Niebla (Haemoo) - Shim Sung-bo (2014)

Título original - Haemoo
Año - 2014
Duración - 111 min.
País - Corea del Sur
Director - Shim Sung-bo
Guión - Shim Sung-bo y Bong Joon-ho
Fotografía - Kyung-pyo Hong
Montaje - Jae-beom Kim y Sang-beom Kim
Producción - Bong Joon-ho, Neung-yeon Joh y Lewis Kim
Productora - Lewis Pictures
Género - Drama
Reparto - Kim Yoon-seok, Park Yoo-chun, Ye-ri Han, Seong-kun Mun, Sang-ho Kim, Hee-jun Lee, Seung-mok Yoo, In-gi Jeong, Kyung-Sook Jo

Niebla (Haemoo) supone el debut en la dirección de Shim Sung-bo, que lleva a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Bong Joon-ho, que también participa en la producción, basado en una obra de teatro homónima de 2007, que a su vez relata una escalofriante historia real ocurrida en el buque pesquero Taechangho en 2001. Un trabajo en el que destaca su mezcla de géneros, dividido en dos partes bien diferenciadas y solo lastrado por la influencia que el cine occidental ha tenido en su realizador. A pesar de ello resulta un producto de una enorme dureza que mantiene al espectador pegado a la pantalla en todo su metraje, casi siempre con el corazón encogido, resultando muy recomendable.

Sinopsis: El capitán Cheol-joo (Kim Yoon-seok) sobrevive como puede con su viejo barco pesquero de 69 toneladas Jeonjinho, aunque cada vez le resulta mas difícil ganarse la vida con el. Los últimos contratiempos lo han hecho endeudarse hasta un límite imposible de asumir, por lo que tras pedir algo de dinero decide transportar inmigrantes ilegales coreano-chinos para poder recuperarse y volver a su vida normal. Los problemas comenzarán tras contarles sus planes a la tripulación, que aunque acepta a regañadientes, no está preparada para realizar un trabajo de este tipo. Para colmo, el mal tiempo hace que el pesquero entre en un denso banco de niebla en el que la tripulación acabará perdiendo los nervios por completo.

La película: Hace tiempo ya que el cine coreano se abrió al resto del mundo, mostrando sus grandes virtudes y sus escasos defectos, pero esto ha supuesto una metamorfosis en gran parte de sus productos, que además de ver como se amplía y cambia enormemente el público que accede a el, ha adoptado ciertas características del cine occidental que no siempre le sientan bien. Este es uno de los mejores ejemplos que tenemos en la actualidad de dicha cuestión, un trabajo de una calidad indudable, a pesar de ser una ópera prima, que rebosa de la dureza que ha dado fama al cine de su país, pero que no llega a ser redondo por la introducción en el de alguna que otra linea argumental un tanto forzada, de la que no hablaré mas para no alterar la experiencia de quien la vaya a ver.

Pero quiero dejar claro que se trata de un detalle, solo un detalle que no debe de minar vuestras ganas de verla, ya que es una película que merece la pena ser disfrutada, capaz de, tras una primera parte en la que se nos presenta y desarrolla adecuadamente a sus protagonistas y los motivos que lo llevan a aceptar un trabajo ilegal y muy peligroso, realizar un cambio total en su fisionomía y convertirse en un producto totalmente diferente, en el que el espectador presencia asombrado como el giro de los acontecimientos convierten el viaje en una auténtica pesadilla, que acaba intentando sin mucha suerte encontrar en los personajes algún rastro de como eran cuando les fueron presentados.

Es esa la característica que mas destaca en Haemoo, la enorme fuerza con la que su realizador filma una historia que ya de por si resulta bastante cruda, pero que tras pasar por sus manos se convierte en un producto adictivo y sumamente perturbador, algo que nos hace albergar esperanzas sobre el futuro de Shim Sung-bo como director, del que habrá que estar atentos a sus próximos trabajos. El mismo firma también el guión junto al bueno de Bong Joon-ho, director y guionista con gran experiencia que nos ha dejado trabajos como la memorable Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) (2003), que escribió junto al propio Shim Sung-bo y de la que os hablamos en este artículo, Tokyo! (2008), Mother (2009) o la mas reciente Rompenieves (Snowpiercer) (2013), de la que os hablamos aquí.

The Salvation - Kristian Levring (2014)

Título original - The Salvation
Año - 2014
Duración - 92 min.
País - Dinamarca
Director - Kristian Levring
Guión - Anders Thomas Jensen, Kristian Levring
Música - Kasper Winding
Fotografía - Jens Schlosser
Montaje - Pernille Bech Christensen
Producción - Sisse Graum Jørgensen
Productora - Zentropa Productions
Género - Western, Drama
Reparto - Mads Mikkelsen, Eva Green, Jeffrey Dean Morgan, Michael Raymond-James, Sivan Raphaely, Douglas Henshall, Mikael Persbrandt, Jonathan Pryce, Eric Cantona, Alexander Arnold, Nanna Øland
Fabricius, Toke Lars Bjarke

Kristian Levring escribe el guión junto a Anders Thomas Jensen y dirige este nuevo acercamiento a un género que no da muchas alegrías a sus aficionados últimamente, el Western. Con un excelente ritmo, la fotografía de Jens Schlosser y la participación de Eva Green, Mads Mikkelsen y Jeffrey Dean Morgan en sus papeles principales, estamos ante un producto un tanto atípico, pero que alcanza muy buenos resultados. Una muy buena opción para los incondicionales del género y el público en general.

Sinopsis: Jon (Mads Mikkelsen) y su hermano Peter (Mikael Persbrandt) son dos antiguos soldados daneses que emigraron al continente americano tras participar en la guerra contra Alemania, buscando un futuro mejor. Tras siete largos años en los que han conseguido establecerse y vivir honradamente, Joe espera ansioso la llegada de su mujer Marie (Nanna Øland Fabricius) y a su hijo Kresten (Toke Lars Bjarke), para poder continuar con su vida donde tuvo que dejarla. El problema es que el pueblo mas cercano a las tierras donde viven está dominado por el asesino Henry Delarue (Jeffrey Dean Morgan) y sus hombres, algo que les traerá problemas y pondrá a prueba la capacidad de supervivencia de Jon.

El director: Kristian Levring es un director danés nacido el 9 de mayo de 1957. Se trata del cuarto miembro que firmó el Manifiesto Dogma 95 junto a Lars von Trier, Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen. En el 2001 dirigió junto a Lars von Trier y Søren Kragh-Jacobsen el thriller para televisión D-dag - Den færdige film, además de rodar en solitario el drama The King Is Alive (El rey está vivo). Su siguiente trabajo fue el thriller dramático The Intended (2002). Tras un parón de seis años, en cuanto a ficción se refiere, dirigió No me temas (Sin miedo) (2008), un nuevo thriller dramático que supuso su último trabajo anterior a The Salvation, la que hoy nos ocupa.

La película: Basta con echar un rápido vistazo a la corta filmografía de Kristian Levring para darse cuenta que estamos ante un trabajo en el que el realizador cambia drásticamente de registro, algo que me hizo encarar su visionado con ciertos reparos, a lo que acabó ganando el hecho de encontrar en su reparto a Eva Green y Mads Mikkelsen, dos de los actores actuales de los que procuro no perderme nada de lo que hacen, ya que suele significar que tienen un mínimo de calidad bastante alto. El resultado ha sido bastante satisfactorio, ya que aunque queda bastante claro que Levring es un gran aficionado al género y bebe de varias fuentes para realizarla, a la vez consigue darle a su trabajo un estilo propio que no solo me ha convencido, sino que además me ha hecho pasar un buen rato frente a la pantalla, por lo que se me ha hecho incluso corta.

Y es que si me dicen hace una década que uno de los que firmaron el Manifiesto Dogma 95 iba a co-escribir y dirigir un Western, se hubieran oído las carcajadas desde el Vaticano, llegando a atreverme incluso a apostar fuerte en su contra. Por suerte el cine es en muchos aspectos como la vida misma, evoluciona a la vez que lo hacen los que se encargan de realizarlo, algo sin lo que esto resultaría sumamente aburrido y monótono. Yo mismo he de reconocer que, aunque he visto bastantes Westerns en mi vida, muchos de ellos los disfruté cuando aún no tenía edad para juzgarlos como puedo hacerlo ahora, por lo que no es precisamente este el género en el que mejor me desenvuelvo. Solo les comentaré en este aspecto que se notan en este trabajo algunas influencias del gran Sergio Leone, al igual que recuerda en algunas ocasiones al trabajo del maestro Clint Eastwood, aunque como ya les he comentado antes, Levring consigue dar a su producto cierta originalidad y un estilo propio.

El capital humano - Paolo Virzì (2014)

Título original - Il capitale umano
Año - 2014
Duración - 109 min.
País - Italia
Director - Paolo Virzì
Guión - Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo, basándose en la novela de Stephen Amidon
Música - Carlo Virzì
Fotografía - Jérôme Alméras y Simon Beaufils
Montaje - Cecilia Zanuso
Producción - Marco Cohen, Alessandro Mascheroni - Rai Cinema
Productora - Coproducción Italia-Francia; Indiana Production Company
Género - Drama
Reparto - Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli

Paolo Virzì dirige y escribe el guión junto a Francesco Bruni y Francesco Piccolo, basándose en la novela homónima de Stephen Amidon, de este magnífico drama que, a través de un desgraciado accidente, realiza un eficiente retrato de la sociedad italiana actual y de lo poco que vale una vida en este loco mundo en el que vivimos. Un trabajo realmente completo donde destaca su peculiar montaje, la riqueza de su guión y las actuaciones de un elenco que raya a un nivel excelente. La película, que fue capaz de ganar el David di Donatello a la brillante La gran belleza, no debe ser pasada por alto.

Sinopsis: Una noche antes de navidad, un camarero que regresa a casa tras trabajar en una fiesta de una escuela privada es atropellado por un lujoso todoterreno que se da a la fuga. La película nos cuenta como este hecho cambiará la vida de dos familias muy diferentes: la de Giovanni Bernaschi (Fabrizio Gifuni), un millonario que ha amasado una fortuna enorme gracias a la especulación y a un atractivo fondo que atrae a inversores de todo el mundo y la de Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), un agente inmobiliario de clase media cuya empresa está al borde de la quiebra, que busca desesperadamente la forma de salir a flote.

El director: Paolo Virzì es un guionista y director italiano nacido en Livorno, el 4 de marzo de 1964. Debutó en 1994 con la comedia La bella vita, con la que ganó entre otros el premio David di Donatello a la Mejor ópera prima. En su filmografía, de un nivel alto bastante constante, destacaré varios títulos: Ferie d'agosto (Vacaciones de agosto) (1996), Los años dorados (1997), My Name Is Tanino (2002), Caterina se va a Roma (2003), Napoleón y yo (2006), Tutta la vita davanti (2008), La prima cosa bella (2010) o Todo el santo día (2012). Actualmente trabaja en la comedia dramática La pazza gioia (2016), en cuyo reparto aparecen nombres como Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti o Elena Lietti, entre otros.

La película: El capital humano, expresión que da título a la excelente película que hoy nos ocupa, se refiere en esta ocasión al termino utilizado por las aseguradoras para calcular el valor de una persona, la cifra que han de asumir a la hora de indemnizar a la familia de un fallecido, que es calculada por variables como la esperanza de vida de una persona, su potencial en ingresos, la cantidad y la calidad de sus lazos afectivos, etc. ¿la calidad de sus lazos afectivos? ¿como se calcula eso?... Frías cifras que dejan claro que en la cruel sociedad sin escrúpulos en la que vivimos, cada uno tiene un precio, siendo este en la mayoría de los casos realmente ridículo, sobre todo si perteneces a las clases mas humildes y no dispones de la ayuda de un buen bufete de abogados.

Una vez aclarado esto, Il capitale umano es, ante todo, un trabajo que consigue reflejar con gran acierto muchas de las carencias de la sociedad en la que vivimos, en la que los valores humanos han dado paso a los numéricos, dando su sentido real al dicho "tanto tienes, tanto vales". Estamos ante una de esas películas que se centran en un trágico suceso para mostrarnos todo lo que se mueve a su alrededor y como este afecta a las diferentes personas que algo tienen que ver con el, en este caso el atropello de una persona. Una de las características fundamentales de la película es la forma en la que está estructurado el guión escrito por Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo, que tras mostrarnos el suceso en si, nos cuenta lo ocurrido los meses antes desde varios puntos de vista diferentes.

Mi casa en París - Israel Horovitz (2014)

Título original - My Old Lady
Año - 2014
Duración - 107 min.
País - Reino Unido
Director - Israel Horovitz
Guión - Israel Horovitz
Música - Mark Orton
Fotografía - Michel Amathieu
Montaje - Stephanie Ahn y Jacob Craycroft
Producción - David C. Barrot, Nitsa Benchetrit, Gary Foster y Rachael Horovitz
Productora - BBC Films / Cohen Media Group / Deux Chevaux Films
Género - Comedia, Drama, Romance
Reparto - Kevin Kline, Maggie Smith, Kristin Scott Thomas, Dominique Pinon, Michael Burstin, Elie Wajeman, Raphaële Moutier, Sophie Touitou, Christian Rauth, Delphine Lanson, Noémie Lvovsky, Stéphane De Groodt

Israel Horovitz escribe y dirige esta entrañable cinta con la hermosa París como privilegiado escenario, que supone su debut en un largometraje. Un trabajo en el que el drama, la comedia y el romanticismo unen sus fuerzas dando como resultado un trabajo inteligente, muy cuidado en sus diálogos y en el que, a pesar de su ajustado presupuesto, se ha conseguido unir a un grupo de actores y actrices de un gran nivel. Un carrusel de sensaciones que merece la pena disfrutar, aún sin llegar a ser una película imprescindible, principalmente por algunos de sus continuos cambios de género, que pueden llegar a resultar un tanto forzados en algunos momentos. Lastima, se queda muy cerca del notable.

Sinopsis: Mathias "Jim" Gold (Kevin Kline) es un neoyorquino con graves problemas económicos que viaja a París para recibir la única herencia que le ha dejado su difunto padre, una hermosa propiedad enclavada en un sitio privilegiado de la ciudad, que espera sea la solución a sus problemas. El problema es que encuentra viviendo en ella a Mathilde Girard (Maggie Smith), la señora que vendió la parcela a su padre en un antiguo tipo de contrato francés llamado viager, por el que no solo no podrá tomar posesión de el mientras ella viva, sino que además ha de abonarle la nada despreciable cantidad de 2400 € mensuales, mientras ella continúa viviendo en su interior. La avanzada edad de la señora parece ser una ventaja, pero pronto descubrirá que esta goza de una salud envidiable.

El director: Israel Horovitz es un escritor, actor y director de cine y teatro estadounidense, nacido en Wakefield, Massachusetts, el 31 de marzo 1939. Escribió su primera novela con solo 13 años y su primera obra de teatro (El Regreso) con 17. Horovitz ha escrito y producido más de 70 obras, muchas de las cuales han sido traducidas y escenificadas en más de 30 idiomas en todo el mundo. Ha escrito casi una veintena de trabajos para cine y televisión, entre los que podemos destacar Sunshine (1999), James Dean (2001) o New York, I Love You (2008). Como director debutó con el documental 3 Weeks After Paradise (2002), en el que relata las experiencias de su propia familia tras el 11 de septiembre. Mi casa en París es su debut en un largometraje.

La película: A la hora de disfrutar de una película, y aún mas si como en mi caso pretendes describirla, hemos de tener en cuenta que es lo que tenemos delante. Digo esto porque cada vez son mas abundantes los trabajos en los que se mezclan varios géneros, algo que en principio es digno de elogio, ya que suele ir unido a la intención de sus creadores de innovar de algún modo y ser capaces de ofrecer un trabajo diferente al resto, pero que a la vez es un tanto arriesgado, ya que hay que tener mucho tacto con la forma en la que se mezclan dichos géneros y conseguir una mezcla que no resulte excesivamente evidente o forzada. En el caso de Mi casa en París, la comedia y el drama se alternan y entremezclan como principales ingredientes, a los que, como suele ocurrir en estos casos, se le añade el componente romántico.

Hasta ahí todo correcto, dejando claro además que dicho componente romántico no resulta excesivamente edulcorado ni exagerado, aunque si que tiene un peso muy importante en la trama, pero el problema es, o al menos me lo ha parecido a mi, que los cambios de género aquí utilizados están demasiado relacionados con los actores que en cada momento aparecen en la pantalla. Su comienzo es el de una dulce y efectiva comedia, en el que podemos disfrutar de la pareja Kevin Kline y Maggie Smith, entre los que existe una química indudable que nos deja momentos muy inspirados, pero que en cuanto la buena de Kristin Scott Thomas entra en escena, toma tintes dramáticos de forma inmediata, algo que en principio resulta incluso curioso, pero que con el tiempo acaba resultando algo forzado.

Nightingale - Elliott Lester (2014)

Título original - Nightingale
Año - 2014
Duración - 83 min.
País - Estados Unidos
Director - Elliott Lester
Guión - Frederick Mensch
Música - Mark D. Todd
Fotografía - Pieter Vermeer
Montaje - Nicholas Wayman-Harris
Producción - Elliott Lester, Josh Weinstock y Katrina Wolfe
Reparto - David Oyelowo, Barlow Jacobs, Heather Storm
Productora - BN Films / Yoruba Saxon Productions
Género - Drama, Telefilm

Elliott Lester es el director encargado de dar vida al guión escrito por Frederick Mensch, en una trabajo que nos muestra la bajada a los infiernos de Peter Snowden, al que interpreta de forma magistral el actor David Oyelowo. Un trabajo bastante arriesgado, con un presupuesto mínimo, que entrega a su protagonista el peso total de la película y al espectador la tarea de ir desgranando los motivos de su conducta, sus evidentes trastornos mentales y las causas que lo han podido llevar hasta donde se encuentra. Una puerta abierta a una mente enferma en forma de telefilm, con el sello de HBO.

Sinopsis: Peter Snowden (David Oyelowo) es un varón afroamericano que ronda la treintena y vive junto a su madre. Ex-combatiente de la guerra de Irak, agobiado por un triste trabajo en un supermercado que solo le da para ir tirando y marcado por su estricta educación y por una relación imposible, su mente parece haber dicho "hasta aquí hemos llegado". Su mayor obsesión parece ser conseguir que un antiguo compañero venga una noche a cenar, aunque la esposa de este no parece a estar dispuesta ni a darle sus recados.

El director: Elliott Lester es un productor y director que inició su carrera como director de videoclips musicales y anuncios publicitarios. Debutó en la dirección de un largometraje en 2006 con Love Is the Drug, un drama sobre un peligroso triangulo amoroso. En 2011 dirigió Blitz, un thriller interpretado por  Jason Statham. Tras Nightingale, la que hoy nos ocupa, dirigió la serie Chop Shop en 2014. Tiene preparado ya el telefilm Thirst y el thriller Sleepwalker, escrito por Jack Olsen e interpretado por Richard Armitage, Haley Joel Osment y Kevin Zegers, entre otros.

La película: Los trabajos en los que se nos muestra parte de la vida de un personaje con evidentes desequilibrios psicológicos, no suelen ser sencillos de filmar y mucho menos de visualizar y digerir, ya que nos muestran formas de actuar que no podemos entender, algo muy lógico por otra parte, además de conseguir crear cierto desasosiego en el espectador, en el caso de estar bien realizados, claro. Pero si además de todo ello le sumamos que la historia transcurre casi en su totalidad en el interior de una casa y que su protagonista principal es prácticamente el único actor al que vemos trabajar en el, la complicación alcanza niveles insospechados.

En un principio, puede que las premisas que les he comentado no sean excesivamente llamativas para muchos de los que estéis leyendo esta reseña, pero lo que os puedo asegurar sin ningún género de dudas, es que en esta ocasión podéis llevaros una grata sorpresa, ya que el trabajo del que hablamos es capaz de llamar la atención del espectador desde muy pronto, para ya no soltarla hasta que llegue su escena final, algo realmente difícil de conseguir con los condicionantes anteriormente mencionados. Para que tengáis una idea de que tipo de trabajo tenemos delante, siempre guardando las distancias y sin llegar a siquiera insinuar que sean parecidos, podemos compararlo con Locke, el drama dirigido por Steven Knight e interpretado por Tom Hardy en 2013, del que os hablamos en este artículo.

Hipócrates - Thomas Lilti (2014)

Título original - Hippocrate
Año - 2014
Duración - 102 min.
País - Francia
Director - Thomas Lilti
Guión - Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y Thomas Lilti
Música - Jérôme Bensoussan y Nicolas Weil
Fotografía - Nicolas Gaurin
Montaje - Christel Dewynter
Producción - Emmanuel Barraux y Agnès Vallée
Productora - 31 Juin Films
Género - Comedia, Drama
Reparto - Vincent Lacoste, Reda Kateb, Félix Moati, Jacques Gamblin, Marianne Denicourt, Carole Franck, Philippe Rebbot

Una frase: "Ser médico no es un trabajo, es una especie de maldición."

El realizador Thomas Lilti es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y Thomas Lilti, en el que, en clave de comedia dramática, se realiza un pequeño pero interesante retrato de la vida en un hospital francés, del mundo de la medicina en general y, en un segundo plano, de los problemas de la sanidad pública y como la crisis económica ha afectado a su calidad y efectividad. Un trabajo que pone los puntos sobre las is sobre multitud de cuestiones de una importancia indiscutibles, pero haciendo gala de una mesura y un tacto casi obligados. Un ejercicio de reflexión disfrazado de entretenimiento, que rebosa valentía e inteligencia, pero adolece de la fuerza de la fusta de alguien ajeno a la profesión.

Sinopsis: Benjamin (Vincent Lacoste) tiene el camino allanado para llegar a ser un prestigioso médico. Acaba de ingresar como residente en un hospital en el que su padre, el doctor Barois (Jacques Gamblin), es toda una eminencia y posee un enorme peso en su gobierno y administración, por lo que sus posibilidades aumentan considerablemente. Pero sus primeras experiencias en la medicina real, las adversas condiciones en las que han de trabajar y lo diferente que resulta a la teoría, lo llevarán a dudar sobre si realmente está hecho para la profesión o si por el contrario, debe pensar en seguir otro camino.

El director: Thomas Lilti es un director y guionista francés nacido el 30 de de mayo de 1976. Lilti es también médico de medicina general, algo que como comentaremos mas tarde, tiene una enorme influencia en el trabajo que hoy nos ocupa. Comenzó su carrera en el cine escribiendo y dirigiendo los cortometrajes Quelques heures en hiver (1999), Après l'enfance (2002) y Roue libre (2003). En 2007 debutó en la dirección de un largometraje con Les yeux bandés, que también escribió junto a Pierre Chosson. Actualmente trabaja en Médecin de campagne, que se encuentra en fase de post-production y cuyo estreno se espera para 2016.

La película: Hipócrates es uno de esos sorprendentes trabajos que de vez en cuando nos regala el cine francés, capaces de llegar a un amplio segmento de público de forma clara, poniendo a la vez sobre la mesa temas de una actualidad y una importancia fuera de toda duda. Cine muy inteligente y eficaz, que no destaca precisamente en sus apartados técnicos, pero que a cambio es capaz de reavivar debates y poner algo de luz en temas que nos afectan a todos, desde el punto de vista además, de alguien que pertenece, o al menos ha pertenecido, a una profesión que aquí es retratada de forma bastante veraz, mostrando a los que se dedican a ella como lo que realmente son, personas con sus virtudes y sus defectos, con sus aciertos y sus fallos.

Destaca en ella el guión escrito por Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y el propio Thomas Lilti, que aunque a algunos les pueda parecer un tanto lineal, esconde una riqueza indudable, capaz de tratar multitud de cuestiones de forma mas o menos extensa, pero que sirve para señalarlas y llamar la atención del espectador. Por ello, además de retratar el mundo de la medicina pública en una gran ciudad como París, tiene como centro de atención la ética profesional que se le presupone a cada profesional, de ahí su apropiado título, pero además es capaz de mostrar con bastante brillantez como los recortes efectuados en épocas de crisis afectan y mucho, tanto a los pacientes, que no pueden acceder a todos los procedimientos y tratamientos mas adecuados, como a los médicos y el personal que gira en torno a ellos, que han de continuar ejerciendo su profesión, intentando atender a sus pacientes de la mejor forma posible, cada vez con mas tensión y mas trabas, ejerciendo además de amortiguador entre sus jefes y las familias de los enfermos.

Viaje a Sils Maria - Olivier Assayas (2014)

Título original - Sils Maria (Clouds of Sils Maria)
Año - 2014
Duración - 124 min.
País - Francia
Director - Olivier Assayas
Guión - Olivier Assayas
Fotografía - Yorick Le Saux
Montaje - Marion Monnier
Producción - Sylvie Barthet, Karl Baumgartner, Rémi Burah, Charles Gillibert y Martin Hampel
Productora - Coproducción Francia-Alemania; CG Cinéma / CAB Productions / Pallas Film / Vortex Sutra / Arte France Cinéma
Género - Drama
Reparto - Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Johnny Flynn, Lars Eidinger, Hanns Zischler, Claire Tran, Angela Winkler, Frank M. Ahearn, Alister Mazzotti, Steffen Mennekes
Web oficial - https://www.facebook.com/CloudsOfSilsMariaMovie

Olivier Assayas es el autor del guión y el realizador encargado a llevar a la gran pantalla este curioso e inteligente drama que indaga en la vida de una gran estrella de cine y teatro, en sus costumbres, sus manías y la forma en la que ha de aceptar el paso de los años y lo diferentes que son las nuevas generaciones de actrices que llegan tras ella. Un trabajo de una riqueza indiscutible, aunque no apto para todos los paladares, donde los diálogos tienen una enorme importancia y el trío de actrices protagonistas acaparan gran parte de la atención. Sin querer omitir ni menospreciar a nadie, creo que en general será mas apreciada por el público de cierta edad, que guste del cine europeo, y en especial del francés, muy diferente al que nos suele llegar de Hollywood. Para mi, mas que recomendable.

Sinopsis: María Enders (Juliette Binoche) es una actriz madura que viaja junto a su su asistente personal Valentine (Kristen Stewart) para recoger un premio en nombre de un buen amigo, autor de varias de las obras que ha representado. Allí se encuentra con el famoso director Klaus Diesterweg (Lars Eidinger), que le ofrece interpretar a Helena en su próximo trabajo, una lesbiana madura a la que su fascinación por la joven Sigrid la llevará al suicidio. El problema es que María interpretó a Sigrid 20 años antes, papel con el que siempre se ha identificado y que además le dio la fama, por lo que duda seriamente si aceptar el papel o no, al no identificarse con el personaje.

El director: Olivier Assayas es un director, guionista y crítico de cine francés nacido en París el 25 de enero de 1955. Después de dirigir algunos cortometrajes y escribir para la revista Cahiers du cinéma, debutó en la dirección en 1986 con el largometraje Desorden. En sus casi 30 años de carrera ha dirigido mas de 20 trabajos para cine y televisión, de los que destacaremos varios: El niño del invierno (1989), París se despierta (1991), El agua fría (1994), Irma Vep (1996), Finales de agosto, principios de septiembre (1998), Los destinos sentimentales (2000), Paris, je t'aime (2006), Boarding Gate (2007), Carlos (2010) y Después de mayo (2012). En la actualidad trabaja en Personal Shopper, en cuyo reparto aparecen nombres como Kristen Stewart, Anders Danielsen Lie, Nora von Waldstätten, Lars Eidinger o Sigrid Bouaziz y cuyo estreno se espera para 2016.

La película: Que Viaje a Sils Maria es una gran película, rica en matices y filmada con mimo y precisión, es algo de lo que no me queda ninguna duda, aunque lógicamente no todo el mundo pensará como yo. Lo que creo que si que hay que tener en cuenta antes de disfrutarla, es si realmente nos apetece ver lo que tenemos delante, si nos interesan los temas que toca, porque de no ser así corremos el riesgo de no llegar despiertos ni a la mitad de su metraje. Digo esto porque en muchas ocasiones valoramos la calidad de una película por el interés que ha conseguido despertar en nosotros, sin pararnos a pensar en si realmente hemos visto un trabajo mal realizado o si simplemente trataba de temas que para nosotros no tienen el mas mínimo interés. En mi caso en concreto, por poner un ejemplo fácil de entender, todo lo que tenga que ver con superhéroes no suele conseguir llamar mi atención, algo que no quiere decir que la gran cantidad de películas y series que se realizan en la actualidad sobre ellos, sean malas o no merezca la pena verlas, sino que simplemente no están entre los productos que prefiero ver.

La historia nos muestra a una actriz consagrada en edad madura, que ha creado una pequeña burbuja donde vivir como le apetece, eligiendo los papeles que le interesan y desechando los demás, relativamente adaptada a las nuevas tecnologías pero de una forma de ser y vivir muy diferente a las de las nuevas generaciones. Pero Viaje a Sils Maria es mucho mas que una película sobre actrices, mucho mas que un trabajo sobre cine o teatro, en el que se trata como los humanos hemos de adaptarnos a la llegada de la madurez, en el que la lucha de su protagonista por no resignarse a lo inevitable cobra gran importancia, algo que se nos muestra desde un primer momento viendo la forma en la que convive con su asistente personal, la manera en la que intenta utilizarla para poder comprender como son las nuevas generaciones, como piensan, como actúan, como valoran cada suceso, cada detalle, cada noticia.

Love & Mercy - Bill Pohlad (2014)

Título original - Love and Mercy
Año - 2014
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Bill Pohlad
Guión - Oren Moverman y Michael A. Lerner
Música - Atticus Ross
Fotografía - Robert D. Yeoman
Montaje - Dino Jonsäter
Producción - Bill Pohlad, Claire Rudnick Polstein y John Wells
Productora - John Wells Productions / River Road Entertainment
Género - Drama
Reparto - Paul Dano, John Cusack, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Kenny Wormald, Dee Wallace, Erin Darke, Max Schneider, Nikki Wright, Michelle Lenhardt, Claudia Graf, Joanne Spracklen, Paige Diaz, Violet Paley, Kirstin Masters
Web oficial - http://www.loveandmercyfilm.com/

Casi un cuarto de siglo después de su debut, con el que es hasta la fecha su único trabajo en la dirección, Bill Pohlad irrumpe en el panorama cinematográfico con una excelente película, que va mucho mas allá de lo que suele ofrecer cualquier biopic musical al uso. Una apuesta realmente arriesgada que nos muestra la vida del músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, al que dan vida de forma admirable los actores Paul Dano y John Cusack. Una figura clave de la música pop no merecía menos. Sencillamente imprescindible.

Sinopsis: Brian Wilson es uno de los personajes claves de la música pop, aunque su vida está muy lejos de haber sido un camino de rosas. Para mostrárnosla, el realizador nos la enseña a caballo entre dos etapas claves de la misma, los años 60, en los que se produjo el boom de los Beach boys y donde es interpretado por Paul Dano, y los turbulentos años 80, etapa en la que es John Cusack el que da vida al prolífico músico, mostrándonos los graves problemas psicológicos que sufrió y su tortuosa relación con el controvertido terapeuta Dr. Eugene Landy (Paul Giamatti).

El director: La carrera de Bill Pohlad en el mundo del cine es un tanto curiosa. Tras escribir, dirigir y producir el largometraje Old Explorers (1990), del que no puedo opinar ya que desconocía su existencia hasta hace muy poco, se centró en la producción, estando su nombre ligado a multitud de productos entre los que destacan títulos como Retrato de una obsesión (2006), Hacia rutas salvajes (2008), The Runaways (2010), Caza a la espía (2010), El árbol de la vida (2011), 12 años de esclavitud (2013), Alma salvaje (2014) o Time Out of Mind (2014). Sorpresivamente, y tras 24 años desde su debut tras las cámaras, ha conseguido realizar uno de los biopics mas completos que un servidor recuerda, una magnífica película que merece la pena disfrutar.

La película: Lo primero que a uno le viene a la cabeza tras acabar de disfrutar esta excelente película, es la enorme diferencia entre la forma en la que se nos muestra la vida del brillante Brian Wilson y la de la inmensa mayoría de los artistas, ya sean músicos, escultores, pintores o escritores. Mientras que a la hora de hablar de la mayoría de ellos, se nos intenta transmitir como utilizaban su arte para expresar su tormento interior, en el caso de Wilson es precisamente la música la que actuaba como la única forma de conseguir cierto descanso, ya que su carácter extrovertido y sus evidentes problemas psiquiátricos, hacían de su existencia y su relación con los demás mortales, una lucha continua en la que rara vez encontraba descanso o era comprendido, ni siquiera por los que convivían con a el.

Y para mostrarnos la vida de un personaje tan admirado y seguido de forma sincera, pero a la vez sin llegar a ser injusto o faltar a la verdad, los responsables de la película asumieron bastantes riesgos en la forma de hacerlo, algo que tras comprobar el magnífico resultado final, solo podemos calificar como un enorme acierto. Hablo de riesgos porque el uso de constantes saltos temporales con 20 años de diferencia y la utilización de dos actores tan distintos como Paul Dano y John Cusack, dificulta enormemente la creación de un producto redondo, capaz de llegar al público de forma nítida y de dejar a todos contentos con el resultado final, ya seas seguidor del inolvidable personaje o no.

John Wick (Otro día para matar) - David Leitch y Chad Stahelski (2014)

Título original - John Wick
Año - 2014
Duración - 101 min.
País - Estados Unidos
Director - David Leitch y Chad Stahelski
Guión - Derek Kolstad
Música - Tyler Bates, Joel J. Richard
Fotografía - Jonathan Sela
Montaje - Elísabet Ronalds
Producción - Basil Iwanyk, David Leitch, Eva Longoria y Michael Witherill
Productora - Lionsgate / 87Eleven / Company Films / DefyNite Films
Género - Acción, Thriller
Reparto - Keanu Reeves, Michael Nyqvist, Alfie Allen, Willem Dafoe, Dean Winters, Adrianne Palicki, Omer Barnea, Toby Leonard Moore, Daniel Bernhardt, Bridget Moynahan, John Leguizamo, Ian McShane, Bridget Regan, Lance Reddick, Keith Jardine, Thomas Sadoski, Clarke Peters, Kevin Nash, Randall Duk Kim, David Patrick Kelly
Web oficial - http://johnwickthemovie.com/

David Leitch y Chad Stahelski son los encargados de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Derek Kolstad, que nos cuenta una historia con grandes dosis de acción y la venganza como motor y único objetivo. Un trabajo que sin aportar nada nuevo al género, si que hará las delicias de los seguidores del género y los fans de un Keanu Reeves por el que no parecen no pasar los años. Mención especial a la excelente fotografía de Jonathan Sela y a las magníficas coreografías utilizadas en los combates, que en algunos momentos recuerdan, aunque sea de lejos y solo en su estética, a la inolvidable Matrix. La cena está servida, el espectáculo garantizado.

Sinopsis: John Wick (Keanu Reeves) es un implacable asesino retirado, que estuvo ligado a la mafia rusa radicada en Nueva York. Tras la dolorosa perdida de su esposa, victima de un cáncer, recibe la visita de un mensajero que le hace entrega de un cachorro, un último regalo de esta para ayudarlo a superar su pérdida. Todo dará un giro cuando es atacado en su casa por un grupo de matones rusos, que le roban su Shelby 69 modificado y matan al perro, tras lo que John investigará hasta conocer que el líder de estos es Alfie Allen (Yosef Tarasov), el hijo de su ex jefe Michael Nyqvist (Viggo Tarasov), algo que lejos de persuadirlo, lo hará volver a la acción, desempolvar sus armas y buscar venganza.

Los directores: David Leitch y Chad Stahelski tienen un origen común y no muy habitual en directores en el mundo del cine, el de los especialistas. Entre ambos han participado en multitud de películas ejerciendo como coordinadores o supervisores de especialistas, además de ser responsables de multitud de coreografías de lucha y artes marciales. Entre dichos títulos podemos poner algunos como ejemplo: La trilogía de Matrix, Troya, 300, V de Vendetta, Iron Man, Los juegos del hambre, etc. Como directores, ambos han debutado con la que hoy nos ocupa. David Leitch está inmerso en el rodaje de The Coldest City, que se espera para 2016, mientras que con Chad Stahelski hace lo propio con John Wick 2, la secuela de la que hoy nos ocupa, que se espera también en 2016 y Cowboy Ninja Viking para 2017.

La película: He de reconocer que personalmente no hubiera dado a esta cinta la nota que le he dado, principalmente porque repite los problemas que cada vez son mas habituales en el cine en general, y en el de acción en particular, los que tienen que ver con su guión, con lo que se nos cuenta y con como se nos cuenta. Pero la verdad es que estamos ante un producto que, a pesar de dichos peros, tiene varios puntos fuertes que no debemos obviar así porque así, menos aún viendo el nivel actual de sus semejantes: un buen ritmo, una ambientación muy bien conseguida, un puñado de escenas filmadas de forma brillante y un protagonista que sobresale de la media general dentro del género, por lo que el resultado final es ameno y fluido, ideal para ver en una buena pantalla, con un buen bol de palomitas y sin estrujarnos la sesera en exceso. Por todo ello, no sería tampoco justo ponerle solo un cinco pelón, ya que creo que gustará a un buen segmento del público actual.

Pero eso si, tengan claro que lo que van a presenciar es puro espectáculo visual, ya que el libreto escrito por Derek Kolstad deja mucho que desear en cuanto a la historia que nos cuenta. Olvídense de los actos de venganza por la perdida de algún familiar cercano, por un engaño que nos manda a la cárcel por varios años o por algún tipo de agresión, porque no imagino la reacción de nuestro protagonista en tal caso. Aquí la motivación recuerda, y mucho, a la que tenía el bueno de Mel Gibson en la magnífica Payback, dirigida por Brian Helgeland en 1999. Si en aquella ocasión fueron suficientes 70.000 dolares para que su protagonista diera rienda suelta a toda su ira, en esta son suficientes motivos el robo de un coche, una preciosidad desde luego, y la muerte de un cachorrito, que además es el regalo póstumo de su esposa recién fallecida. Dos motivos loables, no seré yo quien lo dude, pero un tanto exagerados sin lugar a dudas.

Testamento de juventud - James Kent (2014)

Título original - Testament of Youth
Año - 2014
Duración - 129 min.
País - Reino Unido
Director - James Kent
Guión - Juliette Towhidi (Autobiografía: Vera Brittain)
Música - Max Richter
Fotografía - Rob Hardy
Montaje - Lucia Zucchetti
Producción - Rosie Alison y David Heyman
Productora - BBC Films / Heyday Films
Género - Bélico, Drama, Romance
Reparto - Alicia Vikander, Kit Harington, Emily Watson, Hayley Atwell, Dominic West, Colin Morgan, Miranda Richardson, Charlotte Hope, Anna Chancellor, Emily Bevan, Jonathan Bailey, Xavier Atkins, Amanda Fairbank-Hynes, Joanna Scanlan, Taron Egerton

El debut en la gran pantalla del realizador James Kent (Marchlands, Inside Men, El cuento número trece), adaptando el guión que Juliette Towhidi escribe sobre la autobiografía de Vera Brittain, confirma el indudable talento de este, del que ya os hemos hablado en varias ocasiones por aquí. Con la excelente fotografía de Rob Hardy, la banda sonora de Max Richter y el protagonismo de Alicia Vikander, estamos ante una dura y magníficamente contada historia, que nos muestra como cambió y marcó la vida de nuestra protagonista la I guerra mundial. Una película con la calidad que la BBC suele imprimir en sus productos, que no deberíais dejar escapar.

Sinopsis: Vera Brittain (Alicia Vikander) es una joven que consigue vencer las restricciones a las mujeres de la época y el inicial rechazo de su padre, para realizar el examen de acceso al Somerville College, en Oxford. Pero tras conseguir su ingreso y comenzar sus estudios, ve como comienza la I guerra mundial y su hermano Edward (Taron Egerton), su prometido Roland Leighton (Kit Harington) y sus amigos Victor Richardson (Colin Morgan) y Geoffrey Thurlow (Jonathan Bailey), con los que ha pasado gran parte de su juventud, son enviados a servir al frente, lo que la hará considerar la posibilidad de ayudar a su país ejerciendo como enfermera y dejando así momentáneamente sus estudios.

El director: James Kent lleva ya bastante tiempo llamando nuestra atención con productos para televisión de una calidad incuestionable, por lo que para mi fue una gratísima sorpresa ver su nombre vinculado a este trabajo. En su carrera nos ha dejado productos como los documentales John Wayne, el americano inquieto (1997) y The Genius of Mozart (2004), los telefilms Margaret (2009), The Secret Diaries of Miss Anne Lister (2010) y El cuento número trece (2013), de la que os hablamos aquí , las miniseries Marchlands (2011) y Inside Men (2012), de la que os hablamos aquí, además de participar en la serie La Reina Blanca (2013). Testamento de juventud es su primer trabajo para la gran pantalla, pero viendo los resultados obtenidos y su trayectoria, seguro que no será el último.

La película: Lo primero que ha de quedar claro es que no estamos ante un film bélico al uso, sino mas bien ante un drama romántico forzosamente ambientado en la I guerra mundial. A pesar de que el film debe ser incluido dentro del género de cine bélico, está contado desde la perspectiva de quien participó en la guerra ayudando como enfermera, tras ver partir al frente a sus seres queridos, así que no esperéis acciones militares deslumbrantes ni cine de acción, ya que en ningún momento es esa la intención de sus creadores. Estamos ante la imagen de dicho conflicto mostrado desde la perspectiva de sus mujeres, y en concreto de la de Vera Brittain, que interpuso su deseo de ayudar a su país antes que el de finalizar los estudios que tanto esfuerzo le había costado comenzar, algo que por suerte pudo hacer con posterioridad.

Al no haber leído la autobiografía de Vera Brittain, me es imposible asegurar el grado de fidelidad del guión que Juliette Towhidi escribió basándose en ella, pero conociendo las formas que habitualmente emplean los británicos en este tipo de productos y datos como que se tuvo el apoyo de Shirley Williams, hija de Brittain, y de Marcos Bostridge, biógrafo, editor de Brittain, y uno de sus albaceas literarios, que al parecer actuaba como asesor en la película, creo que queda fuera de toda duda que, al menos el espíritu y los detalles fundamentales de esta, están dignamente preservados. Y es que tras disfrutarla comprobareis que sería un pecado imperdonable variar la estremecedora historia que nos cuenta, manteniendo así intactas las vivencias de esta formidable mujer, de la que no quiero dar mas detalles para no desvelar nada mas.

Una chica vuelve a casa sola de noche - Ana Lily Amirpour (2014)

Título original - A Girl Walks Home Alone at Night
Año - 2014
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - Ana Lily Amirpour
Guión - Ana Lily Amirpour
Música - Johnny Jewel
Fotografía - Lyle Vincent
Montaje - Alex O'Flinn
Producción - Ana Lily Amirpour, Justin Begnaud y Sina Sayyah
Productora - Say Ahh Productions / SpectreVision / Logan Pictures / Black Light District
Género - Terror, Romance, Thriller, Cine independiente
Reparto - Sheila Vand, Arash Marandi, Dominic Rains, Marshall Manesh, Mozhan Marnò, Milad Eghbali

El debut de la estadounidense de origen iraní Ana Lily Amirpour puede gustar mas o menos, según el gusto de cada espectador, pero lo que os puedo asegurar es que no dejará a ninguno de ellos indiferente. Estéticamente deslumbrante y mimada hasta en el mas mínimo detalle, nos cuenta una historia de amor perturbadora entre una chica sedienta de sangre y un chico diferente a la mayoría. Una extraña mezcla de géneros donde priman las imágenes en blanco y negro a los escuetos y escasos diálogos, donde mas que contar una historia se nos sugiere y en la que la escasa profundidad de esta y sus evidentes referentes quedan compensados con su innegable capacidad de seducción.

Sinopsis: Arash (Arash Marandi) es un joven trabajador que vive con su padre Hossein (Marshall Manesh), un adicto a la heroína. Tras recibir la visita de un traficante llamado Saeed (Dominic Rains), que se lleva su coche como pago de la enorme cantidad de dinero que su padre le debe, decide hacerle una visita para hacer un trato con el y así poder recuperarlo. Mientras lo espera en la entrada de su casa sin que este conteste a sus llamadas, se cruza por primera vez con una extraña joven que lleva un chador (Sheila Vand), que sale de la misma vivienda, sin saber entonces que entre ellos acaba de nacer una singular relación. El problema es que ella es un depredador que busca a sus víctimas por las oscuras calles de Bad city.

La directora: Ana Lily Amirpour es una directora, guionista, productora y actriz nacida en Inglaterra, nacionalizada estadounidense, donde se mudo con sus padres muy joven, y de una familia de origen iraní. Su familia se estableció en Bakersfield, California, donde asistió a la escuela secundaria. Más tarde asistió a la Universidad Estatal de San Francisco y se graduó de la Escuela de UCLA de Teatro, Cine y Televisión. Lleva realizando películas desde que tenía 12 años de edad. Dirigió varios cortos antes de acometer su ópera prima: Six and a Half y You en 2009, True Love, Ketab y Ana Lily Amirpour Likes This en 2010, Pashmaloo y A Girl Walks Home Alone at Night en 2011 y A Little Suicide en 2012. Actualmente está enfrascada en su segundo largometraje, que con el título de The Bad Batch se encuentra en post-producción y se espera estrenar en 2016.

La película: El subgénero vampírico está experimentando en los últimos años una constante evolución que lleva a los guionistas y realizadores a buscar nuevas formas de mostrar a estas sangrientas criaturas tan utilizadas en el mundo del cine desde prácticamente sus inicios. Trabajos como Byzantium, de la que os hablamos en este artículo, Déjame entrar, que comentamos en este otro, o la mas reciente Solo los amantes sobreviven, de la que os hablamos aquí, son solo algunos ejemplos de como el cine vampírico ha ido evolucionando para, como bien dicen, renovarse antes que morir. En esta ocasión es la realizadora Ana Lily Amirpour la que da una nueva vuelta de tuerca al mito, dirigiendo un trabajo realmente completo, que es además su debut en un largometraje y que invita a seguir con enorme atención sus próximos pasos en la industria cinematográfica.

Además de dirigirla, Ana Lily Amirpour es responsable de su guión, la co-produce junto a Justin Begnaud y Sina Sayyah, e incluso interpreta un pequeño papel en una escena que transcurre en una discoteca. Sus señas de identidad son claras, estando rodada en blanco y negro, en idioma persa (a nuestro país ha llegado en su idioma original subtitulada), algo que no supone ningún problema, ya que sus diálogos son bastante escuetos, primando las imágenes por encima de todo, y su ritmo bastante pausado, algo que en algunos momentos puede llegar a resultar algo desesperante, pero que acaba resultando fundamental para conseguir la tensión contenida que se respira en todo momento y el enorme poder de atracción que derrocha.

Profanación (Los casos del Departamento Q) - Mikkel Nørgaard (2014)

Título original - Fasandræberne (The Absent One)
Año - 2014
Duración - 119 min.
País - Dinamarca
Director - Mikkel Nørgaard
Guión - Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, basándose en la novela de Jussi Adler-Olsen
Música - Patrik Andrén, Uno Helmersson y Johan Söderqvist
Fotografía - Eric Kress
Montaje - Morten Egholm y Frederik Strunk
Producción - Jonas Bagger, Peter Aalbæk Jensen y Louise Vest Productora - Zentropa Entertainments / Film i Väst
Género - Cine negro, Thriller, Intriga
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Danica Curcic, Pilou Asbæk, David Dencik, Sarah-Sofie Boussnina, Johanne Louise Schmidt, Marco Ilsø, Søren Pilmark, Camilla Gottlieb, Adam Ild Rohweder, Morten Kirkskov
Web oficial - http://www.departamentoq.es/

Mikkel Nørgaard vuelve a la carga con la segunda entrega de los casos protagonizados por los agentes Carl Mørck y Assad, llevando a la gran pantalla el guión escrito por Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, que adapta la novela superventas de Jussi Adler-Olsen. Sin necesidad ya de presentaciones, nos encontramos ante un caso mas complejo y oscuro que el de su predecesora, que hará que nuestros protagonistas den lo máximo de si para solucionar un caso que se creyó cerrado hace dos décadas y en el que parecen estar relacionados varios de los hombres mas poderosos de Dinamarca. Si la primera fue una agradable sorpresa, esta es una magnífica confirmación que incluso mejora a su predecesora.

Sinopsis: El Departamento Q no pasa por su mejor momento. Tras el ya lejano éxito de su primer caso resuelto, las dudas de sus superiores amenazan con finalizar la trayectoria de los agentes, que no consiguen cerrar con éxito ningún otro. Un buen día aparece el cadáver de un padre que se ha suicidado tras pasar 20 años intentando encontrar a los culpables reales de la muerte de sus dos hijos adolescentes, caso que en su día se cerró tras entregarse un hombre sin motivos aparentes. Antes de acabar con su vida, este deja una caja con todos los datos recopilados hasta la fecha, datos que apuntan a la posible participación de varios de los hombres mas influyentes del país, algo que llamará la atención de detective Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas), que intentará convencer a Assad (Fares Fares) para continuar con la investigación.

El director: Mikkel Nørgaard Søncksen es un director de cine y televisión danés nacido el 23 de enero de 1974. Tras graduarse en la Escuela de Cine de Dinamarca en 2001, comenzó a trabajar en televisión participando en la dirección de varias series, entre las que se encuentran Langt fra Las Vegas (2001), Klovn (2005), Anna Pihl (2006) o la magnífica Borgen (2010), que les recomiendo no se pierdan. Ese mismo año debutó en la dirección de un largometraje con Klovn: The Movie (2010), continuación de la serie anteriormente mencionada. Misericordia (2013) y Profanación (2014) parecen haber iniciado un idilio del director con la obra literaria de Jussi Adler-Olsen, que esperemos no quede aquí. En breve se espera el estreno de Klown Forever (2015), secuela de la exitosa comedia televisiva Klovn: The Movie.

La película: Si en su primer trabajo Misericordia (Los casos del Departamento Q) (2013), del que os hablamos en este artículo, ya os animábamos a disfrutar de los comienzos de estos dos singulares detectives, a pesar de la sencillez y la sobriedad del caso que servía como aperitivo para la creación del departamento policial, Profanación no es mas que la confirmación de la creación de una franquicia que promete dar muchas alegrías a los seguidores de este tipo de productos, ofreciendo además un trabajo que me ha resultado aún mas completo y atrayente, en el que sin dar de lado sus principales señas de identidad, se consigue mostrar un producto mas enrevesado y oscuro, que da una pequeña vuelta de tuerca mas a su brillante predecesora, consiguiendo así limar los pocos peros que a aquella se le podían achacar.

Sin haber llegado a leer ninguna de las dos novelas, resulta complicado asegurar si en esta mejoría influyen estas directamente o simplemente es el guión escrito por Nikolaj Arcel (autor del de la primera entrega), ayudado en esta ocasión por Rasmus Heisterberg, el que resulta mas completo que su antecesor. De lo que no me queda ninguna duda, es de que en la profundidad y complejidad de la historia es donde radica este pequeño salto adelante que hace de Profanación un producto brillante que invita al espectador a esperar con impaciencia una posible nueva entrega, que esperemos nos llegue con el tiempo.