Legend - Brian Helgeland (2015)

Título original - Legend
Año - 2015
Duración - 131 min.
País - Reino Unido
Director - Brian Helgeland
Guión - Brian Helgeland, basado en el libro de John Pearson
Música - Carter Burwell
Fotografía - Dick Pope
Montaje - Peter McNulty
Producción - Tim Bevan, Eric Fellner, Chris Clark, Quentin Curtis y Brian Oliver
Productora - Coproducción Reino Unido-USA; Working Title Films / Cross Creek Pictures / ACE
Género - Thriller, Drama
Reparto - Tom Hardy, Emily Browning, Colin Morgan, David Thewlis, Christopher Eccleston, Paul Anderson, Chazz Palminteri, Tara Fitzgerald, Nicholas Farrell, Adam Fogerty, Mel Raido, Sam Spruell, Millie Brady, Chris Mason, Alex Ferns, Taron Egerton

Brian Helgeland adapta el libro The Profession of Violence de John Pearson y dirige esta película biográfica sobre dos gansters que dominaron el crimen organizado en el Este de Londres durante los años 50 y 60, los gemelos Kray, a los que da vida el bueno de Tom Hardy. Un trabajo un tanto plano y falto de fuerza, en el que sus responsables anteponen la relación romántica entre dos de sus protagonistas a las actividades que mantienen a los hermanos al mando, algo que resta bastante al resultado final. Se puede ver, pero es bastante mejorable en casi todos sus apartados.

Sinopsis: Ronald y Reginald Kray (Tom Hardy) son dos hermanos gemelos muy diferentes. Reggie es el mayor de ambos, lleva la voz cantante y trata por todos los medios de controlar el difícil carácter de su hermano Ronald, mucho mas violento y anárquico, en parte por padecer trastornos psiquiátricos severos. A pesar de dichas diferencias, ambos serán capaces de imponer su ley en la zona Este de Londres, creando un imperio del crimen organizado que dominará la zona durante casi dos décadas. La entrada en escena de Frances Shea (Emily Browning), de la que Reggie se enamora al instante, agrandará las diferencias entre ambos hermanos.

El director: Brian Helgeland es un guionista, productor y director de cine estadounidense, nacido en Providence, Rhode Island, el 17 de enero de 1961. Comenzó su carrera como guionista mas de una década antes de comenzar a dirigir. Entre los guiones de los que es responsables están Pesadilla en Elm Street 4: El amo del sueño, Autopista al infierno, L.A. Confidential, Conspiración, Payback, Destino de caballero, Deuda de sangre, Mistic river, El fuego de la venganza, Asalto al tren Pelham 1 2 3, El circo de los extraños, Green Zone: Distrito protegido, Robin Hood o 42, entre otros. Debutó tras las cámaras en 1996 dirigiendo un episodio de la serie Historias de la cripta. Seguidamente dirigió Payback (1999), interpretada por Mel Gibson, tras la que dirigió Destino de caballero (2001) y Devorador de pecados (2003), ambas interpretadas por Heath Ledger. En 2006 escribió y dirigió la secuela Payback: Straight Up, de nuevo con Mel Gibson como protagonista, tras la que hizo lo propio con 42 (2013), en la que participan Chadwick Boseman y Harrison Ford, entre otros. Legend ha sido su último trabajo como guionista y director.

La película: Realizar una película de gansters debe parecer mas fácil de lo que realmente es, o al menos, debe ser lo que muchos realizadores imaginan, sobre todo si echamos un vistazo a los últimos trabajos aparecidos dentro de este género, que tantas alegrías nos dio en tiempos pasados, pero que en la actualidad parece bastante agotado, al menos tal como la mayoría de ellos lo pretenden filmar. Ves un trabajo como Godfellas, del maestro Scorsese, y la cosa parece coser y cantar, pero hace falta un enorme talento para conseguir que, en los tiempos que corren, el público quede satisfecho con una película de chicos malos, tan acostumbrados como están a ver corrupción, tanto en la ficción, como en la cruda realidad.

Para ello necesitas tener una buena historia, saber llevarla con habilidad y cierto encanto a la gran pantalla, unos personajes sumamente carismáticos y, si puede ser, añadirle una buena femme fatale, pues mejor que mejor. Aquí se echa de menos, y bastante, casi todo lo que os he mencionado, porque aunque no he leído el libro y no puedo opinar si la historia daba para mas, algo que no me extrañaría en exceso, por lo menos puedo asegurar que no está bien llevada a la pantalla, algo que convierte una historia de crimen y violencia, de constante lucha por el poder, en una sucesión de acontecimientos amontonados sin excesivo atino, que no deja ningún tipo de huella y no tarda apenas nada en ser olvidada. En otras palabras: para ser la historia de dos de los gansters mas famosos de la historia del Reino Unido, carece de la fuerza y la garra necesarias para dejar una esperada huella.

La modista (The Dressmaker) - Jocelyn Moorhouse (2015)

Título original - The Dressmaker
Año - 2015
Duración - 118 min.
País - Australia
Director - Jocelyn Moorhouse
Guión - Jocelyn Moorhouse, basado en la novela homónima de Rosalie Ham
Música - David Hirschfelder
Fotografía - Donald McAlpine
Montaje - Jill Bilcock
Producción - Sue Maslin
Productora - Film Art Media / Screen Australia
Género - Drama, Comedia
Reparto - Kate Winslet, Judy Davis, Liam Hemsworth, Hugo Weaving, Sarah Snook, Sacha Horler, Caroline Goodall, James Mackay, Kerry Fox, Alison Whyte, Barry Otto, Julia Blake, Rebecca Gibney, Shane Jacobson, Genevieve Lemon, Shane Black, Shane Bourne, Hayley Magnus

Jocelyn Moorhouse adapta la novela The Dressmaker, escrita por Rosalie Ham, y dirige este curioso trabajo en el que mezcla sin ningún pudor comedia y drama, además de otro puñado de subgéneros inimaginables, de forma un tanto drástica, dando lugar a un trabajo sumamente original, aunque difícilmente digerible por buena parte del público. Una obra en la que se respira por momentos aromas a cine memorable, que se apoya en el indiscutible carisma y el buen hacer de Kate Winslet, pero que acaba quedándose en recomendable, sin llegar a ser un trabajo redondo por diversos detalles.

Sinopsis: Australia, años 50. Tilly Dunnage (Kate Winslet), una glamurosa modista, regresa a su casa en el turbio pueblo de Dungatar tras muchos años trabajando en exclusivas casas de moda de París, con el objetivo de cerrar heridas del pasado y vengarse de quienes la forzaron a marcharse años atrás. Allí intentará reconciliarse con Molly (Judy Davis) y armada únicamente con su máquina de coser y su excepcional estilo, intentará transformar a las mujeres del pueblo y lograr de esta peculiar forma su dulce y ansiada venganza.

La directora: Jocelyn Moorhouse Denise es una guionista y directora de cine nacida en Melbourne, Australia, el 4 de septiembre de 1960. Mientras estudiaba en el Australian Film, Television and Radio School (AFTRS) dirigió su primer cortometraje, titulado Pavane (1983). Tras graduarse al año siguiente comenzó a trabajar en televisión, participando en programas como c/o The Bartons for the ABC, The Flying Doctors, Out of the Blue, A Place to Call Home o The Humpty Dumpty Man. Debutó en el cine en 1991 con el drama Proof (La prueba), ganando varios premios en Festivales de gran prestigio entre los que destaca la Mención especial - Cámara de Oro en Cannes. Tras ella dirigió Donde reside el amor (1995), un drama romántico con la participación de Winona Ryder y Anne Bancroft, entre otros; Heredarás la tierra (1997) ha sido su último trabajo para la gran pantalla anterior al que hoy nos ocupa. Se trata de un melodrama que cuenta entre su reparto con nombres como Michelle Pfeiffer, Jessica Lange, Jason Robards, Jennifer Jason Leigh, Keith Carradine o Colin Firth, entre otros, que no gozó de excesivo éxito, quizás la principal causa de que haya tardado ocho largos años en volver a hacer cine.

La película: He de comenzar aclarando que La modista (The Dressmaker) es un trabajo que ha dejado en mi sensaciones un tanto dispares, no porque no sea una película aconsejable, que para mi lo es, ni porque no posea casi todo lo necesario para llegar a ser redonda, sino porque su intento de innovar en cuanto a la grotesca mezcla de géneros que en ella se da, no tiene el resultado que su realizadora esperaba, al menos no lo ha tenido en mi, consiguiendo incluso restar mas que sumar en algunos momentos. Es un trabajo ameno de ver, divertido en muchos momentos, e incluso brillante diría yo, pero cuando la historia exige un cambio de tono, este resulta excesivamente brusco, algo que no gustará a todos por igual, sobre todo teniendo en cuenta que no hablamos de un solo momento, sino de varios a lo largo de la historia.

Un vaivén de emociones realmente difícil de explicar, que asaltan constantemente a un espectador que nunca sabe que será lo próximo que le puede esperar, tan original y poco convencional para algunos como brusca e incluso mareante para otros. Destacan en ella muchos de sus personajes, totalmente caricaturizados y en algunos casos difíciles de olvidar, en los que se basa gran parte del encanto de la película. Y todo ello para contarnos algo mil veces contado ya, una historia de venganza disfrazada de mil y una formas, pero que inevitablemente acaba desprendiéndose de todas ellas y mostrando su verdadera identidad, eso si, sin dejar de lado en ningún momento un humor que pasa del mas convencional al mas negro que puedan imaginar.

Steve Jobs - Danny Boyle (2015)

Título original - Steve Jobs
Año - 2015
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Danny Boyle
Guión - Aaron Sorkin, basado el la biografía de Walter Isaacson
Música - Daniel Pemberton
Fotografía - Alwin H. Küchler
Montaje - Elliot Graham
Producción - Danny Boyle, Guymon Casady, Christian Colson, Mark Gordon y Scott Rudin
Productora - Management 360 / Mark Gordon Company / Scott Rudin Productions / Universal Pictures
Género - Drama, Biopic
Reparto - Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels, Michael Stuhlbarg, Katherine Waterston, Sarah Snook, Perla Haney-Jardine, Adam Shapiro, Jackie Dallas, Makenzie Moss, Afsheen Olyaie, Tina Gilton, Tom O'Reilly, Natalie Stephany Aguilar

Tras la insulsa jOBS (Joshua Michael Stern, 2013), Aaron Sorkin escribe el guión adaptando la biografía de Walter Isaacson, Danny Boyle se encarga de la dirección y Michael Fassbender da vida al famoso personaje que da nombre a la película, en un trabajo que supera con creces al anterior, aunque esto no quiera decir que sea un plato para todos los gustos. Una película que se apoya casi totalmente en sus excelentes diálogos, que antepone la persona a sus logros, aunque sin dejarlos de lado, claro está, donde hay que destacar el brillante trabajo de Michael Fassbender, acompañado por una Kate Winslet magnífica, como nos tienen ambos tan mal acostumbrados.

Sinopsis: La película nos cuenta parte de la vida del empresario y programador informático Steve Jobs (Michael Fassbender) (1955-2011), cofundador de la multinacional estadounidense Apple, a través de los sucesos ocurridos alrededor de tres fechas claves en su carrera empresarial, las de las presentaciones del Macintosh en 1984, la del NeXT en 1988 y la del iMac en 1998.

El director: Los que conozcan la trayectoria de Danny Boyle saben que cuando te sientas a ver una de sus películas, puedes esperarte cualquier cosa. En ella encontramos títulos como la comedia de humor negro Tumba abierta (1994), la comedia dramática Trainspotting (1996), la comedia romántica Una historia diferente (1997), el drama La playa (2000), la cinta de terror 28 días después (2002), la comedia dramática Millones (2004), cuya reseña puedes encontrar en este enlace, la cinta de ciencia ficción Sunshine (2007), el drama romántico Slumdog Millionaire (2008), por el que recibió el Oscar, el Globo de Oro y el Bafta al mejor director, el drama de suspense 127 horas (2010) o el Thriller psicológico Trance (2013), del que os hablamos en este artículo. Todo un abanico de géneros en los que se mueve con mayor o menor eficacia, pero dejando siempre su inconfundible sello personal. Actualmente trabaja en T2: Trainspotting 2, la secuela de la película que lo elevó por encima de la media hace ya 20 años, que se espera para enero de 2017 en el Reino Unido y marzo del mismo año en España.

La película: Trabajar como trabajo en un club de fútbol me ha dado muchas cosas, pero entre ellas yo destacaría la posibilidad de conocer un poco mejor a las personas que se encuentran tras algunas de las llamadas estrellas mediáticas, en mi caso futbolistas y entrenadores, de los que la opinión pública tiene una imagen que no siempre, por no decir casi nunca, se corresponde con la realidad. Lógicamente, yo no conocí a Steve Jobs personalmente, ni tengo mucha idea de lo que fue su vida, tan solo conocía algo de su trabajo y poco mas, aunque he de reconocer que nunca he tenido ninguno de sus famosos productos, pero la sensación que me ha dejado esta película es la de haberme ayudado a conocer un poco como era en la vida real, como era la persona tras el personaje, algo que considero no solo un acierto, sino fundamental para que un biopic funcione realmente como lo que pretende ser.

Pero antes de nada quiero que sepan a que se enfrentan si deciden disfrutar esta película, un trabajo de una riqueza para mi indudable, pero con ciertas características que pueden echar a mas de uno para atrás. La verdad es que en muchos momentos me ha recordado, siempre salvando las enormes distancias reales que existen entre ambas, a la magnífica Birdman, dirigida por Alejandro González Iñárritu, de la que os hablamos en este artículo. Como ocurre en ella, Steve Jobs transcurre casi siempre entre bambalinas y basa en sus brillantes diálogos gran parte de su enorme fuerza, algo que para mi es una grata noticia, pero que para otros espectadores pueda resultar bastante aburrido, sobre todo si no consiguen meterse en su historia o si simplemente esta no llega a interesarles como debiera. Boyle no es Iñárritu, ni Fassbender es Keaton, pero me resulta muy difícil creer que si la primera no fue de tu gusto, esta si lo sea, aunque ya saben que en esto del cine nunca se sabe.

13 minutos para matar a Hitler (Georg Elser) - Oliver Hirschbiegel (2015)

Título original - Elser: Er hätte die Welt verändert (Georg Elser)
Año - 2015
Duración - 110 min.
País - Alemania
Director - Oliver Hirschbiegel
Guión - Léonie-Claire Breinersdorfer y Fred Breinersdorfer
Música - David Holmes
Fotografía - Judith Kaufmann
Montaje - Alexander Dittner
Producción - Boris Ausserer, Fred Breinersdorfer y Oliver Schündler
Productora - Lucky Bird Pictures / Delphi Medien / Philipp Filmproduction
Género - Drama
Reparto - Christian Friedel, Katharina Schüttler, Burghart Klaußner, Johann von Bülow, Felix Eitner, David Zimmerschied, Rüdiger Klink, Simon Licht, Cornelia Köndgen, Martin Maria Abram

Oliver Hirschbiegel, realizador que nos dejó hace poco mas de una década la magnífica El Hundimiento, vuelve a sumergirnos en una de las época mas convulsas de Europa y el mundo entero, la del dominio de Hitler. Con un guión escrito por Léonie-Claire Breinersdorfer y Fred Breinersdorfer, nos trasladamos en esta ocasión a los comienzo del dominio del dictador, centrándose en como poco a poco consiguió dominar al pueblo alemán y mas concretamente en la vida de una de esas figuras de las que la historia pocas veces se acuerda, la del campesino y carpintero Georg Elser (Christian Friedel), que estuvo a punto de cambiar la historia. Un trabajo ejecutado de forma positiva en la mayoría de sus apartados, pero no tanto como dicho personaje creo que se merece.

Sinopsis: En los comienzos del reinado del terror de Adolf Hitler, cuando consolidaba su dominio en Alemania y comenzaba su expansión por Europa, hubo un hombre que pudo cambiar la historia. Se trata de Georg Elser (Christian Friedel), un modesto carpintero que, sin pertenecer a la resistencia ni haber militado jamás en los partidos de la oposición, decidió hacer algo para detener el imparable avance del Führer, intentando atentar contra su vida. 13 minutos separaron el éxito del fracaso, e impidieron que su objetivo se pudiera cumplir, pasando en principio a la historia como un sangriento terrorista que acabó con la vida de varios inocentes. Esta es la historia de como y porqué lo hizo, además del elevado precio que tuvo que pagar por ello.

El director: Oliver Hirschbiegel es un director de cine alemán, nacido el 26 de marzo de 1957 en Hamburgo. Comenzó trabajando en televisión participando en la serie Rex: un policía diferente (1994). Posteriormente dirigió un olvidable largometraje basado en la misma, titulado Baby Rex (1997), pero fue en 2001 cuando sorprendió a propios y extraños con el brillante film El experimento, del que os hablamos en este artículo. Tras el drama Mein letzter Film (2002), dirigió El hundimiento (2004), en el que retrataba los últimos días de Adolfo Hitler, causando gran conmoción en Alemania por el tratamiento que tenía hacia la cúpula alemana, pero obteniendo un enorme éxito entre la crítica, siendo nominada al Oscar como Mejor película de habla no inglesa y al Goya en España. El nivel de su cine ha decaído bastante desde entonces, dirigiendo trabajos como Invasión (2007), con Nicole Kidman y Daniel Craig, Cinco minutos de gloria (2009), protagonizada por Oliver Hirschbiegel o Diana (2013), donde Naomi Watts da vida a la princesa Diana de Gales, contando su relación con el doctor Hasnat. También participó en la serie de televisión Borgia (2011).

La película: Resulta realmente curioso, al menos así me lo ha parecido a mi, que en un tema tan utilizado en el mundo del cine como es la segunda guerra mundial, aún haya historias y personajes que me resulten desconocidos hasta ver un trabajo como el que hoy nos ocupa. Para seros sinceros, cada vez me cuesta mas echarle valor y afrontar el visionado de ellas, ya que es realmente complicado encontrar una que lo haga, pero si te das cuenta de la enorme importancia que un personaje como el que hoy nos retrata Oliver Hirschbiegel pudo tener en el desarrollo de la historia, lo menos que te entra es curiosidad. Tras verla he de decir que, incluso entiendo el porqué del ostracismo de dicho personaje, ya que la mayoría de una nación miró hacia otro lado o simplemente se dejó llevar por el poder del Führer y sus ansias de cambiar el mundo, por lo que la historia de quien no lo hizo, no hace mas que agrandar las vergüenzas de la memoria de una nación como Alemania.

Pero tampoco quiero que se lleven a engaños por mis palabras, esperando ver una película bélica o algo por el estilo. 13 minutos para matar a Hitler comienza con un pequeño tramo bastante espectacular, en el que vemos directamente unas imágenes de la preparación del atentado y el resultado del mismo. A partir de ahí iremos conociendo con constantes, pero muy bien ejecutados, saltos en el tiempo la investigación del atentado y la vida de nuestro protagonista, hasta llegar a conocer los motivos por los que decidió hacer lo que hizo. Mas que una película sobre el conflicto, 13 minutos para matar a Hitler retrata como afectó a una pequeña población el progresivo ascenso al poder del Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán, como cambió para siempre las vidas de sus habitantes y como unos pocos de ellos decidieron hacerle frente.

Una pastelería en Tokio (An) - Naomi Kawase (2015)

Título original - An
Año - 2015
Duración - 113 min.
País - Japón
Director - Naomi Kawase
Guión - Naomi Kawase, basado en la novela de Durian Sukegawa
Música - David Hadjadj
Fotografía - Shigeki Akiyama
Montaje - Tina Baz
Producción - Koichiro Fukushima, Yoshito Ohyama y Masa Sawada
Productora - Coproducción Japón-Francia-Alemania; Comme des Cinemas / Nagoya Broadcasting Network / Twenty Twenty Vision, ZDF/Arte / MAM / An Film Partner
Género - Drama
Reparto - Masatoshi Nagase, Kirin Kiki, Miyoko Asada, Etsuko Ichihara, Miki Mizuno, Kyara Uchida

Naomi Kawase escribe el guión adaptando la novela de Durian Sukegawa y dirige esta sutil mirada a una pequeña pastelería en la que se darán cita tres personajes de tres generaciones diferentes. Con un ritmo pausado y sereno, estamos ante un trabajo que elogia la sencillez de lo cotidiano, para acabar mostrándonos una historia de una riqueza mucho mayor de lo que en principio aparenta. Cine realizado para amantes de la vida tranquila y la meditación, no recomendable para las almas mas inquietas y los corazones mas endurecidos. Un sorbo de filosofía oriental que merece la pena disfrutar y, que si además conseguimos asimilar, pues mejor que mejor.

Sinopsis: Sentaro (Masatoshi Nagase) es un hombre tranquilo y serio que regenta una pequeña pastelería en Tokio donde vende dorayakis, un dulce tradicional relleno de una pasta de judías llamada an. A pesar de su dedicación y sus esfuerzos, el negocio no marcha excesivamente bien, aunque consigue sobrevivir con el. Un buen día llega a la pastelería una simpática anciana llamada Tokue (Kirin Kiki), que le confiesa que siempre quiso trabajar en una pastelería y le pide trabajo. Ante la lógica negativa inicial de Sentaro, la anciana regresa al poco tiempo y le regala un poco de an que ha hecho ella misma, cuyo sabor es tan delicioso que Sentaro no tiene mas remedio que contratarla, con la única misión de hacerlo para sus pasteles, algo que cambiará la vida de ambos para siempre.

La directora: Naomi Kawase es una directora de cine y escritora nacida en Nara (Japón), el 30 de mayo de 1969. Abandonada por sus padres, creció con su tía abuela, algo que ha marcado su vida y su trabajo. Se licenció en la Escuela de Fotografía de Osaka en 1989 donde trabajó posteriormente como docente durante 4 años. Ha realizado varios documentales basados en su propia vida, la búsqueda de su padre, que la abandonó de pequeña (En sus brazos, 1992), su tía abuela que la cuidó de pequeña (Katatsumori, 1994) y su embarazo y parto (Tarachime, 2006). En 1996 se estrenó su mediometraje documental Sol de atardecer y un año después escribió y dirigió Suzaku, su primer largometraje de ficción. Tras el llegaron otros como Hotaru (Firefly) (2000), con el que se estrenó en la sección competitiva del Festival de Locarno, donde obtuvo el Premio Fipresci y el Premio CICAE. Su tercer largo de ficción, Shara (2003), fue seleccionado para la Sección Oficial de Cannes, donde repitió en en 2007 con El bosque del luto (Mogari no mori), por la que obtuvo el Gran Premio Especial del Jurado, para muchos su mejor obra. Del resto podemos destacar Nanayo (2008), Hanezu (2011) y Aguas tranquilas (2014). Destacar también su trabajo Correspondencia: Isaki Lacuesta - Naomi Kawase (In Between Days), un documental que muestra la correspondencia filmada que mantuvo con el realizador catalán.

La película: En la alocada sociedad donde vivimos, gobernada por las prisas y el estrés, la obligación de seguir su frenético ritmo para no quedar atrasados del resto y lograr ser competitivos, creo que sería necesario que, aunque sea de vez en cuando, disfrutásemos de algún trabajo como el que hoy nos ocupa. Puede que no les atraiga tanto como lo pueden hacer otros, que su ritmo pausado y su gusto por detenerse en los pequeños detalles no sean lo que mas llame su atención a primera vista, pero invita a hacer algo que deberíamos tener mucho mas en cuenta a la hora de vivir nuestras vidas, el hecho de pararnos, reflexionar y valorar lo que tenemos la suerte de poder experimentar, intentar disfrutar de esas pequeñas cosas que nos rodean y pasan casi inadvertidas ante nuestros ojos y, sobre todo, dejar de creer que somos el centro del universo y paladear los pequeños placeres que nos ofrece la vida, para así conseguir distinguir que es realmente importante, que seguramente no sea precisamente lo que en principio creemos.

An (Una pastelería en Tokio en España) comienza mostrándonos la rutina de uno de sus protagonistas, como se levanta al amanecer y se prepara para comenzar su labor diaria, como llega desganado a un trabajo que ni mucho menos lo llena y comienza una jornada que promete pocas diferencias comparada con cualquier otro día. No conocemos mucho de el, pero en su predisposición y su forma de afrontar sus obligaciones, podemos adivinar como dicha rutina lo ha ido apagando poco a poco y ha ido formando ese carácter serio y desganado que parece tener, hasta conseguir introducirlo en una espiral en la que poco o nada parece merecer la pena. ¿Os suena?. La realizadora además se encarga de potenciar esa imagen de insoportable rutina ofreciéndonos constantes imágenes de personas comunes que van de un lado para otro, de trenes que no paran de llevarlos de aquí para allá y de contados personajes que no parecen tener excesivo interés para el espectador.

La bruja (The Witch) - Robert Eggers (2015)

Título original - The Witch
Año - 2015
Duración - 92 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Eggers
Guión - Robert Eggers
Música - Mark Korven
Fotografía - Jarin Blaschke
Montaje - Louise Ford
Producción - Chris Columbus, Jay Van Hoy, Jodi Redmond, Daniel Bekerman, Lars Knudsen y Rodrigo Teixeira
Productora - Coproducción USA-Canadá-Reino Unido; A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures
Género - Terror, Cine independiente
Reparto - Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith

Robert Eggers es el responsable del guión y la magnífica dirección, por la que ganó el premio en la categoría de Drama Estadounidense en el Festival de Cine de Sundance 2015, de este producto independiente que nos llega de los Estados Unidos. Terror psicológico filmado con enorme brillantez, donde además destacan la excelente fotografía de Jarin Blaschke, la soberbia puesta en escena y el trabajo de todo el reparto elegido para la ocasión, que no gustará a todos por igual, pero que hará las delicias de los amantes de un "terror" muy diferente al que se suele rodar en la actualidad, con personalidad y señas de identidad propias. La obra de un perfeccionista, algo que teniendo en cuenta que estamos ante un debut, habrá que tener muy en cuenta en el futuro.

Sinopsis: Nueva Inglaterra, 1630. Un matrimonio de colonos cristianos, con cinco hijos, es expulsado de la comunidad en la que viven por discrepancias con los que la dirigen. Tras un largo viaje en carreta se establecen en una tierra desconocida para ellos, frente a un bosque que, según las creencias populares, está dominado por el mal. Pero tras la extraña desaparición de su hijo recién nacido, la familia comienza a intentar dar una explicación lógica a lo sucedido a través de su férreas convicciones religiosas, algo que irá oscureciendo las relaciones entre sus miembros, que se irá agravando conforme se acerca el invierno, las cosechas no acaban de dar sus frutos y diversos fenómenos de difícil explicación continúan sucediendo.

La película: Lo primero que he de decir, es que comprendo perfectamente a todos aquellos que acuden a una sala de cine a ver lo que creen ser una película de terror como las que se suelen rodar en la actualidad y salen muy decepcionados al ver la obra que hoy nos ocupa, The Witch. Los comprendo porque esta es quizás una de las películas que he visto en mucho tiempo que mas se aleja de dicho concepto, de hecho, lo rehuye en todo momento, por lo que el que espera ver uno de esos trabajos donde se suceden los sustos repentinos y las súbitas subidas de volumen están a la orden del día, debe de salir decepcionado y muy aburrido. La bruja podría ser calificada como terror psicológico, algo ya bastante distinto, aunque yo iría incluso unos pasos mas allá y la definiría como un drama psicológico sobre los miedos y temores que han atenazado a los seres humanos a lo largo de la historia y los peligros de los fanatismos religiosos, con ciertos toques de cine fantástico. Es el gran problema de la forma en la que se promociona el cine a día de hoy, que no siempre (casi nunca diría yo) entrega al espectador lo que parece ofrecer, llegando después las lógicas decepciones.

Aclarado esto, he de decir que estamos ante una obra realmente bien llevada a la gran pantalla, que resulta inconcebible ubicar como una opera prima viendo la maestría con la que Robert Eggers consigue sacar partido de una historia bastante simple, que en manos de otro realizador tan poco experimentado como el, e incluso en las de algunos con mucha mayor experiencia, podría ser considerada como menor, e incluso ridícula diría yo, pero que el prometedor realizador consigue convertir en un trabajo de esos que dejan huella, capaz de distanciarse de la inmensa mayoría mostrando un estilo y unas cualidades fácilmente diferenciables. Cine que a pocos dejará indiferentes, que dudo mucho que convenza a una gran franja del público que acude hoy día a las salas, al estar bastante alejado de lo que buscan, pero que será todo un soplo de aire fresco para los que, como yo, creemos que no todo está hecho y que aunque resulte difícil, aún es posible innovar y contar ciertas historias de forma distinta.

Star Wars: El despertar de la Fuerza - J.J. Abrams (2015)

Título original - Star Wars. Episode VII: The Force Awakens
Año - 2015
Duración - 135 min.
País - Estados Unidos
Director - J.J. Abrams
Guión - J.J. Abrams, Lawrence Kasdan y Michael Arndt
Música - John Williams
Fotografía - Daniel Mindel
Montaje - Maryann Brandon y Mary Jo Markey
Producción -
Productora - Lucasfilm / Bad Robot / The Walt Disney Company
Género - Ciencia ficción. Aventuras
Reparto - Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Adam Driver, Oscar Isaac, Carrie Fisher, Peter Mayhew, Domhnall Gleeson, Max von Sydow, Gwendoline Christie, Lupita Nyong'o, Andy Serkis, Anthony Daniels, Mark Hamill, Greg Grunberg, Kenny Baker, Simon Pegg, Katie Jarvis, Christina Chong, Miltos Yerolemou, Thomas Brodie-Sangster, Ken Leung, Harriet Walter, Iko Uwais, Yayan Ruhian, Warwick Davis, Jessica Henwick, Daniel Craig, Billie Lourd, Judah Friedlander, Kevin Smith

J.J. Abrams es el principal responsable de este fallido intento de revitalizar una saga de muy grato recuerdo para muchos de nosotros y que, visto lo visto, corre el riesgo de hundirse para siempre. Un guión pésimo, que además copia descaradamente demasiados detalles del episodio IV, unos personajes con escaso carisma y una falta de respeto total al espíritu de la saga y, por que no decirlo, a la inteligencia de los fans. Como puntos salvables cabe destacar los efectos, aunque con tamaño presupuesto es lo mínimo exigible, y un excelente ritmo que hará que los menos exigentes incluso disfruten de ella. Decepcionante.

Sinopsis: Treinta años después de la victoria de la Alianza Rebelde sobre la segunda Estrella de la Muerte (hechos narrados en el Episodio VI: El retorno del Jedi), la galaxia está todavía en guerra. Una nueva República se ha constituido, pero una siniestra organización, la Primera Orden, ha resurgido de las cenizas del Imperio Galáctico. A los héroes de antaño, que luchan ahora en la Resistencia, se suman nuevos héroes: Poe Dameron (Oscar Isaac), un piloto de caza, Finn (John Boyega), un desertor de la Primera Orden, Rey (Daisy Ridley), una joven chatarrera, y BB-8, un androide rodante que posee la clave que todos buscan.

El director: Jeffrey Jacob Abrams, más conocido como J. J. Abrams, es un director, productor, escritor, actor y compositor de cine y televisión estadounidense nacido el 27 de junio de 1966 en Nueva York. Hijo del productor de televisión Gerald W. Abrams y la productora ejecutiva Carol Abrams, asistió a la Palisades High School y al Sarah Lawrence College en Nueva York. Es también propietario de la productora de cine Bad Robot Productions. La primera película que produjo fue Millonario al instante (1990), a la que siguieron otras como A propósito de Henry (1991) o Eternamente joven (1992). En televisión es responsable de productos como Felicity (1998), Alias (2001), la inolvidable Perdidos (Lost) (2004), Seis grados (2006), Fringe (2008), Undercovers (2010) y Alcatraz (2012). En el mundo del cine  nos ha dejado títulos como Misión imposible III (2006), Star Trek (2009), Super 8 (2011), Star Trek: En la oscuridad (2013) y la que hoy nos ocupa.

La película: Antes de nada me gustaría dejar claro que no soy lo que se llama un fan del universo Star Wars, aunque igualmente he de decir que es una de las sagas, su primera trilogía en concreto, que mas huella consiguieron dejar en mi, además de significar un cambio en la forma en la que se promocionaba el cine y el comienzo, y creo que principal exponente, del auge de negocios paralelos como el enorme volumen de merchandising que consiguió generar. El universo creado por George Lucas se basaba en personajes carismáticos que aún a día de hoy son perfectamente conocidos por cualquier amante del cine, además de elementos como la fuerza, que permitía a unos pocos elegidos poder dominarla tras un duro entrenamiento y así poder hacer frente a las fuerzas oscuras que pretendían dominar el universo. Todo esto se lo ha saltado el señor J.J. Abrams de un solo plumazo, sin respetar lo mas mínimo el espíritu que tanto embelesó a millones de espectadores en todo el mundo, algo que para mi es lamentable, así que imagino que opinarán de ello la enorme legión de fans que aún conserva.

Hace poco ya tuve una experiencia similar, aunque no tan mala, con la aclamada nueva entrega de Mad Max, de la que os hablamos en este artículo. En ella George Miller conseguía convencer a gran parte del público con una cinta de un ritmo endiablado, en la que las trepidantes persecuciones eran su principal reclamo y que al menos conseguía el aprobado, pero enterrando como pocas veces he visto el personaje que precisamente da nombre a la saga y relegando a este a ser un mero lacayo de una Charlize Theron que se ponía al frente de la misma. En esta ocasión se ha intentado, al menos eso es lo que parece, contentar a los fans de las películas mas antiguas, las originales, con la aparición de varios de los personajes que las protagonizaban, además de darle un aire a cine mas actual para ganar nuevos adeptos a la causa. El resultado conseguido es bastante chapucero, sobre todo cuando ves al legendario Han Solo con tropecientos años mas haciendo exactamente lo mismo que hacía antes de lograr salvar al universo junto a sus compañeros. Pobre Harrison Ford, obligado a interpretar a un personaje que según los guionistas no ha avanzado un ápice en todos estos años.

En el corazón del mar (In the Heart of the Sea) - Ron Howard (2015)

Título original - In the Heart of the Sea
Año - 2015
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Ron Howard
Guión - Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan y Amanda Silver
Música - Roque Baños
Fotografía - Anthony Dod Mantle
Montaje - Daniel P. Hanley y Mike Hill
Producción - Brian Grazer, Ron Howard, Will Ward y Joe Roth
Paula Weinstein
Productora - Warner Bros. / Village Roadshow Pictures / Cott Productions / Enelmar Productions / A.I.E. / Imagine Entertainment / Roth Films / Spring Creek Productions
Género - Aventuras
Reparto - Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Ben Whishaw, Brendan Gleeson, Michelle Fairley, Charlotte Riley, Joseph Mawle, Jordi Mollà, Andrew Crayford, Jamie Sives, Donald Sumpter, Paul Anderson, Frank Dillane

Ron Howard es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan y Amanda Silver, basado en la historia real del hundimiento del ballenero Essex en el siglo XIX. Una magnífica película de aventuras y supervivencia filmada de forma sobresaliente, que da el protagonismo a las duras condiciones que soportaban los marineros de la época y al duelo de sus dos actores protagonistas, mientras que la famosa ballena blanca pierde algo de dicho protagonismo. Lástima que en el plano emocional no brille tanto como debiera, lo que a la larga impide que hablemos de una obra colosal. Muy recomendable a pesar de ello.

Sinopsis: Año 1820. El veterano marinero Owen Chase (Chris Hemsworth) aguarda con impaciencia su próximo viaje, con la promesa de capitanear este en busca del preciado aceite que solo las ballenas pueden ofrecer. Pero ante su asombro, los dueños de la empresa colocan como capitán a George Pollard (Benjamin Walker), un marinero de escasa experiencia con el que Owen tendrá que trabajar como primer oficial, algo que hará que entre los dos se creen continuas discrepancias durante el viaje. Obsesionados con encontrar aguas donde abunden las ballenas, ambos arriesgan demasiado en el viaje, lo que los llevará a tener que luchar por su supervivencia en condiciones extremas tras ser atacados por una enorme ballena blanca.

El director: Ron Howard es un actor, director y productor de cine estadounidense nacido en Duncan, Oklahoma, el 1 de marzo de 1954. Hijo de la actriz Jean Speegle Howard y del actor, director y escritor Rance Howard, estudió en la escuela de cine de la Universidad del Sur de California, aunque no llegó a graduarse. Debutó en la dirección con Loca escapada a Las Vegas (1977), película que el mismo protagonizó junto a Nancy Morgan. Tras varios trabajos para televisión comenzó a hacer cine con asiduidad con títulos como Turno de noche (1982), con Michael Keaton y Shelley Long, Un, dos, tres... Splash (1984), con Tom Hanks y Daryl Hannah, Cocoon (1985), Pisa a fondo (1986), la inolvidable Willow (1988), Dulce hogar... ¡a veces! (1989), Llamaradas (1991), Un horizonte muy lejano (1992), The Paper (Detrás de la noticia) (1994), Apolo 13 (1995), que fue nominada a 9 Oscars, Rescate (1996) o las olvidables EDtv (1999) y El Grinch (2000). Por fin saboreó las mieles del olimpo con Una mente maravillosa (2001), por la que ganó los Oscars como mejor película, director, actriz reparto (Connelly) y guión adaptado. Su filmografía se completa con Desapariciones (2003), Cinderella Man (2005), El código Da Vinci (2006), El desafío: Frost contra Nixon (2008), que obtuvo 5 nominaciones a los Oscars, incluyendo mejor película y mejor director, Ángeles y demonios (2009), ¡Qué dilema! (2011), Rush (2013), magnífico trabajo del que os hablamos en este artículo y la que hoy nos ocupa. Para este año se espera Inferno, un thriller en el que vuelve a trabajar con Tom Hanks que se estrena en octubre y el documental The Beatles Live: Touring years (1962-1966).

La película: Cuando Herman Melville publicada en 1851 la novela Moby-Dick no creo que jamás imaginase la repercusión que esta alcanzaría pasados los años, menos aún conociendo que en un principio esta no obtuvo un gran éxito. En ella se relata el viaje comandado por el capitán Ahab en el barco ballenero Pequod, con la principal finalidad de dar caza a un gran cachalote blanco por el que con anterioridad había perdido una de sus piernas. El texto trataba la vida marinera de la época y los métodos que se utilizaban para la caza de las ballenas, además de rebosar un simbolismo un tanto abstracto, por lo que su lectura puede resultar un poco espesa. Con el paso de los años se ha adaptado en diversas ocasiones en cine, teatro y televisión, comenzando por la versión muda de 1926 llamada The Sea Beast y la posterior de 1930 del mismo nombre, ambas protagonizadas por John Barrymore. Ya en 1956 se filmó Moby Dick, dirigida por John Huston y protagonizada por Gregory Peck en el papel del capitán Ahab, con un guion del escritor estadounidense Ray Bradbury. En 1998 se realizó un telefilm protagonizado por Patrick Stewart y en 2007 el cineasta francés Philippe Ramos hizo una adaptación personal de la novela llamada Capitaine Achab.

Digo esto porque hay que dejar claro que la película que hoy nos ocupa no es una nueva adaptación de la famosa novela de Herman Melville, por lo que tampoco tiene nada que ver con la mas famosa de sus adaptaciones al cine, Moby Dick de John Huston, así que invertir un solo minuto en comparar ambos trabajos resulta poco menos que absurdo. Por el contrario estamos ante una libre adaptación del hundimiento del Ballenero Essex, en la que ni los personajes ni los motivos del viaje tienen nada que ver con los anteriormente descritos, siendo la aparición de la famosa ballena albina una de las pocas coincidencias entre ambas. El guión escrito por Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan y Amanda Silver da lugar a una película de aventuras que, de la mano de Ron Howard y su equipo, resulta un espectáculo digno de ser disfrutado como tal.

Victor Frankenstein - Paul McGuigan (2015)

Título original - Victor Frankenstein
Año - 2015
Duración - 109 min.
País - Estados Unidos
Director - Paul McGuigan
Guión - Max Landis, basado en la novela de Mary Shelley
Música - Craig Armstrong
Fotografía - Fabian Wagner
Montaje - Andrew Hulme  y Charlie Phillips
Producción - John Davis
Productora - Davis Entertainment / Twentieth Century Fox Film Corporation
Género - Terror, Ciencia ficción
Reparto - Daniel Radcliffe, James McAvoy, Jessica Brown Findlay, Mark Gatiss, Andrew Scott, Louise Brealey, Alistair Petrie, Daniel Mays, Freddie Fox, Adrian Palmer, Adrian Schiller, Spencer Wilding

Paul McGuigan es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Max Landis, que adapta la famosa novela de Mary Shelley Frankenstein o el moderno Prometeo, de 1818. Un nuevo intento por revitalizar una obra y unos personajes que pocos ya desconocen, intentando dar una nueva vuelta de tuerca a una historia que pocas mas ya soporta. Deficiente en casi todos los aspectos, algo que disponiendo de una buena historia, aunque excesivamente utilizada, tiene aún mas delito. No esperaba gran cosa, pero he encontrado aún menos.

Sinopsis: El científico Victor Frankenstein (James McAvoy) y su brillante protegido, Igor Strausman (Daniel Radcliffe), comparten la noble misión de ayudar a la humanidad a partir de una rompedora investigación sobre la inmortalidad. Pero los experimentos de Víctor han ido demasiado lejos y su obsesión ha tenido terroríficas consecuencias. Solo Igor puede traer de vuelta a su amigo del umbral de la locura y salvarle de su monstruosa creación.

El director: Paul McGuigan es un director de cine y televisión británico nacido en Bellshill, Escocia, el 19 de septiembre de 1963. Después de haber conocido el éxito como fotógrafo en Glasgow, pasó al mundo de la publicidad, para luego rodar numerosos documentales, incluyendo Football, Faith and Flutes y Playing Nintendo with God. Tras debutar en el mundo del cine con The Acid House (1998), su filmografía incluye títulos como Gangster No. 1 (2000), El misterio de Wells (2003), Obsesión (Wicker Park) (2004), El caso Slevin (2006) y Push (2009), su último trabajo para la gran pantalla anterior al que hoy nos ocupa. En televisión ha participado en multitud de series, entre las que destacan nombres como Monroe (2011), Scandal (2012), Criadas y malvadas (2013) o Sherlock (2010), dirigiendo Sherlock: El gran juego (2010), Sherlock: Estudio en rosa (2010), Sherlock: Los perros de Baskerville (2012) y Sherlock: Escándalo en Belgravia (2012).

La película: Si Mary Shelley levantara la cabeza y descubriera como ha sobrevivido su criatura con el paso de los años, a buen seguro debería sentirse orgullosa de que esta continúe protagonizando una película tras otra. De lo que no estoy tan seguro es de que compartiera el gusto por la innovación que cada realizador, cada guionista, cada generación necesita para revitalizar una historia que casi todo el mundo conoce, pero que todos y cada uno intentan cambiar a su antojo. Tantas versiones se han realizado ya que poco queda del personaje ideado por la escritora, al menos de como ella lo concibió, por no hablar de la esencia que quiso transmitir con su relato, que ha ido desapareciendo con los años como desaparece la luna cada amanecer hasta que no queda de ella ni rastro, al menos ante nuestros ojos.

Soy consciente de que el paso de los años hacen necesarios que una historia tan antigua sea adaptada a los gustos de los espectadores actuales, que es necesario crear nuevos alicientes para que se sientan atraídos por lo que se les pretende contar, que los años no pasan en balde y la ingenuidad que antes nos caracterizaba ha dado paso, con la inestimable ayuda de las nuevas tecnologías, a que poco o nada sea capaz de sorprender al público actual, que al tener acceso a casi todo, necesita de nuevas emociones cada vez mas difíciles de encontrar, pero en lo que no estoy para nada de acuerdo es en la horrible tendencia que lleva a los creadores de cada nuevo trabajo a olvidar la esencia de donde viene la historia, a modificarla de tal forma que nada quede de su alma primitiva, de su razón de ser.

Irrational Man - Woody Allen (2015)

Título original - Irrational Man

Año - 2015

Duración - 96 min.

País - Estados Unidos

Director - Woody Allen

Guión - Woody Allen

Música - Ramsey Lewis

Fotografía - Darius Khondji

Montaje - Alisa Lepselter

Producción - Woody Allen, Letty Aronson y Stephen Tenenbaum

Productora - Sony Pictures Classics / Gravier Productions

Género - Drama, Intriga, Comedia

Reparto - Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jamie Blackley, Parker Posey, Ethan Phillips, Julie Ann Dawson, Mark Burzenski, Gary Wilmes, Geoff Schuppert, David Pittu, Steven Howitt, Kaitlyn Bouchard, Ana Marie Proulx, Kate McGonigle, Tamara Hickey 

Woody Allen acude a su ineludible cita anual con los espectadores escribiendo y dirigiendo una de esas comedias de intriga que tan buenos resultados le han dado durante su carrera. En este caso lleva a la gran pantalla una historia bastante sencilla, aunque perfectamente contada, como nos tiene acostumbrados, que a mi personalmente me ha hecho pasar un buen rato, pero a la vez me ha dejado con ganas de algo mas. La pareja elegida para la ocasión: los brillantes Joaquin Phoenix y Emma Stone, que consiguen mantener a flote la cinta, aunque no elevarla en exceso. Inteligente y entretenida, pero muy lejos de sus mejores obras.

Sinopsis: Abe Lucas (Joaquin Phoenix) es un profesor de filosofía que atraviesa una grave crisis existencial. Recién contratado en la universidad de una pequeña ciudad, rápidamente ve como su vida da un giro al comenzar a relacionarse con dos mujeres: Rita Richards (Parker Posey), una compañera de universidad solitaria cuyo matrimonio hace aguas, que no esconde su interés por el y Jill Pollard (Emma Stone), una brillante estudiante que a pesar de tener novio, se siente atraída por él incluso antes de llegar al campús, algo que no hará mas que acrecentarse tras conocer esta su compleja y atormentada realidad.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Scoop (2006), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Cuando pasen los años y ya no tengamos la suerte de disfrutar de cada nueva obra de este magistral genio de Brooklyn llamado Woody Allen, buscaremos como locos trabajos como este para tener la oportunidad de recordar y revivir su particular manera de ver y hacer cine, algo a lo que en la actualidad no nos da ni tiempo, gracias a la enorme capacidad de trabajo que tiene y a la cantidad de títulos que nos regala año tras año. Hasta su obras menos afortunadas, consiguen dejar en mi mejores sensaciones que las que dejan muchas de las comedias que se hacen hoy día, pero eso no quita que cuando una de estas películas no brillen como lo han hecho otras, no deba exponerlo por exceso de respeto.

Y es que esa es la extraña sensación que me ha dejado este trabajo, con el que me he entretenido y he pasado un buen rato con la forma en la que está escrito, dirigido e interpretado, pero que me ha parecido un tanto simplón y bastante predecible, algo no muy frecuente en el cine de Allen. La sencillez de su historia podría ser escrita en una simple servilleta, algo que en manos de cualquiera no daba ni para un largometraje, pero que Allen consigue engrandecer con sus magníficos diálogos, con bastante menos chispa que otras veces, todo hay que decirlo, pero que vuelven a demostrar el enorme talento del cineasta también como guionista.