El hijo de Saúl (Son of Saul) - László Nemes (2015)

Saul fia, Son of Saul, hijo de Saúl, László NemesTítulo original - Saul fia (Son of Saul)
Año - 2015
Duración - 107 min.
País - Hungría
Director - László Nemes
Guión - László Nemes, Clara Royer
Música - László Melis
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Matthieu Taponier
Producción - Gábor Sipos y Gábor Rajna
Productora - Laokoon Filmgroup
Género - Drama
Reparto - Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg, Uwe Lauer, Attila Fritz, Kamil Dobrowolski, Christian Harting
Web oficial - http://sonyclassics.com/sonofsaul/


László Nemes escribe junto a Clara Royer, dirige y además se encarga de la banda sonora, del que es su debut en la gran pantalla, la multipremiada Saul fia (Son of Saul o El hijo de Saúl). Un viaje a través del campo de concentración de Auschwitz, en el que acompañaremos a un prisionero miembro de los Sonderkommandos, no apto para todos los paladares y que no suele dejar a nadie indiferente. Una historia similar a muchas de las contadas sobre el exterminio nazi, pero haciéndolo de forma muy diferente a la habitual, en la que el espectador intuye mucho mas de lo que ve y participa de forma directa en la asfixiante atmósfera que se vive en tan terrible lugar, siempre contando con que se meta en su historia y en como nos la cuentan. Te gustará o no, pero de lo que no queda duda es que consigue innovar en un tema tan recurrente en el mundo del cine como el holocausto. Si me lo dicen antes de verla no lo creo.

Saul fia, Son of Saul, hijo de Saúl, László Nemes

Sinopsis: Campo de concentración de Auschwitz, 1944. Saúl (Géza Röhrig) es un prisionero judío de origen húngaro que pertenece a los Sonderkommandos, judíos elegidos por los nazis que se encargan de conducir hasta las cámaras de gas a los grupos de judíos que llegan constantemente, encargándose de la recogida de los efectos personales de estos y la limpieza de las cámaras donde son asesinados, a cambio de lograr sobrevivir. En una de las limpiezas, Saúl descubre a un chico que ha sobrevivido inicialmente al gas, aunque ya es tarde para el y no consigue salvar su vida. A partir de ese momento intentará al menos salvarlo del crematorio, haciéndolo pasar por su hijo e intentando que reciba un entierro acorde a su fe.

El director: Nemes Jeles László (László Nemes) es un guionista y director de cine húngaro, nacido en Budapest, el 18 de febrero de 1977. Hijo del director de cine András Jeles, creció en París, interesándose desde muy joven en el mundo del cine. Después de estudiar Historia, Relaciones Internacionales y posteriormente, formarse como guionista, Nemes fue asistente del destacado director de cine Béla Tarr. Tras dirigir los cortometrajes Con un poco de paciencia (2007), The Counterpart (2008) y The Gentleman Takes His Leave (2010), por fin a los 38 años ha podido dirigir su primer largometraje, El hijo de Saúl, obteniendo con él resultados inimaginables que lo han llevado a alzarse con el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa, el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en Cannes, el Globo de Oro como Mejor película de habla no inglesa, el Premio David di Donatello al Mejor film de la Unión Europea y el Independent Spirit Awards a la Mejor película extranjera, entre otros muchos. En la actualidad trabaja en el drama Sunset, ambientada en el Bucarest de los años previos a la I Guerra Mundial. En principio se espera para 2017.

La película: Son of Saul es ante todo una película muy arriesgada, cuya principal característica puede ser su gran acierto o su talón de aquiles, en función de la opinión y el gusto de cada espectador. A esa carta se la jugó László Nemes para escribir y llevar a la pantalla su opera prima, la que además le sirve para rendir su propio homenaje a la familia de su madre, que desapareció en uno de esos campos de exterminio. En gran parte de la película, cámara en mano, seguiremos fijamente a nuestro protagonista durante su odisea dentro del infierno donde intenta sobrevivir. No seguimos la acción en primera persona, como si de un videojuego se tratase y la cámara simulase ser los ojos del protagonista, sino que seguimos los pasos en todo momento de Saúl, nos convertimos en su sombra de forma constante para así hacernos sentir parte de lo que el siente, pero sin mostrar lo que ve claramente ante nuestros ojos. Esto hace que la experiencia difiera de la que proporciona cualquier otra película, pero es algo que no es soportado por todo el mundo.

Saul fia, Son of Saul, hijo de Saúl, László Nemes

Pero no contento con tan peculiar forma de filmar la película, László Nemes la rueda en un formato de 4:3, en 35 mm., por lo que el campo de visión del espectador se estrecha considerablemente, aumentando así la sensación de agobio constante que sufre. Además, en multitud de ocasiones, la figura de Saúl es la que aparece enfocada, debiendo intuir el espectador e ir descifrando formas de todo lo que se intuye alrededor del protagonista, aunque para eso tengamos la inigualable ayuda del sonido, que en esta ocasión alcanza una importancia pocas veces vista anteriormente. Recuerdo una escena en especial en la que vemos de frente la cara impasible del protagonista, absorto y prácticamente ausente mientras está apoyado en las puertas de una cámara de gas en pleno funcionamiento, a la vez que se oye y se imagina el dantesco espectáculo de su interior.

La infancia de Iván (Ivan's Childhood) - Andrei Tarkovsky (1962)

Título original - Ivanovo detstvo (Ivan's Childhood)
Año - 1962
Duración - 95 min.
País - Unión Soviética (URSS)
Dirección - Andrei Tarkovsky
Guion - Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava
Música - Vyacheslav Ovchinnikov
Fotografía - Vadim Yusov
Montaje - Lyudmila Feiginova
Producción - Gleb Kuznetsov
Productora - Mosfilm
Reparto - Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina
Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Espionaje, Infancia, Nazismo


La infancia de Iván (Ivan's Childhood) supuso el primer trabajo que el inolvidable realizador ruso Andrei Tarkovsky dejó para la historia del cine. Un trabajo del que se hizo cargo tras el despido del anterior realizador, en el que con la fotografía de Vadim Yúsov, el montaje de Lyudmila Feiginova, la banda sonora de Vyacheslav Ovchinnikov y el protagonismo de Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov y Yevgeni Zharikov, intentó mostrarnos de una manera hermosa y poética su enorme odio a la guerra. Un drama bélico en el que no asistiremos a ninguna batalla, pero si a los estragos del conflicto.


Sinopsis - Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. La película narra la historia de un niño huérfano, Iván (Nikolái Burliáyev), y de su infancia durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia ha muerto a manos de soldados alemanes. Él logra escapar y es adoptado por una unidad del Ejército Rojo en el frente oriental. En una forma de venganza, el pequeño Iván se decide a colaborar con las tropas soviéticas, y, gracias a su pequeña estatura, realiza con éxito labores de exploración que requieren que cruce las líneas enemigas.

El directorAndréi Arsénievich Tarkovski fue un director de cine, actor, poeta y escritor ruso, nacido en  Óblast de Ivánovo, antigua Unión Soviética, el 4 de abril de 1932. Su padre fue Arseni Tarkovski, reconocido como uno de los poetas rusos más destacados de todo el siglo XX, y su madre María Ivánova Vishnyakova. En su juventud, estudió música, pintura y escultura, aprendió lenguas orientales en Moscú antes de interesarse por el cine; también trabajó como geólogo por un tiempo en Siberia.

Pronto fue el centro de atención de todo el mundo con su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), que obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia, Italia (ex aequo con Cronaca familiare de Valerio Zurlini). Sin embargo, fue sometido a una estricta vigilancia de las autoridades soviéticas, que temían que sus siguientes filmes no siguiesen las férreas directrices del Partido Comunista de la Unión Soviética, por lo que se le recortó el presupuesto para filmar El idiota de Fiódor Dostoyevski y se le negó enteramente el rodaje de una película dedicada al Evangelio de Lucas (ninguna de ellas vio jamás la luz). Como resultado de esa vigilancia, su siguiente film, Andréi Rubliov (1966), fue prohibido hasta 1971. Su siguiente obra, Solaris (1972), fue aclamada en el Este y considerada por muchos como la respuesta soviética a la película 2001: Una odisea del espacio, del director estadounidense Stanley Kubrick, aunque Tarkovski siempre afirmó que no la había visto.

El realizador tuvo un problema con las autoridades, que por poco le cuesta la cárcel, a raíz de su película Zérkalo (El espejo) (1975), una densa y autobiográfica película con una radical, innovadora y sugestiva estructura narrativa. Su siguiente película, también de ciencia ficción, Stalker (1979), tuvo que ser filmada de nuevo, con una drástica reducción económica en la producción, después de que un accidente en el laboratorio destruyese totalmente la primera versión filmada. Nostalgia (1983), filmada en Italia, fue su última película realizada bajo la estricta vigilancia de la Unión Soviética, ya que poco después de su filmación huyó con su segunda mujer a Suecia. Su última película, Sacrificio (1986), fue filmada en Suecia con la ayuda de los colaboradores habituales del cineasta sueco Ingmar Bergman, ganó cuatro premios en el Festival de Cine de Cannes, un hecho sin precedentes en la historia del cine soviético. Sin embargo, Andréi Tarkovski estaba sufriendo los estragos del cáncer que acabaría con su vida, por lo que le fue imposible asistir a recoger el Premio Especial del Jurado que obtuvo esta película, siendo su hijo Andriushka quien lo recogió ante un aplauso general que se prolongó durante varios minutos. Falleció el 29 de diciembre de 1986, en París a los 54 años. Fue enterrado en el cementerio para inmigrantes rusos de Sainte-Geneviève-des-Bois, en Isla de Francia.

La película - Al cine de Andrei Tarkovsky le ocurre algo similar a lo que le ocurre al cine de Ingmar Bergman o David Lynch, pues resulta tan venerado y puesto por las nubes por sus incondicionales, que parte de los que no lo han disfrutado intentan hacerlo y acaban llevándose un chasco. La cosa pienso que debería ser mucho mas sencilla que todo eso. O te gusta o no lo hace, sin que si te gusta debas ser clasificado como un snop cinéfilo, como he leído ya en varias ocasiones, o si no te gusta tengas que ser tachado de inculto. Lo que no podemos, o mas bien no deberíamos, es tratar de imponer nuestros gustos y opiniones a los demás, algo que además de ser bastante desagradable, no hace mas que mostrar la bravuconería y la arrogancia que, por desgracia, cada vez están mas a la vista en la relación entre los seres humanos, sobre todo escudados tras la seguridad y la impunidad que les otorga un nick cualquiera. Con La infancia de Iván, y a pesar de ser una de las obras del realizador ruso mas accesibles, ocurre esto que les acabo de contar, un cine que jamás llegará a llenar a los que buscan simplemente entretenimiento, algo tan respetable como cualquier otra opinión, pero que sin embargo consigue llenar a otros espectadores, que suelen buscar algo diferente en este arte, o al menos a parte de ellos.


Kingdom (Serie de TV) - Kim Seong-hoon, Park In-je (2019)

Título original - Kingdom
Año - 2019
Duración - 50 min.
País - Corea del Sur
Dirección - Kim Seong-hoon, Park In-je
Guión - Kim Eun-hee, basado en el cómic de Kim Eun-hee y Yang Kyung-Il
Fotografía - Tae-Sung Kim
Productora - Coproducción Corea del Sur-Estados Unidos; AStory. Distribuida por Netflix
Género - Serie de TV. Terror. Fantástico. Thriller. Acción. Drama | Zombis. Pandemias. Edad Media. Cómic
Reparto - Ju Ji-hun, Doona Bae, Ryu Seung-ryong, Greg Chun, Hye-Jun Kim, Kim Sang-ho, Kim Sung-kyun, Heo Jun-ho, Jun Suk-Ho, Kim Tae-Yul, Kim Tae-hoon, Park Byeong-eun, Jin Seon-kyu, Yoo Seung-mok, Jun Ji-hyun
Web oficial - https://www.netflix.com/title/80180171


Kim Eun-hee ha sido el guionista encargado de adaptar el cómic del que es autor junto a Yang Kyung-Il, para ofrecernos un producto sorprendente, distribuido en nuestro país por Netflix. Una historia de luchas por el poder en la edad media, concretamente en la era de la dinastía Joseon, en la que hemos de añadir un extraño y jugoso ingrediente: el de un apocalipsis zombi. Adictiva y muy recomendable, puedo asegurar tras deleitarme con su segunda temporada, que tenemos serie para largo (al menos eso espero). Una muy agradable sorpresa.


Sinopsis - Ambientada en la era de la dinastía Joseon, unos años después de las invasiones japonesas de Corea (1592-1598), nos cuenta la historia del Príncipe Heredero Lee Chang (Ju Ji-hoon), quien tras toparse con la prohibición de ver a su padre supuestamente enfermo, por el poderoso Consejero de Estado (Ryu Seung-ryong) y la Reina Consorte (Kim Hye-jun), ha de luchar contra una conspiración política que amenaza su vida y la de su pueblo, mientras investiga la propagación de una misteriosa plaga.

Imágenes de asiankiwi.com
Los directores -  Hasta ahora han participado dos directores en la serie. El realizador Kim Seong-hoon dirigió la primera temporada completa y el primer episodio de la segunda.

Nacido el 20 de febrero de 1971 en Corea del Sur, ha dirigido cine y televisión. En su trabajo figuran títulos como el thriller de acción A Hard Day (2014), el thriller dramático The Tunnel (2016) y la comedia de acción Confidential Assignment (2017), además de la que hoy nos ocupa.

El realizador Park In-je ha dirigido los últimos cinco episodios de la segunda temporada en la serie.

Anteriormente dirigió el thriller de acción The Informers (2011) y el drama político The Mayor (2017). Un total desconocido para mi hasta ahora.

La serie - Aun recuerdo aquellos tiempos en los que costaba mucho que productos como Kingdom viesen la luz. El universo de los muertos vivientes nos obsequiaba con alguna que otra película de vez en cuando, que además en muchas ocasiones distaba de tener cierta calidad, por lo que ver alguna en condiciones se podía considerar como un regalo. El enorme auge del subgénero y su salto a la pequeña pantalla hizo que los incondicionales del mismo lo tuviesen mucho mas fácil para saciar sus ansias, algo inconcebible con anterioridad, pero de igual forma hizo que la calidad y la originalidad bajase proporcionalmente. Cuestión de estadística.


Con Kingdom he de reconocer que tenía mis reticencias, ya que además de que el subgénero zombi está bastante alicaído últimamente, los ingredientes de la serie distan mucho de parecer de fácil convivencia. ¿Una pandemia zombi en medio de la edad media? ¿En los tiempos de la Corea feudal? La verdad es que cuesta masticar y digerir algo así de buenas a primeras, pero con tan solo comenzar a disfrutarla, te das cuenta de que el nivel general en casi todos los apartados no es que sea bueno, sino que resulta incluso brillante en muchos de ellos. Prueba de ello es que digerí de una sentada cuatro episodios, como el que no quiere la cosa, algo que personalmente hago en contadas ocasiones.

Defensa (Deliverance) - John Boorman (1972)

Título original - Deliverance
Año - 1972
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Dirección - John Boorman
Guion - James Dickey, basado en la novela del propio James Dickey
Música - Eric Weissberg
Fotografía - Vilmos Zsigmond
Montaje - Tom Priestley
Producción - John Boorman
Productora - Warner Bros., Elmer Enterprises
Reparto - Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, James Dickey, Bill McKinney, Ed Ramey, Billy Redden, Seamon Glass, Randall Deal, Herbert 'Cowboy' Coward, Lewis Crone, Ken Keener, Johnny Popwell, John Fowler, Kathy Rickman
Género - Aventuras, Drama, Thriller / Supervivencia, Naturaleza, Amistad, Película de culto


John Boorman fue el director encargado de producir y dirigir el guion que James Dickey realizó adaptando su propia novela. Con la fotografía de Vilmos Zsigmond, el montaje de Tom Priestley, la banda sonora de Eric Weissberg y las actuaciones de Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox, estamos ante un trabajo único, que no ha perdido un ápice de su vigor y su fuerza tras casi cuarenta años. Una simbiosis perfecta entre la belleza de sus paisajes naturales, la dureza de su relato y la complejidad de la naturaleza humana. Imprescindible.


Sinopsis - Cuatro amigos que viven en la ciudad deciden pasar un fin de semana en los Montes Apalaches, lejos de sus familias y los problemas de la oficina. Quieren bajar en canoa un río que atraviesa un bosque que pronto será inundado para la construcción de una presa. Todo parece ir bien pero, tras una jornada placentera, el encuentro con varios lugareños convierte la excursión en una angustiosa pesadilla.

El director John Boorman es un cineasta británico nacido en Surrey, Inglaterra, el 18 de enero de 1933, aunque está establecido en Irlanda. Hijo de Ivy y George Boorman, estudió en el colegio salesiano de Chertsey, Surrey, aunque su familia no era católica.

Boorman comenzó a trabajar como periodista a finales de los 50 y filmó un documental para la BBC; fue entonces cuando el productor David Deutsch se fijó en él y lo puso al frente de la película musical Catch Us If You Can (1965), tras la que dio el salto a Hollywood, donde debutó con la magnífica A quemarropa (Point Blank, 1967), un thriller dramático interpretado por Lee Marvin y Angie Dickinson. Tras ella rodó la brillante Infierno en el pacífico (1968), un drama de supervivencia con Lee Marvin y Toshirô Mifune, donde demostró que no necesitaba un guión excelso para realizar una buena película. Tras la comedia dramática Leo el Último (1970), con Marcello Mastroianni y Billie Whitelaw, filmó la brillante Deliverance (1972), con Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox, a la que le siguió Zardoz (1974), un trabajo de ciencia ficción con Sean Connery y Charlotte Rampling.

De vuelta a Estados Unidos tomó una de las peores decisiones de su carrera, la de dirigir El exorcista 2: El hereje, con Linda Blair y Richard Burton, tras la que volvió a Europa, donde dirigió la inolvidable Excalibur (1981), a la que le siguieron la película de aventuras La selva esmeralda (1985) y el drama ambientado en la segunda guerra mundial Esperanza y gloria (1987). Sus siguientes trabajos fueron la comedia dramática Donde está el corazón (1990), con Dabney Coleman y Uma Thurman, el drama de Más allá de Rangún (1995), con Patricia Arquette y Frances McDormand y el drama El General (1998), con Brendan Gleeson y Adrian Dunbar. Sus últimos trabajos fueron la película de espionaje El sastre de Panamá (2001), con Pierce Brosnan, Geoffrey Rush, Jamie Lee Curtis y Brendan Gleeson, el drama romántico Un país en África (2004), con Juliette Binoche, Samuel L. Jackson y Brendan Gleeson, el thriller La cola del tigre (2006), con Brendan Gleeson y Kim Cattrall, y el prescindible drama Reina y patria (2014), con Callum Turner y Caleb Landry Jones al frente de su reparto.

La película - Resulta curioso ver como ha evolucionado el mundo del cine, sobre todo el estadounidense. Deliverance (me niego a utilizar un título tan burdo como Defensa), que en su momento supuso una enérgica ruptura con los cánones hasta entonces utilizados, se presentaba en la gala de la 45.ª edición de los Premios Óscar, edición en la que se premió con un merecido Óscar honorífico al inolvidable Edward G. Robinson, nominada como mejor película, mejor director (John Boorman) y mejor montaje (Tom Priestley), pero por desgracia tuvo que competir con obras como El Padrino (The Godfather) o Cabaret, que acapararon gran parte de los galardones, historia que se repitió en los Globos de Oro. A día de hoy, el nivel de los trabajos con bandera estadounidense que se presentan a los deseados premios ha bajado enormemente, al menos para un servidor, algo ante lo que los aficionados poco podemos hacer, por lo que me encantaría ver que resultados obtendría Deliverance en la actualidad. 


Elling - Petter Naess (2001)

Elling, Petter, NaessTítulo original - Elling
Año - 2001
Duración - 90 min.
País - Noruega
Director - Petter Naess
Guión - Axel Hellstenius, basado en la novela de Ingvar Ambjørnsen
Música - Lars Lillo Stenberg
Fotografía - Svein Krøvel
Montaje - Inge-Lise Langfeldt
Producción - Dag Alveberg
Reparto - Sven Nordin, Per Christian Ellefsen, Marit Pia Jacobsen, Jorgen Langhelle, Per Christensen
Productora - Film OG TV Produksion / Nordisk Film / Audiovisuelt Produksionfond
Género - Comedia, Drama


Petter Naess fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Axel Hellstenius escribió adaptando la novela Brødre i blodet (Hermanos de sangre) de Ingvar Ambjørnsen. Un magnífico trabajo basado en su enorme sencillez, la perfecta construcción de sus personajes y el enorme oficio del que hacen gala dos magníficos actores que hasta ahora eran desconocidos para mi: Sven Nordin y Per Christian Ellefsen. Una comedia que te hará reír y sufrir junto a sus personajes, con el suficiente tacto y buen gusto como para que acabes respetándolos y queriéndolos, pero nunca riéndote de ellos. Brillante.

Elling, Petter, Naess

Sinopsis: Elling (Per Christian Ellefsen) y Kjell Bjarne (Sven Nordin) son compañeros de habitación en la institución mental donde están internados desde hace algún tiempo. Son dos personajes totalmente diferentes, pero parece que se llevan y se compenetran bastante bien, hecho por el cual la asistencia social noruega decide concederles un apartamento y tutelarlos mientras se acostumbran a su nuevo estatus, vivir en libertad. Pero para dos personas acostumbradas a las normas y la seguridad que les da la institución, no será nada fácil realizar tareas sencillas que para cualquiera son cotidianas, pero para ellos suponen todo un reto.

Elling, Petter, NaessEl director: Petter Naess es un actor y director de cine noruego nacido en Oslo, el 14 de marzo de 1960. Comenzó como actor de teatro en 1985, ejerciendo como tal también en cine y televisión. En el teatro comenzó a escribir guiones y a dirigir sus propias obras trabajando en el Oslo Nye Teater desde 1997, entre las que destaca la exitosa Elling and Kjell Bjarne, que posteriormente dio lugar a la película que hoy nos ocupa. Debutó en el cine con la comedia dramática Absolute Hangover (1999), tras la que dirigió Elling (2001). Prosiguió su carrera en el cine noruego dirigiendo el drama Just Bea (2004) y la comedia dramática Elsk meg i morgen (2005), tras las que dirigió su primer y único trabajo hasta la fecha con bandera estadounidense, Crazy in Love (Locos de amor) (2005). Tras dirigir el drama sueco Leaps and Bounds (2007) regresó al cine de su país, donde ha dirigido la comedia romántica Gone with the Woman (2007), el drama Shameless (2010) y el drama bélico Perdidos en la nieve (2012), su último trabajo hasta la fecha.

La película: Ante todo, por si alguno de ustedes se habían hecho una idea equivocada, aclarar que estamos ante un producto muy diferente a la mayoría de los trabajos que en tono de comedia se suelen hacer sobre temas similares a la que trata Elling. Además hay que dejar claro que hablamos de una comedia dramática a la europea, que poco o nada suele tener que ver con las que nos llegan de Estados Unidos, por lo que no esperemos que consiga sacarnos excesivas carcajadas. Por el contrario consigue que, sin necesidad de ridiculizar a sus protagonistas ni adjudicarles conductas poco realistas, asistamos a su odisea con media sonrisa en la cara. Acabas empatizando con ellos, cogiéndoles cariño, algo que para algunos es sinónimo de búsqueda de sentimentalismo fácil, pero que yo no comparto. Para mi es la consecuencia lógica de una excelente construcción de sus personajes y dos magníficas interpretaciones.

Elling, Petter, Naess

La heroicidad no es un concepto que suela ir unido a la fama, el reconocimiento o la admiración por parte de los demás. Muy alejados de los ojos de la mayoría de las personas existen seres que luchan a diario contra la adversidad, con la simple meta de llevar lo que la sociedad denomina "una vida normal", haciendo frente a las dificultades que tienen para hacer cosas que a nosotros nos parecen sencillas o habituales y aguantando además la poca consideración y comprensión de la mayoría de sus semejantes, muy dados a señalar y segregar a cualquiera por el simple hecho de ser diferentes. Héroes de a diario, de los que pocos hablan, cuyas hazañas rara vez salen en los libros de aventuras, pero que en este hermoso trabajo son, aunque sea por una sola vez y si quieren sin que sirva de precedente, los principales protagonistas.

Las diabólicas (Les diaboliques) - H.G. Clouzot (1955)

diabólicas, H.G. Clouzot, Les diaboliquesTítulo original - Les diaboliques
Año - 1955
Duración - 114 min.
País - Francia
Director - H.G. Clouzot
Guión - H.G. Clouzot, Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, basado en la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejec
Música - Georges Van Parys
Fotografía - Armand Thirard
Montaje - Carol Littleton
Producción - H.G. Clouzot y Marvin Worth
Productora - Vera Films
Género - Intriga, Thriller
Reparto - Simone Signoret, Véra Clouzot, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Thérèse Dorny, Georges Chamarat, Michel Serrault


Henri Georges Clouzot (en adelante H.G. Clouzot) fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por el mismo junto a Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, en el que adapta la novela Celle qui n'était plus de Pierre Boileau y Thomas Narcejec. Un excelente thriller psicológico filmado con pulso firme, en el que destaca la magnífica fotografía de Armand Thirard y la actuación de su trío protagonista: Paul Meurisse y sobre todo Simone Signoret y Véra Clouzot. Ocupa un lugar de privilegio en mi lista de las mejores películas francesas de todos los tiempos.

diabólicas, H.G. Clouzot, Les diaboliques

Sinopsis: Michel Delassalle (Paul Meurisse) es el director de un modesto internado en el que convive con Christina (Véra Clouzot), su sufrida esposa y dueña legítima del centro y Nicole Horner (Simone Signoret), una maestra con la que mantiene una relación a los ojos de su esposa. Entre ambas mujeres, antaño rivales por el amor de Michel, ha nacido una relación de amistad que, ante la insoportable situación, las hace decidir que han de hacer algo para no seguir aguantando los constantes maltratos y faltas de respeto que ambas sufren del arrogante y violento sujeto.

El director: H.G. Clouzot fue un director, guionista y productor de cine francés nacido en Niort, el 20 de noviembre de 1907. Con un cine a camino entre el cine clásico francés y la Nouvelle Vague, no fue un revolucionario del lenguaje cinematográfico, pero sí creó atmósferas opresivas y sórdidas en las que se movían sus personajes, habitualmente de instintos primarios y dudosa moral. Entre su filmografía podemos destacar varios títulos: El asesino vive en la 21 (1942), El Cuervo (1943), En legítima defensa (1947), Manon (1949), El salario del miedo (1953), de la que os hablamos en este artículo, Las Diabólicas (1955), El Misterio Picasso (1956), Los Espías (1957) o La Vérité (1960).

La película: El cine francés sigue siendo un gran desconocido para muchos aficionados al cine, que tras alguna que otra mala experiencia (como te toque una mala película echate a temblar) suelen ser muy rehaceos a repetir por temor a la enfermedad del sueño, pero en su rica historia podemos encontrar trabajos de una calidad difícilmente mejorable, trabajos como por ejemplo este al que hoy nos dedicamos. Se cuenta que el maestro Hichcock le tenía echado el ojo a la excelente novela de de Pierre Boileau y Thomas Narcejec, autores entre otras de la que dio lugar a la magistral Vértigo, pero el realizador H.G. Clouzot se le adelantó, comprando sus derechos, antes incluso de haber concluido el rodaje de El salario del miedo (1953). La verdad es que no me extraña, porque la historia le venía que ni pintada al bueno de Alfred y su maravillosa forma de ver el cine, pero me atrevería a afirmar sin temor a equivocarme, que el trabajo realizado por Clouzot hubiera sido firmado con gusto por el propio Hichcock, que ya es decir.

diabólicas, H.G. Clouzot, Les diaboliques

Lo cierto es que estamos ante una película que debería visionar detenidamente cualquier realizador actual que tuviese la intención de rodar un thriller, género muy utilizado en la actualidad, pero que en muchas ocasiones es realizado sin tener en cuenta las cualidades principales que ha de tener un trabajo del género: captar y mantener la atención del espectador, grandes dosis de suspense, la utilización de algunos giros en el guión capaces de sorprender, pero a la vez ser resultar creíbles y crear la atmósfera adecuada para ambientar correctamente la historia que se nos muestra. H.G. Clouzot lo consigue aquí con nota, firmando un trabajo realmente completo y muy brillante, que pasa ante nuestros ojos tan rápido como un tren de alta velocidad, señal de que nos ha enganchado desde un primer momento y no nos ha dejado ni un segundo de respiro.

Tarde para la ira - Raúl Arévalo (2016)

Título original - Tarde para la ira
Año - 2016
Duración - 89 min.
País - España 
Dirección - Raúl Arévalo
Guion - Raúl Arévalo, David Pulido
Música - Lucio Godoy y Vanessa Garde
Fotografía - Arnau Valls Colomer
Montaje - Ángel Hernández Zoido
Producción - Beatriz Bodegas y Sergio Díaz
Productora - La Canica Films, TVE
Reparto - Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez, Font García, Pilar Gómez, Chani Martín, Paco Benjumea, Berta Hernández, Alfonso Blanco, Ramiro Alonso, Inma Sancho, Chema Adeva, Juan Vinuesa, Chema del Barco
Género - Thriller / Venganza, Crimen


Raúl Arévalo escribe junto a David Pulido y dirige la película que supone su debut como director, llamada Tarde para la ira. Un thriller con aroma a western urbano con una factura impecable, en el que destaca la fotografía de Arnau Valls Colomer, el montaje de Ángel Hernández Zoido, la banda sonora de Lucio Godoy y Vanessa Garde, y las actuaciones de su trio protagonista, formado por Antonio de la Torre, Luis Callejo y Ruth Díaz. Cine de muchísimos quilates que merece la pena disfrutar y que poco o nada tiene que envidiar a productos similares con mucho mas presupuesto, ya sean españoles o no. Imprescindible. 


Sinopsis - Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco a una joyería. Era el conductor, y el único detenido por el robo. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su novia Ana y su hijo, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José.

El director Raúl Arévalo Zorzo es un actor y director español nacido en Móstoles, Madrid, el 22 de noviembre de 1979. Comenzó su carrera como actor en la serie Compañeros, donde interpretó el papel de Carlos durante dos temporadas entre 2001 y 2002. Fue una oportunidad que le llegó cuando todavía no había terminado sus estudios de interpretación en la conocida escuela de Cristina Rota. Al año siguiente rueda su primera película a las órdenes de Joaquín Oristrell, Los abajo firmantes, junto a Javier Cámara, Fernando Guillén y Juan Diego Botto entre otros.

Su siguiente trabajo sería Cosas que hacen que la vida valga la pena (2004), de Manuel Gómez Pereira, junto a Ana Belén y José Sacristán. Entre 2003 y 2005 hizo personajes en episodios de varias series de éxito como Hospital Central, Cuéntame cómo pasó, Aída o Motivos personales. Iñaki Martikorena le dirigiría en 2005 en el cortometraje La luz de la primera estrella (2005), donde compartía protagonismo con la actriz Marta Aledo. En 2006 interpreta a Israel en la exitosa ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo, AzulOscuroCasiNegro, junto a Quim Gutiérrez, Marta Etura y Antonio de la Torre, entre otros, por la que ganó el Premio de la Unión de Actores al mejor actor revelación. Antonio Banderas lo eligió para ser uno de los protagonistas de su segunda película como director, El camino de los ingleses (2006), al lado de Fran Perea, Félix Gómez y Alberto Amarilla, entre otros.

Le siguió ¿Por qué se frotan las patitas? (Álvaro Begines, 2007), con Lola Herrera, Carlos Álvarez-Novoa y Antonio Dechent. También volvería a trabajar con Daniel Sánchez Arévalo, esta vez en un corto titulado Traumalogía, junto a Natalia Mateo, Jorge Monje, Héctor Colomé, Estíbaliz Gabilondo y Antonio de la Torre. Interviene en Siete mesas de billar francés (Gracia Querejeta, 2007), protagonizada por Maribel Verdú y Blanca Portillo, entre otros, y en Tocar el cielo (2007), de Marcos Carnevale, junto a Chete Lera y Verónica Echegui. Al año siguiente participa en 8 citas (Peris Romano y Rodrigo Sorogoyen, 2008), con Fernando Tejero, José Luis García Pérez, Adriana Ozores y Belén Rueda, y Los girasoles ciegos (José Luis Cuerda, 2008), junto a Maribel Verdú.

Su siguiente trabajo es Primos (Daniel Sánchez Arévalo, 2011), junto a Quim Gutiérrez y Adrián Lastra. De 2012 a 2014  participa en las series Con el culo al airePromoción fantasma. También ha participado en la magnífica La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014), junto a Javier Gutiérrez, Nerea Barros y Antonio de la Torre, y en Cien años de perdón (Daniel Calparsoro, 2016), junto a otros actores como Rodrigo de la Serna, José Coronado, Luis Tosar y Patricia Vico. Le siguió . Tras aparecer en 2016 en la serie La embajada, presentó su ópera prima cómo director Tarde para la Ira, en la Mostra de Venecia de 2016,​ protagonizada por Antonio de la Torre, ganando el Goya 2017 a Mejor Película y el de Mejor Director Novel. Coprotagoniza  la serie Antidisturbios (Rodrigo Sorogoyen, 2020). Sus últimos trabajos como actor han sido El lodo (2021), dirigida por Iñaki Sánchez Arrieta, junto a Paz Vega y Roberto Álamo, y Donde caben dos (2021), dirigida por Paco Caballero, con Ernesto Alterio, Luis Callejo y Anna Castillo.

La película - A día de hoy, son ya muy pocos los directores que siguen negándose a ser dominados por la tecnología digital y continúan utilizando el celuloide para filmar sus películas. El mundo del cine, como la vida en general, ha evolucionado a la par que lo hace la tecnología, simplificando y mejorando la calidad del trabajo, aunque perdiendo a la vez gran parte del romanticismo y el encanto que tenían los rodajes. Cuando Raúl Arévalo ideó y escribió junto a David Pulido el trabajo que hoy nos ocupa, supo que a lo que deseaba mostrar en pantalla le vendría de perlas esa estética tan particular que te da el celuloide, sobre todo si utilizas para rodar 16 mm y posteriormente se pasa a 35 mm, para su exhibición en salas de cine. La decisión no ha podido ser mas acertada, ya que con ella aumenta de forma increíble la autenticidad de una película que, ya de por si, derrocha naturalidad por los cuatro costados.


El amigo americano (The American Friend) - Wim Wenders (1977)

Título original - Der Amerikanische Freund (The American Friend)
Año - 1977
Duración - 121 min.
País - Alemania del Oeste (RFA)  
Dirección - Wim Wenders
Guion - Wim Wenders, basado en la novela El juego de Ripley, de Patricia Highsmith
Música - Jürgen Knieper
Fotografía - Robby Müller
Montaje - Peter Przygodda
Maquillaje - Evelyn Döhring y Hannelore Uhrmacher
Vestuario - Isolde Nist
Producción - Wim Wenders
Productora - Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia; Road Movies Filmproduktion, Les Films du Losange, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bavaria Film, Filmverlag der Autoren, Wim Wenders Productions
Reparto - Bruno Ganz, Dennis Hopper, Lisa Kreuzer, Gérard Blain, Andreas Dedecke, David Blue, Stefan Lennert, Rudolf Schündler, Heinz Joachim Klein, Rosemarie Heinikel, Nicholas Ray, Samuel Fuller, Lou Castel, Daniel Schmid, Sandy Whitelaw, Jean Eustache
Género - Thriller, Drama / Crimen, Neo-noir, Road Movie, Película de culto


Wim Wenders escribe, adaptando la novela El juego de Ripley de Patricia Highsmith, y dirige su particular homenaje al cine negro estadounidense, llamado El amigo americano. Con una mezcla de neo-noir y road movie, la eficaz fotografía de Robby Müller y el excelente trabajo de todo su reparto, con Bruno Ganz y Dennis Hopper a la cabeza, estamos ante uno de esos trabajos que tienen alma propia y unas señas de identidad bien definidas, que no suele dejar indiferente a ningún espectador. 


Sinopsis - El marchante americano Tom Ripley (Dennis Hopper) intenta poner a prueba la integridad de Jonatham Zimmermann (Bruno Ganz), un humilde fabricante de marcos que padece una enfermedad terminal. Ripley le presenta a un gánster que le ofrece mucho dinero a cambio de que trabaje para él como asesino a sueldo. En un principio rechaza la oferta, pero, al pensar en el precario futuro que espera a su mujer y a su hijo después de su muerte, comienza a replanteárselo.

El director - Wim Wenders es un guionista, productor, actor y director de cine alemán que ha realizado parte de su obra en los Estados Unidos. Nació en Düsseldorf, el 14 de agosto de 1945. Estudió parcialmente medicina y filosofía en la universidad de Brisgovia (estuvo a punto de convertirse en sacerdote), tras lo que estudió fotografía. En 1967 comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Múnich, que se abría ese mismo año.

París, Texas, WendersDe 1967 a 1970, Wenders frecuentó la Hochschule für Film und Fernsehen en Múnich, y ya en 1967 realizó su primer corto, Escenario. Al año siguiente hizo otros tres: El mismo jugador dispara de nuevoKlappenfilm, dirigido junto a Gerhard Theuring y Victor I. Ese mismo año comienza a colaborar como crítico en Filmkrit y Suddeutsche Zeitung. Su primer largometraje fue Summer in the City (1970), tras el que rodó El miedo del portero ante el penalti (1972), sobre una novela de Peter Handke, con el que trabajará una y otra vez. Desde entonces hará una película al año.

Afianza su imagen con los siguientes tres trabajos: Alicia en las ciudades (1974), Falso movimiento (1975) y En el curso del tiempo (1975), pero es con El amigo americano (1977), basada en la novela El juego de Ripley de Patricia Highsmith, con la que es conocido internacionalmente, tras lo que se traslada parcialmente a los Estados Unidos, encadenando títulos experimentales como Relámpago sobre el agua (1980), El hombre de Chinatown (1982) y El estado de las cosas (1982) con historias intimistas como Paris, Texas (1984), El cielo sobre Berlín (1987) o su secuela ¡Tan lejos, tan cerca! (1993).

En su actividad mas reciente destacan sus documentales Buena Vista Social Club (1999), Martin Scorsese presenta the Blues - The Soul of a Man (2003), Invisibles (2007), Pina (2011) o La sal de la Tierra (2014). En cuanto a trabajos de ficción, su nivel no es el que era antaño, destacando entre ellos Tierra de abundancia (2004), 8 (Ocho) (2008),, Todo saldrá bien (2015), Los hermosos días de Aranjuez (2016), Inmersión (2017) y el documental El Papa Francisco, un hombre de palabra (2018), siendo este último el único de ellos que consigue un aprobado (6.4) en la web Filmaffinity.

La película - Tal como cuenta el propio Wim Wenders en unos comentarios que realiza junto a Dennis Hopper, incluidos en el DVD de la película, el realizador germano tenía mucho interés en trasladar a la gran pantalla una novela de la famosa novelista estadounidense Patricia Highsmith, titulada El grito de la lechuza. Lamentablemente, los derechos no estaban disponibles, algo que le ocurrió una y otra vez al intentarlo con otros títulos de la misma escritora, cuyos derechos habían sido ya vendidos. Por fortuna, Patricia Highsnith fue informada por su editor del interés del director alemán en su obra, por lo que tras entrevistarse en Suiza con el realizador, la escritora le enseñó el manuscrito de su recién finalizada novela, titulada El juego de Ripley. La adaptación de dicha novela dio lugar a la película que hoy comentamos, El amigo americano, título elegido para reemplazar al de la novela, que no convencía a Wenders, escogido por la relación entre Ripley y Jonathan en la historia que esta nos cuenta.


Mitos y leyendas (Lore) - Aaron Mahnke (2017)

Título original - Lore
Año - 2017
Duración - 40 min.
País - Estados Unidos 
Dirección - Aaron Mahnke (Creador), Christoph Schrewe, Alice Troughton, Darnell Martin, Thomas J. Wright, Nick Copus, Michael E. Satrazemis
Guion - Aaron Mahnke, Bryce Zabel, David Chiu, Alyssa Clark, David Coggeshall, Sean Crouch, Jeff Eckerle, Carlos Foglia, Ashley Halloran, Tyler Hisel, Ashley Miller, Jose Molina, Glen Morgan, Marilyn Osborn, Patrick Wall
Música - Aaron Keane, Chad Lawson, Dino Meneghin
Fotografía - Stephen Campbell, Ross Sebek, Rasmus Arrildt, Jean-Philippe Gossart
Montaje - Eleanor Infante, Christopher Kronus, James Coblentz, Devon Greene, Emily Hsuan, David Minor, Kim Powell y  Scott Rosann
Producción - Isabel San Vargas, Howard Young, Chris Ness, 
Productora - Amazon Prime Video, Propagate Content, Valhalla Entertainment
Reparto - Caroline Arapoglou, Mark Ashworth, John Byner, J.T. Corbitt, Corey Creque, Matty Ferraro, Haley Finnegan, Jake Kearney, Joe Knezevich, Sandra Ellis Lafferty, Michael Patrick Lane, Nadine Lewington, Judd Lormand, Cassady McClincy, Clark Moore, Ruby Nasworthy, Cathal Pendred, Holland Roden, Richie Stephens, Dietrich Teschner, Chloe Aktas, Michael H. Cole, Steve Coulter, Hannah Culwell, Darren Darnborough, Jason Davis, Neal Genys, Ryan Homchick, Benjamin Keepers, Bethany Anne Lind, William Mahnken, Daniel Thomas May, Colton Medlin, Robert Patrick, Doug Stroup, Tom Thon
Género - Serie de TV, Terror / Serie de antología


Aaron Mahnke, creador del exitoso y galardonado podcast Lore, hace lo propio con Mitos y leyendas (Lore), una serie de antología en la que también ejerce de guionista y narrador. Con un formato atrevido y particular, Lore nos muestra los orígenes de multitud de personajes y creencias populares, como nos han afectado a lo largo de la historia y como el ser humano busca siempre una explicación, aunque esta en muchas ocasiones no sea precisamente lógica. Cada episodio, una historia diferente que merece la pena visualizar. Terror clásico con un toque muy personal.


Sinopsis - Serie de TV (2017-2018). 2 temporadas. 12 episodios. Del productor ejecutivo de The Walking Dead y el productor ejecutivo de Expediente X, esta serie de antología da vida al podcast Lore de Aaron Mahnke y descubre los acontecimientos de la vida real que engendraron nuestras pesadillas más oscuras. Mezclando escenas dramáticas, animación, imágenes de archivo y narración, Lore revela cómo nuestras leyendas de terror, como los vampiros, los hombres lobo y los ladrones de cuerpos, están arraigadas en la realidad.

El creador - Aaron Mahnke es el creador, productor y presentador del exitoso podcast Lore (ganador de los premios Best of iTunes 2015 & 2016), productor ejecutivo de la serie de televisión Mitos y leyendas (Lore) para Amazon (de los productores de The Walking Dead), y autor de la serie de libros The World of Lore (Penguin Random House / Del Rey).

Nacido y criado en Illinois, Aaron ahora vive con su esposa e hijos en la histórica costa norte de Boston, donde escribe y graba a tiempo completo.

Todo comenzó con la creación de Lore, un podcast galardonado y aclamado por la crítica sobre historias de terror de la vida real. Lore expone el lado más oscuro de la historia, explorando las criaturas, las personas y los lugares de nuestras pesadillas más salvajes. 

Cada episodio examina una nueva y oscura historia, que sirve para mostrar algún hecho ocurrido en la realidad, así como el origen de numerosos mitos y leyendas. 

Con más de 25,800 reseñas de 5 estrellas en Apple Podcasts y más de 200 millones de escuchas, su éxito se extendió hacia la literatura y la creación de la serie de televisión de la que hoy nos ocupamos, de la que hay disponibles dos temporadas en Amazon Prime video. 

La serie - He de reconocer que he sido aficionado a la radio desde que tengo uso de razón, ya que aunque a muchos le parezca que la tecnología lleva desde siempre entre nosotros, mi infancia transcurrió escuchando música en ella o en el tocadiscos que tenía mi tío. Poco después llegó la televisión, pero al solo disponer de un canal, la radio continuó teniendo casi la misma importancia en la sociedad que antes. Los años han pasado y la llegada de internet, los ordenadores, las tablets y los teléfonos de última generación parecía que la relegarían para siempre, pero ha sabido adaptarse y aprovechar ciertas características de las que no disponen otros medios. La creación del podcast hizo que la necesidad de la radio en directo se limitase a ciertos acontecimientos, dando la posibilidad a los radioyentes de escuchar sus programas favoritos cuando y como quieran. Así nació Lore, que tras conseguir unos resultados sorprendentes ha dado lugar a la creación de una serie de libros y la serie que hoy os queremos presentar.


El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) - Jon S. Baird (2018)

Título original - Stan & Ollie 
Año - 2018
Duración - 97 min.
País - Reino Unido 
Dirección - Jon S. Baird
Guion - Jeff Pope
Música - Rolfe Kent
Fotografía - Laurie Rose
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle y Billy Sneddon
Vestuario - Guy Speranza
Producción - Faye Ward
Productora - Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC, Fable Pictures, Sonesta Films, Entertainment One
Reparto - John C. Reilly, Steve Coogan, Shirley Henderson, Bentley Kalu, Nina Arianda, Danny Huston, Rufus Jones, Susy Kane, Stephanie Hyam, Charles Walters, Ella Kenion, Joseph Balderrama, Sophie Wardlow, Michael Haydon, Roger Ringrose, Julie Eagleton, Stewart Alexander, Andy Mihalache
nero - Drama, Comedia | Biográfico, Amistad, Comedia dramática, Cine dentro del cine, Teatro, Años 30, Años 50


Jon S. Baird es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion de Jeff Pope, que nos presenta el final de la carrera de los cómicos Laurel y Hardy (El Gordo y el Flaco en España). Un necesario y brillante homenaje a una pareja de una química y sincronización indudable, que alcanzó la cima haciendo reír al público con sus inolvidables sketches, brillantemente interpretados por Steve Coogan y John C. Reilly. Mención especial para la fotografía de Laurie Rose y la banda sonora de Rolfe Kent. Una delicia que no se deben perder.


Sinopsis - Stan (Steve Coogan) y Ollie (John C. Reilly), conocidos en castellano como "El gordo y el flaco", se embarcan en su gira de despedida ahora que su época dorada parece haber quedado anclada en el pasado. Con la ayuda de sus respectivas mujeres, Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), ambos logran conquistar al público de las salas de Reino Unido gracias a su peculiar manera de interpretar y de entender el mundo. Este biopic ahonda en la personalidad de ambos personajes y en las circunstancias personales que les convirtieron en figuras cómicas de leyenda.

El director - Jon S. Baird se ha convertido en poco tiempo, tras sus comienzos dentro de la producción, en uno de los jóvenes y brillantes talentos con más futuro de Escocia.

Nacido, criado y educado en Aberdeenshire (Escocia), Baird se trasladó a Londres a finales de los años noventa para sumergirse en todos los aspectos de la producción cinematográfica. El primer papel de Baird como director fue en el 2001, en el departamento de comedia de la BBC, donde dirigió varios sketches para programas de humor de actualidad. En 2004, Baird escribió, dirigió y produjo su primer cortometraje, It’s a casual life convirtiéndose posteriormente en productor asociado de Green Street Hooligans protagonizada por Elijah Wood.

Baird se dio a conocer por su dirección en la aclamada Cass (2008), una historia real basada en la vida de Cass, un huérfano jamaicano que pasó de ser el enemigo público número uno, a editor de libros de éxito. En su reparto aparecen nombres como Nonso Anozie, Natalie Press o Leo Gregory, entre otros. Tras Filth, el sucio (2013), trasladó su trabajo al mundo de la televisión, dirigiendo junto a Sally El Hosaini y Danny Boyle la serie Babylon (2014), una comedia policiaca con Brit Marling, James Nesbitt, Paterson Joseph, Bertie Carvel y Ella Smith. Tras ella dirigió algún episodio del prescindible remake Feed the Beast (2016), e hizo lo propio en la magnífica Vinyl (2016), un viaje a través de la industria de la música, en una Nueva York en los 70 espoleada por la droga y el sexo, en la que participaron Terence Winter, Martin Scorsese, Mick Jagger y Rich Cohen. Muy recomendable. También dirigió algún episodio de la comedia dramática Morir de pie (2017), que narra los inicios de la denominada 'stand-up comedy' que emergía en Los Ángeles en los años 70. Su brillante regreso a la gran pantalla ha sido El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) (2018), en la que narra el final de la carrera del querido dúo humorístico. Una maravilla que deberían disfrutar.

La película - Realizar un biopic (una película biográfica) suele ser una tarea sumamente complicada y, en muchas ocasiones, muy ingrata. Tan solo el hecho de condensar la vida de un personaje en la duración de un largometraje, ya resulta bastante complicado, ya no digamos la tarea titánica que puede ser contentar a todos sus admiradores y fans. Para colmo, suelen ser trabajos que no consiguen llevar al público a las salas de cine, por lo que a la complejidad de la realización de la película hay que añadir la, cuanto menos dudosa fiabilidad de conseguir un mínimo de rentabilidad en el negocio, que nos guste mas o menos, es lo que realmente es. Es suficiente con echar un vistazo a los resultados obtenidos hasta la fecha por los diversos biopic que se han realizado, para convencerse de la veracidad de lo que les cuento. Dicho de otra forma, suelen tener un alto riesgo para los que se dedican a financiar el cine y, salvo en contadas ocasiones, no permanecen por mucho tiempo ni en las salas de cine, ni en la memoria de los aficionados.


Persépolis - Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud (2007)

Título original - Persepolis
Año - 2007
Duración - 95 min.
País - Francia 
Dirección - Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Guion - Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, basado en el cómic de Marjane Satrapi
Música - Olivier Bernet
Fotografía - Animación
Montaje - Stéphane Roche
Diseño de producción - Marisa Musy
Coordinación de animación - Jung Wang
Producción - Xavier Rigault y Marc Antonie Robert
Productora - Coproducción Francia-Estados Unidos; 2.4.7. Films
Reparto - Animación
Género - Animación, Drama / Animación para adultos, Cómic, Biográfico, Años 90, Feminismo, Religión


Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud son los encargados de escribir y dirigir la adaptación a la gran pantalla de la novela gráfica autobiográfica de la propia Marjane Satrapi. Con una animación clásica y sencilla, que respeta sobremanera los dibujos de el cómic, y la magnífica banda sonora de Olivier Bernet, su creadora nos cuenta sus recuerdos durante los años 80 y principios de los 90, en los que creció con la guerra Irán - Irak, la revolución islamista que acabó con el régimen de los Shas y sus primeras experiencias en Europa como inevitable escenario. 


Sinopsis - Narra la conmovedora historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder, forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, y mientras tiene lugar la guerra entre Irak e Irán, Marjane descubre el punk, ABBA y Iron Maiden. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde conoce otra cultura que nada tiene que ver con la de su país. La protagonista se adapta bien a su nueva vida, pero no soporta la soledad y vuelve con su familia, aunque eso signifique ponerse el velo y someterse a una sociedad tiránica. 

Los directoresMarjane Satrapi es una historietista (guionista y dibujante), pintora​ y directora de cine franco-iraní nacida en Rasht, Irán, en 1969. Hija de una familia de Teherán, de talante progresista, reside y trabaja en París. 

Se introdujo en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B., quien le sugirió narrar de este modo sus recuerdos de infancia en Irán. Nació así la novela gráfica Persépolis, una obra autobiográfica que arranca en los momentos finales del régimen del Sha y da cuenta de las dificultades de vivir bajo un estado teocrático. La obra, publicada en cuatro volúmenes, alcanzó un gran éxito de crítica y público y fue adaptada por ella misma y Vincent Paronnaud al cine de animación (2007). Tras ella ha dirigido la comedia dramática Pollo con ciruelas (2011), de nuevo junto a Vincent Paronnaud; la comedia negra The Gang of the Jotas (2012), con María de Medeiros, Ali Mafakheri y Mattias Ripa; repitió con una nueva comedia negra, The Voices (2014), con Ryan Reynolds, Gemma Arterton y Anna Kendrick en su reparto; su último trabajo ha sido Madame Curie (2019), una cinta biográfica sobre la célebre científica polaca, que fue la primera persona en recibir dos premios Nobel en distintas especialidades (Física y Química) y la primera mujer en ocupar el puesto de profesora en la Universidad de París, a la que da vida la brillante Rosamund Pike.

Winshluss, también conocido por su nombre real Vincent Paronnaud, es un dibujante de cómics y cineasta francés, nacido en La Rochelle, en 1970. Publicó sus primeras páginas en el fanzine Las aventuras de Miguel en 1995. Colabora con la revista Ferraille, de la que tomó las riendas junto a su amigo Cizo.

En 2004 dirigió el cortometraje Raging Blues, junto a Lyonel Mathieu y Stéphane Roche. Tras Persépolis (2007) y Pollo con ciruelas (2011), ha dirigido los cortos Territoire (2014) y La Muerte, padre & hijo (2017), este último junto a Denis Walgenwitz. Dirigió uno de los episodios de la comedia de terror ASYLUM: Twisted Horror and Fantasy Tales (2020). El thriller Hunted (2020) ha supuesto su primer largometraje en solitario, con bandera belga y Christian Bronchart, Lucie Debay y Ciaran O'Brien entre su reparto.

La película - Antes de nada me gustaría aclarar mi opinión acerca de las críticas que colocan a este magnífico trabajo como un simple panfleto propagandístico, algo que me parece realmente absurdo e increíblemente injusto, pero que respeto como hago con casi todas las opiniones que leo y escucho. Persépolis nació como una novela gráfica autobiográfica escrita e ilustrada en blanco y negro por la propia Marjane Satrapi, que mas tarde prefirió dirigir su adaptación al cine junto a Vincent Paronnaud, en vez de atender y sucumbir a las frecuentes llamadas de Hollywood, donde desde su publicación despertó el interés de varios estudios por hacerse con la historia y llevarla a la gran pantalla. Según creo, el simple hecho de realizar una autobiografía lleva implícito el que esta no sea parcial, ya que es lógico que si hablas de los sucesos que te han ocurrido, lo hagas desde tu experiencia y los juzgues en función de como te han afectado, a ti y a los tuyos.