Papillon - Franklin J. Schaffner (1973)

Título original - Papillon
Año - 1973
Duración - 150 min.
País - Estados Unidos
Director - Franklin J. Schaffner
Guión - Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. basado en la novela homónima de Henri Charrière
Música - Jerry Goldsmith
Fotografía - Fred J. Koenekamp
Montaje - Robert Swink
Producción - Robert Dorfmann, Franklin J. Schaffner y Ted Richmond
Productora - Allied Artists / Solar Productions
Género - Aventuras, Drama
Reparto - Steve McQueen, Dustin Hoffman, Victor Jory, Don Gordon, Anthony Zerbe, Robert Deman, Bill Mumy, George Coulouris, Woodrow Parfrey

El inolvidable, aunque poco reconocido director Franklin Schaffner, que aunque no fue excesivamente prolífico en el mundo del cine nos dejó varias joyas para la posteridad, dirigió este alegato a la amistad y la libertad, con un guión de Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. basado en la maravillosa novela homónima de Henri Charrière. Uno de esos trabajos que dejan huella de por vida, de esos que hay que ver antes de morir y que nos da la oportunidad de disfrutar del magnífico dúo protagonista, formado por los señores Steve McQueen y Dustin Hoffman. Inolvidable.

Sinopsis: Henri Charrière, mas conocido como Papillón (Steve McQueen), es un delincuente que es condenado por un crimen que no cometió, siendo exiliado a las colonias penitenciarias de la Guayana Francesa. En el transcurso del viaje tiene conocimiento de que el famoso estafador Degà (Dustin Hoffman), ha sido condenado igualmente y le ofrece protección a cambio de la ayuda económica necesaria para planear su fuga, algo a lo que tras su negativa inicial, Degá acabará accediendo para salvar la vida. Entre ellos nacerá una fructífera amistad, que les ayudará a soportar las duras condiciones de la penitenciaría.

El director: Franklin James Schaffner fue un director de cine estadounidense nacido en Tokio, Japón, un 30 de mayo de 1920. Hijo de misioneros, tras su regreso a los Estados Unidos se graduó en la Franklin & Marshall College en Lancaster, Pennsylvania, tras lo que estudió Derecho en la Universidad de Columbia, Nueva York, hasta que su educación fue interrumpida para alistarse en la marina estadounidense en la Segunda Guerra Mundial.

Tras su regreso, encontró trabajo en el mundo televisivo participando en March of Time, tras lo que se unió a la CBS, donde ganó cuatro premios Emmys, uno por la adaptación televisiva de Doce hombres sin piedad, dos por la adaptación de la obra de Broadway, The Caine Mutiny Court Martial y el último por la serie The Defenders.

Debutó con el largometraje Rosas perdidas (1963), un drama romántico con la participación de Joanne Woodward, Richard Beymer y Claire Trevor, entre otros. Tras el llegaron El mejor hombre (1964), un drama sobre política con Henry Fonda, Cliff Robertson y Edie Adams; le siguió El señor de la guerra (1965), una de aventuras protagonizada por Charlton Heston; tras ella dirigió Mi doble en los Alpes (1967), un thriller de intriga con Yul Brynner como protagonista; al año siguiente dirigió la inolvidable El planeta de los simios (1968), de nuevo con Charlton Heston en el papel protagonista; la siguiente fue Patton (1970), protagonizada por George C. Scott y que se alzó con siete Oscars, incluyendo Mejor película, director, actor y guión; a esta le siguieron Nicolás y Alejandra (1971), Papillon (1973) y La isla del adiós (1977), un drama donde repetía George C. Scott como protagonista; Los niños del Brasil (1978) fue su última gran película, una de intriga sobre el nazismo, con la participación de Gregory Peck, Laurence Olivier, James Mason y Lilli Palmer; el resto de su filmografía está compuesta por La esfinge (1981), Sí, Giorgio (1982), Lionheart (1987) y Bienvenido a casa (1989), aunque ninguna de ellas llega al nivel de su mejor época como director.

La película: Como suelo hacer cada vez que escribo una reseña, he vuelto a ver esta inolvidable película tras haber pasado bastantes años desde que, primero leí la magnífica novela de Henri Charrière y después disfruté de la adaptación al cine de Schaffner. He de decir que la experiencia ha sido igualmente satisfactoria, si no mas, ya que el espíritu de esta ha permanecido intacto y está realizada de una forma que ya no podemos disfrutar en el cine actual. Quizás sea, junto a El planeta de los simios (1968), Patton (1970) y Los niños del Brasil (1978), lo mejor que el director nos dejó a lo largo de su carrera, pero os aseguro que es la que mejor sabor de boca me ha dejado de todas ellas, que ya es mucho decir.

Musarañas - Juanfer Andrés y Esteban Roel (2014)

Título original - Musarañas
Año - 2014
Duración - 91 min.
País - España
Director - Juanfer Andrés y Esteban Roel
Guión - Juanfer Andrés y Sofía Cuenca
Música - Joan Valent
Fotografía - Ángel Amoros
Montaje - Juanfer Andrés
Producción - Álex de la Iglesia
Productora - Nadie es Perfecto / Pokeepsie Films
Género - Terror, Thriller, Drama
Reparto - Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva, Luis Tosar, Gracia Olayo, Lucía González, Carolina Bang, Silvia Alonso, Asier Etxeandia, Josean Pérez

Después de varios cortometrajes, Juanfer Andrés y Esteban Roel debutan en la dirección de un largometraje con esta cinta de terror ambientada en la época de la posguerra en España, Producida por Álex de la Iglesia y con un guión escrito por el propio Juanfer Andrés junto a  Sofía Cuenca, estamos ante la confirmación, si es que alguien aún lo dudaba, del enorme talento que la actriz Macarena Gómez derrocha por los cuatro costados, excelentemente acompañada por Nadia de Santiago, Hugo Silva y Luis Tosar. Hora y media de buen cine que recuerda por momentos al trabajo con el que Chicho Ibáñez Serrador solía obsequiarnos.

Sinopsis: Montse (Macarena Gómez) vive recluida en casa con la única compañía de su hermana menor Nia (Nadia de Santiago), a la que se ha encargado de cuidar, siendo esta su único punto de unión con el mundo exterior. Tras la muerte de su madre en el nacimiento de Nia y la marcha de su padre (Luis Tosar) a la guerra, de la que nunca volvió, Montse no ha vuelto a salir de su casa y la monotonía es su principal confidente. Pero un buen día, su joven vecino Carlos (Hugo Silva) llama a su puerta pidiendo ayuda tras caerse por las escaleras, por lo que Montse lo acoge en casa tras prestarle auxilio, lo que alterará la vida de ambas.

Los directores: Juan Fernando Andrés, más conocido como Juanfer Andrés es un guionista, editor y director de cine español nacido en Socuéllamos, Ciudad Real, en 1975. Desde 1999 ejerce también de profesor de realización cinematográfica en el Instituto del Cine de Madrid. El director y actor mexicano Esteban Roel es socio fundador y director de la diplomatura de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid, además de profesor de interpretación y dirección de actores para cine, desde 1997 en NIC y desde 2002 en el Instituto del Cine Madrid.

Esteban Roel ha ejercido como actor, tanto en su país natal como en España, participando en series como El Comisario, Sin tetas no hay Paraíso, Los Hombres de Paco, Crematorio o La Fuga, por poner los ejemplos mas recientes. Por su parte, Juanfer Andrés se ha dedicado a la publicidad y a la creación de vídeos musicales, destacando la realización de 10 videoclips musicales conmemorativos sobre otros tantos temas del grupo Canteca de Macao, con motivo del 10º aniversario del grupo.

Juntos realizaron en 2011 el cortometraje 036, con la participación de Carolina Bang, Tomas del Estal y Fernando Amado en su reparto. Con el consiguieron alzarse con 23 premios internacionales. Os dejo el enlace a la reseña que hicimos de el. En 2013 dirigieron un nuevo corto titulado Es un buen chaval, escrito por Sofía Cuenca y protagonizado por Fernando Tielve, Alberto Hernández y Carlos Tostado. Musarañas ha sido su primer largometraje, pero viendo la calidad que este atesora, seguro que no será el último que realicen. Les deseamos toda la suerte del mundo, la merecen sin duda.

La película: Me resulta realmente chocante como somos la mayoría de los españoles (que se salve el que pueda) con casi todo lo nuestro. Para explicar a que me quiero referir pondré un ejemplo futbolero, que para el caso viene muy bien. Si en tal o cual equipo sale un jugador criado en la casa que es realmente bueno, llamémosle Pepe, por ejemplo, el grado de exigencia que le aplicamos es máximo, criticando duramente sus errores y valorando poco sus aciertos. Pero si ese mismo jugador en vez de español es brasileiro, se llama Pepinho y viene del Sao Paulo, inmediatamente lo subimos a los altares, perdonando sus errores con facilidad y exaltando sus virtudes hasta la saciedad.

Interstellar - Christopher Nolan (2014)

Título original - Interstellar
Año - 2014
Duración - 169 min.
País - Estados Unidos
Director - Christopher Nolan
Guión - Jonathan Nolan y Christopher Nolan basándose en una historia de Kip Thorne
Música - Hans Zimmer
Fotografía - Hoyte van Hoytema
Montaje - Lee Smith
Producción - Emma Thomas, Christopher Nolan y Lynda Obst
Productora - Warner Bros. / Syncopy / Paramount Pictures / Legendary Pictures / Lynda Obst Productions
Género - Ciencia ficción, Drama, Aventuras
Reparto - Matthew McConaughey, Anne Hathaway, David Gyasi, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Matt Damon, Michael Caine, John Lithgow, Casey Affleck, Timothée Chalamet, Wes Bentley, Ellen Burstyn, Topher Grace, David Oyelowo, Collette Wolfe, Leah Cairns, Elyes Gabel
Web oficial - http://www.interstellarmovie.com/

Christopher Nolan escribe junto a Jonathan Nolan y dirige esta singular película sobre la lucha por la supervivencia de la raza humana, arrinconada y casi derrotada por su peor enemigo, el propio ser humano. Un trabajo con una ejecución brillante, un correcto guión y un impresionante reparto, que hará las delicias de muchos de los aficionados a este arte, pero que mantiene el mismo problema del que adolece la obra reciente del director, un exceso de diálogos dándotelo todo masticado en detrimento de imágenes que sean por si mismo explicativas. Una película con corazón, que antepone en todo momento las relaciones humanas a la extraordinaria historia que nos cuenta. No se la pierdan y juzguen ustedes mismos.

Sinopsis: Joseph Cooper (Matthew McConaughey) es un ex-piloto de pruebas de la NASA e ingeniero convertido en granjero, en un planeta asolado por plagas que consumen el oxígeno terrestre de manera irreversible y enormes tormentas de polvo que anuncian el fin de nuestros días en la tierra. Pero el descubrimiento de un agujero de gusano en las inmediaciones de Saturno, hace posible mandar una expedición a otra galaxia, con el propósito de encontrar otro planeta donde sea posible la supervivencia humana y evitar así su extinción. Joseph será el piloto elegido para ello, aunque tendrá que decidir entre permanecer junto a su familia o emprender el impredecible viaje.

El director: Christopher Nolan es uno de los directores con mejor presente y prospero futuro de los que podemos disfrutar en la actualidad. Tras el cortometraje fantástico Doodlebug (1997), dirigió su primer trabajo en 1998, Following, un thriller dramático rodado en blanco y negro durante varios fines de semana mientras aún cursaba sus estudios universitarios y en el que participaron varios compañeros como actores. Es hasta la fecha su único trabajo realizado en el Reino Unido; en el 2000 realizó Memento, un Thriller con un guión escrito por el mismo, basándose en una historia de Jonathan Nolan, del que te hablamos en este artículo.

Su siguiente trabajo fue Insomnio (2002), donde repite con el thriller dramático con un reparto excelente entre los que se encuentran Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank. Sus buenos resultados le permitieron comenzar el renacimiento de lo que a la postre sería la trilogía que haría olvidar la paupérrima situación en la que Joel Schummacher había dejado al legendario Batman, comenzando por Batman Begins (2005) y continuando con las dos mejores películas que un servidor ha disfrutado sobre el guardián de Gotham City, El caballero oscuro (2008) y El caballero oscuro: La leyenda renace (2012).

Entre ellas realizó otros dos trabajos de calidad, El truco final (The Prestige) (2006), un thriller fantástico en el que nos cuenta la historia de dos magos enfrentados a finales del siglo XIX, con Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine y Scarlett Johansson y Origen (2010), un thriller de ciencia ficción sobre un hombre con la habilidad de apropiarse de los secretos del subconsciente aprovechando el sueño y en el que participaban Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page y Ken Watanabe entre otros. Interstellar ha sido su último trabajo y ni que decir tiene que estamos ya expectantes para conocer detalles de cual será el próximo.

La película: Ver un trabajo del señor Nolan garantiza un mínimo bastante respetable de calidad, algo que a día de hoy no se puede decir de muchos directores, por lo que cuando emprende un proyecto, merece la pena estar atentos y disfrutarlo en cuanto tengamos la oportunidad. Pero como no es oro todo lo que reluce, también hay que decir que su cine está tomando un rumbo que, al menos en mi modesta opinión, no le hace ningún bien al resultado final, aunque quizás si lo haga a sus ganancias.

John Carpenter: Biografía + documental online

John Carpenter es un director de cine, guionista y compositor de bandas sonoras estadounidense nacido en Carthage, Nueva York, el 16 de enero de 1948. Junto a David Cronenberg y Wes Craven, conformaron durante gran parte de la década de los 80 el grupo denominado "las tres C" del cine de terror moderno.

Carpenter es hijo de Milton Jean y Howard Ralph Carpenter, un profesor de música. Se mudó con su familia a Bowling Green, Kentucky en 1953. Siendo un niño empieza su fascinación por las películas, en particular los westerns de Howard Hawks y John Ford, como también por las películas de terror de bajo presupuesto, como El enigma de otro mundo y las de ciencia ficción de gran presupuesto como Forbidden Planet y a rodar cortometrajes en 8 mm (Revenge of the Colossal Beast, Gorgo vs. Godzilla, Terror from Space y Sorcerers from Outer Space) antes de entrar en la escuela secundaria. Fue a la universidad Western Kentucky University en donde su padre presidía el departamento musical, luego se trasladó a la universidad University of Southern California's School of Cinematic Arts en 1968, pero no finalizó sus estudios.

En un curso para principiantes de cine en la USC Cinema en 1969, Carpenter escribe y dirige un corto de 8 minutos, Captain Voyeur. El corto sería redescubierto en los archivos de la USC en 2011 y resulta interesante ya que releva elementos que aparecerían en su posterior film, Halloween (1978). Al año siguiente colaboró con el productor John Longenecker como co-guionista, montador y compositor de The Resurrection of Broncho Billy (1970), que gana el Óscar al mejor cortometraje. El cortometraje fue ampliado a 35 mm, se realizaron sesenta copias, y la película fue estrenada en cines por Universal Studios durante dos años en los Estados Unidos y Canadá.

Asalto a la comisaría del distrito 13

Su primera película, Dark Star (1974), una comedia de humor negro de ciencia ficción que él co-escribió con Dan O'Bannon, quien más tarde se dedicó a escribir Alien, adaptando libremente gran parte de Dark Star. Carpenter se encargó de la partitura musical, así como la escritura, producción y dirección, mientras que O'Bannon actuó en la película e hizo los efectos especiales. Tras ella llegó Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), un thriller de bajo presupuesto influenciado por las películas de Howard Hawks, en particular Rio Bravo. Al igual que con Dark Star, Carpenter fue el responsable de muchos aspectos de la creación de la película. Él no sólo escribió, dirigió y compuso la banda sonora, también editó la película bajo el seudónimo de John T. Chance (el nombre del personaje de John Wayne en Río Bravo). Carpenter ha dicho que él considera Asalto a la comisaría del distrito 13 su primera película de verdad, ya que fue la primera película que filmó con un plan de rodaje. En esa película Carpenter trabajó por primera vez con Debra Hill, quien jugó un lugar destacado en la realización de algunas de las películas más importantes del director.

Junto a Jamie Lee Curtis en el set de Halloween

Su siguiente trabajo fue Halloween (1978), un enorme éxito comercial que ayudó a dar a luz al sub-género denominado slasher. La película fue escrita por Carpenter y Debra Hill, admitiendo que la música se inspiró en Suspiria de Dario Argento (tanto que también influyó en el esquema de color surrealista de la película) y en El Exorcista de William Friedkin. De nuevo con un presupuesto relativamente pequeño, 320.000 dólares. La película recaudó más de 65 millones en un principio, por lo que es una de las películas independientes más exitosas de todos los tiempos. Carpenter ha descrito Halloween como : "La verdadera explotación crasa. Decidí hacer una película que me encantaría haber visto cuando era niño, lleno de trucos baratos como una casa encantada en una feria donde se puede caminar por el pasillo y las cosas saltan a la vista".

What Remains - Coky Giedroyc (Miniserie de TV, 2013)

Título original - What Remains
Año - 2013
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Coky Giedroyc
Guión - Tony Basgallop
Música - Harry Escott
Montaje - Gareth C. Scales
Producción - Grainne Marmion
Productora - BBC Drama Productions
Género - Drama, Miniserie de TV
Reparto - David Threlfall, Denise Gough, Lisa Millett, Alexander Arnold, David Bamber, Claudie Blakley, Jessica Gunning, Victoria Hamilton, Steven Mackintosh, Amber Rose Revah, Russell Tovey, Indira Varma, Lee Nicholas Harris, Martha Mackintosh, Terence Beesley, Julian London, Jeremy J J Webb, Glenn Webster

¿Conoces realmente a tus vecinos?. Esa es una de las muchas preguntas que te vienen a la mente tras acabar de disfrutar esta magnífica miniserie que consta de 4 episodios de 1 hora escasa de duración cada uno. Una producción de la BBC escrita por Tony Basgallop y dirigida por Coky Giedroyc que hará las delicias de los amantes de la intriga y el misterio, con una ambientación excelente y la calidad que los británicos suelen dar a sus productos para televisión. De lo mejorcito que he visto últimamente, no se la pierdan.

Sinopsis: La joven pareja formada por Michael Jenson (Russell Tovey) y su novia embarazada Vidya Khan (Amber Rose Revah) llegan a un bloque de viviendas donde acaban de alquilar un piso. Durante la mudanza descubren una gotera que viene del piso superior, por lo que se dirigen a el e intentan que su propietario les abra. Tras llamar en varias ocasiones a la vivienda sin que nadie conteste intentan contactar con otros vecinos, que le indican que en el vivía una solitaria muchacha llamada Melissa Young (Jessica Gunning), a la que no ven hace años. Tras continuar indagando descubren los restos de la joven en el desván, por lo que la policía se hará cargo de la investigación, entre ellos el veterano detective Len Harper (David Threlfall), que está ante su último día de trabajo antes de jubilarse.

La directora: Mary Rose Helen "Coky" Giedroyc es una directora de cine y televisión nacida en Hong Kong, China, en 1962. Creció en Leatherhead, Surrey, es hija del historiador Michal Giedroyc y hermana mayor de la actriz y presentadora Mel Giedroyc. Realizó sus estudios en la Universidad de Bristol y se casó con Sir Thomas Bowyer Weyland-Smyth, por lo que ostenta el título de Lady Bowyer-Smyth.

Debutó en 1999 con el largometraje Cosas de mujeres, una comedia sobre la amistad que surge entre dos mujeres procedentes de mundos opuestos, que cuenta en su reparto con Helena Bonham Carter y Gina McKee en sus papeles principales. Es su único trabajo no realizado para televisión hasta la fecha; en 2003 dirigió varios episodios de la serie romántica William and Mary, interpretada por Martin Clunes y Julie Graham; Carrie's War (2004) fue su siguiente trabajo, un drama para televisión ambientado en la II guerra mundial; en 2004 dirigió junto a Julie Anne Robinson, Viva Blackpool, una curiosa miniserie de 6 episodios que mezcla thriller y musical. En su reparto figuran David Morrissey, Sarah Parish y Thomas Morrison, entre otros; al año siguiente dirigió The Virgin Queen (2005), una miniserie de cuatro capítulos que explora la vida de la reina Elizabeth I, a la que da vida Anne-Marie Duff; tras Fear of Fanny (2006), un telefilm sobre la famosa presentadora de la posguerra Fanny Cradrock (Julia Davis), dirige la miniserie Oliver Twist (2007), con William Miller, Timothy Spall y Tom Hardy entre su reparto; en 2009 realizó una adaptación de Cumbres borrascosas, con la participación de Tom Hardy y Charlotte Riley; en 2009 dirigió el episodio piloto de la famosa serie Sherlock, interpretada por Benedict Cumberbatch y Martin Freeman pero este nunca llegó a emitirse, siendo incluido como extra en el Dvd; tras la miniserie The Nativity (2010), basada en la Virgen María y San José, dirigió algún episodio de la serie The Hour (2011) y la miniserie Espías de Varsovia (2012), con David Tennant y Janet Montgomery como protagonistas.

Tras What Remains (2013), ha dirigido algún episodio de la exitosa serie Penny Dreadful (2014), de la que ya os hablamos en este artículo. Actualmente trabaja en Mary Shelley's Monster (2016), un drama biográfico con guión de Deborah Baxtrom, que cuenta con la participación de Sophie Turner, Jeremy Irvine y Taissa Farmiga entre su reparto. Se espera para 2016.

La miniserie: He de comenzar diciendo que esta miniserie ha sido toda una sorpresa para mi, ya que si normalmente confío plenamente en los productos que suele realizar la BBC, este roza la excelencia en casi todos sus apartados y desde su minuto uno hasta su brillante final. Los motivos para ello son varios, pero tienen mucho que ver con el cariño y la minuciosidad con la que está realizada, no siendo un simple caso policial mas, sino mostrándose como una historia de lo mas completa, que nos invita a reflexionar sobre como vivimos y hacia donde nos dirigimos siguiendo esa forma de vida.

Tú eres el siguiente - Adam Wingard (2011)

Título original - You're Next
Año - 2011
Duración - 96 min.
País - Estados Unidos
Director - Adam Wingard
Guión - Simon Barrett
Música - Mads Heldtberg
Fotografía - Andrew Droz Palermo
Montaje - Adam Wingard
Producción - Simon Barrett, Keith Calder, Kim Sherman y Jessica Wu
Productora - HanWay Films / Snoot Entertainment
Género - Terror, Thriller, Slasher, Comedia negra, Cine independiente
Reparto - Sharni Vinson, Nicholas Tucci, Wendy Glenn, AJ Bowen, Joe Swanberg, Sarah Myers, Amy Seimetz, Rob Moran, Barbara Crampton, Ti West, Simon Barrett, LC Holt
Web oficial - http://fuckyeahyourenext.tumblr.com/

Simon Barrett firma el guión, Andrew Droz Palermo la fotografía, Mads Heldtberg la banda sonora y Adam Wingard dirige y monta, este singular slasher con aroma a tiempos pasados. Un trabajo en el que, a pesar de encontrarnos varios clichés típicos del género, sus creadores consiguen dotarlo de unas señas propias de identidad que lo hacen merecedor de un visionado. Destacar la habilidad de su director para conseguir mostrar cierta belleza entre tanta violencia desenfrenada, una singular mezcla sin lugar a dudas.

Sinopsis: Los Davison son una familia acomodada que se reúne después de mucho tiempo, con motivo del 35º aniversario de bodas de los padres, en una mansión apartada que poseen junto a un bosque. Pero tras los saludos iniciales, rápidamente comienzan a salir a la luz los problemas de siempre entre varios de sus miembros, incapaces de comportarse a pesar de que la ocasión lo merece. Pronto descubrirán que dichos problemas son una minucia en comparación con el que se les viene encima, cuando una extraña banda que usa máscaras de animales comience a atacarlos sin motivos aparentes, por lo que lo único que podrán hacer es intentar sobrevivir.

El director: Adam Wingard es un editor, escritor y director de cine estadounidense, nacido un 3 de diciembre de 1982 en Oak Ridge, Tennessee. Cursó sus estudios en la Universidad Full Sail, graduándose en el año 2002.

Su debut en la dirección llegó en 2007, con la cinta de terror sobrenatural Pop Skull, en la que nos cuenta la historia de un joven aficionado a las pastillas que tiene que lidiar con los entes que habitan en su casa; ese mismo año estrenó Enfermizo (Home Sick), un slasher bastante vulgar en el que un demente siembra el terror en un pequeño pueblo; tras ello dirigió varios cortometrajes: 1000 Year Sleep (2007), Laura Panic (2008), Cerebella (2009) y Her Name Is Laura Panic (2009), con el que cierra la trilogía "Forgot My Meds".

En 2010 presentó su largometraje A Horrible Way to Die, una cinta de terror sobre una chica que es perseguida por medio país por su antiguo novio, en la que aparecen Amy Seimetz, AJ Bowen y Joe Swanberg en su reparto; en 2011 dirigió junto a Joe Swanberg Autoerotic, una comedia que sigue a cuatro parejas de Chicago interconectadas entre si; tras Tú eres el siguiente (2011), participó con un corto en The ABCs of Death (2012); de nuevo participó en V/H/S (2012) y V/H/S/2 (2013), antes de dirigir The Guest (2014), un thriller de acción en el que participan Dan Stevens, Maika Monroe y Leland Orser, entre otros. Su último trabajo es para televisión y se llama Outcast, una mezcla entre terror y drama que cuenta en su reparto con Patrick Fugit, Kip Pardue, Reg E. Cathey y Wrenn Schmidt, entre otros.

La película: Me ha quedado un sabor de boca difícil de explicar tras el visionado de You're Next, ya que a pesar de sus excesos y fallos, ha conseguido que me lo pase bien, algo que no se yo si hablará muy bien de una película de este tipo. El motivo no es otro que, al menos para mi gusto, funciona mucho mejor como comedia negra que como película de terror o slasher, en los que se queda a medio camino como para llegar a un aprobado.

Y es que estamos ante un trabajo basado en una buena idea, pero que no ha sido del todo bien plasmada en el guión, obra de Simon Barrett, que resulta un tanto irregular. Su tramo inicial resulta largo y bastante insulso, pareciendo en muchos momentos que asistimos a otro tipo de película muy diferente a la que esperábamos. Sus personajes resultan bastante odiosos, algo que juega en contra de lo que debe representar una película así, ya que lo lógico sería sentir pena por las personas que van a sufrir en sus carnes la furia de el o los psicópatas de turno.

Tiempos Modernos - Charles Chaplin (Película completa online, 1936)

Título original - Modern Times
Año - 1936
Duración - 89 min.
País - Estados Unidos
Director - Charles Chaplin
Guión - Charles Chaplin
Música - Charles Chaplin
Fotografía - Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
Montaje - Williard Nico
Producción - Charles Chaplin
Productora - United Artists
Género - Comedia, Cine mudo, Película de culto
Reparto - Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia

El inolvidable Charles Chaplin escribió, dirigió, produjo, protagonizó e incluso se encargó de la banda sonora, en esta maravillosa sátira sobre las carencias existentes durante la gran depresión, con una especial atención a las condiciones laborales de la época y una visión futurista de las mismas. Una deliciosa mezcla entre cine mudo y sonoro que ha alcanzado la condición de atemporal, siendo de obligada visión para los amantes de este arte y muy recomendable para todos en general. Cine hecho con el corazón.

Sinopsis: Charlie Chaplin es un obrero que trabaja en una cadena de montaje de una moderna fábrica metalúrgica. Las condiciones de trabajo que soporta hacen que cada vez le cueste mas seguir el ritmo que los jefes pretenden imprimir, por lo que acabará perdiendo la razón y siendo recluido en un hospital psiquiátrico. A su salida deberá afrontar una de las peores épocas económicas de su país, intentando sobrevivir en un mundo donde el hambre y la pobreza campan a sus anchas.

El director: Charlie Chaplin fue un actor, humorista, compositor, productor, director y escritor británico nacido en Londres, Inglaterra, un 16 de abril de 1889. Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.

Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan, y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Entre su filmografía, las películas más destacadas fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, desde 1916 también se encargó de la producción, y a partir de 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.

A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Óscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975 y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades anti-estadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York (1957) y La condesa de Hong Kong (1967), sus últimos trabajos. Falleció el Día de Navidad de 1977.

Chaplin estuvo casado en cuatro ocasiones (Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill), y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

La película: El cine sonoro ya estaba en pleno auge cuando Chaplin concibió Tiempos Modernos, aunque el era muy reticente a ponerle voz al personaje al que se lo debía todo, un Charlot al que no imaginaba, o no quería imaginar, hablando ante la cámara. Es por ello por lo que en este trabajo decidió introducir sonido, pero no en los diálogos de sus protagonistas, por lo que lo puso en las voces que se escuchaban en radios y televisores, en varias canciones o en el singular ruido de la maquinaria dentro de la fábrica. Por ello, además de una obra maestra del cine, es también un trabajo muy peculiar, citado por muchos como la última película del cine mudo, aunque no lo fuera en su totalidad. De hecho es la primera en la que se escucha la voz del célebre personaje de bombín y bastón.

Caminando entre las tumbas - Scott Frank (2014)

Título original - A Walk Among the Tombstones
Año - 2014
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Scott Frank
Guión - Scott Frank, basado en la novela de Lawrence Block
Música - Carlos Rafael Rivera
Fotografía - Mihai Malaimare Jr.
Montaje - Jill Savitt
Producción - Danny DeVito, Michael Shamberg, Stacey Sher, Tobin Armbrust y Brian Oliver
Productora - 1984 Private Defense Contractors / Cross Creek Pictures / Da Vinci Media Ventures
Género - Thriller, Intriga
Reparto - Liam Neeson, Dan Stevens, Marina Squerciati, Sebastian Roché, Boyd Holbrook, Stephanie Andujar, David Harbour, Briana Marin, Toshiko Onizawa, Purva Bedi, Maurice Compte, Patrick McDade, Luciano Acuna Jr., Hans Marrero, Laura Birn
Web oficial - http://www.awalkamongthetombstones.net/

Scott Frank escribe el guión, basado en la novela homónima de Lawrence Block, y dirige este entretenido thriller en el que sobresale la figura del todo terreno Liam Neeson al frente del reparto. Un trabajo que, sin llegar a la excelencia, es una muy buena opción para pasar un buen rato de cine, consiguiendo que la atención del espectador permanezca intacta en todo su metraje. Recomendable, no les quepa dudas, aunque igualmente mejorable, sobre todo en su guión.

Sinopsis: Matt Scudder (Liam Neeson), trabaja como detective privado en la ciudad de Nueva York, a pesar de que no tener licencia para ello. En su pasado fue policía, lo que le ha dado la experiencia necesaria para realizar este tipo de trabajo, por lo que un buen día acude en su busca Peter Kristo (Boyd Holbrook), el hermano de Kenny (Dan Stevens), que desea contratar sus servicios para investigar el secuestro y asesinato de su pareja. Matt rechaza el trabajo en un principio, ya que no le gusta la forma de ganarse la vida de su nuevo cliente, aunque la insistencia de este y la forma en la que se realizó el crimen, hará que reconsidere su decisión inicial.

El director: Scott Frank es un guionista y director estadounidense nacido en Fort Walton Beach, Florida, un 10 de marzo de 1960. Asistió a la Universidad de California, en Santa Barbara, donde se graduó en 1982 con una licenciatura en estudios de cine.

Comenzó en el cine en calidad de guionista, siendo responsable de numerosos trabajos entre los que destacaremos varios: Morir todavía (1991), dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh; El pequeño Tate (1991), dirigida y protagonizada por Jodie Foster; Malicia (1993), dirigida por Harold Becker y protagonizada por Nicole Kidman, Alec Baldwin y Bill Pullman; Cómo conquistar Hollywood (1995), dirigida por Barry Sonnenfeld y protagonizada por John Travolta, Gene Hackman, Rene Russo y Danny DeVito; Prisioneros del cielo (1996), escrita junto a Harley Peyton, dirigida por Phil Joanou y protagonizada por Alec Baldwin, Kelly Lynch y Mary Stuart Masterson; Un romance muy peligroso (1998), dirigida por Steven Soderbergh y protagonizada por George Clooney y Jennifer López; Minority Report (2002), dirigida por Spielberg y protagonizada por Tom Cruise; La intérprete (2005), dirigida por Sydney Pollack y protagonizada por Nicole Kidman y Sean Penn, y Lobezno inmortal (2013), escrita junto a Mark Bomback.

Como director debutó en 2007 con The Lookout, de la que también es responsable de su guión. Se trata de un thriller interpretado por Joseph Gordon-Levitt, Jeff Daniels, Matthew Goode, Isla Fisher y Carla Gugino, entre otros y que nos cuenta la historia de una estrella del deporte juvenil cuya vida cambia tras un trágico accidente donde mueren su mejor amigo y la novia de éste. Caminando entre las tumbas (2014) ha sido su segundo y último trabajo hasta la fecha en la que ha ejercido de director.

La película: Caminando entre las tumbas es un trabajo que me ha hecho pasar un rato de entretenimiento bastante aceptable, aprobando en casi todos los aspectos con relativo desahogo, pero sin conseguir en casi ningún momento dejar huella, al menos de la forma en la que lo hacen las mejores obras de este arte. Los motivos para ello son varios y trataré de exponerlos aquí, aunque aún así os la recomiendo para uno de esos días en los que solo quieres entretenerte, sin romperte demasiado la sesera en el intento.

Agente doble - James Marsh (2012)

Título original - Shadow Dancer
Año - 2012
Duración - 101 min.
País - Reino Unido
Director - James Marsh
Guión - Tom Bradby (Novela: Tom Bradby)
Música - Dickon Hinchliffe
Fotografía - Rob Hardy
Montaje - Daniel Attrill
Producción - Daniel Attrill y Louis Taylor
Productora - BBC Films / Element Pictures / UKFS
Género - Thriller | Terrorismo. IRA. Espionaje
Reparto - Andrea Riseborough, Clive Owen, Aidan Gillen, Gillian Anderson, Domhnall Gleeson, Stuart Graham, Martin McCann
Web oficial - http://www.magpictures.com/shadowdancer/

Tom Bradby firma el guión basado en su propia novela, James Marsh se encarga de la dirección y Rob Hardy de la fotografía. Con un ritmo intencionadamente lento y una carencia total de violencia, intenta mediante una historia centrada en una familia inmersa en el, dejar su punto de vista sobre el conflicto irlandés. Inconfundible su origen documentalista, en un trabajo en el que brillan Andrea Riseborough y Clive Owen en los papeles protagonistas, con el habitual buen hacer de la BBC.

Sinopsis: Belfast, 1993. Colette McVeigh (Andrea Riseborough) vive con su madre y sus hermanos, en una familia en la que casi la totalidad de sus miembros están vinculados al IRA. Tras intentar colocar un artefacto de forma fallida en una estación de metro, Colette es detenida por el MI5 y conducida a un lugar apartado. Allí la espera Mac (Clive Owen), un agente que le demuestra con varias pruebas que la tienen totalmente atrapada, tras llevar tiempo tras sus pasos, pero antes de encarcelarla le ofrece una salida: convertirse en informadora de la agencia para salir indemne.

El director: James Marsh es un director de cine y documental británico nacido el 30 de abril 1963 en Truro, Cornwall. Creció en el seno de una familia humilde, siéndole prohibido por su padre ver películas desde los diez años, tras una conversión religiosa de este. Cursó sus estudios en St Catherine's College, en Oxford, gracias a una beca que ganó y se graduó con una licenciatura en Inglés.

Marsh comenzó su carrera con la dirección de varios documentales realizados para la BBC, entre los que se encuentran Troubleman – The Last Years of Marvin Gaye, The Animator of Prague (ambos en 1990), The Burger and the King: The Life and Cuisine of Elvis Presley (1995) y John Cale (1998). En 1999 dirigió para la BBC el drama Wisconsin Death Trip. En 2005 dirigió el documental sobre fútbol The Team y el largometraje The King, un drama coproducido por Reino Unido y Estados Unidos.

Pero iba a ser en 2008 cuando ganó notoriedad, tras dirigir el documental Man on Wire, sobre el hombre que caminó sobre un alambre tendido entre las torres gemelas del World Trade Center de Nueva York, de forma ilegal. Ganó con el un Oscar, un BAFTA y arrasó en la mayoría de festivales y premios de prestigio. Tras Red Riding: 1980, Parte 2 (para TV) de 2009, dirigió el documental Proyecto Nim (2011), sobre un experimentp en el que un chimpancé fue criado como un humano en los años 70. La teoría del todo (2014) ha sido su último trabajo, consiguiendo el Oscar al Mejor actor Eddie Redmayne, de cinco nominaciones, además de varios premios de prestigio. Actualmente trabaja en dos largometrajes, Hold On To Me, con la presencia de Robert Pattinson y Carey Mulligan en su reparto y Untitled Donald Crowhurst Project, que contará en su elenco con Colin Firth y Rachel Weisz. Ambos se esperan para 2016.

La película: Shadow Dancer es un trabajo que, como mínimo, podemos calificar de peculiar. El simple hecho de contarnos una historia con el conflicto irlandés de fondo, en el que el IRA y el MI5 sean dos de sus principales protagonistas, sin mostrarnos apenas violencia en la pantalla, puede dejar a much@s con la mosca detrás de la oreja. Y si para colmo, sus responsables deciden dotar a la historia de un ritmo realmente sobrio y pausado, el resultado puede que diste mucho de lo que much@s puedan esperar de el.

El ángel borracho (El ángel ebrio) - Akira Kurosawa (1948)

Título original - Yoidore tenshi (Drunken Angel)
Año - 1948
Duración - 102 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa y Keinosuke Uegusa
Música - Fumio Hayakawa
Fotografía - Takeo Ito
Montaje - Akikazu Kôno
Producción - Sôjirô Motoki
Productora - Toho
Género - Drama, Cine negro
Reparto - Takashi Shimura, Toshirô Mifune, Reisaburo Yamamoto, Chieko Nakakita, Michiyo Kogure, Noriko Sengoku, Eitaro Shindo, Choko Iida, Taiji Tonoyama, Katao Kawasaki, Sachio Sakai, Yoshiki Kuga, Shizuko Kasagi, Masao Shimizu, Sumire Shiroki

Cinco años después de su debut, el maestro Akira Kurosawa llevó a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Keinosuke Uegusa. Un drama con aroma a cine negro que supondría la primera de 16 colaboraciones entre el director y el inolvidable actor Toshirō Mifune, entregándole el papel protagonista de forma mas que acertada a un Takashi Shimura en estado de gracia. Como casi toda la obra del japonés, imprescindible.

Sinopsis: Sanada (Takashi Shimura) es un médico con un carácter muy peculiar, que vive atormentado por lo que pudo haber sido su vida y no fue ahogando sus penas en alcohol, aunque a pesar de todo, ejerce su labor con una dedicación casi absoluta en un barrio periférico del Tokio de postguerra, donde la mafia impone su ley en las calles. Un buen día, el doctor recibe a altas horas de la noche a un hombre (Toshirô Mifune), requiriendo le cure una herida en su mano que se hizo al golpearse con una puerta, pero en el transcurso de dicha cura, el doctor extraerá una bala de la herida, que iniciará una estraña relación entre ambos.

El director: Akira Kurosawa fue un director de cine japonés nacido en Shinagawa, un 23 de marzo de 1910. Durante su carrera dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria

Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de los 50, y que le dio a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones, o usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (El Emperador), por su estilo como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. Kurosawa era igualmente detallista con la música, por lo que solía buscar un solo instrumento (por ejemplo, sólo trompetas), para acompañar una escena en concreto. Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más compleja.

La película: Después de haber leído mucho sobre este genio del séptimo arte y de como la censura mutiló y consiguió evitar que sacara toda su magia, tenía curiosidad por ver alguno de sus primeros trabajos, aunque no esperaba encontrarme con una obra tan completa como la que hoy tratamos. La verdad es que este film marca un antes y un después en su filmografía, mostrando ya en el parte del enorme talento que atesoraba para este arte y dando rienda suelta a su capacidad para retratar al ser humano, mostrando sus carencias y sus virtudes de una forma única.

Hard Candy - David Slade (2005)

Título original - Hard Candy
Año - 2005
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - David Slade
Guión - Brian Nelson
Música - Harry Escott y Molly Nyman
Fotografía - Jo Willems
Montaje - Art Jones
Producción - Paul G. Allen y Rosanne Korenberg
Productora - Lions Gate Films / Vulcan Productions
Género - Thriller, Terror, Drama, Cine independiente
Reparto - Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Odessa Rae, G.J. Echternkamp
Web oficial - http://hardcandymovie.com/

David Slade debutó en la gran pantalla con este canto a la venganza en el que los roles habituales se invierten. Con un guión de Brian Nelson, la fotografía de Jo Willems y la extraña y escueta música de Harry Escott y Molly Nyman, consiguió los premios como Mejor película , Mejor guión y el Premio del Público en el Festival de Sitges de 2005. Un aviso: está mejor puntuada de lo que yo lo he hecho en la mayoría de las webs de cine, así que yo que vosotros la vería para poder opinar.

Sinopsis: Jeff (Patrick Wilson), un fotógrafo de 32 años de bastante éxito que basa su trabajo principalmente en modelos mas jóvenes que el, queda con Hayley (Ellen Page), una chica adolescente de 14 años con la que lleva un tiempo conversando por Internet, lugar donde la conoció. Tras tomar un café, Hayley decide ir a casa de Jeff, para escuchar varias canciones de un concierto al que el dice haber asistido...

El director: David Slade es un director de cine y televisión británico que comenzó su carrera dirigiendo comerciales televisivos y vídeos musicales. Entre ellos ha realizado videoclips para artistas como Aphex Twin, Rob Dougan, System of a Down, Stone Temple Pilots, Tori Amos o Muse.

En 2004 dirigió el cortometraje Do Geese See God?, un thriller de ciencia ficción interpretado por Blair Underwood, Matthew Nastuk y Raymond S. Persi. Su debut en la dirección de un largometraje fue Hard Candy, película de la que hoy nos ocupamos, que fue comprada por Lions Gate Entertainment tras su exhibición como independiente en el Festival de Sundance, en 2005. Tras ella dirigió 30 días de oscuridad (2007), un trabajo de terror sobre vampiros ambientado en un remoto pueblo de Alaska, donde durante 30 días de cada invierno el Sol no sale. En su reparto figuran nombres como Josh Hartnett, Melissa George, Ben Foster o Danny Huston, entre otros. Su trabajo en esta última hizo que los responsables de la saga Crepúsculo se fijasen en el para dirigir La saga Crepúsculo: Eclipse (2010). El penoso espectáculo, aunque a favor del director hay que decir que eso no había quien lo salvara, cuenta con la participación, entre otros, de Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner.

Su trabajo en televisión tampoco es nada desdeñable, incluyendo la dirección en varios episodios de series como Awake, Hannibal, Crossbones, Helix o Powers.

La película: Ante todo he de deciros que, como os he avisado en la presentación del artículo, la nota media que este trabajo tiene en las principales webs de cine, es uno o dos puntos mas elevada de la que yo le he puesto, algo que cada cual sabrá el porque. Quizás tenga algo que ver con el odio que cualquier persona en sus cabales le tiene al tipo de personas que aparecen en ella, pero que en mi caso no es suficiente como para puntuarla tan alto, fundamentalmente porque tras su visionado, no consigue que crea nada de lo que cuenta.

Y muchos dirán: ¡hay que fastidiarse!, miles de películas son irreales y gustan, y mucho, pero no me refiero a eso precisamente, sino a que no me resulta real el conjunto, algo que en un trabajo en el que dos actores tienen todo el protagonismo, resulta poco menos que inaguantable. Hay que reconocer que ya en eso es bastante arriesgado, siendo realmente difícil ver a dos actores salir airosos de tal desafío, pero también hay que decir que no es solo culpa de los actores su baja nota, ya que el guión no es precisamente un prodigio, al menos bajo mi punto de vista.

Dime que yo - Mateo Gil (Cortometraje, 2008)

Título original - Dime que yo
Año - 2008
Duración - 14 min.
País - España
Director - Mateo Gil
Guión - Mateo Gil (Idea: Mateo Gil, Xisela López)
Música - Fernando Velázquez
Fotografía - Josu Intxaustegui
Montaje - Miguel Burgos
Producción - Mateo Gil
Productora - Platanutre / User T-38 / Foro Sonoro
Género - Romance
Reparto - Fele Martínez, Judith Diakhate, Carolina Bang, Lucio Cerdá, José García, Alberto Soto, Xisela López

Mateo Gil ganó el Goya al Mejor cortometraje de ficción en 2010 por Dime que yo, llevándose además el Goya al Mejor guión original como coguionista de Ágora, dirigida por Alejandro Amenábar, en una noche que a buen seguro no olvidará fácilmente.

Y para ello plasmó el mismo en un guión, la idea que había tenido junto a Xisela López. Dicho guión, resulta brillante como pocos habréis visto en un cortometraje, consiguiendo plasmar en unos minutos la esencia de las relaciones de pareja, algo que infinidad de largometrajes románticos, ya sean comedias o dramas, rara vez consiguen. No le sobra una palabra, ni una sola frase, algo que hay que valorar en su justa medida.

Además está llevado a la pantalla de forma brillante, plasmando con fidelidad, y siempre desde el punto de vista óptimo, para que seamos partícipes en primera persona de lo que nos quiere contar. Su pareja protagonista, Fele Martínez (Abre los ojos, Los amantes del círculo polar, La mala educación), que ganó el Goya al Mejor Actor Revelación en 1996 por Tesis, de Alejandro Amenábar, y la actriz mallorquina Judith Diakhate (La noche de los girasoles, Diario de una ninfómana), una belleza de padre nigeriano y madre española, bordan sus papeles para poner la guinda del pastel a un trabajo del que no os contaré nada mas, porque lo que tenéis que hacer es disfrutarlo.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube