Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful) - Vincente Minnelli (1952)

Título original - The Bad and the Beautiful
Año - 1952
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Vincente Minnelli
Guión - Charles Schnee, basado en una historia de George Bradshaw
Música - David Raksin
Fotografía - Robert Surtees
Montaje - Conrad A. Nervig
Producción - John Houseman
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género - Drama
Reparto - Lana Turner, Kirk Douglas, Walter Pidgeon, Dick Powell, Barry Sullivan, Gloria Grahame, Gilbert Roland, Leo G. Carroll, Vanessa Brown, Paul Stewart, Sammy White, Elaine Stewart, Ivan Triesault

Sinopsis - El productor Harry Pebbel (Walter Pidgeon) reúne en Hollywood a el guionista James Lee Bartlow (Dick Powell), la actriz Georgia Lorrison (Lana Turner) y el director Fred Amiel (Barry Sullivan), que se niegan a hablar siquiera por teléfono con Jonathan Shields (Kirk Douglas), ya en su inevitable declive, que los necesita si quiere conseguir financiación para una película. Los tres recordarán su relación con Shields y cómo los utilizó de una u otra forma para conseguir el éxito, algo que no parecen estar dispuestos a perdonar.

El director - Vincente Minnelli fue un director de cine estadounidense nacido en Chicago (Illinois), el 28 de febrero de 1903. Hijo de Mina Mary Lalouette Le Beau y Vincent Charles Minnelli, vivió y creció en una familia dedicada al teatro, ya que su padre era el director del Minnelli Brothers' Tent Theater, que cruzaba todo el Medio oeste de los Estados Unidos. Tras colaborar en trabajos como Mundo celestial (Strike Up the Band, 1940) y Babes on Broadway (1941), con Mickey Rooney y Judy Garland (su futura esposa de 1945 a 1951). Debutó como director con el modesto musical Una cabaña en el cielo (Cabin in the Sky,1943), que fue acogido de forma discreta por crítica y público. Su consolidación llegó con Cita en San Luis (Meet me in Saint Louis, 1944), con Judy Garland.

Dirigió más de una treintena de títulos entre los que podemos destacar El reloj (The Clock, 1945), con Judy Garland y Robert Walker; Ziegfeld Follies (1945), que dirigió junto a Lemuel Ayers, Roy Del Ruth, Robert Lewis, George Sidney, Merrill Pye y Charles Walters; Corrientes ocultas (Undercurrent, 1946), con Katharine Hepburn, Robert Taylor y Robert Mitchum; El pirata (The pirate, 1948), con Judy Garland y Gene Kelly; Madame Bovary (1949), con Jennifer Jones y Louis Jourdan; El padre de la novia (Father of the Bride, 1950), con Spencer Tracy, Elizabeth Taylor y Joan Bennett; Un americano en París (An American in Paris, 1951), con Gene Kelly y Leslie Caron; Melodías de Broadway (The Band Wagon, 1953), con Fred Astaire y Cyd Charisse; Brigadoon (1954), con Gene Kelly y Cyd Charisse; La tela de araña (The Cobweb, 1955), con Richard Widmark y Lauren Bacall; La maravillosa El loco del pelo rojo (Lust for Life, 1956), con Kirk Douglas y Anthony Quinn; Mi desconfiada esposa (Designing Woman, 1957), con Gregory Peck y Lauren Bacall; Como un torrente (Some Came Running, 1958), con Frank Sinatra, Dean Martin y Shirley MacLaine; Con él llegó el escándalo (Home from the Hill, 1960), con Robert Mitchum, Eleanor Parker, George Peppard y George Hamilton; Los cuatro jinetes del apocalipsis (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1962), con Glenn Ford e Ingrid Thulin o Castillos en la arena (The Sandpiper, 1965), con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Eva Marie Saint, Charles Bronson y Robert Webber.

Lo que son las cosas, no fue hasta Gigi (1958), cuando recibió el reconocimiento unánime que merecía, siendo nominada a nueve Oscars que acabó llevándose, entre ellos los de Mejor director y Mejor película. En 1974, publicó sus memorias bajo el título I Remember It Well.

La película - En la historia del cine existen numerosos ejemplos de películas que han pretendido mostrar como es el mundo del séptimo arte desde dentro, intentando abrir una ventana al espectador para que se haga una idea, más o menos fiel a la realidad, de cómo funciona la industria cinematográfica. Entre mis preferidas puedo nombrar títulos como El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950), La condesa descalza (Joseph L. Mankiewicz, 1954), The Big Knife (Robert Aldrich, 1955), Fellini, ocho y medio (Federico Fellini, 1963), El último magnate (Elia Kazan, 1976) o Caza de brujas (Irwin Winkler, 1991). Cualquiera de ellas merece la pena ser disfrutada, como mínimo.

En el caso que hoy nos ocupa, la historia gira alrededor de un productor, magníficamente interpretado por Kirk Douglas, sin ningún tipo de miramiento hacia quien lo rodea, capaz de hacer lo que sea necesario y pasar por encima de quien sea necesario para conseguir sus objetivos. Por lo tanto, y es algo que quiero que les quede claro, Cautivos del mal no nos habla del proceso creativo de realizar una película, ni nada por el estilo. Lo que si hace a la perfección es mostrar la trastienda de este, todo ese mundillo frenético que se movía en Hollywood en esa maravillosa época, en el cual esa realmente difícil hacerte un hueco y relativamente sencillo perderlo.  

Anomalisa - Charlie Kaufman y Duke Johnson (2015)

Título original - Anomalisa
Año - 2015
Duración - 90 min.
País - Estados Unidos
Director - Charlie Kaufman y Duke Johnson
Guión - Charlie Kaufman y Dan Harmon
Música - Carter Burwell
Fotografía - Animation
Montaje - Garret Elkins
Producción - Charlie Kaufman, Duke Johnson, Dino Stamatopoulos y Rosa Tran
Productora - Starburns Industries
Género - Animación, Drama, Comedia
Reparto - Animation
Web oficial - http://www.kickstarter.com/projects/anomalisa/charlie-kaufmans-anomalisa

Charlie Kaufman y Dan Harmon adaptan la obra de teatro (escrita por el propio Kaufman) y el propio Kaufman, junto a Duke Johnson, dirigen esta comedia dramática de animación para adultos, enormemente alejada de casi todo lo que he visto hasta la fecha. Filmada en stop motion, estamos ante uno de los retratos mas desgarradores de la soledad que un servidor ha presenciado, con todo lo que ello conlleva para bien o para mal. Tan sencilla como la vida misma y rodada de forma tan brillante como original, Anomalisa hace honor a su nombre, presentándose como una hermosa y amarga anomalía dentro del universo del cine de animación.

Sinopsis: La película tiene por protagonista a un motivador profesional experto en servicio de atención al cliente llamado Michael Stone. Su principal problema es que cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina encuentra su vida, hasta el punto que todo el mundo le parece y le suena igual. Preparando su charla para el día siguiente escucha la voz de una chica que le suena diferente a todo lo demás, algo que lo hace buscarla y, tras conocerla, llegar a replantearse toda su vida, hasta el punto de estar dispuesto a abandonarlo todo y a todos, con el único anhelo de alcanzar la felicidad junto a ella y volver a dar sentido a su existencia.

Los directores: Charlie Kaufman es un guionista, productor y director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 19 de noviembre de 1958. En su trabajo como guionista es responsable de trabajos como Being John Malkovich (1999), que le valió una nominación al Oscar y al Globo de Oro y un premio BAFTA, Human Nature (2001), Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002), por la que obtuvo otra nominación al Óscar y su segundo BAFTA, Confesiones de una mente peligrosa (Confessions of a Dangerous Mind) (2002), Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) y Synecdoche, New York (2008), que supuso su debut en la dirección. Duke Johnson es un director de cine estadounidense nacido en St. Louis, Missouri, el 20 de marzo de 1979. Especializado en la animación stop-motion, actualmente es socio minoritario de los estudios Dino Stamatopoulos. Ha sido nominado para los Annie Awards en 2011 y 2012, por dirigir episodios de las series Mary Shelley's Frankenhole y Community. Anomalisa es su primer trabajo juntos y, visto lo visto, esperemos no sea el último.

La película: El cine, y mas concretamente el de animación, permite al espectador realizar viajes y fantasías imposibles, recorrer universos inexplorados y vivir multitud de experiencias que difícilmente nos regalará nuestra monótona y anodina realidad. Pero, ¿que ocurre cuando una película de animación nos muestra todo lo contrario, cuando simplemente nos permite observar desde fuera la cruda realidad de la vida que la mayoría de nosotros alcanzamos a vivir?. Es el caso de Anomalisa, un trabajo con alma e identidad propia, que desde su primera escena intenta retratar uno de los principales males de la sociedad actual, la sensación de soledad y vacío con la que muchos hemos de convivir, algo que consigue con creces, pero que por otro lado, no será un plato que sacie todos los paladares.

Me gustaría aclarar que la animación es solo el medio utilizado por Charlie Kaufman y Duke Johnson para contarnos su historia, un gran acierto en mi opinión, pero a la vez complejo para llegar a cierta parte del público. Lo que tengo claro es que a muchos de los amantes del cine animado no les hará excesiva gracia este trabajo, acostumbrados a otro tipo de cine muy diferente, mientras que el público que disfrutará con ella no creo que suela ver mucho cine de animación, por lo que habrá una buena cantidad que ni le hayan prestado la mas mínima atención solo por ello. Lo ideal es dejar de lado los prejuicios y disponerse a ver un trabajo que habla sobre la naturaleza humana, de como es nuestra vida actual y de una de las grandes paradojas actuales: cuanto mas medios tecnológicos tenemos para estar comunicados, mas y mas solos parecernos sentirnos.

13 Tzameti - Géla Babluani (2005)

* Título original - 13 Tzameti
* Año - 2005
* Duración - 95 min.
* País - Francia
* Director - Géla Babluani
* Guión - Géla Babluani
* Música - Arnaud Taillefer
* Fotografía - Tariel Meliava
* Montaje - Noémie Moreau
* Productor - Géla Babluani, Jean-Baptiste Legrand y Fanny Saadi
* Productora - Coproducción Francia-Georgia
* Género - Thriller, Intriga, Película de culto
* Reparto - George Babluani, Pascal Bongard, Aurélien Recoing, Fred Ulysse, Nicolas Pignon, Vania Vilers, Olga Legrand, Augustin Legrand, Christophe Vandevelde, Jo Prestia, Philippe Passon, Urbain Cancelier
* Web oficial - http://www.13themovie.com/

Pocas maneras veo mejores de debutar en la dirección de un largometraje que la que realizó Géla Babluani, gracias a un guión del que es igualmente responsable. Un trabajo filmado en un acertado blanco y negro que comienza un tanto apático, pero que poco a poco va elevando la tensión hasta alcanzar cotas insospechadas. No apta para los paladares mas sensibles, su sequedad y crudeza son sus principales señas de identidad. Nada que ver con su pobre remake estadounidense, esta es la buena.

Sinopsis: Sébastien (George Babluani) sobrevive y sostiene a su familia reparando el techo de casas. Un buen día, mientras realiza su trabajo, escucha a la persona que lo ha contratado comentar que está esperando un sobre con las instrucciones para ir a un lugar donde ganará mucho dinero. Tras fallecer este de una sobredosis y además de perder el trabajo, quedarse sin cobrar, Sébastien decide hacerse con el sobre y acudir en su lugar. Lo que jamás imagina es que se trata de un oscuro juego en el que personas de elevado nivel social apuestan sobre la vida de los jugadores.

El director: Géla Babluani es un director de cine Georgiano/Francés nacido en Tbilisi en 1979. Hijo del director Temur Babluani, los 17 años de edad, él y sus tres hermanos fueron enviados a estudiar a Francia.

Allí rodó su primer cortometraje, 'A Fleur de Peau' (2002), que fue recibido con gran éxito por la crítica. La verdad es que no estamos ante un realizador que se haya prodigado en exceso, por lo que resulta difícil hacer un análisis justo de su talento. Su opera prima fue '13 Tzameti' (2005), la película que hoy nos ocupa. Al año siguiente dirigiría junto a su padre, Temur Babluani, su segundo trabajo titulado 'L'héritage' (2006). Se trata de un drama escrito por ellos mismos junto a Jacques Dubuisson que nos cuenta la historia de tres turistas y su traductor que conocen en el autobús a un anciano y su nieto que, inexplicablemente, escoltan un ataúd vacío. Su reparto está compuesto por Sylvie Testud, Stanislas Merhar, Olga Legrand, Pascal Bongard, George Babluani, Leo Gaparidze, Augustin Legrand, Beka Sikharulidze y Givi Sikharulidze.

Su único trabajo posterior fue el habitual remake que los estadounidenses suelen realizar de las películas con éxito en Europa, un trabajo un tanto innecesario que llamaron '13 (Ruleta rusa)' (2010). La historia es bastante similar, aunque en esta ocasión se narra como varias historias entrelazadas por el escabroso divertimento. En su reparto figuran Jason Statham, Mickey Rourke, Emmanuelle Chriqui, Michael Shannon, Alexander Skarsgård, David Zayas, Ray Winstone, Gaby Hoffmann, Sam Riley, Curtis '50 Cent' Jackson, Daisy Tahan, Ben Gazzara, Chuck Zito, Don Frye y Anthony Chisholm. Para mi es un crimen ver el remake antes de ver la original, pero ustedes deciden.

La película: Resulta, cuanto menos, curioso ver que tipo de trabajos se convierten en películas de culto. Pero no quiero que me malinterpreten, no es mi intención expresar con esta afirmación que no merezca la pena disfrutar de esta película, de hecho os la recomiendo sin ningún lugar a dudas, pero si me parece que elevarla como hacen muchos al olimpo del cine, me parece un tanto exagerado, aunque ya saben como va esto, lo que a mi me apasiona quizás a usted no y viceversa.

Cayo Largo (Key Largo) - John Huston (1948)

Título original - Key Largo
Año - 1948
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - Richard Brooks y John Huston, basada en la obra de teatro homónima de Maxwell Anderson
Música - Max Steiner
Fotografía - Karl Freund
Montaje - Rudi Fehr
Producción - Jerry Wald
Reparto - Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro, Thriller

Inmediatamente después de rodar la magnífica El tesoro de Sierra Madre, el realizador John Huston escribió junto a Richard Brooks y dirigió su último trabajo con la Warner, el quinto en su filmografía. Rodeándose de un excelente reparto plagado de estrellas e intentando restar en todo momento la teatralidad innata que derrocha la historia, Huston firma un trabajo en el que los diálogos, las expresiones y los gestos comparten protagonismo por igual y la tensión fluye entre ellos de forma magistral. Todo un clásico del noir estadounidense catalogado como obra menor por parte de la crítica. Con media docena de trabajos así al año me conformaba yo.

Sinopsis: Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de guerra que viaja a Cayo Largo, en Florida, para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Pero lo que en principio era una visita de cortesía se complicará por la presencia de un grupo de gansters a las ordenes de Johnny Rocco (Edward G. Robinson), al que también acompaña su novia (Claire Trevor), con los que quedarán atrapados por una fuerte tormenta y serán tomados como rehenes en el interior del hotel propiedad de la viuda y el padre de su antiguo compañero.

El director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). 

Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Si dedicamos un rato a repasar las opiniones de aficionados y críticos sobre la obra que hoy nos ocupa podemos encontrar casi de todo, desde los que no salen convencidos de la actuación de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, los que piensan que Huston realizó este trabajo a regañadientes y solo por quedarle una película que filmar con la Warner, los que no la meten entre las mejores películas del realizador, los que opinan que su guión es mejorable en algunos aspectos, los que ven en ella poco menos que una obra maestra y así podría llevarme hasta mañana. En lo que casi todos coinciden es en darle como mínimo un siete de nota, siendo muchos los que suben esta hasta llegar a casi la excelencia, por lo que creo que como mínimo se merece un visionado. Lo que normalmente ocurre con trabajos de este nivel es que lees opiniones que los encumbran tanto que a la hora de visualizarla hay quien puede sentirse un tanto decepcionado, aunque no haya sido ese mi caso.

Para mi estamos ante un trabajo imprescindible, en el que la tensión se masca en el ambiente y los reducidos espacios donde se desarrolla son un protagonista mas y no secundario precisamente. Lo que en él no me acaba de convencer del todo es la relación que se establece entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, un tanto forzada y poco creíble en algunos momentos, algo que hablando de una pareja que nos ha dejado películas como Tener y no tener, dirigida por Howard Hawks (1944), en la que la relación entre ambos llenaba la pantalla y copaba todo el protagonismo, resulta un tanto chocante y te descoloca un poco. Además en su magnífico reparto también aparecen un Edward G. Robinson espléndido y una Claire Trevor que realiza una actuación magistral (le valió para ganar el Oscar a la mejor secundaria), por lo que el trabajo de la pareja eterna queda un tanto eclipsado.

Cure - Kiyoshi Kurosawa (1997)

Título original - Cure
Año - 1997
Duración - 111 min.
País - Japón
Director - Kiyoshi Kurosawa
Guión - Kiyoshi Kurosawa
Música - Gary Ashiya
Fotografía - Tokusho Kikumura
Montaje - Kan Suzuki
Producción - Junyuki Shimoba y Tsutomu Tsuchikawa
Productora - Code Red / Daiei Studios
Género - Thriller, Intriga, Terror
Reparto - Kôji Yakusho, Masato Hagiwara, Tsuyoshi Ujiki, Anna Nakagawa, Yoriko Douguchi, Yukijiro Hotaru, Denden, Ren Osugi, Masahiro Toda, Misayo Haruki, Shun Nakayama, Akira Otaka

Kiyoshi Kurosawa escribió el guión y dirigió este asfixiante y adictivo thriller psicológico filmado con un ritmo pausado pero inexorable y un estilo muy característico que da a la obra alma propia. Un trabajo que invita al espectador a ser partícipe de la investigación que en el se lleva a cabo, que lo obliga a intentar ir uniendo cabos, atrapándolo en una de esas tramas que dejan huella y hacen funcionar a las neuronas incluso mucho después de su finalización. Poco recomendable para los que no disfruten de trabajos exigentes mentalmente hablando, ideal para quienes gusten debatir de uno tras su visionado. Un consejo: cuanto menos sepan de su argumento mucho mejor, avisados quedan.

Sinopsis: Kenichi Takabe (Koji Yakusho) es un detective de policía cuya vida no pasa por su mejor momento. Casado con Fumie Takabe (Anna Nakagawa) y sin hijos, lucha por llevar una vida normal a pesar de la enfermedad de tipo mental que padece su esposa. Su vida laboral se ve igualmente alterada por la investigación de una serie de asesinatos que solo parecen tener en común una marca en forma de x que aparece en las víctimas y la amnesia que tras ellos padecen los culpables de los mismos, personas sin conexión aparente ni motivos para cometerlos. Conforme Kenichi va avanzando en la investigación, mayores son las dudas que esta le genera, aumentando paulatinamente el grado en el que en ella se implica y le afecta.

El director: Kiyoshi Kurosawa es un director de cine y guionista japonés nacido en Kōbe, el 19 de julio de 1955. Sin relación alguna con el realizador Akira Kurosawa, se graduó en la Facultad de Sociología de la Universidad de Rikkyo. En su época de estudiante empezó a rodar con una cámara de 8mm y en 1980 ganó un premio en el Festival de Cine de PIA (Japón). Tras ello trabajó como ayudante de dirección de Kazuhiko Hasegawa en The Man Who Stole the Sun (1979), con Shinji Somai en Sailor Suit and Machine Gun (1981) y con Banmei Takahashi en Ookami (1982). Tras debutar en solitario con Kandagawa Wars (1983) y dirigir The Excitement of the Do-Re-Mi-Fa Girl (1985), conoció al productor Juzo Itami, junto al que realizó Sweet Home (1989), película de la que nació el videojuego del mismo nombre que inspiró a su vez la popular serie de videojuegos Resident Evil. En 1992 consiguió una beca del Sundance Institute con el guion original de Charisma (1999) gracias a la cual estudió dirección en Estados Unidos. En su filmografía destacan obras como Permiso para vivir (1998), La senda de la serpiente (1998), Barren Illusions (1999), Kairo (Pulse) (2001), Bright Future (2003), House of Bugs (2005), Retribution (2006), Tokyo Sonata (2008), Seventh Code (2013) o Journey to the Shore (2015), aunque me dejo varias atrás. Su último trabajo se titula Creepy, un nuevo thriller psicológico del que poco os puedo contar aún.

La película: Un espectador puede ser definido como aquel que aprecia una obra o asiste a un espectáculo, aunque en esta ocasión en concreto, como ocurre en algunos otros casos, su labor va mucho mas allá de lo que nos muestra dicha definición. Quien asiste a una obra como Cure no solo puede limitarse a contemplar lo que su director propone sin mas, una experiencia bastante carente de sentido como tal, sino que además está en cierta forma obligado a formar parte de ella, a realizar su propia interpretación de lo que va observando, de lo que va percibiendo, algo que ni mucho menos será del agrado de todos, pero que a cambio nos da la posibilidad de ejercitar la mente y la imaginación, algo que para mi es impagable, pero que para otros muchos puede resultar poco estimulante o incluso aburrido. Parte de la grandeza de este arte, por cierto.

En la ficha técnica de Cure, concretamente en el apartado género, se califica la película como Thriller, Intriga y Terror, aunque creo que esto no define de forma correcta su espíritu. En realidad está dividida en dos partes bien diferenciadas, una primera en la que vemos la historia de dos personajes muy diferentes por separado, por una parte el detective Kenichi Takabe (Kôji Yakusho), del que conoceremos parte de su vida privada y como se hace cargo de la investigación de los asesinatos y por otra la del joven Kunio Mamiya (Masato Hagiwara), un extraño personaje que padece alguna clase de amnesia y vemos deambular por la ciudad dejando una hilera de incógnitas a su paso. Esta parte es clasificable como thriller policial en el que la intriga va en aumento conforme avanza la cinta.

Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors) - Woody Allen (1989)

Título original - Crimes and Misdemeanors
Año - 1989
Duración - 104 min.
País - Estados Unidos
Director - Woody Allen
Guión - Woody Allen
Música - Varios
Fotografía - Sven Nykvist
Montaje - Susan E. Morse
Producción - Robert Greenhut
Productora - Orion Pictures
Género - Drama, Comedia
Reparto - Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, Anjelica Huston, Mia Farrow, Martin Landau, Jerry Orbach, Caroline Aaron, Sam Waterston, Joanna Gleason, Martin Bergmann, Jenny Nichols, Daryl Hannah, Zina Jasper, Frances Conroy

Fue en 1989 cuando el bueno de Woody Allen escribió y dirigió la que, para mi y para muchos, es una de sus mejores películas, realizando una mezcla perfecta entre comedia y drama, con un excelente guión en el que destacan sus inolvidables diálogos, sus elaborados personajes y un mensaje tan real y directo como la vida misma. En su reparto, el propio Allen, Alan Alda, Anjelica Huston, Mia Farrow o Martin Landau, entre otros, consiguen rematar una obra realmente brillante y atemporal como pocas. Así es esta vida y así seguirá siendo, nos guste o no.

Sinopsis: La película nos cuenta las historias paralelas de dos hombres muy distintos: Judah Rosenthal (Martin Landau) es un oftalmólogo de prestigio al que la vida le sonríe. Tiene una hermosa familia y vive con todo tipo de comodidades, pero tras varios años de relación extra-matrimonial con Dolores Paley (Anjelica Huston), esta amenaza con destruir su vida tras saber que el pretende dejarla. Por otro lado, Cliff Stern (Woody Allen) es un documentalista de poco éxito atrapado en una relación que agoniza. Para colmo, es contratado por su arrogante y exitoso cuñado Lester (Alan Alda), al que odia profundamente, para realizar un documental sobre su vida y su obra. Así conocerá a Halley Reed (Mia Farrow), una de las productoras del documental, de la que se sentirá atraído de inmediato.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Tras haber visto este trabajo ya en tres ocasiones, algo que en todas ellas ha sido un verdadero placer, incluso creciendo este en cada visionado, puedo casi asegurar que estamos ante la película, al menos para mi gusto, que consigue dejar uno de los mensajes mas pesimistas de los que se le pueden mandar a un ser humano, consiguiendo magistralmente que a este se le quede la sensación de haber visto una buena comedia. Decirlo o escribirlo resulta fácil, pero llevarlo a cabo de la forma en la que lo hace el bueno de Woody Allen, no puede ser mas que calificado como magistral. Tanto si eres admirador de su cine, como si lo detestas, esta magnífica obra deberías verla, ya que consigue tratar varios de los temas mas trascendentales de los que podemos debatir los seres humanos, con una naturalidad y un sentido del humor fundamentales para no acabar asqueado de la vida misma.

El guión escrito por el propio Allen, es sin duda uno de los mejores que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar llevado a la gran pantalla, principalmente por como su creador es capaz de dosificar las dosis de drama y comedia, ya que con solo imaginar una historia similar sin el alivio que suponen sus chispeantes diálogos y varias de las situaciones que nos plantea, ya se le baja a uno la moral por completo. Olvídense del tipo de películas en las que las buenas acciones, las loables intenciones, son recompensadas por la misma vida o por cualquier Dios en el que crean y las malas son duramente castigadas, porque aquí el realizador estadounidense le da completamente la vuelta a la tortilla, enfrentándose a toda esa carga moral para intentar realizar un fiel retrato de como es la vida en realidad, por desgracia para la mayoría de nosotros.

Al rojo vivo (White Heat) - Raoul Walsh (1949)

Título original - White Heat
Año - 1949
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Raoul Walsh
Guión - Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg
Música - Max Steiner
Fotografía - Sid Hickox
Montaje - Owen Marcks
Producción - Louis F. Edelman
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro
Reparto - James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O'Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, John Archer, Wally Cassell, Fred Clark

Tras varios trabajos alejado del género en el que mejor se desenvolvía, James Cagney vuelve a interpretar el papel de un criminal sin escrúpulos, de esos que tan bien le iban, en este magnífico noir dirigido por Raoul Walsh. Con un guión de Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg, la fotografía de Sid Hickox y la banda sonora de Max Steiner, estamos ante uno de los clásicos ineludibles del género y una de las mejores interpretaciones del gran James Cagney, perfectamente acompañado por la femme fatale Virginia Mayo.

Sinopsis: Después de asaltar un tren que transportaba una gran cantidad de dinero y dejar varios muertos a su paso, Cody Jarret (James Cagney) y su banda consiguen esconderse de la policía, que los buscan como principales responsables del robo. Tras verse acorralado, Cody realiza una inteligente jugada entregándose por un delito mucho menor, por el que solo es condenado a dos años de cárcel, dejando a su madre (Margaret Wycherly) al frente de la banda. Pero lo que en principio iban a ser unas pequeñas vacaciones, se complicarán ante los problemas que empiezan a dar alguno de sus chicos fuera y la insistencia de la propia policía, que tratará de tenderle una trampa para poder imputarle el violento robo.

El director: Raoul Walsh fue un director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 11 de marzo de 1887. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro, aunque rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood. En una prolífica carrera entre el cine mudo y el sonoro, nos dejó mas de 80 títulos en varios géneros como director, de los que destacaremos varios: Regeneration (1915), El ladrón de Bagdad (1924), El precio de la gloria (1926), La frágil voluntad (1928), La gran jornada (1930), El arrabal (1933), Bajo presión (1935), Los violentos años veinte (1939), La pasión ciega (1940), Alta tensión (1941), La pelirroja (1941), El último refugio (1941), Murieron con las botas puestas (1941), Gentleman Jim (1942), Tres días de gloria (1944), Objetivo: Birmania (1945), Perseguido (1947), Río de plata (1948), Juntos hasta la muerte (1949), Tambores lejanos (1951), El mundo en sus manos (1952), Historia de un condenado (1953), Los implacables (1955), La esclava libre (1957) o Una trompeta lejana (1964). Falleció en Simi Valley, California, el 31 de diciembre de 1980.

La película: En Al rojo vivo tenemos todos los ingredientes necesarios para crear una buena película de gansters, aunque uno de los que llama la atención desde un primer momento es el enorme uso de violencia que en ella se utiliza. Lo que ocurre es que resulta muy difícil que el público de hoy día sepa apreciar dicha cualidad, ya que los años han ido pasando y lo que en aquellos entonces era un trabajo violento, hoy día es como un juego de niños, en comparación con lo que el cine puede llegar a ofrecer al espectador en la actualidad. Pero dejando de lado esto, algo inevitable por el inexorable paso del tiempo, estamos ante uno de esos trabajos que han creado escuela en el mundo del séptimo arte, que centra su atención en una mente criminal de gran carisma, alrededor de la que gira toda la trama, realizando un minucioso estudio de como funciona su mente y de la soledad con la que ha de convivir quien se encuentra en la cima, no puede fiarse de casi nadie y solo puede ya caer.

El mundo de Kanako (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima (2014)

Título original - Kawaki (The World of Kanako)

Año - 2014

Duración - 118 min.

País - Japón

Director - Tetsuya Nakashima

Guión - Tetsuya Nakashima, basado en la novela de Akio Fukamachi

Fotografía - Shôichi Atô

Montaje - Yoshiyuki Koike

Producción - Satomi Kotake y Yutaka Suzuki
Música - Grand Funk Inc.

Reparto - Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Productora - GAGA / GyaO / Licri

Género - Thriller, Intriga, Drama

Tras la interesante e hipnótica Confessions (2010), Tetsuya Nakashima regresó a la gran pantalla en 2014 con un producto en el que las nuevas generaciones vuelven a tener un gran protagonismo y la sociedad japonesa continúa en el punto de mira. Aún así estamos ante un trabajo muy diferente al anterior, que rebosa perversión y violencia de forma exagerada, cambiando parte del mimo por la estética del anterior, por un ritmo mucho mas vivo y mayores dosis de sangre y acción. Un nuevo espectáculo visual no apto para todos los públicos, que a mi personalmente se me hizo algo largo. Mención especial al trabajo del veterano actor Kôji Yakusho, que consigue mantener a flote tanta exageración incontrolada. Cine para personas con el estómago bien preparado para la ocasión. Avisados quedan.

Sinopsis: Akikazu Fujishima (Kôji Yakusho) es un antiguo detective separado cuya vida es solo una sombra de lo que fue. Pasa los días soñando con los buenos tiempos junto a su esposa Kiriko (Asuka Kurosawa) y su hija Kanako (Nana Komatsu), una estudiante modelo. Un buen día Kiriko lo llama para pedirle ayuda por la desaparición de Kanako, por lo que rápidamente se pone manos a la obra para descubrir donde está su hija. Pero conforme avanza la investigación se dará cuenta que su hija no es ya la niña que el recuerda, adentrándose en un oscuro mundo del que no será fácil salir airoso.

El director: Tetsuya Nakashima es un director y guionista de cine japonés nacido en Fukuoka, el 2 de septiembre de 1959. Tras dirigir en 1988 el segundo segmento de Bakayaro! I'm Plenty Mad, no fue hasta casi una década después cuando estrenó su primer trabajo en solitario llamado Happy-Go-Lucky (1997), en el que se encargó de su guión y la dirección, algo que ha repetido hasta la fecha. Tras ella llegó Beautiful Sunday (1998), que fue nominada como mejor película asiática en el Festival Internacional de Singapur. Su siguiente trabajo fue Kamikaze Girls (2004), que fue nominada para representar a su país en los Oscars, como Mejor película de habla no inglesa. Sus siguientes trabajos fueron Conociendo a Matsuko (2006), con la que ganó los premios como Mejor actriz (Miki Nakatani), montaje y BSO en la Academia de cine japonés y el de Mejor película asiática en Fant-Asia y Paco and the Magical Picture Book (2008). Confessions (2010), de la que ya os hablamos en este artículo, fue su último trabajo anterior a Kawaki (The World of Kanako), la que hoy nos ocupa.

La película: El mundo de Kanako es uno de esos trabajos que a buen seguro tendrán una buena legión de fans, ya que su guionista y director ha sabido volver a reinventarse y ofrecer al espectador una experiencia muy diferente a la mayoría de las que ha vivido hasta dicho momento, ya sea dirigida por el mismo o por cualquier otro. No puedo mas que quitarme el sombrero ante uno de los pocos que lo consiguen cada vez que estrena un nuevo trabajo, aunque igualmente he de decir que en esta ocasión no ha llegado a engatusarme como en otras ocasiones, principalmente con Confessions (2010), ya que he de reconocer que no he llegado a disfrutar de toda su filmografía al completo. Creo que la palabra que mejor puede definir a esta película es excesiva, ya que es el primer adjetivo que se me viene a la cabeza tras repasar sus diferentes apartados.

Excesiva porque lo es la imagen que su creador tiene de la sociedad japonesa actual, tan oscura y retorcida que resulta difícil incluso encontrar adjetivos suficientes para definirla. Excesiva porque lo es el uso constante de violencia que en ella se muestra, dando una imagen que resulta poco creíble, o al menos bastante exagerada. Excesiva porque lo es la enorme lista de perversiones que en ella aparecen, desde violaciones a personas de ambos sexos, pasando por el abuso de menores, el acoso escolar, el asesinato, el proxenetismo, la drogodependencia y mil y una perversidades mas que no quiero ni tener que recordar. Se que dichos excesos no importarán a muchos y muchas, pero que para mi resultan como los acabo de nombrar, sumamente excesivos. Conocía ya la turbia imagen que Nakashima tiene de la sociedad actual de su país y como la muestra en casi toda su obra, pero en esta ocasión creo que rebasa su propio límite y se desmelena de tal forma que resulta realmente complicado digerir el resultado final.

Southcliffe - Sean Durkin (2013)

Título original - Southcliffe
Año - 2013
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Sean Durkin
Guión - Tony Grisoni
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Victoria Boydell (4) y Daniel Greenway (2)
Producción - Derrin Schlesinger
Productora - Warp Films / Channel 4
Género - Drama, Miniserie
Reparto - Rory Kinnear, Sean Harris, Shirley Henderson, Anatol Yusef, Eddie Marsan, Mark Badham, Scott Plumridge, Coral Amiga, Paul Blackwell, Lee Nicholas Harris, Lee Plumridge, Brian P Smith, Ben Steele, Karol Steele, Fabio Vollono, Julie Vollono

Sean Durkin dirigió en 2013 esta miniserie de televisión para Channel 4, trasladando a la pequeña pantalla el guión escrito por Tony Grisoni. Cuatro oscuros episodios que nos muestran la forma en la que un traumatizante suceso golpea a una pequeña localidad ficticia localizada en las marismas del Norte de Kent. Lo mejor de ella: su capacidad para hacer participe al espectador de la historia y su brillante planteamiento, contándonos lo sucedido desde diferentes puntos de vista, además de la excelente labor de todo su reparto.

Sinopsis: Una pequeña comunidad rural amanece una mañana golpeada por una ola de violencia a la que no encuentra explicación, que afecta a todos sus habitantes de una forma u otra. El periodista David Whitehead (Rory Kinnear) será enviado muy a su pesar a cubrir la noticia, ya que aunque se crió en la zona y conoce a muchos de sus habitantes, su infancia en ella no fue un camino de rosas, por culpa de un desgraciado accidente del que fue culpado su padre. Dicho trabajo lo hará revivir traumas del pasado que han condicionado toda su existencia, mientras que intenta encontrar una explicación a los hechos y reflejar como estos han afectado a sus habitantes.

El director: Sean Durkin es un director de cine, guionista y productor nacido en Canadá el 9 de diciembre de 1981. Muy joven se trasladó a Inglaterra junto a su familia, criándose en el norte de Londres y en Surrey, hasta que se trasladaron a Manhattan cuando tenía 12 años. Se graduó de la escuela de Kent, Connecticut en el 2000, tras lo que asistió a la escuela de cine en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en 2005. Con su corto Mary Last Seen (2010) fue nominado al Mejor cortometraje en el Festival de Sundance, tras lo que dirigió su opera prima, su único trabajo de cine hasta la fecha, el thriller dramático Martha Marcy May Marlene (2011), con el que ganó el premio al Mejor director en el Festival de Sundance y el Premio Nueva generación de la Asociación de Críticos de Los Angeles. Su siguiente trabajo fue el corto de terror The Red (2013), estrenado el mismo año que la que hoy nos ocupa. Actualmente trabaja en El Exorcista, un remake para televisión de la famosa película dirigida por William Friedkin en 1973, que se espera para el 2007.

La miniserie: Puede que leer la sinopsis de este oscuro trabajo no llame excesivamente la atención de muchos tele espectadores, que su premisa inicial pueda hacer mirar en otra dirección a muchos de ellos, pero de lo que estoy totalmente convencido es de que estamos ante uno de los productos que mas me han hecho sentir lo que una tragedia de la magnitud de la que aquí se cuenta puede llegar a perturbar la vida de toda una comunidad, algo nada fácil de conseguir con el realismo que aquí se hace. Mas que una puñalada al espectador, estamos ante un vehículo que lo sumirá en un carrusel de emociones difícilmente descriptible, que lo llevará a través de su fría y durísima historia golpeándolo una y otra vez, algo que puede no ser del agrado de todos, pero que es el principal objetivo de su realizador, objetivo que cumple con creces..

Para que sepan a lo que en realidad se enfrentarán los que decidan "disfrutarla", aunque no creo que sea el mejor adjetivo para transmitir la experiencia a la que serán invitados, quiero dejar claro que no estamos ante una serie policíaca al uso, que aquí no veremos laboriosas investigaciones ni un estudio pormenorizado de el perfil de ningún criminal, ya que de hecho, los policías y detectives que aparecen en ella son todos secundarios que hacen acto de presencia y poco mas. Lo que de verdad tenemos delante es un drama que nos muestra la vida de los diferentes afectados, que se centra en los habitantes de la zona y en como actúan de formas diferentes ante lo sucedido, algo tras lo que ya ninguno volverá a vivir como antes lo hacía.

Billy Wilder: Un repaso a su vida y su obra a través de sus frases

Que Billy Wilder es uno de mis directores y guionistas favoritos es algo que quien me conozca, o me lea de vez en cuando, sabe ya de sobra. He querido rendirle un pequeño homenaje intentando que se conozca algo mejor como era, la riqueza de su obra y como entendía el cine. Para ello, que mejor que citar algunas de sus mejores frases, que nos ayudarán a comprender su amor por este arte y, quizás, a ver desde otro punto de vista su legado.

Breve biografía:

Wilder pasó su infancia y su juventud entre Cracovia y Viena. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron profundamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA, donde conoció a los grandes directores del momento.

Tras la subida al poder de Hitler, Wilder se vio obligado a abandonar Berlín, debido a su ascendencia judía. Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París y, desde allí, en 1934 se trasladó a Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Wilder y Lorre compartieron apartamento, hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro.

Como guionista, Wilder escribió 60 libretos y como director realizó 26 películas. Fue galardonado con seis Óscar tras haber sido nominado en 21 ocasiones.

En 1981 dirigió su última película, Aquí, un amigo. A partir de entonces las compañías aseguradoras ya no querían asegurar películas suyas, debido a su avanzada edad. Murió 21 años más tarde, a la edad de 95 años, en su residencia de Beverly Hills, a causa de una neumonía. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

Frases que pronunció sobre su cine:

* "He hecho películas que a mí me hubiera gustado ver. Y yo sólo quiero ver películas que me entretengan".
* "En mis películas no hay grande movimientos de cámara ni puntos de vista destinados a demostrar que soy un director de cine. [...] En Europa, un director puede tomarse todo el tiempo del mundo para crear una atmósfera, y meter un montón de escenas de nubes que se disuelven; pero el público de aquí, si les muestras las nubes por segunda vez, espera ver entre ellas un aeroplano".
* "Hay algo sorprendente: cuando reflexiono sobre todas mis películas, me llama la atención que, en las épocas en que estuve deprimido hice comedias. Y cuando me sentía feliz, rodé temas más bien trágicos. Quizás intente inconscientemente compensar cada uno de mis estados de ánimo".
* "Quizás El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) es una película cínica, pero para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural".
* "Nunca me retiraré. Tendrán que quitarme la cámara para que yo deje de hacer películas. Moriré haciendo películas".
* "Lo único que me partiría el corazón sería que me quitaran la cámara y no me dejaran volver a hacer películas".

Una jornada particular (Una giornata particolare) - Ettore Scola (1977)

Título original - Una giornata particolare
Año - 1977
Duración - 105 min.
País - Italia
Director - Ettore Scola
Guión - Ruggero Maccari y Ettore Scola
Música - Armando Trovajoli
Fotografía - Pasqualino De Santis
Montaje - Raimondo Crociani
Producción - Carlo Ponti
Productora - Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti
Género - Drama
Reparto - Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny

El recientemente fallecido Ettore Scola dirigió y escribió el guión junto a Ruggero Maccari de este magnífico retrato de la sociedad italiana de los años 30, que utilizando la visita de Adolf Hitler a Italia y a dos personajes atrapados en sus propias vidas, nos ofrece una nueva oportunidad de disfrutar de un dúo difícilmente igualable, el formado por una Sophia Loren y un Marcello Mastroianni estelares. Una auténtica delicia para los amantes del buen cine y la mejor forma de recordar al magnífico realizador italiano.

Sinopsis: El 6 de mayo de 1938. Hitler visita Roma, por lo que el pueblo se vuelca en su recibimiento en una jornada declarada de fiesta nacional. En un gran bloque de pisos todos van al desfile en su honor, excepto la portera y un par de vecinos que jamás se han cruzado siquiera. Antonietta (Sophia Loren) no puede asistir al tener que hacerse cargo de las labores domésticas derivadas de su vida con su esposo y sus 6 hijos, pero al escaparse el ave que tienen como mascota, esta se apoyará cerca de la ventana de Gabriele (Marcello Mastroianni), un vecino no muy bien mirado en la comunidad a cuyo apartamento llamará para intentar recuperarla. Entre ellos se establecerá una curiosa relación que cambiará la monotonía del día para ambos.

El director: Ettore Scola fue un director de cine italiano nacido en Trevico, Avellino, Italia, el 10 de mayo de 1931. Representante de la llamada "commedia all'italiana", posee los títulos honoríficos de Caballero de la Gran Cruz de la Orden al Mérito de la República Italiana y Medalla de oro al beneficio de la cultura y del arte. De su extensa filmografía mencionaré varios títulos: Con su permiso, hablemos de mujeres (1964), El demonio de los celos (1970), La più bella serata della mia vita (1972), Una mujer y tres hombres (Nos habíamos amado tanto) (1974), Brutos, feos y malos (1976), ¡Que viva Italia! (1977), La terraza (1980), Entre el amor y la muerte (1981), La noche de Varennes (1982), Macarrones (1985), La familia (1987), ¿Qué hora es? (1989), Splendor (1989), Historia de un pobre hombre (1995), La cena (1998), Competencia desleal (2001), Gente de Roma (2003) o Qué extraño llamarse Federico (2013). Falleció el 19 de enero de 2016 en Roma, Italia.

La película: Cuando me enteré de la muerte de este magnífico realizador italiano decidí que la mejor forma de rendirle un pequeño tributo era elegir uno de sus trabajos y realizar una crítica sobre el. Ojeando su filmografía resulta realmente difícil decidirse por una, pero cuando Una jornada particular llegó a aparecer ante mis ojos, ya no pude cambiar mi elección. Puede que os resulte extraño que para uno de los representantes de la llamada "commedia all'italiana", género cinematográfico nacido en Italia a inicios de la década de los cincuenta y que se extendió hasta principios de la década de los ochenta, un servidor haya elegido un drama como exponente de su cine, pero la enorme calidad de la película y el enorme cariño con el que la recuerdo, han hecho de esta mi única posible elección.

Y es que en este maravilloso trabajo encuentro muchas similitudes a como se vivía en España en los primeros años de mi vida, no ya por el auge que el fascismo tenía en el pueblo, ya que Francisco Franco murió cuando yo solo tenía 4 años y mi país comenzaba a ver la luz tras mucho tiempo, sino por los múltiples detalles que se pueden apreciar en como se vivía en la Italia de entonces, muy similares a los de la España de principio de los 70. Como eran los hogares mas humildes, la influencia de la radio en la vida de la población, las vestimentas, los molinillos de café, las vajillas, etc. Un sinfín de detalles que hacen que este trabajo agite mi mente y abra puertas en mi memoria que permanecían cerradas hace tiempo.