres, Ejército

Denis Villeneuve es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Eric Heisserer, que adapta el relato corto The Story of Your Life, del escritor Ted Chiang. Un trabajo con la profundidad necesaria en un trabajo del género que se precie, donde la ciencia ficción va de la mano del drama, para formar un conjunto de una belleza embelesante. Destacar la fotografía de Bradford Young, el montaje de Joe Walker, la peculiar y apropiada banda sonora de Jóhann Jóhannsson y el magnífico trabajo de Amy Adams, bien acompañada por Jeremy Renner y Forest Whitaker. 

Sinopsis - Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre... Adaptación del relato corto The Story of Your Life del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.

El director - Encontrar en un trabajo el nombre de Denis Villeneuve es sinónimo de cine de calidad, habiéndose convertido en uno de los realizadores actuales de mayor éxito por méritos propios. Villeneuve nació en Trois-Rivières, Quebec, Canadá, en 1967 y estudió cine en la Universidad de Quebec, ubicada en Montreal. Inició su carrera a comienzos de los años 90, trabajando para Radio-Canadá en el programa de televisión La course destination monde.

En su filmografía encontramos trabajos muy dispares que van desde el documental REW-FFWD (1994) sobre un joven fotógrafo enviado a Jamaica a hacer un reportaje; el largometraje Cosmos (1996) que nos cuenta en varios episodios la vida de un grupo de personas; el drama romántico 32nd Day of August on Earth (1998), sobre una joven que tras un accidente pide a su mejor amigo que sea el padre de su hijo; el drama Maelström (2000), sobre una mujer que trata de superar el hecho de haber atropellado a una persona y haberse dado a la fuga; la espeluznante Polytechnique (2009), que retrata los sucesos ocurridos en 1989 cuando un hombre entró en una escuela con la idea de matar el mayor número de mujeres posibles; y el thriller Incendies (2010), que ya os comentamos en este artículo. Tras ellos dio el salto a Hollywood y realizó dos nuevas maravillas de las que ya os hemos hablado aquí, ambas de 2013: Prisioneros, de la que os hablamos en esta reseña y Enemy, de la que hicimos lo propio en esta otra reseña.

Sus siguientes proyectos llevan bandera estadounidense: Sicario, un magnífico thriller con la participación de Emily Blunt y Benicio Del Toro, del que ya os hablamos en este artículo, La llegada (Arrival), una historia de ciencia ficción en la que Eric Heisserer adapta un relato corto del escritor Ted Chiang, ganador de los prestigiosos premios Hugo y Nebula, y Blade Runner 2049 (2017), una brillante secuela del clásico de ciencia ficción de Ridley Scott estrenada en 1982, con Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas y Jared Leto entre su reparto. Parece ser que la ciencia ficción seguirá siendo protagonista de su filmografía, ya que para septiembre de este año se espera la premier de Dune la primera entrega de dos películas basadas en la novela homónima de Frank Herbert,  de 1965, que tendrá lugar en el Festival de Venecia, con Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac y Javier Bardem entre su reparto, y la miniserie The Son (2021), interpretada por Jake Gyllenhaal. Para 2022 se espera el estreno de la serie Dune: The Sisterhood, creada por Jon Spaihts y con Villeneuve en la dirección. Estaremos esperando expectantes.

La película - El género de la ciencia ficción es uno de los que siempre me han atraído, algo fácilmente comprobable revisando las entradas que le he dedicado a tan singular forma de hacer cine. Pero de la misma forma en que me atrae, puedo decir que casi siempre me decepciona, principalmente si dirigimos la mirada a los trabajos recientes de esta temática, que parecen haber olvidado, o simplemente dado de lado, lo que para mí es fundamental en este magnífico género. Los que tenemos cierta edad no disponíamos de las nuevas tecnologías en nuestros años de juventud, por lo que debíamos dedicar nuestro tiempo a, por ejemplo, la lectura. Fue entonces cuando descubrí a maravillosos escritores como Isaac Asimov, H.G. Wells, Julio Verne, Philip K. Dick o Ray Bradbury, por poner algunos ejemplos. Ellos hacían posible que un chico en una época donde no se podía acceder a cualquier tipo de película, videojuegos, ni nada por el estilo, pudiera hacer volar su mente y su imaginación hasta lugares insospechados. En la ciencia ficción actual parece haberse olvidado dicha magia, algo que para mí es poco menos qué es un pecado.