Redención (Los casos del Departamento Q) - Hans Petter Moland (2016)

Título original - Flaskepost fra P (A Conspiracy of Faith)
Año - 2016
Duración - 112 min.
País - Dinamarca
Director - Hans Petter Moland
Guión - Nikolaj Arcel, que adapta la novela de Jussi Adler-Olsen
Música - Nicklas Schmidt
Fotografía - John Andreas Andersen
Montaje - Olivier Bugge Coutté y Nicolaj Monberg
Producción - Peter Aalbæk Jensen y Louise Vesth
Productora - Det Danske Filminstitut / TV2 Danmark / Zentropa Entertainments20
Género - Thriller, Drama
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Johanne Louise Schmidt, Jakob Oftebro, Pål Sverre Hagen, Lotte, Andersen, Søren Pilmark

A Conspiracy of Faith (Redención en España) es el nombre de la tercera entrega de la saga que sigue los casos del llamado Departamento Q. Con un guión de Nikolaj Arcel, autor de los dos anteriores, la dirección de Hans Petter Moland, que sustituye a Mikkel Nørgaard, responsable de las dos anteriores, y la magnífica fotografía de John Andreas Andersen, estamos ante un thriller que sigue al pie de la letra las señas de identidad de la serie. Un producto totalmente recomendable, cuya asfixiante atmósfera y la oscuridad de los casos que trata, seguirán haciendo las delicias de los seguidores de este tipo de productos.

Sinopsis: Una antiguo mensaje es encontrado en una botella en Escocia tras un largo viaje a través del océano. El Departamento Q se hace caso del caso, descubriendo que es una antigua llamada de socorro lanzada desde un lugar desconocido. Poco a poco se irán acercando a la verdad, introduciéndose en una comunidad donde la religión dicta las normas, los extraños no suelen ser bien recibidos y avanzar en la investigación resulta realmente complicado.

El director: Hans Petter Moland es un director de cine noruego nacido en Oslo, el 17 de octubre de 1955. Habiendo sido galardonado con premios por sus anuncios publicitarios en los principales festivales, debutó con el drama bélico The Last Lieutenant (1993), tras la que dirigió un par de películas con Stellan Skarsgård como protagonista: el drama de aventuras Zero Kelvin (1995) y el drama Aberdeen (2000). Tras el cortometraje La unión hace la fuerza (De beste går først, 2002) dirigió la comedia dramática Folk flest bor i Kina (2002), el drama Un lugar maravilloso (The Beautiful Country, 2004), el drama político Camarada Pedersen (Gymnaslærer Pedersen, 2006) y la comedia negra Un hombre bastante bueno (A Somewhat Gentle Man, 2010), en la que vuelva a trabajar con Stellan Skarsgård. Tras el documental Cuando las burbujas estallan (Når boblene brister, 2012), dirigió Uno tras otro (In Order of Disappearance) (2014), donde mezcla comedia negra y thriller, de nuevo con el protagonismo de Stellan Skarsgård. Podéis leer mas sobre ella en nuestra reseña.

La película: Redención es el título de la tercera entrega de la saga que nos trae los casos del llamado Departamento Q, interpretados por los actores Nikolaj Lie Kaas (Carl Mørck) y Fares Fares (Assad), tras Misericordia (de la que os hablamos en este artículo) y Profanación (en este otro). En este caso tenemos las novedades en la dirección de Hans Petter Moland, en la fotografía de John Andreas Andersen y en la banda sonora de Nicklas Schmidt, que dan su toque particular a esta tercera entrega, siempre respetando el espíritu original de estos excelentes policiacos que, por desgracia, no serán tomados mas en cuenta por no tener nacionalidad estadounidense, pero que sin duda no deberían dejar pasar de largo, a poco que sean seguidores de este tipo de productos.

Mimada en cada uno de los detalles, por pequeño que estos sean, estamos ante una saga que no suele fallar (no lo ha hecho hasta ahora en ninguna de sus entregas), entregando a seguidores de la misma y amantes del cine policial en general todo lo necesario para pasar un rato de buen cine frente a la pantalla. En este caso en concreto, la linea argumental sigue los pasos de los investigadores, el criminal y la familia de dos de las víctimas, mostrándonos desde un primer momento quien es quien y dejando a un lado el típico juego que anima al espectador a intentar descubrir quien es el malo de la película. Todo un acierto en mi opinión, que pone toda la atención en la resolución del caso y en las pesquisas necesarias para lograrlo, mostrándonos a la misma vez como actúan el resto de los principales implicados en el caso.

The Iceman (El hombre de hielo) - Ariel Vromen (2012)

Título original - The Iceman
Año - 2012
Duración - 106 min.
País - Estados Unidos
Director - Ariel Vromen
Guión - Ariel Vromen y Morgan Land, basado en la novela The iceman: The true story of a cold-blooded killer, de Anthony Bruno
Música - Haim Mazar
Fotografía - Bobby Bukowski
Montaje - Danny Rafic
Producción - Ehud Bleiberg, Avi Lerner y Ariel Vromen
Productora - Bleiberg Entertainment / Millennium Films
Género - Thriller
Reparto - Michael Shannon, Winona Ryder, Ray Liotta, Chris Evans, David Schwimmer, Stephen Dorff, Robert Davi, Olga Fonda, Christa Campbell, Ryan O'Nan, Weronika Rosati, Danny A. Abeckaser, Ori Pfeffer, Brian Kinney, James Franco

Ariel Vromen adaptó, junto a Morgan Land, la novela de Anthony Bruno y dirigió este biopic que narra la historia de Robert Leonard Kuklinski, un asesino a sueldo al que se le atribuyen un mínimo de cien asesinatos durante los años 60 y 70, aunque podrían ser muchos mas. Un magnífico thriller filmado con pulso firme y gran brillantez, que sin embargo sufrió algo similar a lo que sufren todas las películas que tratan sobre el crimen organizado, la injusta comparación con los clásicos del género. Destacar el trabajo de todo su reparto, haciendo mención especial al del magnífico Michael Shannon, que da vida de forma magistral a Kuklinski. Muy recomendable.

Sinopsis: Richard Kuklinski (Michael Shannon) es un hombre de carácter frío que se gana la vida doblando películas porno, que después son distribuidas por la mafia. Un buen día es abordado en su lugar de trabajo por un grupo de hombres liderado por Roy DeMeo (Ray Liotta), un poderoso jefe de la mafia que le acaba comunicando que cierra el negocio de doblaje. Roy ve algo en el, por lo que le ofrece trabajo como recaudador y matón, algo que despertará al animal con el que Richard convive desde pequeño. Casado y con dos hijos, Kuklinski llevará una doble vida como marido y padre ejemplar en su vida privada y un frío asesino apodado "El hombre de hielo".

El director: Ariel Vromen es un director de cine y guionista israelí nacido en Tel Aviv, el 14 de febrero de 1973. Desde los 12 años, fecha en que sus padres le compraron una cámara de 8 mm, pasó su adolescencia filmando multitud de cortometrajes. Tras su servicio militar y estudiar derecho en Inglaterra, dirigió el cortometraje Jewel of the Sahara (2001), protagonizado por Gerard Butler, que le abrió las puertas para escribir, junto a Morgan Land, y dirigir su primer largometraje, un thriller titulado RX. Al límite del riesgo (2005), en el que aparecen nombres como Eric Balfour, Colin Hanks o Lauren German. Al año siguiente estrenó Danika (2006), donde mezcla drama, terror y thriller con el indiscutible protagonismo de Marisa Tomei. Tras adaptar, junto a Morgan Land, y dirigir The Iceman (2012), este mismo año ha estrenado Criminal (2016), un thriller de ciencia ficción en el que ha contado con 3 pesos pesados como Kevin Costner, Gary Oldman y Tommy Lee Jones. Actualmente trabaja en el documental Renegade, que espera estrenar en 2017.

La película: No puedo decir que no conociera con anterioridad al personaje al que retrata la película, un asesino a sueldo llamado Richard Kuklinski, ya que tuve la oportunidad hace tiempo de ver el documental titulado Richard Kuklinski, el hombre de hielo, que podéis disfrutar mas abajo tras el trailer, pero lo que si puedo asegurar es que tras ver la actuación de Michael Shannon dándole vida en la película que hoy nos ocupa, realmente merece la pena verla. Aunque quiero que, quienes no la hayáis visto aún, tengáis una idea aproximada de lo que tenemos en frente. The Iceman no está realizada para ser una película de gansters, aunque lógicamente es el mundo en el que salió la bestia que llevaba en su interior nuestro protagonista, en el que se movió durante mas de dos décadas para saciar su macabro apetito, por lo que la presencia del crimen organizado en la película es algo constante. Lo que sus responsables quieren contarnos realmente es la vida de su protagonista y como consiguió durante tanto tiempo mantener a su familia al margen de todo, que es algo bastante diferente. Por lo tanto veo un tanto injusto compararla con cualquier película del género, en vez de con un biopic, que es lo que realmente es.

Dicho esto, me gustaría aclarar que estamos ante un trabajo muy completo, filmado de forma inteligente y bastante práctica, con un magnífico guión capaz de atrapar al espectador desde la primera escena y un reparto a la altura de las circunstancias. El principal escollo por el que creo no ha alcanzado la excelencia es que su director, principal artífice del proyecto, sea Ariel Vromen, que realiza un trabajo realmente meritorio, pero que desgraciadamente carece de esa magia que tan solo unos pocos elegidos han conseguido darle al cine desde la dirección, algo que podéis comprobar fácilmente echando un vistazo a su escueta filmografía. A pesar de ello, y como ya he mencionado anteriormente, Vromen firma su mejor trabajo hasta la fecha, supliendo sus carencias con grandes dosis de inteligencia y una enorme capacidad de utilizar los medios de los que dispone.

Legend - Brian Helgeland (2015)

Título original - Legend
Año - 2015
Duración - 131 min.
País - Reino Unido
Director - Brian Helgeland
Guión - Brian Helgeland, basado en el libro de John Pearson
Música - Carter Burwell
Fotografía - Dick Pope
Montaje - Peter McNulty
Producción - Tim Bevan, Eric Fellner, Chris Clark, Quentin Curtis y Brian Oliver
Productora - Coproducción Reino Unido-USA; Working Title Films / Cross Creek Pictures / ACE
Género - Thriller, Drama
Reparto - Tom Hardy, Emily Browning, Colin Morgan, David Thewlis, Christopher Eccleston, Paul Anderson, Chazz Palminteri, Tara Fitzgerald, Nicholas Farrell, Adam Fogerty, Mel Raido, Sam Spruell, Millie Brady, Chris Mason, Alex Ferns, Taron Egerton

Brian Helgeland adapta el libro The Profession of Violence de John Pearson y dirige esta película biográfica sobre dos gansters que dominaron el crimen organizado en el Este de Londres durante los años 50 y 60, los gemelos Kray, a los que da vida el bueno de Tom Hardy. Un trabajo un tanto plano y falto de fuerza, en el que sus responsables anteponen la relación romántica entre dos de sus protagonistas a las actividades que mantienen a los hermanos al mando, algo que resta bastante al resultado final. Se puede ver, pero es bastante mejorable en casi todos sus apartados.

Sinopsis: Ronald y Reginald Kray (Tom Hardy) son dos hermanos gemelos muy diferentes. Reggie es el mayor de ambos, lleva la voz cantante y trata por todos los medios de controlar el difícil carácter de su hermano Ronald, mucho mas violento y anárquico, en parte por padecer trastornos psiquiátricos severos. A pesar de dichas diferencias, ambos serán capaces de imponer su ley en la zona Este de Londres, creando un imperio del crimen organizado que dominará la zona durante casi dos décadas. La entrada en escena de Frances Shea (Emily Browning), de la que Reggie se enamora al instante, agrandará las diferencias entre ambos hermanos.

El director: Brian Helgeland es un guionista, productor y director de cine estadounidense, nacido en Providence, Rhode Island, el 17 de enero de 1961. Comenzó su carrera como guionista mas de una década antes de comenzar a dirigir. Entre los guiones de los que es responsables están Pesadilla en Elm Street 4: El amo del sueño, Autopista al infierno, L.A. Confidential, Conspiración, Payback, Destino de caballero, Deuda de sangre, Mistic river, El fuego de la venganza, Asalto al tren Pelham 1 2 3, El circo de los extraños, Green Zone: Distrito protegido, Robin Hood o 42, entre otros. Debutó tras las cámaras en 1996 dirigiendo un episodio de la serie Historias de la cripta. Seguidamente dirigió Payback (1999), interpretada por Mel Gibson, tras la que dirigió Destino de caballero (2001) y Devorador de pecados (2003), ambas interpretadas por Heath Ledger. En 2006 escribió y dirigió la secuela Payback: Straight Up, de nuevo con Mel Gibson como protagonista, tras la que hizo lo propio con 42 (2013), en la que participan Chadwick Boseman y Harrison Ford, entre otros. Legend ha sido su último trabajo como guionista y director.

La película: Realizar una película de gansters debe parecer mas fácil de lo que realmente es, o al menos, debe ser lo que muchos realizadores imaginan, sobre todo si echamos un vistazo a los últimos trabajos aparecidos dentro de este género, que tantas alegrías nos dio en tiempos pasados, pero que en la actualidad parece bastante agotado, al menos tal como la mayoría de ellos lo pretenden filmar. Ves un trabajo como Godfellas, del maestro Scorsese, y la cosa parece coser y cantar, pero hace falta un enorme talento para conseguir que, en los tiempos que corren, el público quede satisfecho con una película de chicos malos, tan acostumbrados como están a ver corrupción, tanto en la ficción, como en la cruda realidad.

Para ello necesitas tener una buena historia, saber llevarla con habilidad y cierto encanto a la gran pantalla, unos personajes sumamente carismáticos y, si puede ser, añadirle una buena femme fatale, pues mejor que mejor. Aquí se echa de menos, y bastante, casi todo lo que os he mencionado, porque aunque no he leído el libro y no puedo opinar si la historia daba para mas, algo que no me extrañaría en exceso, por lo menos puedo asegurar que no está bien llevada a la pantalla, algo que convierte una historia de crimen y violencia, de constante lucha por el poder, en una sucesión de acontecimientos amontonados sin excesivo atino, que no deja ningún tipo de huella y no tarda apenas nada en ser olvidada. En otras palabras: para ser la historia de dos de los gansters mas famosos de la historia del Reino Unido, carece de la fuerza y la garra necesarias para dejar una esperada huella.

Dobermann - Jan Kounen (1997)

Título original - Dobermann
Año - 1997
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Jan Kounen
Guión - Joël Houssin, basado en la novela de Joël Houssin
Música - Richard Shorr
Fotografía - Michel Amathieu
Montaje - Bénédicte Brunet
Producción - Frédérique Dumas y Éric Névé
Productora - La Chauve-Souris / Noé Productions
Género - Acción, Thriller
Reparto - Vincent Cassel, Monica Bellucci, Tcheky Karyo, Dominique Bettenfeld, Antoine Basler, Romain Duris, Chick Ortega

Fue en 1997 cuando se estrenó Dobermann, un thriller alocado con enormes dosis de acción, dirigido por Jan Kounen y escrito por Joël Houssin, que adapta los personajes de sus propias novelas. En su reparto aparecen nombres como Vincent Cassel y Monica Bellucci, que dos años mas tarde acabarían casándose, junto a otros conocidos como Tcheky Karyo. Grandes dosis de adrenalina y unos personajes que viven al margen de toda ley, que consiguieron que muchos vieran tras sus rocambolescas situaciones y su aire a videoclip musical, un producto mucho mejor de lo que en realidad es. Ideal si te gusta la acción pura y dura sin excesiva exigencias argumentales.

Sinopsis: Dobermann (Vincent Cassel) es el carismático líder de una banda de ladrones, que dirige junto a su novia sordomuda Nat la gitana (Monica Bellucci). Tras un brutal atraco, toda la policía de París los busca sin descanso, pero uno de sus miembros, el sádico Christini (Tchéky Karyo), está realmente obsesionado con su captura, por lo que no dudará en utilizar métodos poco ortodoxos para conseguirlo. Ante la imposibilidad de llegar hasta Dobermann, consigue enterarse de que un joven llamado Olivier Brachet (Stéphane Metzger), casado y con familia, pero que lleva una doble vida como un travesti que se hace llamar Sonia, trabaja con la banda, por lo que lo utilizará para intentar capturar al carismático criminal.

El director: Jan Kounen es un director, productor y guionista francés, nacido el 2 de mayo de 1964 en Utrecht, en los Países Bajos. Tras los cortometrajes Gisèle Kérozène (1990), Capitaine X (1994), Vibroboy (1994) y Le dernier chaperon rouge (1996), debutó con Dobermann (1997), película que hoy nos ocupa. Tras dirigir en 2004 el documental D'autres mondes (Other Worlds) y el flojo western Blueberry: la experiencia secreta, de nuevo con Vincent Cassel, pero esta vez junto a Juliette Lewis, dirigió un nuevo documental llamado Darshan: el abrazo (2005). Tras el vinieron la comedia 13,99 euros (2007), interpretada por Jean Dujardin, participó en la película por episodios 8 (Ocho) (2008), dirigió Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009), protagonizada por Mads Mikkelsen y Anna Mouglalis, participó en el documental Telegramas visuales, un proyecto que reúne a treinta realizadores de distintas partes del mundo y la miniserie televisiva Flight of the Storks (2012). Su próximo trabajo es el largometraje de animación Windwalkers, una historia fantástica de ciencia ficción de la que aún no he podido ver ni el trailer.

La película: Resulta curioso, pero a pesar de que pasan inexorables los años, Dobermann no parece haber perdido un ápice de fuerza en lo que se refiere a sus señas de identidad, tan extremistas y de tal fuerza que continúan en plena forma, convenciendo a los que gusten de productos tan dinámicos, alocados y políticamente incorrectos y amargando la experiencia de los que se atreven a visionarla sin saber muy bien a lo que se enfrentan o simplemente no aguantan su desenfrenado ritmo y sus caricaturescos personajes. El hecho es que continúa sin dejar títere con cabeza, haciendo gala de su constante irreverencia, sus inconfundibles atributos y sus inconfundibles señas de identidad, tan acertadas para algunos como inaguantables para otros. Poner otro producto como referencia de ella resulta un tanto complicado, habiendo sido comparada con algunos como Airbag, inolvidable película dirigida por Juanma Bajo Ulloa en 1997, a la que yo no le veo tanto parecido, la verdad.

Y es que basta con echar un vistazo a sus primeras escenas para comprobar que estamos ante un trabajo que, como poco, puede ser calificado de diferente a la mayoría. De hecho, creo que le bastan 15 o 20 minutos de metraje para escandalizar a los sectores mas tradicionales de la sociedad, además de llamar la atención del resto, que asiste atónito y con suma curiosidad a la presentación de sus peculiares personajes y a la curiosa forma en que esta está hecha. Joël Houssin, autor del guión de este peculiar producto y creador de sus personajes en una larga lista de novelas, expone sus cartas desde el primer instante, por lo que el espectador no tarda demasiado en ver a lo que se enfrenta, en comprobar si realmente será capaz de aguantar su frenético ritmo y su exagerada crítica a todos y cada uno de los estamentos de la sociedad francesa del momento.

Forajidos (The Killers) - Robert Siodmak (1946)

Título original - The Killers
Año - 1946
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Siodmak
Guión - Anthony Veiller, basado en un relato de Ernest Hemingway
Música - Miklós Rózsa
Fotografía - Elwood Bredell
Montaje - Arthur Hilton
Producción - Mark Hellinger
Productora - Universal Pictures
Género - Cine negro. Intriga
Reparto - Burt Lancaster, Ava Gardner, Edmond O'Brien, Albert Dekker, Sam Levene, Vince Barnett, Virginia Christine, Charles D. Brown, Jack Lambert, Donald MacBride, Charles McGraw, William Conrad, Phil Brown, Queenie Smith, Jeff Corey, Harry Hayden, Bill Walker

Anthony Veillera adaptó por primera vez en 1946 el relato corto The Killers, escrito por Ernest Hemingway en 1927, escribiendo el excelente guión que Robert Siodmak se encargó de convertir en uno de los trabajos de referencia del cine negro, plasmándolo en un inolvidable largometraje que llegó a España con el nombre de Forajidos. Contando con la excelente fotografía de Elwood Bredell, la acertada banda sonora de Miklós Rózsa y el brillante reparto encabezado por Burt Lancaster, Ava Gardner y Edmond O'Brien, estamos ante una de esas películas que te engatusan en cuanto comienzas a verla y pasan volando frente a tus ojos. Imprescindible.

Sinopsis: Dos asesinos a sueldo llegan a una pequeña población y matan al empleado de una gasolinera, llamado Ole Andreson "El sueco" (Burt Lancaster), que parece no intentar siquiera escapar. En las pesquisas policiales se descubre que tenía un seguro de vida que tiene como beneficiaria a una camarera de un hotel, algo que despierta las sospechas del detective Reardon (Edmond O'Brien), que investiga el caso para la compañía de seguros de la que es empleado, a pesar de que la indemnización no es excesivamente grande. Pero cuando comienza a investigar la vida de la víctima, descubrirá que esta no siempre fue tan tranquila como cuando finalizó, además de su extraña relación con la misteriosa Kitty Collins (Ava Gardner).

El director: Robert Siodmak fue un director de cine de origen alemán, nacido en Dresde, el 8 de agosto de 1900. Debutó tras la cámara en 1929 con Los hombres del domingo, cuyo guión escribió junto a su hermano Curt Siodmak y con una pequeña participación del entonces desconocido Billy Wilder. En los siguientes años dirigirá seis películas más, entre las que destacan Despedida (1930), Dilema y Tumultos, ambas de 1931. En ella se comienzan a ver los primeros trazos de un cine muy cercano al cine negro que después sería su género predilecto en Estados Unidos. Tras la prohibición de Secreto que quema (1933), decidió trasladarse a París, donde dirigió otras siete películas, entre las que se encuentran El sexo débil (1933), Se acabó la crisis (1934) o Noches de París (1936). Su etapa en los Estados Unidos fue bastante irregular, firmando un total de 22 trabajos entre los que destacan los encuadrados dentro del cine negro, de los que podemos destacar Luz en el alma (1944), La escalera de caracol (1945), A través del espejo (1946), La dama desconocida (1944) o El abrazo de la muerte (1949) además del que hoy nos ocupa, que son algunos de los más conocidos. Regresó a Europa en 1952, donde finalizó su carrera con la etapa menos interesante de la misma, pero en la que realizó algunos se sus trabajos mas personales, tres con bandera francesa, uno con la inglesa y seis en su Alemania natal.

La película: Hace poco me comentaba un seguidor en twitter que cuando se hablaba de Ava Gardner casi nunca se hablaba de su trabajo y si de su evidente atracción física, por la que se la conoce como "El animal mas bello del mundo". Decidí entonces visionar alguna de sus numerosas películas y realizar un artículo, por lo que repasando su filmografía me encontré con la excelente The Killers, un magnífico largometraje que no veía hace una eternidad y que no pude evitar elegir, entre otro par de ellos que de momento dejaremos en el anonimato y que espero analizar en futuros artículos próximamente. La verdad es que después de volverlo a disfrutar no se le puede poner un solo pero a su trabajo, pero igualmente he de confesar que en cuanto apareció en la pantalla tuvo un efecto sobre mi muy parecido al que tiene en "El sueco", un Burt Lancaster que en cuanto la ve aparecer pierde la noción del tiempo y no puede quitarle los ojos de encima. Un poder que personalmente no encuentro en muchas actrices actuales, al menos con tal fuerza.

Pero no quiero que ni por asomo piensen que es el único atractivo de esta magistral obra, una de las mas completas y mejor filmadas de un Film noir que sigue siendo una de mis grandes debilidades. Con una magnífica escena inicial, que da paso a la ejecución del crimen que todo lo desencadena, estamos ante uno de los trabajos que suelo poner como ejemplo de como utilizar con suma inteligencia un recurso como el flashback, muy usado en la actualidad y no siempre con el suficiente atino, algo que lo convierte en un inconveniente en vez de el medio por el que ayudarte a contar de forma original una historia. Ya en ella se adivina el inconfundible estilo de un Robert Siodmak en cuyo cine afloran rasgos del expresionismo alemán, que supo utilizar con sabiduría a la hora de filmar cine negro, consiguiendo resultados realmente inolvidables.

Muerte entre las flores (Miller's Crossing) - Joel Coen (1990)

Título original - Miller's Crossing
Año - 1990
Duración - 115 min.
País - Estados Unidos
Director - Joel Coen
Guión - Joel Coen y Ethan Coen, inspirado en las novelas Red Harvest (1929) y Glass Key (1931), de Dashiell Hammett
Música - Carter Burwell
Fotografía - Barry Sonnenfeld
Montaje - Michael R. Miller
Producción - Ethan Coen y Joel Coen
Productora - 20th Century Fox / Circle Films
Género - Cine negro, Drama
Reparto - Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden, Albert Finney, Jon Polito, J.E. Freeman, John Turturro, Steve Buscemi, Mike Starr, Richard Woods, Al Mancini, Sam Raimi, Frances McDormand

Un sombrero negro aparece apoyado sobre un lecho de hojas en un frondoso bosque hasta que una ráfaga de viento lo levanta y lo arrastra hacia su interior. Así comienza Miller's Crossing, un trabajo que dio innumerables quebraderos de cabeza a sus creadores y supuso un inicial fiasco en taquilla, que el tiempo ha ido colocando donde realmente merece lentamente. Un excelente guión de Joel y Ethan Coen, una soberbia dirección y un elenco magnífico hacen de ella uno de los mejores homenajes al cine negro que un servidor ha podido ver hasta la fecha. Un trabajo para disfrutar con suma atención, con unos personajes y unos diálogos de una riqueza indiscutible. CINE con mayúsculas, pero no para todos los gustos.

Sinopsis: Leo (Albert Finney) y Tom (Gabriel Byrne) son amigos, además de compañeros de trabajo. El primero es un poderoso gángster de origen irlandés que domina la ciudad y el segundo su mano derecha. Pero entre ellos nace una profunda rivalidad al enamorarse de la misma chica, una joven llamada Verna (Marcia Gay Harden). Las discrepancias entre ambos intentarán ser aprovechadas por Giovanni "Johnny Caspar" Gasparo (Jon Polito), el líder de origen italiano de un grupo rival que adivina la oportunidad de hacerse con el poder en la zona intentando reclutar a Tom, al que mandará eliminar a Bernie Bernbaum (John Turturro), un corredor de apuestas local hermano de Verna, para así asegurarse de su fidelidad.

El director: Hablar de Joel Coen es también hablar de su hermano Ethan, ya que ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es frecuente que Joel aparezca como director y Ethan como escritor y productor en los títulos de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo", por la gran compenetración existente entre ambos en todos los campos. Ganadores del premio Óscar en cuatro ocasiones, realizan comedias (Arizona Baby, El gran salto, O Brother, Quemar después de leer), cine negro (Muerte entre las flores, El hombre que nunca estuvo allí, Sangre fácil, No es país para viejos) y trabajos en los que mezclan ambos géneros (Fargo, El gran Lebowski, Barton Fink). Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan frecuentemente, entre los que se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito y George Clooney (cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen).

La película: Resulta curioso ver como Miller's Crossing, el tercer largometraje de los hermanos Coen, solo logró recaudar en su momento poco más de 5 millones de dólares, con un presupuesto de entre 10 y 14 millones. Con el tiempo esas ganancias se multiplicaron por las ventas de vídeo y DVD, algo ya mas lógico si revisamos su valoración actual en grandes webs de cine como filmaffinity, donde posee la puntuación mas alta de toda la filmografía de los Coen, un poco por delante de títulos como El gran Lebowski o Fargo. Cosas de este arte que para algunos pueden resultar extrañas o absurdas, pero que para mi tiene su explicación y además deja a las claras que no siempre realizar buen cine es sinónimo de hacer un buen negocio.

La verdad es que no es este un trabajo para ver prestándole poca atención o en un momento que te coja algo distraído, ya que lo mas sencillo es que tardes pocos minutos en perderte y no enterarte de casi nada. Su magnífico guión, su vivaz ritmo y el gran número de personajes que en el aparecen exigen toda la atención de quien pretenda disfrutarla, regalándole a cambio un trabajo de los mas completos que un servidor ha visto hasta la fecha. No seguir su enrevesada historia la convierte en un producto aburrido, que debe machacar constantemente al espectador diciéndole: no te estás enterando de nada. Además, sus inteligentes diálogos son parte fundamental del conjunto, dando una enorme riqueza al resultado final, riqueza que desaparece si el espectador no es capaz de procesarlos al ritmo en el que avanza la trama.

Arsénico por compasión - Frank Capra (1944)

Título original - Arsenic and Old Lace
Año - 1944
Duración - 118 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Capra
Guión - Julius J. Epstein y Philip G. Epstein, basado en la obra de teatro homónima de Joseph Kesselring
Música - Max Steiner
Fotografía - Sol Polito
Montaje - Daniel Mandell
Producción - Frank Capra y Jack L. Warner
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Comedia
Reparto - Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson, Edward Everett Horton

Julius J. Epstein y Philip G. Epstein adaptaron la obra de teatro homónima de Joseph Kesselring, Sol Polito se encargó de la fotografía, Max Steiner de la banda sonora y Frank Capra de la soberbia dirección de un reparto para el recuerdo, encabezado por un brillante Cary Grant. El resultado es Arsenic and Old Lace (Arsénico por compasión en España), una maravillosa comedia negra de la que el propio Grant comentó en mas de una ocasión que fue el papel donde más disfrutó. Y si el disfrutó, no veo motivo para que no lo hagan ustedes. Una delicia que conserva su frescura a pesar de tener ya mas de 70 años.

Sinopsis: Mortimer Brewster (Cary Grant) es un periodista famoso y controvertido por sus artículos en contra del matrimonio, que tras luchar con todas sus fuerzas cae enamorado de la hermosa Elaine Harper (Priscilla Lane), con la que se casa en secreto. Antes de partir de luna de miel decide visitar a sus adorables tías Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair), con las que vive el hermano de Mortimer, Teddy (John Alexander), un simpático pero molesto enfermo mental que cree que es Theodore Roosevelt, para contarles la buena nueva. Lo que no imagina es que durante la visita descubrirá que las encantadoras viejecitas tienen una manera muy peculiar de practicar la caridad.

El director: Frank Capra fue un director de cine estadounidense de origen italiano nacido en Bisacquino, Sicilia, el 18 de mayo de 1897, ganador de tres premios Óscar como Mejor Director. Capra comenzó su carrera en el cine mudo, destacando como director y guionista de comedias protagonizadas por Harry Langdon y sus chicos. Destacaremos varios títulos de su magnífica filmografía: La mujer milagro (1931), La jaula de oro (1931), La amargura del general Yen (1933), Dama por un día (1933), Sucedió una noche (1934), El secreto de vivir (1936), Vive como quieras (1938), Caballero sin espada (1939), Juan Nadie (1941), Qué bello es vivir (1946), El estado de la Unión (1948), de la que os hablamos en este artículo, Aquí viene el novio (1951) o Un gángster para un milagro (1961), aunque me dejo muchas y muy buenas en el tintero. Frank Capra murió en La Quinta (California), a la edad de 94 años.

La película: Esta es una de esas ocasiones en la historia de este arte en las que parecen confabularse todos los astros del universo para que la cosa acabe como hoy día la conocemos, pudiendo haber sido muy, muy diferente. Para empezar hay que comentar que el realizador Frank Capra pensó en un inicio en Bob Hope para el papel de Mortimer Brewster, pero este no se pudo liberar de su contrato con la Paramount. Tras ello lo intentó con idéntica suerte con Jack Benny y Ronald Reagan, antes de decidirse por Cary Grant. Bendita providencia. Josephine Hull, Jean Adair (las hermanas Brewster) y John Alexander (Teddy Roosevelt), repitieron los papeles que tenían en la obra teatral, pero Boris Karloff, que en la obra de teatro interpretaba a Jonathan Brewster siendo uno de los grandes reclamos de esta, no consiguió el permiso necesario para interpretarlo en las 8 semanas que duró el rodaje, por lo que fue sustituido por Raymond Massey.

De lo que no les debe caber ninguna duda es de que el resultado final es difícilmente mejorable, ya que estamos ante una de las grandes comedias de todos los tiempos, una de esas a las que los años la hacen variar a los ojos de los espectadores que la presencian, pero que a la vez tienen la capacidad de conservar su frescura y su vigencia, por lo que continúa haciendo las delicias de quien decide dedicarle las casi 2 horas que dura. Cierto es que a día de hoy con los adelantos que tenemos y el constante bombardeo en cine y televisión, pocas cosas hay que uno no haya visto anteriormente, pero igualmente cierto es que con tener los ingredientes y la receta de un gran plato no es suficiente para saber prepararlo de forma ideal, por lo que creo que hay que disfrutar con doble admiración, ya que tiene mas de 70 años ya.

Al borde del peligro - Otto Preminger (1950)

Título original - Where the Sidewalk Ends
Año - 1950
Duración - 95 min.
País - Estados Unidos
Director - Otto Preminger
Guión - Ben Hecht, basado en la novela Night Cry de William L. Stuart
Música - Cyril J. Mockridge
Fotografía - Joseph LaShelle
Montaje - Louis R. Loeffler
Producción - Otto Preminger
Productora - 20th Century Fox
Género - Cine negro, Intriga
Reparto - Dana Andrews, Gene Tierney, Gary Merrill, Bert Freed, Tom Tully, Karl Malden, Ruth Donnelly, Craig Stevens

Seis años después de regalarnos la maravillosa Laura (1944), el bueno de Otto Preminger repitió con la pareja protagonista formada por Gene Tierney y Dana Andrews que tan buenos resultados le dio, para dejarnos una obra mucho menos conocida que la anterior, pero no por ello mucho peor. Con un guión en el que Ben Hecht adapta la novela Night Cry de William L. Stuart, la excelente fotografía de Joseph LaShelle y la dirección y producción de Preminger, estamos ante otra maravillosa oportunidad de disfrutar de todo el talento que este genio poseía. No, no es Laura, pero dejar de verla por ello es poco menos que un pecado. CINE, con mayúsculas.

Sinopsis: Marx Dixon (Dana Andrews) es un conflictivo policía marcado por el turbulento pasado de su padre, que lo hace tener problemas en la comisaría por su fama de ejercer su oficio con excesiva violencia. Por ello, cuando en el transcurso de una investigación mata accidentalmente al sospechoso que pretende interrogar, decide ocultar el crimen. Pero tras ser acusado injustamente de él un taxista llamado Jiggs Taylor (Tom Tully), Marx conoce a su bella hija Morgan (Gene Tierney), de la que se enamora inmediatamente.

El director: Otto Preminger fue un director de cine estadounidense de origen judeo-austríaco nacido en Wiznitz, el 5 de diciembre de 1905. Considerado como uno de los primeros directores que quebrantaron la censura en los Estados Unidos, debutó con The Great Love (1931), tras la que nos dejó una magnífica filmografía con casi 40 títulos, de los que mencionaré varios: Laura (1944), La Zarina (1945), ¿Ángel o diablo? (1945), Ambiciosa (1947), Entre el amor y el pecado (1947), El abanico de Lady Windermere (1949), Vorágine (1949), Cartas envenenadas (1951), Cara de ángel (1952), La luna es azul (1953), Carmen Jones (1954), Río sin retorno (1954), El hombre del brazo de oro (1955), Buenos días, tristeza (1958), Porgy y Bess (1959), Anatomía de un asesinato (1959), Éxodo (1960), Tempestad sobre Washington (1962), El cardenal (1963), Primera victoria (1965) o El rapto de Bunny Lake (1965), aunque la mayoría de las que me he dejado en el tintero merecen un visionado.

La película: Al borde del peligro o Where the Sidewalk Ends (su título original) es una de esas maravillosas sorpresas que esconde la amplia filmografía de Otto Preminger, bastante desconocida para el público en general en comparación con otras obras del estadounidense como Laura (1944), Cara de ángel (1952) o Río sin retorno (1954), pero no por ello menos disfrutable. Como en ella el director repite con la pareja Gene Tierney y Dana Andrews, las comparaciones son odiosas pero difícilmente evitables, por lo que lo haré por primera y única vez en el artículo: Al borde del peligro está un escalón por debajo de Laura, no les voy a engañar, pero para que se imaginen lo pequeño que es ese escalón, solo decirles que esta lleva un 8 de nota, mientras que Laura llevaba un 9.

Estamos ante un trabajo muy completo, una historia sobre una constante huida de su personaje principal, terriblemente marcado por la huella que en el dejó su padre, huella que lucha por borrar sin éxito en el desempeño de su trabajo. El guión escrito por Ben Hecht, que adapta la novela Night Cry de William L. Stuart, aunque con alguna pequeña laguna casi inapreciable, tiene todo lo necesario para enganchar al espectador desde un primer momento: un ritmo excelente, unos personajes perfectamente definidos y grandes dosis de intriga, algo nada sencillo de conseguir cuando desde la misma lectura de la sinopsis ya sabemos quien es el culpable del desafortunado crimen.

Sicario - Denis Villeneuve (2015)

Título original - Sicario
Año - 2015
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Denis Villeneuve
Guión - Taylor Sheridan
Música - Jóhann Jóhannsson
Fotografía - Roger Deakins
Montaje - Joe Walker
Producción - Basil Iwanyk, Molly Smith, Trent Luckinbill, Thad Luckinbill y Edward McDonnell
Productora - Lionsgate / Black Label Media
Género - Thriller, Acción, Drama
Reparto - Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Victor Garber, Jon Bernthal, Jeffrey Donovan, Daniel Kaluuya, Maximiliano Hernández, Dylan Kenin, Frank Powers, Bernardo P. Saracino, Edgar Arreola, Marty Lindsey, Julio Cedillo

El realizador canadiense Denis Villeneuve es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión obra de Taylor Sheridan, en el que cambia totalmente de registro para mostrarnos una pequeña ventana al mundo del crimen organizado, las organizaciones que con el se lucran y la lucha de las autoridades por combatirlos. Con un magnífico reparto en el que sobresalen nombres como Emily Blunt, Benicio Del Toro o Josh Brolin, la excelente fotografía de Roger Deakins y la apropiada banda sonora de Jóhann Jóhannsson, estamos ante un denso thriller, regado con varias escenas de acción y filmado con la maestría marca de la casa.

Sinopsis: En la zona fronteriza que se extiende entre Estados Unidos y México la joven Kate Macer (Emily Blunt), una idealista agente del FBI, es reclutada por una fuerza de élite del Gobierno para luchar contra el narcotráfico. Bajo el mando de Matt Graver (Josh Brolin), un frío miembro de las fuerzas gubernamentales, y de Alejandro (Benicio del Toro), un enigmático asesor, el equipo emprende una misión que lleva a la mujer a cuestionarse sus convicciones sobre la guerra contra los narcos y los límites de la ley.

El director: Denis Villeneuve nació en Trois-Rivières, Quebec, en 1967 y estudió cine en la Universidad de Quebec en Montreal. En su filmografía encontramos trabajos muy dispares que van desde el documental REW-FFWD (1994), la comedia dramática Cosmos (1996), el drama romántico 32nd Day of August on Earth (1998),  el drama Maelström (2000), la espeluznante Polytechnique (2009),  el thriller Incendies (2010), del que ya os hablamos aquí. Tras ellos dio el salto a Hollywood y realizó dos nuevas maravillas, ambas de 2013: Prisioneros, cuya reseña podéis ver en este enlace y Enemy, con la que podéis hacer lo propio desde este enlace. Sicario supone un nuevo cambio de registro, algo que no impide que derroche la misma calidad a la que ya nos tiene acostumbrados.

La película: Realizar cine con el narcotráfico, los carteles y las agencias gubernamentales que luchan contra ellos como protagonistas no es una tarea fácil, en primer lugar porque existen multitud de trabajos sobre el tema, por lo que resultar original es una misión realmente complicada, además de ser una cuestión que puede resultar un tanto espesa si no es tratada con el debido tacto. Denis Villeneuve ha conseguido realizar una obra muy completa sobre este mundo, utilizando la enorme capacidad que tiene para mostrarnos con enorme impacto visual su historia, pero sin dejar de lado el desarrollo de esta y de sus personajes. Un thriller denso, donde destaca la asfixiante atmósfera que rodea en todo momento al espectador y las escasas pero brillantes escenas de acción que lo enriquecen.

Su principal problema, que para mi no lo fue, ya que conozco perfectamente el tipo de cine que hace el canadiense, es el de muchas producciones de hoy día, que su promoción parece prometer un trabajo bien distinto al que al final llega al espectador, que si se deja llevar por ella puede resultar algo defraudado. Sicario no es una película de acción al uso, aunque si que tiene varias escenas del género magistralmente rodadas que invitan a pensar en ello, por lo que si buscamos lo que no es, puede resultarnos un tanto insulsa. Lo que si tenemos delante es un thriller perfectamente filmado, en el que nada queda a la improvisación y en el que todos y cada uno de sus detalles trabajan para que el espectador forme parte de la historia, la sufra y la sienta de la forma mas real posible.

Croupier - Mike Hodges (1998)

Título original - Croupier
Año - 1998
Duración - 94 min.
País - Reino Unido
Director - Mike Hodges
Guión - Paul Mayersberg
Música - Simon Fisher Turner
Fotografía - Mike Garfath
Montaje - Les Healey
Producción - Jonathan Cavendish y Christine Ruppert
Productora - Coproducción Channel Four Films / Filmstiftung Nrw / WDR / La Sept Cinema and Arte present a Little Bird / Tatfilm Production
Género - Intriga, Drama, Neo-noir
Reparto - Clive Owen, Alex Kingston, Gina McKee, Kate Hardie, Nicholas Ball, Nick Reding, Alexander Morton, Barnaby Kay, John Radcliffe, Sheila Whitfield, David Hamilton

El irregular realizador Mike Hodges, fue el director encargado de llevar a la gran pantalla un guión escrito por Paul Mayersberg, en un trabajo con un metraje muy ajustado y un aire a cine negro inconfundible, que tiene en la interpretación de un joven Clive Owen uno de sus principales atractivos, muy bien acompañado por la actriz Alex Kingston. Por desgracia, el uso de la cámara que hace el director y ciertos flecos del guión evitan que alcance cotas mas altas. Muy conseguida la forma en que se nos muestra el aire viciado propio de una sala de juego y la ambientación en general.

Sinopsis: Jack Manfred (Clive Owen) es un joven que intenta ser escritor sin tener excesiva inspiración ni saber muy bien por donde comenzar la que será su primera novela y sobrevive junto a su novia Marion (Gina McKee), una ex-policía que trabaja en la seguridad de unos grandes almacenes. Su vida dará un giro cuando su padre Jack (Nicholas Ball) le comunique por teléfono que le ha conseguido una entrevista para trabajar de Crupier en un casino. Tras conseguir el trabajo y aclimatarse poco a poco a el, comenzará a notar como su vida da un giro enorme y este comienza a afectar a su vida privada, aunque a la vez le sirve de inspiración para comenzar esa ansiada novela que desea escribir.

El director: Mike Hodges es un guionista y director de cine británico nacido en Bristol, Reino Unido, el 29 de julio de 1932. A pesar de que su carrera como director se extiende durante 22 años, en ella solo ha dirigido un total de 10 largometrajes. Debutó en 1971 con Asesino implacable (Get Carter), protagonizada por Michael Caine y que curiosamente es el mejor trabajo de toda su filmografía, al menos para mi. Tras el dirigió películas tan dispares como Historias peligrosas (1972), El hombre terminal (1974), Flash Gordon (1980), Los locos del planeta Blob (Ineptos interplanetarios) (1985), Réquiem por los que van a morir (1987), Más allá del arco iris (1989), Dandelion Dead (TV) (1994) y Fuera de control (2003), además de la que hoy nos ocupa.

La película: Este es uno de esos trabajos de los que me encantaría leer su guión, mas que nada porque estoy casi seguro de que este no fue muy bien llevado a la gran pantalla, o al menos, no todo lo bien que se podría haber hecho. Digo esto porque estamos ante un largometraje de esos que merece la pena ver, pero que a la vez te deja una sensación de ser claramente mejorable, algo que consigue desesperarme de forma notoria. La historia está bien contada, la intriga consigue mantenerte atento durante todo su metraje, pero cuando finaliza, parece intentar dejarte meditando por un tiempo, algo que cuando se consigue es una auténtica delicia, pero en esta ocasión a mi me dejó cara de tonto, que como comprenderéis no tiene nada que ver. Y creo que se debe a la torpeza de su director al rodar el final, un tanto precipitado e incompleto, al menos para mi gusto.

Películas sobre el juego hay muchas, y algunas muy buenas, pero la premisa de esta resulta bastante original en comparación con la de la mayoría, ya que en vez de poner en el punto de mira a los pobres desgraciados que malgastan su valioso tiempo y dinero en las salas de las que rara vez salen con algo mas de lo que llevaban en el momento de entrar en ellas, en esta ocasión son las personas que trabajan en los casinos y salas de juegos los que copan el protagonismo, mostrándonos como no resulta un trabajo fácil de sobrellevar, además de resultar realmente difícil conseguir que no afecte a tu vida privada, no ya solo por los difíciles horarios que han de soportar, de lo que personalmente podría darles un máster, sino también por el estrés y la tensión que este trae consigo, resultando prácticamente imposible separarlo de tu vida privada.

The Missing - Tom Shankland (2014)

Título original - The Missing
Año - 2014
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Shankland
Guión - Harry Williams y Jack Williams
Música - Dominik Scherrer
Fotografía - Ole Bratt Birkeland
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle (6 episodios), Fiona Colbeck y Danielle Palmer
Producción - Chris Clough
Productora - Coproducción USA-Reino Unido; New Pictures / Company Pictures / Two Brothers Pictures / Playground Entertainment / Fortis Film Fund Czar / Vlaamse Radio en Televisie (VRT) / All3Media / British Broadcasting Corporation (BBC) / Starz Entertainment
Género - Drama, Intriga, Miniserie de TV
Reparto - James Nesbitt, Frances O'Connor, Tchéky Karyo, Anastasia Hille, Émilie Dequenne, Jason Flemyng, Saïd Taghmaoui, Titus De Voogdt, Diana Kent, Arsher Ali, Joséphine de La Baume, Issaka Sawadogo
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b04n9mtk

Tom Shankland es el director encargado de llevar a la pequeña pantalla el guión escrito por Harry Williams y Jack Williams, para ofrecernos la historia de la desaparición de un menor y las enormes consecuencias que esta origina. Ocho episodios de una hora de duración de una calidad indiscutible, que basa en su excelente guion, la enorme calidad de su reparto y la maestría del realizador y su equipo, los excelentes resultados que mantendrán al espectador con el corazón en un puño y el alma en un hilo. Una maravilla que no deberían dejar pasar de largo. Por cierto, ha sido tal su éxito que, a pesar de nacer como una miniserie, se ha encargado una segunda temporada que nos contará otro caso totalmente distinto. Por algo será.

Sinopsis: Tony (James Nesbitt) y Emily (Frances O'Connor) sufrieron la desaparición de su hijo Oliver Hughes (Oliver Hunt) durante unas vacaciones en un pequeño pueblo de Francia. Separados hace años, ella intentar rehacer su vida como puede formando otra familia, mientras que el continúa buscando indicios que le permitan saber que fue del chico, algo que se ha convertido en su forma de vida. Cuando cree reconocer la bufanda que Oliver llevaba el día que desapareció en una foto, regresa al lugar de los hechos y pide ayuda a Julien Baptiste (Tchéky Karyo), el inspector que llevó la investigación y que ya está jubilado, para intentar conseguir que se vuelva a abrir el caso.

El director: Thomas Otto "Tom" Shankland es un guionista y director británico de cine y televisión nacido el 07 de mayo 1968. En sus comienzos realizó tres cortometrajes llamados Bubbles (1998), Bait (1999) y Going Down (2000), que le dieron la oportunidad de trabajar en televisión participando en la serie Clocking Off (2000), a la que le siguieron el brillante telefilm Ninguna noche dura lo suficiente (2002) y la participación en la serie Marple (2004). Su debut en la gran pantalla fue Waz (2007), donde mezcla thriller y terror para contarnos la historia de un asesino en serie y los policías que luchan por atraparlo. Al año siguiente presentó The Children (2008), un slasher donde los niños son los protagonistas. De vuelta al mundo televisivo, ha participado en las series The Fades (2010) y Ripper Street (2012), antes de hacerse cargo en solitario de la que hoy nos ocupa.

La serie: The Missing es uno de los productos mas completos que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos, destacando en casi todos los apartados posibles, pero si tuviese que destacar una cualidad por encima de las demás, esta sería el extraordinario y desasosegante realismo que desprende en todo momento, algo que la hace entrar en el alma del espectador sin excesivos problemas, y que en el caso de que este sea padre o madre, se multiplica de tal manera que lo hace de alguna forma participe del dolor de los desdichados protagonistas, algo que unido a las enormes dosis de intriga que derrocha de principio a fin, la hacen no solo una excelente miniserie, sino una historia de las que no se olvidan con facilidad.

Los ingredientes necesarios para conseguir estos excelentes resultados están encabezados por el brillante guión escrito por los hermanos Williams (Roman's Empire, Honest, Fried). En el hay que destacar su excelente ritmo, que rara vez es excesivamente apresurado pero en ningún momento resulta monótono o cansino, la maestría con la que mezcla drama e intriga, que consigue administrar con las dosis precisas en cada momento, su habilidad para mezclar y mostrar a la misma vez los acontecimientos actuales y los que sucedieron en el momento de la desaparición, y por último, la riqueza que las pequeñas historias paralelas sobre las vidas privadas de sus personajes dan al conjunto, siendo estos desarrollados de forma impecable.