Tres colores: Azul (Three Colours: Blue) - Krzysztof Kieślowski (1993)

Título original - Trois couleurs: Bleu (Three Colours: Blue)
Año - 1993
Duración - 98 min.
País - Francia
Director - Krzysztof Kieslowski
Guión - Krzysztof Piesiewicz y Krzysztof Kieslowski
Música - Zbigniew Preisner
Fotografía - Slawomir Idziak
Montaje - Jacques Witta
Producción - Marin Karmitz
Productora - Coproducción Polonia-Francia-Suiza; MK2 Productions / CED Productions / France 3 Cinéma / CAB Productions / Zespol Filmowy
Género - Drama
Reparto - Juliette Binoche, Benoît Régent, Florence Pernel, Charlotte Vêry, Hélène Vincent, Philippe Volter, Claude Duneton, Emmanuelle Riva

Trois Couleurs: Bleu (Tres colores: Azul en España y varios paises de habla hispana) es la primera película de las tres que el realizador polaco Krzysztof Kieślowski dedicó a los colores de la bandera francesa y a los ideales que estos representan. Una obra de una calidad y riqueza incuestionables, que como cualquier hermoso poema, necesita que quien lo disfrute posea un mínimo de sensibilidad y la capacidad de meterse en la piel de su protagonista, para que la experiencia sea plena. Mención especial al trabajo de la magnífica Juliette Binoche, imposible de realizar para alguien que no haya nacido para esto, que no posea su don. Imprescindible.

Sinopsis: En un accidente de coche, Julie (Juliette Binoche) pierde a su marido Patrice ( Hugues Quester), un prestigioso compositor, y a su hija Anna. Al recuperarse de sus lesiones, decide comenzar una nueva vida, independiente, solitaria y anónima, alejada de los privilegios que antes disfrutaba. Olivier (Benedict Regent), el ayudante de Patrice, intenta sacarla de su aislamiento. Olivier está enamorado de ella desde hace muchos años y acaba convenciéndola para que termine el «Concierto para Europa», una ambiciosa obra inacabada de Patrice.

El director: Krzysztof Kieslowski fue un director y guionista de cine polaco, nacido en Varsovia el 27 de junio de 1941. Criado en una familia modesta, intentó ser bombero, idea que abandonó para volver a sus estudios. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. Tras realizar numerosos cortometrajes en la segunda mitad de los años 60, al comienzo de los 70 comenzó a trabajar en televisión, dirigiendo varios documentales y telefilms, sin dejar de realizar cortos. Su debut en el cine llegó en 1976 con La cicatriz, tras la que llegaron El aficionado (Amator) (1979), Sin fin (1985) y El azar (Cita a ciegas) (1987). A fines de los 80, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que Kieślowski utilizó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora. Su último trabajo con bandera polaca fue La doble vida de Verónica (1991), tras la que comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su trabajo más importante, la trilogía Tres Colores, dedicada a la bandera francesa, de cuya primera película nos ocupamos en el artículo de hoy. Tras esto, decidió retirarse del cine. Falleció en 1996 de un ataque cardíaco en su ciudad natal.

La película: Hace tiempo que tenía la intención de revisionar y compartir la trilogía que el gran Krzysztof Kieslowski nos dejó para la posteridad, antes de dejarnos con tan solo 55 años. Con motivo del 20 aniversario de su fallecimiento, tuve la oportunidad hace poco de volver a disfrutar en el cine Azul, la que inicia dicha trilogía, una razón mas para no demorarlo mas y comenzar con ella los tres artículos que pretendo realizar sobre esta maravillosa obra que, si aún no han tenido el placer de disfrutar, ya es hora de que la incluyan en sus futuros planes. Cine de tal riqueza, de una belleza similar a este, resulta realmente complicado de encontrar, aunque igualmente he de aclarar que no es un producto que guste a todos por igual, ya que su ritmo pausado y los difíciles temas que aborda pueden echar a mas de uno para atrás. Pero si no es tu caso, mas que ante una película estamos ante un canto a la libertad, a la lucha necesaria para lograr conseguirla y a lo difícil que nos lo puede poner esta vida para poder conseguirlo. Poesía hecha cine.

Me gustaría dejar varias cosas claras para no llevar a engaño a quien aún no la haya visto y tenga la intención o dude de si hacerlo o no. En primer lugar decir que, a pesar de ser un drama, no es este un trabajo que busque conmover al espectador o que base su razón de ser en esa premisa. Lógicamente, la historia que nos cuenta nos ha de llegar, a poco que quien la está viendo sea capaz de ponerse en la piel de su protagonista, pero lo hace de una forma un tanto fría y distante, por lo que nada tiene que ver con la inmensa mayoría de historias de este tipo que se ruedan. De hecho, el color azul representa al primer lema revolucionario francés, la libertad. Pero, según palabras del propio director, ese color azul ya no simboliza la libertad en un sentido político o social en la época actual, sino la libertad de poder vivir la vida en sí misma.

Dobermann - Jan Kounen (1997)

Título original - Dobermann
Año - 1997
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Jan Kounen
Guión - Joël Houssin, basado en la novela de Joël Houssin
Música - Richard Shorr
Fotografía - Michel Amathieu
Montaje - Bénédicte Brunet
Producción - Frédérique Dumas y Éric Névé
Productora - La Chauve-Souris / Noé Productions
Género - Acción, Thriller
Reparto - Vincent Cassel, Monica Bellucci, Tcheky Karyo, Dominique Bettenfeld, Antoine Basler, Romain Duris, Chick Ortega

Fue en 1997 cuando se estrenó Dobermann, un thriller alocado con enormes dosis de acción, dirigido por Jan Kounen y escrito por Joël Houssin, que adapta los personajes de sus propias novelas. En su reparto aparecen nombres como Vincent Cassel y Monica Bellucci, que dos años mas tarde acabarían casándose, junto a otros conocidos como Tcheky Karyo. Grandes dosis de adrenalina y unos personajes que viven al margen de toda ley, que consiguieron que muchos vieran tras sus rocambolescas situaciones y su aire a videoclip musical, un producto mucho mejor de lo que en realidad es. Ideal si te gusta la acción pura y dura sin excesiva exigencias argumentales.

Sinopsis: Dobermann (Vincent Cassel) es el carismático líder de una banda de ladrones, que dirige junto a su novia sordomuda Nat la gitana (Monica Bellucci). Tras un brutal atraco, toda la policía de París los busca sin descanso, pero uno de sus miembros, el sádico Christini (Tchéky Karyo), está realmente obsesionado con su captura, por lo que no dudará en utilizar métodos poco ortodoxos para conseguirlo. Ante la imposibilidad de llegar hasta Dobermann, consigue enterarse de que un joven llamado Olivier Brachet (Stéphane Metzger), casado y con familia, pero que lleva una doble vida como un travesti que se hace llamar Sonia, trabaja con la banda, por lo que lo utilizará para intentar capturar al carismático criminal.

El director: Jan Kounen es un director, productor y guionista francés, nacido el 2 de mayo de 1964 en Utrecht, en los Países Bajos. Tras los cortometrajes Gisèle Kérozène (1990), Capitaine X (1994), Vibroboy (1994) y Le dernier chaperon rouge (1996), debutó con Dobermann (1997), película que hoy nos ocupa. Tras dirigir en 2004 el documental D'autres mondes (Other Worlds) y el flojo western Blueberry: la experiencia secreta, de nuevo con Vincent Cassel, pero esta vez junto a Juliette Lewis, dirigió un nuevo documental llamado Darshan: el abrazo (2005). Tras el vinieron la comedia 13,99 euros (2007), interpretada por Jean Dujardin, participó en la película por episodios 8 (Ocho) (2008), dirigió Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009), protagonizada por Mads Mikkelsen y Anna Mouglalis, participó en el documental Telegramas visuales, un proyecto que reúne a treinta realizadores de distintas partes del mundo y la miniserie televisiva Flight of the Storks (2012). Su próximo trabajo es el largometraje de animación Windwalkers, una historia fantástica de ciencia ficción de la que aún no he podido ver ni el trailer.

La película: Resulta curioso, pero a pesar de que pasan inexorables los años, Dobermann no parece haber perdido un ápice de fuerza en lo que se refiere a sus señas de identidad, tan extremistas y de tal fuerza que continúan en plena forma, convenciendo a los que gusten de productos tan dinámicos, alocados y políticamente incorrectos y amargando la experiencia de los que se atreven a visionarla sin saber muy bien a lo que se enfrentan o simplemente no aguantan su desenfrenado ritmo y sus caricaturescos personajes. El hecho es que continúa sin dejar títere con cabeza, haciendo gala de su constante irreverencia, sus inconfundibles atributos y sus inconfundibles señas de identidad, tan acertadas para algunos como inaguantables para otros. Poner otro producto como referencia de ella resulta un tanto complicado, habiendo sido comparada con algunos como Airbag, inolvidable película dirigida por Juanma Bajo Ulloa en 1997, a la que yo no le veo tanto parecido, la verdad.

Y es que basta con echar un vistazo a sus primeras escenas para comprobar que estamos ante un trabajo que, como poco, puede ser calificado de diferente a la mayoría. De hecho, creo que le bastan 15 o 20 minutos de metraje para escandalizar a los sectores mas tradicionales de la sociedad, además de llamar la atención del resto, que asiste atónito y con suma curiosidad a la presentación de sus peculiares personajes y a la curiosa forma en que esta está hecha. Joël Houssin, autor del guión de este peculiar producto y creador de sus personajes en una larga lista de novelas, expone sus cartas desde el primer instante, por lo que el espectador no tarda demasiado en ver a lo que se enfrenta, en comprobar si realmente será capaz de aguantar su frenético ritmo y su exagerada crítica a todos y cada uno de los estamentos de la sociedad francesa del momento.

La familia Bélier (La famille Bélier) - Eric Lartigau (2014)

Título original - La famille Bélier
Año - 2014
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Eric Lartigau
Guión - Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau
Música - Evgueni Galperine y Sacha Galperine
Fotografía - Romain Winding
Montaje - Jennifer Augé
Producción - Philippe Rousselet, Éric Jehelmann y Stéphanie Bermann
Productora - Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma
Género - Comedia, Drama
Reparto - Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe

Eric Lartigau escribió el guión junto a Victoria Bedos y Thomas Bidegain, además de dirigir esta excepcional muestra de como mezclar en las dosis adecuadas comedia y humor, sin llegar a parecer frívolo con los espinosos temas que toca, ni llegar a ser excesivamente melodramático. Hermosa, humana, divertida, trascendente, son solo algunos de los calificativos que me vienen a la cabeza a la hora de describirla, debiendo hacer mención especial al trabajo de todo su reparto y a unos personajes que llegan a nosotros para quedarse. Francia continúa regalándonos pequeñas joyas de vez en cuando, de esas que merece la pena disfrutar y que rara vez ya se olvidan. ¡Chapeau! Monsieur Eric Lartigau.

Sinopsis: Todos los miembros de la familia Bélier son sordomudos, excepto Paula (Louane Emera), de 16 años. Ella hace de intérprete para sus padres, especialmente en lo que respecta al funcionamiento de la granja familiar. Un día, alentada por su profesor de música, que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France, pero se trata de una elección que la obligará a distanciarse de su familia en caso de ser elegida, por lo que decidir si tomarla no será nada sencillo.

El director: Eric Lartigau es un director francés nacido en París, el 20 de junio de 1964. Tras trabajar en una casa de subastas, fue contratado como chofer del realizador Pascal Thomas, para el que acabó trabajando como asistente de dirección. Continuó realizando dicho trabajo para directores de la talla de Emir Kusturica , Édouard Molinaro o Diane Kurys. Comenzó a trabajar en televisión participando en series como Les Guignols de l'info (1988) y H (2000-2001). Debutó en la dirección de un largometraje con ¿Pero quién mató a Pamela Rose? (2003), una comedia bastante discreta. Tras ella llegaron la comedia de ciencia ficción Un ticket pour l'espace y una nueva comedia llamada Prête-moi ta main, ambas de 2006, el drama The Big Picture (2010) y la olvidable Los infieles, que dirigió junto a directores como Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé o Alexandre Courtès, entre otros. La familia Bélier ha supuesto un paso adelante en su carrera, al conseguir sacar petroleo donde muchos hubieran naufragado estrepitosamente. Seguiremos atentos a sus próximos trabajos.

La película: He de reconocer que cuando me disponía a ver esta película no las tenía todas conmigo, principalmente porque resulta extremadamente difícil encontrar un trabajo de este tipo que no peque por exceso o por defecto, ya que hay que reconocer que mezclar drama y comedia no suele ser tarea sencilla. Pero conforme la cinta avanza, tras un comienzo algo mas alocado y vivaz que el tono general de la misma, me di cuenta que estaba ante uno de esos trabajos que consiguen que recuerde el porqué de mi amor por este arte, capaz de regalarnos muchas de las características que hacen que adore el cine clásico, trasladadas al presente en un trabajo de una riqueza indudable, llevado además a la pantalla de forma muy inteligente y amena. Para que os hagáis una idea de donde la ubico yo, deciros que es para mi como una mezcla ente Billy Elliot (Quiero bailar), dirigida por Stephen Daldry en el 2000 y Pequeña Miss Sunshine, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris en el 2006, de la que os hablamos aquí, siempre guardando las distancias y sin entrar a compararla con ambas..

Son varios los detalles que hacen de La familia Bélier una película muy recomendable, comenzando por el inteligente guión escrito por Victoria Bedos, Thomas Bidegain y el propio Eric Lartigau, capaz de contarnos una historia mucho mas trascendente de lo que en principio aparenta, que trata temas como la adolescencia, la inserción de los discapacitados en la sociedad, la familia, la amistad, el amor, etc, sin llegar a ser empalagosa o excesivamente dura en ningún momento, endulzándola además con un humor muy natural, que a pesar de mostrar alguna que otra situación un tanto surrealista o algo forzada, consigue su objetivo sin excesivos esfuerzos. Sus personajes, parte fundamental del magnífico resultado final, están perfectamente desarrollados y se ganan el favor del espectador casi inmediatamente, dándole a la película identidad propia.

Conexion Marsella - Cédric Jimenez (2014)

Título original - La French (The Connection)
Año - 2014
Duración - 135 min.
País - Francia
Director - Cédric Jimenez
Guión - Cédric Jimenez y Audrey Diwan
Música - Guillaume Roussel
Fotografía - Laurent Tangy
Montaje - Sophie Reine
Producción - Alain Goldman
Productora - Gaumont
Género - Thriller, Drama
Reparto - Jean Dujardin, Gilles Lellouche, Céline Sallette, Benoît Magimel, Guillaume Gouix, Bruno Todeschini, Féodor Atkine, Moussa Maaskri, Pauline Burlet, Eric Godon, Mélanie Doutey, Xavier Alcan, John Flanders

Cédric Jimenez es el realizador encargado de dar vida al guión que el mismo escribió junto a Audrey Diwan. Con aroma al mejor noir francés y un ritmo alto que no decae en ningún momento, asistiremos a una historia basada en hechos reales ocurrida en la ciudad de Marsella durante los años 70, un lugar clave en el tráfico de drogas de la época. Entre sus grandes aciertos está la consistencia de su guión, su enorme poder de atraer y mantener la atención del espectador y el duelo protagonizado por Jean Dujardin y Gilles Lellouche. Como puntos en contra tenemos fundamentalmente su larga duración, dos horas y cuarto realmente bien aprovechados, pero algo excesivos.

Sinopsis: La ciudad de Marsella es el punto clave del tráfico de drogas de comienzos de los años 70. Tany Zampa (Gilles Lellouche) es el líder de una organización conocida como La French, que se dedica a importar morfina procedente de Turquía, convertirla en heroína e introducir esta en los Estados Unidos. Tras el asesinato de su predecesor, el juez de menores Pierre Michel (Jean Dujardin) es trasladado a la unidad que lucha contra el crimen organizado, pero rápidamente descubre que acabar con la colosal organización no será nada fácil, por lo que no tiene mas remedio que cambiar sus métodos por otros que no siempre están dentro de la legalidad.

El director: Cédric Jimenez es un productor, director y guionista de cine francés, nacido en Marsella el 26 de junio de 1976. Tras producir y escribir el largometraje Scorpion (Julien Seri, 2007), produjo Eden Log (Franck Vestiel, 2007) y Bangkok Revenge (Jean-Marc Minéo, 2011). Su debut en la dirección llegó con el thriller Aux yeux de tous (2012), que dirigió y escribió junto a Arnaud Duprey, contando en su reparto con nombres como Mélanie Doutey, Olivier Barthelemy o Francis Renaud. La trama sigue a un hacker que, tras un atentado en la estación Austerlitz de París, consigue acceso a un vídeo en el que se ve al autor y dos presuntos cómplices de este, por lo que continúa hackeando cámaras de seguridad públicas y privadas para dar con los responsables. Tras Conexion Marsella (2014), su segundo trabajo como director, actualmente trabaja en el thriller de acción HHhH, que adapta la novela de Laurent Binet. En su reparto aparecen nombres como Jason Clarke, Rosamund Pike, Jack O'Connell o Mia Wasikowska, entre otros y su estreno se espera para finales de este mismo año.

La película: En la historia del cine reciente solemos ver asociados los títulos que tienen al crimen organizado como principal protagonista con trepidantes persecuciones, espectaculares tiroteos, macabros y explícitos asesinatos y mucha, mucha acción. El trabajo que hoy nos ocupa se desmarca en todo momento de esta tendencia, algo que puede que a algunos espectadores no les haga mucha gracia, pero que viendo el resultado final conseguido no debería ser motivo suficiente para dejar de disfrutarla. De hecho, la violencia que en ella se muestra es lo menos explícita que podría haber sido, tratándose como se trata de una historia de mafiosos.

A cambio, el realizador Cédric Jimenez decide mostrarnos la vida personal y laboral de los dos máximos exponentes de dos mundos opuestos, que aunque no sean conscientes de ello, tienen mucho en común, el de Tany Zampa, el criminal de sangre helada que lucha por mantener su dominio en la organización criminal y el de Pierre Michel, el obstinado juez dispuesto a casi todo con el fin de acabar con la impunidad con la que La French gobierna la zona a su antojo. Con esto no quiero decir, algo que me gustaría que quedase muy claro, que estemos ante un trabajo pesado o anodino de ver, ya que por el contrario es realmente adictivo y ameno, pero si quiero que tengan claro que es lo que The Connection les puede y no ofrecer.

El salario del miedo - H.G. Clouzot (1953)

Título original - Le salaire de la peur
Año - 1953
Duración - 140 min.
País - Francia
Director - H.G. Clouzot (Henri Georges Clouzot)
Guión - H.G. Clouzot y Jerome Geromini, basado en la novela homónima de Georges Arnaud
Música - Georges Auric
Fotografía - Armand Thirard
Montaje - Madeleine Gug, Etiennette Muse y Henri Rust
Producción - Raymond Borderie
Reparto - Yves Montand, Charles Vanel, Vera Clouzot, Peter Van Eyck, Folco Lulli, William Tubbs, Dario Moreno, Jo Dest
Productora - International Affiliates
Género - Drama, Aventuras, Thriller

H.G. Clouzot dirigió, y escribió junto a Jerome Geromini, este excelente trabajo basado en la novela homónima de Georges Arnaud, que consigue brillar en todos sus apartados. Una historia en la que Aventuras, Drama y Thriller van de la mano, excelentemente filmada e interpretada, que consiguió alzarse con la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes, el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el BAFTA, todos como mejor película. A su favor hay que decir que no ha perdido ni un ápice de fuerza, intriga y emoción con el paso de los años, algo de lo que pocas pueden presumir. Un regalo para los sentidos.

Sinopsis: Mario (Yves Montand) sobrevive como puede junto a su amigo Luigi (Folco Lulli) en un pequeño pueblo donde la pobreza campa a sus anchas y no hay ni siquiera apenas trabajo. La llegada de M. Jo (Charles Vanel), un hombre arrogante y fanfarrón que conoce al encargado de la empresa petrolífera estadounidense que trabaja en la zona, lo hace concebir esperanzas de conseguir un empleo, pero a la hora de la verdad, el único puesto que este ofrece a los trabajadores del pueblo es el transporte de una carga de nitroglicerina, necesaria para apagar el fuego que un accidente ha provocado en uno de los pozos, un trabajo muy bien pagado pero extremadamente arriesgado, por la precariedad de los medios para realizarlo y el difícil terreno por el que han de hacerlo.

El director: Henri-Georges Clouzot fue un director, guionista y productor de cine francés, nacido en Niort, el 20 de noviembre de 1907. Tras comenzar como guionista, debutó en 1933 con el drama Tout pour l'amour, que dirigió junto a Joe May. Su primer trabajo en solitario fue la brillante El asesino vive en el 21 (1942), tras la que filmó la magnífica El cuervo (1943), que fue tachada de colaboracionista, costándole cierta marginación en el cine francés. En su carrera nos ha dejado maravillas como En legítima defensa (1947), Manon (1949), Las diabólicas (1955), El misterio de Picasso (1956), Los espías (1957), La verdad (1960), Giuseppe Verdi: Requiem (1967) o La prisionera (1968), además de la que hoy nos ocupa. Cualquiera de ella merece la pena ser disfrutada, así que avisados quedan.

La película: El salario del miedo es, sin lugar a dudas, uno de los títulos mas completos del cine francés de todos los tiempos, hasta tal punto que, si no fuera por un par de detalles mejorables, se habría ganado la nota máxima que un servidor pueda ponerle a un trabajos, y créanme, no es algo que suceda muy a menudo. Entre las claves para conseguir llevarse los elogios de casi todos están su excelente retrato de sus personajes, un realismo poco común a la hora de mostrar la pobreza, la sensación de falta de libertad o la desesperación y la capacidad que tiene de generar una tensión que pocas veces me ha llegado a transmitir una película.

Vayamos por partes. El guión de H.G. Clouzot y Jerome Geromini es realmente soberbio, aunque a algunos pueda parecerle de un metraje excesivo, ya que alcanza las dos horas y veinte minutos de duración. Destacan en el dos partes bien diferenciadas, la inicial en la que se nos muestra a los diferentes personajes y la sensación de presidiarios con la que viven, que aún siendo tachada de excesivamente extensa por algunos, es para mi fundamental para preparar y cocer a fuego lento los ingredientes que harán brillar en todo su esplendor la segunda parte de la historia. La escena inicial, por poner un ejemplo, es de una maestría indudable a la hora de mostrar las condiciones en las que viven nuestros protagonistas, la miseria y la pobreza que campan a sus anchas.

Hipócrates - Thomas Lilti (2014)

Título original - Hippocrate
Año - 2014
Duración - 102 min.
País - Francia
Director - Thomas Lilti
Guión - Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y Thomas Lilti
Música - Jérôme Bensoussan y Nicolas Weil
Fotografía - Nicolas Gaurin
Montaje - Christel Dewynter
Producción - Emmanuel Barraux y Agnès Vallée
Productora - 31 Juin Films
Género - Comedia, Drama
Reparto - Vincent Lacoste, Reda Kateb, Félix Moati, Jacques Gamblin, Marianne Denicourt, Carole Franck, Philippe Rebbot

Una frase: "Ser médico no es un trabajo, es una especie de maldición."

El realizador Thomas Lilti es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y Thomas Lilti, en el que, en clave de comedia dramática, se realiza un pequeño pero interesante retrato de la vida en un hospital francés, del mundo de la medicina en general y, en un segundo plano, de los problemas de la sanidad pública y como la crisis económica ha afectado a su calidad y efectividad. Un trabajo que pone los puntos sobre las is sobre multitud de cuestiones de una importancia indiscutibles, pero haciendo gala de una mesura y un tacto casi obligados. Un ejercicio de reflexión disfrazado de entretenimiento, que rebosa valentía e inteligencia, pero adolece de la fuerza de la fusta de alguien ajeno a la profesión.

Sinopsis: Benjamin (Vincent Lacoste) tiene el camino allanado para llegar a ser un prestigioso médico. Acaba de ingresar como residente en un hospital en el que su padre, el doctor Barois (Jacques Gamblin), es toda una eminencia y posee un enorme peso en su gobierno y administración, por lo que sus posibilidades aumentan considerablemente. Pero sus primeras experiencias en la medicina real, las adversas condiciones en las que han de trabajar y lo diferente que resulta a la teoría, lo llevarán a dudar sobre si realmente está hecho para la profesión o si por el contrario, debe pensar en seguir otro camino.

El director: Thomas Lilti es un director y guionista francés nacido el 30 de de mayo de 1976. Lilti es también médico de medicina general, algo que como comentaremos mas tarde, tiene una enorme influencia en el trabajo que hoy nos ocupa. Comenzó su carrera en el cine escribiendo y dirigiendo los cortometrajes Quelques heures en hiver (1999), Après l'enfance (2002) y Roue libre (2003). En 2007 debutó en la dirección de un largometraje con Les yeux bandés, que también escribió junto a Pierre Chosson. Actualmente trabaja en Médecin de campagne, que se encuentra en fase de post-production y cuyo estreno se espera para 2016.

La película: Hipócrates es uno de esos sorprendentes trabajos que de vez en cuando nos regala el cine francés, capaces de llegar a un amplio segmento de público de forma clara, poniendo a la vez sobre la mesa temas de una actualidad y una importancia fuera de toda duda. Cine muy inteligente y eficaz, que no destaca precisamente en sus apartados técnicos, pero que a cambio es capaz de reavivar debates y poner algo de luz en temas que nos afectan a todos, desde el punto de vista además, de alguien que pertenece, o al menos ha pertenecido, a una profesión que aquí es retratada de forma bastante veraz, mostrando a los que se dedican a ella como lo que realmente son, personas con sus virtudes y sus defectos, con sus aciertos y sus fallos.

Destaca en ella el guión escrito por Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti y el propio Thomas Lilti, que aunque a algunos les pueda parecer un tanto lineal, esconde una riqueza indudable, capaz de tratar multitud de cuestiones de forma mas o menos extensa, pero que sirve para señalarlas y llamar la atención del espectador. Por ello, además de retratar el mundo de la medicina pública en una gran ciudad como París, tiene como centro de atención la ética profesional que se le presupone a cada profesional, de ahí su apropiado título, pero además es capaz de mostrar con bastante brillantez como los recortes efectuados en épocas de crisis afectan y mucho, tanto a los pacientes, que no pueden acceder a todos los procedimientos y tratamientos mas adecuados, como a los médicos y el personal que gira en torno a ellos, que han de continuar ejerciendo su profesión, intentando atender a sus pacientes de la mejor forma posible, cada vez con mas tensión y mas trabas, ejerciendo además de amortiguador entre sus jefes y las familias de los enfermos.

Viaje a Sils Maria - Olivier Assayas (2014)

Título original - Sils Maria (Clouds of Sils Maria)
Año - 2014
Duración - 124 min.
País - Francia
Director - Olivier Assayas
Guión - Olivier Assayas
Fotografía - Yorick Le Saux
Montaje - Marion Monnier
Producción - Sylvie Barthet, Karl Baumgartner, Rémi Burah, Charles Gillibert y Martin Hampel
Productora - Coproducción Francia-Alemania; CG Cinéma / CAB Productions / Pallas Film / Vortex Sutra / Arte France Cinéma
Género - Drama
Reparto - Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Johnny Flynn, Lars Eidinger, Hanns Zischler, Claire Tran, Angela Winkler, Frank M. Ahearn, Alister Mazzotti, Steffen Mennekes
Web oficial - https://www.facebook.com/CloudsOfSilsMariaMovie

Olivier Assayas es el autor del guión y el realizador encargado a llevar a la gran pantalla este curioso e inteligente drama que indaga en la vida de una gran estrella de cine y teatro, en sus costumbres, sus manías y la forma en la que ha de aceptar el paso de los años y lo diferentes que son las nuevas generaciones de actrices que llegan tras ella. Un trabajo de una riqueza indiscutible, aunque no apto para todos los paladares, donde los diálogos tienen una enorme importancia y el trío de actrices protagonistas acaparan gran parte de la atención. Sin querer omitir ni menospreciar a nadie, creo que en general será mas apreciada por el público de cierta edad, que guste del cine europeo, y en especial del francés, muy diferente al que nos suele llegar de Hollywood. Para mi, mas que recomendable.

Sinopsis: María Enders (Juliette Binoche) es una actriz madura que viaja junto a su su asistente personal Valentine (Kristen Stewart) para recoger un premio en nombre de un buen amigo, autor de varias de las obras que ha representado. Allí se encuentra con el famoso director Klaus Diesterweg (Lars Eidinger), que le ofrece interpretar a Helena en su próximo trabajo, una lesbiana madura a la que su fascinación por la joven Sigrid la llevará al suicidio. El problema es que María interpretó a Sigrid 20 años antes, papel con el que siempre se ha identificado y que además le dio la fama, por lo que duda seriamente si aceptar el papel o no, al no identificarse con el personaje.

El director: Olivier Assayas es un director, guionista y crítico de cine francés nacido en París el 25 de enero de 1955. Después de dirigir algunos cortometrajes y escribir para la revista Cahiers du cinéma, debutó en la dirección en 1986 con el largometraje Desorden. En sus casi 30 años de carrera ha dirigido mas de 20 trabajos para cine y televisión, de los que destacaremos varios: El niño del invierno (1989), París se despierta (1991), El agua fría (1994), Irma Vep (1996), Finales de agosto, principios de septiembre (1998), Los destinos sentimentales (2000), Paris, je t'aime (2006), Boarding Gate (2007), Carlos (2010) y Después de mayo (2012). En la actualidad trabaja en Personal Shopper, en cuyo reparto aparecen nombres como Kristen Stewart, Anders Danielsen Lie, Nora von Waldstätten, Lars Eidinger o Sigrid Bouaziz y cuyo estreno se espera para 2016.

La película: Que Viaje a Sils Maria es una gran película, rica en matices y filmada con mimo y precisión, es algo de lo que no me queda ninguna duda, aunque lógicamente no todo el mundo pensará como yo. Lo que creo que si que hay que tener en cuenta antes de disfrutarla, es si realmente nos apetece ver lo que tenemos delante, si nos interesan los temas que toca, porque de no ser así corremos el riesgo de no llegar despiertos ni a la mitad de su metraje. Digo esto porque en muchas ocasiones valoramos la calidad de una película por el interés que ha conseguido despertar en nosotros, sin pararnos a pensar en si realmente hemos visto un trabajo mal realizado o si simplemente trataba de temas que para nosotros no tienen el mas mínimo interés. En mi caso en concreto, por poner un ejemplo fácil de entender, todo lo que tenga que ver con superhéroes no suele conseguir llamar mi atención, algo que no quiere decir que la gran cantidad de películas y series que se realizan en la actualidad sobre ellos, sean malas o no merezca la pena verlas, sino que simplemente no están entre los productos que prefiero ver.

La historia nos muestra a una actriz consagrada en edad madura, que ha creado una pequeña burbuja donde vivir como le apetece, eligiendo los papeles que le interesan y desechando los demás, relativamente adaptada a las nuevas tecnologías pero de una forma de ser y vivir muy diferente a las de las nuevas generaciones. Pero Viaje a Sils Maria es mucho mas que una película sobre actrices, mucho mas que un trabajo sobre cine o teatro, en el que se trata como los humanos hemos de adaptarnos a la llegada de la madurez, en el que la lucha de su protagonista por no resignarse a lo inevitable cobra gran importancia, algo que se nos muestra desde un primer momento viendo la forma en la que convive con su asistente personal, la manera en la que intenta utilizarla para poder comprender como son las nuevas generaciones, como piensan, como actúan, como valoran cada suceso, cada detalle, cada noticia.

Al final de la escapada (À bout de souffle) - Jean-Luc Godard (1960)

Título original - À bout de souffle
Año - 1960
Duración - 89 min.
País - Francia
Director - Jean-Luc Godard
Guión - Jean-Luc Godard, basado en un argumento de François Truffaut
Música - Martial Solal
Fotografía - Raoul Coutard
Montaje - Cécile Decugis
Producción - Georges de Beauregard
Productora - Impéria Films / Société Nouvelle de Cinema
Género - Drama, Romance, Nouvelle vague
Reparto - Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville, Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard creó el guión sobre un argumento de François Truffaut y dirigió esta genuina obra que ha pasado a la historia del celuloide como el punto de partida de todo un movimiento que tiró por tierra los cánones que en el cine francés eran utilizados hasta la fecha, la Nouvelle vague. Un trabajo imprescindible para los amantes de este arte, y necesario para entender el cine de francés que se hizo a continuación, aunque un tanto brusco si no tenemos en cuenta su repercusión. Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg ponen el resto, en dos papeles inolvidables.

Sinopsis: Michel (Jean-Paul Belmondo) es un delincuente que, tras robar un coche en Marsella, emprende viaje a París para cobrar un dinero que se le adeuda. Todo se complica cuando se salta un control policial y tras una persecución acaba matando a un motorista que lo persigue. Ya en la ciudad, va a ver a su amiga Patricia (Jean Seberg), una estadounidense que sobrevive vendiendo el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos y sueña con matricularse en la universidad y llegar a ser escritora. Michel intenta convencerla para que vuelva a acostarse con el y lo acompañe a Roma, pero ella no parece muy convencida, a pesar de desconocer que es perseguido por la policía.

La película: He de comenzar diciendo que me resulta extremadamente difícil imaginar a un espectador joven disfrutando de una obra como esta, algo que no seré yo quien le eche en cara, ya que me parece incluso comprensible. Y es que À bout de souffle no es mas que el primer escalón del sueño de un grupo de directores hastiados con el cine que se realizaba en la época, y como casi todos los primeros pasos en una revolución de este tipo, deja bastante que desear en muchos aspectos. Es por tanto justo admitir que si no fuese por la enorme repercusión que tuvo este trabajo y por la indudable brillantez de la presencia de Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, su nota sería bastante menor.

Se que solo por este primer párrafo, ya habré hecho enfadar a mas de un cinéfilo, si es que alguno se digna a leer mi humilde opinión sobre el tema, pero no soy persona de dejarme llevar por modismos o corrientes de opinión, por lo que escribo solamente lo que opino, para bien o para mal. Pero no quiero que toméis mis palabras como definitivas, ni penséis que yo creo saber  mas que nadie, ya que mi consejo es que la veáis para poder formaros vuestra propia opinión, algo que si sois de los que amáis este arte, debéis hacer si o si.

Y es que resulta curioso ver como somos los seres humanos y como es esta vida en general, algo que mientras veía la película rondaba por mi cabeza. En concreto, hay una escena en la que nuestros protagonistas van hablando por la calle y se ve a los viandantes volver la cabeza descaradamente para ver que es lo que se está filmando, algo que si ocurre en cualquier otro trabajo de cualquier otro realizador, recibiría tal cantidad de descalificaciones por parte de crítica y público que le sería difícil poder volver a dirigir un simple anuncio de televisión. Pero claro, lo que para algunos es un despropósito tras otro, para otros es la forma original de romper con las reglas, algo que arrastra seguidores, e incluso fanáticos, de una forma brutal.

Braquo - Olivier Marchal (2009)

Título original - Braquo
Año - 2009
Duración - 52 min.
País - Francia
Director - Olivier Marchal (Creator), Frédéric Schoendoerffer, Philippe Haïm, Eric Valette, Manuel Boursinhac, Frédéric Jardin
Guión - Olivier Marchal, Abdel Raouf Dafri, Philippe Haïm, Eric Valette, Frank Henry, Yann Le Nivet, David Defendi, Edgar Marie, Hervé Albertazzi, Jean-Guy Serrier, Michaël Souhaité, Arnaud Tourangin
Música - Erwann Kermorvant
Fotografía - Denis Rouden, Jean-Pierre Sauvaire, Laurent Barès, Vincent Muller, Laurent Tangy
Montaje - Stratos Gabrielidis, Raphaele Urtin, Joël Jacovella, Christophe Pinel, Katya Chelli, Dominique Mazzoleni, Pauline Pallier y Sébastien Prangère
Producción - Hervé Chabalier y Claude Chelli
Productora - Canal+ / Capa Drama
Género - Serie de TV, Thriller
Reparto - Jean-Hugues Anglade, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Joseph Malerba, Laëtitia Lacroix, Olivier Rabourdin, Alain Figlarz, Pascal Elso, Isabelle Renauld, Michel Duchaussoy, Valérie Sibilia, Samira Lachhab, Samuel Le Bihan
Web oficial - http://braquo.canalplus.fr/serie

Olivier Marchal es el creador de este thriller dramático, protagonizado por un grupo de agentes que ejerce su trabajo en el extrarradio de la ciudad de París. Una serie fría y contundente que te atrapa desde el primer instante, en la que podemos olvidarnos de los agentes modélicos que poblaban este tipo de productos no hace tanto tiempo, para seguir de cerca las andanzas de cuatro compañeros que deberán asumir todo tipo de riesgos para limpiar el nombre de un quinto. Un retrato sobre lo que significa realmente este trabajo y las consecuencias que tiene en muchos de sus miembros. Muy, muy buena.

Sinopsis: Los agentes de policía Eddy Caplan (Jean-Hugues Anglade), Walter Morlighem (Joseph Malerba), Théo Vachewski (Nicolas Duvauchelle) y Roxanne Delgado (Karole Rocher), de la zona de Hauts-de-Seine de París, asisten impotentes a como, tras excederse en un interrogatorio, su compañero Max Rossi (Olivier Rabourdin) es acusado injustamente de agresión sexual hacia el detenido, por lo que acaba quitándose la vida. Ante la pasividad del ministerio fiscal en el asunto, deciden hacer justicia por su cuenta y limpiar el nombre de su compañero, entrando en un peligroso terreno en el que, no solo se juegan su trabajo, sino también su propia libertad.

La serie: Aprovechando que estamos en verano y dispongo de algo mas de tiempo, suelo tener en la recámara varias series con muy buena pinta guardadas para la ocasión. Esta vez le ha tocado el turno a Braquo, una de esas series que retrata el trabajo policial con veracidad, no ya por los hechos que en ella se cuentan, sino por como muestra a los agentes de la ley, personas normales y corrientes con sus defectos y sus virtudes, que trabajan a diario rodeados de lo peor que ha engendrado esta sociedad, sometidos a una enorme presión y cuya conducta, dependiendo de cada cual, no siempre es lo que sería ideal.

Y la verdad es que ha conseguido atraparme desde el primer instante, en parte gracias a ciertas similitudes que tiene con la magnífica The Shield: Al margen de la ley, siempre guardando las distancias, claro. Lo que está claro es que es el mejor ejemplo a elegir para mostraros a que tipo de producto nos enfrentamos, teniendo uno de sus protagonistas incluso cierto parecido físico con Michael Chiklis, protagonista de The Shield, aunque en realidad se trata de dos productos muy diferentes, por lo que no creáis que si habéis visto la otra, ya no merece la pena disfrutar esta.

Su comienzo ya nos advierte de lo que estamos a punto de visualizar, mostrándonos a un veterano agente de policía y al sospechoso de la violación y muerte de una chavala embarazada de cinco o seis meses, en pleno interrogatorio. El rostro del policía lo dice todo, totalmente seguro de la culpabilidad del sospechoso, intenta sacarle el nombre de su acompañante, ante lo que el interrogado responde con frialdad, riéndose incluso del agente e insultándolo constantemente. La perdida de control del agente, que agrede al criminal brutalmente, será la chispa inicial que desencadenará todo lo que la serie nos cuenta posteriormente. Los acontecimientos se suceden uno tras otro a gran velocidad, acabando con el suicidio del agente en cuestión y el inicio de una campaña de desprestigio contra el, algo a lo que sus compañeros no están dispuestos a asistir de brazos cruzados.

Diplomacia - Volker Schlöndorff (2014)

Título original - Diplomatie
Año - 2014
Duración - 80 min.
País - Francia
Director - Volker Schlöndorff
Guión - Volker Schlöndorff, Cyril Gely (Obra teatral: Cyril Gely)
Música - Jörg Lemberg
Fotografía - Michel Amathieu
Montaje - Virginie Bruant
Producción - Marc de Bayser y Frank Le Wita
Productora - Coproducción Francia-Alemania; Film Oblige / Blueprint Film / Gaumont
Género - Drama | II Guerra Mundial. Basado en hechos reales. Nazismo
Reparto - André Dussollier, Niels Arestrup, Robert Stadlober, Paula Beer, Burghart Klaußner, Charlie Nelson, Jean Marc Roulot

Volker Schlöndorff dirige y escribe el guión junto a Cyril Gely, autor de la obra de teatro original en la que se basa, de esta maravilla en la que su principal protagonista es el uso de la palabra. Una nueva prueba de que no hace falta un gran derroche de presupuesto si dispones de una buena historia y actores de calidad que le den vida. Por cierto, no conocía el hecho en el que se basa, un nuevo ejemplo del daño que puede llegar a causar una mente enferma. No se la pierdan, merece la pena.

Sinopsis: II Guerra Mundial. El ejercito aliado está a punto de entrar en París y así finalizar el periodo en el que el régimen nazi ha dominado la capital francesa, pero un cada vez mas obsesionado Adolf Hitler, no está dispuesto a abandonar la hermosa ciudad sin hacer un poco mas de ruido, por lo que ordena la destrucción de la capital francesa. El cónsul sueco (André Dussollier), país neutral en la guerra, se entrevistará en el hotel Meurice con Dietrich von Choltitz (Niels Arestrup), el gobernador militar alemán de París, en un intento de convencerlo para que no ejecute los planes del 'Führer'.

El director: Volker Schlöndorf es un director de cine, guionista, productor, documentalista y actor alemán nacido en Wiesbaden, Hessen, (Alemania), un 31 de marzo de 1939. Está considerado como uno de los directores clave del denominado nuevo cine alemán, movimiento en el que introdujo muchas de las características aprendidas de la Nouvelle Vague.

Estudió ciencia política y económica en La Sorbona y dirección en IDHEC, la famosa escuela de cine, y comenzó su carrera profesional durante 1960 como asistente de dirección en varias películas de la Nouvelle Vague: con Alain Resnais en su conocida película El año pasado en Marienbad (1961), con Louis Malle en Una vida privada (1962), El fuego fatuo o ¡Viva María! y con Jean-Pierre Melville en El confidente (1962).

De su extensa filmografía vamos a destacar algunos trabajos: El joven Törless (1966), con la participación de Mathieu Carrière, Marian Seidowsky y Barbara Steele; El honor perdido de Katharina Blum (1975), con Angela Winkler y Mario Adorf; Tiro de gracia (1976), con Margarethe von Trotta y Matthias Habich, y El tambor de hojalata (1979), ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes y del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, que cuenta con la participación de David Bennent y Mario Adorf. Todos ellos dramas filmados con bandera de Alemania del Oeste, muy recomendables. Del resto de su filmografía destacar El cuento de la doncella (1990), donde mezcla ciencia ficción drama y romance con la participación de Natasha Richardson, Faye Dunaway, Aidan Quinn, Elizabeth McGovern y Robert Duvall; El viajero (1991), un nuevo drama con Sam Shepard y Julie Delpy; El ogro (1996), en la que participa John Malkovich; El silencio tras el disparo (2000), un trabajo sobre el terrorismo interpretado por Bibiana Beglau, Martin Wuttke y Nadja Uhl; por último destacar El noveno día (2004), una nueva mirada al holocausto interpretada por Ulrich Matthes y el documental Billy Wilder habla (2006). Todas ellas muy recomendables.

La película: Hablar de un trabajo como Diplomacia me resulta doblemente satisfactorio, en primer lugar por el hecho de ser uno de esos trabajos que beben del teatro y en el que las actuaciones de sus actores y sus brillantes diálogos son sus principales protagonistas. En segundo lugar, el hecho de ver de nuevo como un trabajo con un escaso presupuesto, es capaz de llegar a las altas cotas que este alcanza.

Delicatessen - Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro (1991)

* Título original - Delicatessen
* Año - 1991
* Duración - 95 min.
* País - Francia
* Director - Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro
* Guión - Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, Gilles Adrien
* Música - Carlos d'Alessio
* Fotografía - Darius Khondji
* Montaje - Hervé Schneid
* Producción - Claudie Ossard
* Productora - UGC / Hachette Première
* Género - Fantástico. Comedia | Comedia negra. Película de culto
* Reparto - Dominique Pinon, Howard Vernon, Chick Ortega, Pascal Benezech, Marie-Laure Dougnac, Jean-Claude Dreyfus, Karin Viard, Anne-Marie Pisani, Silvie Laguna, Jean-François Perrier, Dominique Zardi, Marc Caro

Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro sorprendieron en el año 1991 a crítica y público con este trabajo que, mas que una película, es la creación de un pequeño universo donde sus fascinantes personajes son los protagonistas absolutos de la historia. Un film donde resulta mucho mas importante el continente que el contenido, motivo por el que su estética resulta tan trascendente. Mención especial para la peculiar fotografía de Darius Khondji, parte fundamental del rotundo éxito que obtuvo.

Sinopsis: En un mundo post-apocalíptico existe un sombrío y antiguo edificio en medio de la nada donde habitan un puñado de personajes de costumbres muy extrañas. En los bajos del mismo, tiene su carnicería el señor Clapet, dueño y casero del edificio que maneja a su antojo a sus inquilinos jugando con la escasez de alimentos en la que el mundo está sumido. Todo cambiará con la llegada de un nuevo inquilino que trabajaba en el circo, el señor Louison, contratado para hacer labores de mantenimiento y que entablará una estrecha relación con Julie Clapet, la hija del extravagante casero, poniendo así patas arriba la "normalidad" del pintoresco edificio.

Sus directores: El guionista y director de cine francés Jean-Pierre Jeunet nació un 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne, Loira. Empezó en el arte de la dirección a los 17 años, cuando se compró su primera cámara. Creó varios cortos mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios. Se hizo amigo de Marc Caro, diseñador y artista de cómics nacido un 2 de abril de 1956, en París, Francia. Ambos comenzarían así una corta pero muy fructífera colaboración que comenzaría en el sector publicitario y realizando algunos vídeos musicales como 'Zoolook' de Jean Michel Jarre.

Ambos dirigirían varios cortometrajes de animación, entre ellos 'Le manège' (El tiovivo) (1980), protagonizado por marionetas. Su primer trabajo con actores fue el corto futurista 'The Bunker of the Last Gunshots' (1981), sobre unos soldados atrapados en un Bunker donde hay un artefacto con una cuenta atrás. En 1991 dirigen su primer largometraje titulado 'Delicatessen', cuyo éxito les permitió financiar 'La ciudad de los niños perdidos' estrenada en 1994, aunque había sido escrita 14 años antes. Se trata de un cuento fantástico para adultos, en el que se mantiene el inconfundible toque que dan a sus trabajos.

Ya en solitario, Marc Caró solo ha dirigido el largometraje 'Dante 01' (2008), un thriller de ciencia ficción totalmente evitable. Por su parte Jean-Pierre Jeunet no ha parado desde entonces, siendo responsable de los títulos 'Alien resurrección' (1997), 'Amélie' (2001), 'Largo domingo de noviazgo' ('2004), 'Micmacs' (2009) y 'El extraordinario viaje de T.S. Spivet (2013). La más popular es 'Amélie', que obtuvo cinco nominaciones a los Premios Oscar y varios premios cinematográficos de prestigio.

La película: La verdad que escoger el título de 'Delicatessen' fue todo un acierto, no ya solo por el tema que trata esta comedia negra francesa, que también, sino por el tipo de cine que podemos ver en ella. Y es que estamos ante un trabajo que, como ocurre con algunos manjares, resultará una verdadera delicia para algunos (está considerada por muchos como una película de culto), casi en la misma medida que resultará anodina para otros. Yo me quedo en un termino medio, quitándome el sombrero ante la puesta en escena, la ambientación y la recreación de los personajes que se realiza, pero encontrando la historia un tanto insulsa, o al menos plasmada en el guión de forma no tan brillante como cabría esperar. Aún así recomiendo su visionado para que juzguen ustedes mismos.

Lucy - Luc Besson (2014)

* Título original - Lucy
* Año - 2014
* Duración - 90 min.
* País - Francia
* Director - Luc Besson
* Guión - Luc Besson
* Música - Eric Serra
* Fotografía - Thierry Arbogast
* Montaje - Luc Besson
* Producción - Virginie Silla
* Productora - EuropaCorp / TF1 Films Production / Universal Pictures
* Género - Acción. Ciencia ficción. Thriller. Fantástico | Drogas. Crimen
* Reparto - Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Amr Waked, Yvonne Gradelet, Jan Oliver Schroeder, Julian Rhind-Tutt, Pilou Asbæk, Analeigh Tipton, Nicolas Phongpheth, Luca Angeletti, Loïc Brabant, Pierre Grammont, Pierre Poirot, Bertrand Quoniam, Pascal Loison, Pierre Gérard, Isabelle Cagnat, Frédéric Chau

El señor Luc Besson es el responsable del guión, la dirección y el montaje de esta paupérrima película de acción disfrazada de ciencia ficción. Un trabajo del que me va a resultar muy difícil hablar sin caer en el insulto fácil, y que demuestra una vez mas que no es necesario hacer cine de calidad para ganar dinero en los tiempos que corren. Lo único salvable, la interpretación de una Scarlett Johansson que suficiente hace con mantener el tipo en una historia tan absurda que convierte a 'Dos tontos muy tontos' en el 'Hamlet' de Shakespeare.

Sinopsis: Lucy (Scarlett Johansson) es obligada a realizar la entrega de un maletín del que no conoce ni su contenido en un hotel, pero al realizarla es conducida por un grupo de mafiosos ante su jefe, el cual la obligará a abrirlo. Su contenido es una nueva droga muy potente y Lucy será una de las obligadas a introducirla en Europa llevándola en sus entrañas, pero antes de salir, la bolsa se rompe haciendo que la droga entre en contacto con su sangre, lo que la hará aumentar el uso de su celebro y con ello adquirir poderes inimaginables.

El director: El director de cine, guionista, escritor y productor francés Luc Besson nació en París un 18 de marzo de 1959. Hijo de dos instructores de submarinismo, pasó gran parte de su infancia viajando por zonas turísticas de Italia, Yugoslavia y Grecia.

Después de trabajar como asistente de dirección y dirigir cuatro cortometrajes, realizó su debut con la cinta de ciencia ficción 'Kamikaze 1999' (El último combate) (1983), donde retrata un futuro tras una guerra nuclear en el que los humanos no pueden hablar, con Jean Reno a la cabeza. En 1985 dirigió la cinta de acción 'Subway. En busca de Freddy'. Tras ella llegó la época de mayor esplendor en su cine, con títulos como 'El gran azul' (1988), donde mezcla drama y aventuras con Jean-Marc Barr, Jean Reno y Rosanna Arquette en el reparto; 'Nikita, dura de matar' (1990), un thriller de acción con Anne Parillaud y Jean-Hugues Anglade como protagonistas; 'El profesional' (Léon) (1994), su mejor trabajo hasta la fecha, en el que participan Jean Reno, Natalie Portman, Gary Oldman y Danny Aiello; 'El quinto elemento' (1997), un trabajo de ciencia ficción con el protagonismo de Bruce Willis, Gary Oldman y Milla Jovovich; por último realizó su versión de 'Juana de Arco' (1999), con un imponente reparto formado por Milla Jovovich, John Malkovich, Faye Dunaway, Dustin Hoffman, Pascal Greggory y Vincent Cassel.

Tras un descanso de 6 años dirige 'Angel-A' (2005), un trabajo donde mezcla romance y fantasía; tras ella realiza la trilogía que comienza con 'Arthur y los Minimoys' (2006); desde entonces su único trabajo destacable ha sido 'The Lady' (2011), sobre la vida de la famosa activista birmana Aung San Suu Kyi y su marido Michael Aris; 'Adele y el misterio de la momia' (2010) y 'Malavita' (2013) completan su filmografía, coincidiendo en su escasa calidad.

La película: Echando mano a las cifras que nos ha dejado 'Lucy' comprenderemos rápidamente el porqué no se realiza apenas cine de calidad en los tiempos que corren. 450 millones de dólares recaudados en su primera semana en cartelera, frente a los 40 millones de presupuesto que tiene el film. Con razón nos inundan trabajos de tan escasa calidad, ya que si vamos a verlos en masa, para que cambiar nada, deben de pensar los productores mientras se frotan las manos. De hecho, es ya la producción centrada en una actriz mas taquillera de la historia, desbancando a 'Wanted' y 'Lara Croft: Tomb Raider' (ambas protagonizadas por Angelina Jolie). Entonces ¿de que nos quejamos? Los grandes estudios hacen lo que la gente quiere ver, así que la culpa es sola y exclusivamente del nivel de exigencia de los espectadores, ni mas, ni menos.