París, Texas - Wim Wenders (1984)

Título original - Paris, Texas
Año - 1984
Duración - 144 min.
País - Alemania del Oeste (RFA)
Director - Wim Wenders
Guión - Sam Shepard
Música - Ry Cooder
Fotografía - Robby Müller
Montaje - Peter Przygodda
Producción - Anatole Dauman y Don Guest
Productora - Coproducción Alemania del Oeste-Francia-GB-USA; Road Movies Filmproduktion / Argos Films / Westdeutscher Rundfunk (WDR) / Channel Four Films / Pro-ject Filmproduktion
Género - Drama, Road Movie, Película de culto
Reparto - Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski, Dean Stockwell, Aurore Clément, Hunter Carson, Bernhard Wicki

Wim Wenders fue el encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guión firmado por Sam Shepard, con el que vio la luz esta excelente película que ha alcanzado para muchos el estatus de película de culto. Irónicamente, fue un trabajo con bandera de la extinta Alemania del Oeste, uno de los que mejor han conseguido plasmar en pantalla el espíritu de Texas, gracias en gran medida al trabajo del realizador junto al director de fotografía Robby Müller. El brillante trabajo de su reparto pone el resto, para dejarnos una de las mejores Road movies que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar. Imprescindible.

Sinopsis: Cerca de la frontera mexicana en Texas, un hombre llamado Travis (Harry Dean Stanton) camina sin descanso a través del desierto de Mojave. Tras lograr llegar a un puesto de socorro, se desploma perdiendo el conocimiento, por lo que el médico que lo atiende averigua su nombre y avisa por teléfono a su hermano (Dean Stockwell), el cual se hizo cargo de su hijo Hunter (Hunter Carson) junto a su esposa (Aurore Clement), tras su inesperada desaparición cuatro años atrás. Este irá a recogerlo y lo llevará a casa, intentando descubrir que le ocurrió en el pasado y los motivos de su separación de su pareja, una Jane Henderson (Nastassja Kinski) que también huyó, aunque sigue contactando con ellos de vez en cuando y enviando algo de dinero a su hijo.

La película: París, Texas es uno de esos trabajos que hará hervir la sangre de muchos espectadores, esos que no soportan el cine pausado, casi melancólico en multitud de ocasiones, como el que el bueno de Wim Wenders eligió contarnos esta dura y emotiva historia. Si no os encontráis entre ellos y no la habéis visto, os recomiendo hacerlo un día de esos en los que disponemos de tiempo y podemos hacerlo de forma tranquila, de esos en los que nuestro estado de ánimo es bueno y que no hay excesivas distracciones a nuestro alrededor, ya que la experiencia realmente merece la pena disfrutarla.

La película consigue atraparte desde su mismo comienzo, mostrando unas bellas imágenes del desierto que se deslizan ante nuestros ojos, hasta que de repente vemos una pequeña figura de color negro moviéndose por el. Se trata de un hombre con una gorra roja que avanza con paso firme, hasta que consigue llegar a un puesto de socorro que parece desierto, donde tras entrar, acaba desmayándose extenuado por el esfuerzo y el cansancio. ¿Quien es ese hombre que permanece callado? ¿Que hace caminando por el desierto con un traje de chaqueta? El anzuelo está echado y créanme, resulta muy eficaz.

Sangre fácil - Joel Coen (1984)

Título original - Blood Simple
Año - 1984
Duración - 96 min.
País - Estados Unidos
Director - Joel Coen
Guión - Joel Coen, Ethan Coen
Música - Carter Burwell
Fotografía - Barry Sonnenfeld
Montaje - Roderick Jaynes y Don Wiegmann
Producción - Joel Coen y Ethan Coen
Productora - Foxton Entertainment / River Road Productions
Género - Thriller. Cine negro | Neo-noir. Crimen. Película de culto. Cine independiente USA
Reparto - John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya, Samm-Art Williams, M. Emmet Walsh, Deborah Newmann

Joel Coen escribió junto a Ethan Coen, y dirigió, la primera piedra que estos geniales cineastas pusieron en su ya extensa trayectoria. Un trabajo dentro del que para muchos es el género en el que mas brillan, el cine negro, que sirve como un perfecto y genuino catálogo de muchas de las características que dan alma propia a su cine. Una historia sencilla contada de forma magistral, donde son protagonistas el amor, los celos, las infidelidades, la traición, el asesinato, y sobre todo, la Sangre fácil. Como yo siempre digo, si es de los Coen, como mínimo merece la pena verla, llegando a ser con un poco de suerte, un trabajo inolvidable.

Sinopsis: En el corazón de Texas, una joven y seductora esposa llamada Abby (Frances McDormand), cae en los brazos de Ray (John Getz), uno de los empleados de su marido Julian Marty (Dan Hedaya). Convencido por un detective privado llamado Loren Visser (M. Emmet Walsh) de la infidelidad de su mujer y obsesionado por el engaño, Julian se decide a encargar al detective el asesinato de los amantes. Pero lo que en apariencia es un trabajo sencillo, se convertirá en una auténtica pesadilla para todos los implicados en la historia.

La película: Hay directores que en sus primeros trabajos experimentan y van derivando poco a poco hacia un estilo mas o menos definido, hay otros en los que sus primeros trabajos son los que realmente resultan innovadores, y que van acomodándose poco a poco a lo que exige el público perdiendo gran parte de su identidad con el tiempo, y hay otro tipo de cineastas, dentro de los que yo incluyo a los hermanos Coen, a los que desde un primer momento se le adivinan ciertas particularidades que raramente abandonan ya en toda su carrera, tienen muy claro lo que quieren hacer y simplemente van puliendo ciertos detalles conforme ganan experiencia.

En esta Blood Simple, la que supone el primer trabajo de los Coen, se sientan las bases que su cine seguirá en adelante, al menos en gran parte de su filmografía. Su guión, que resulta poco elaborado en algunos momentos, o al menos, que dispone de escenas a las que se les podría haber sacado mas jugo, consigue sin embargo que el espectador asista boquiabierto a toda la trama, encontrando en el pocas fallas o bajadas clamorosas de ritmo, siendo su enorme suspense e intriga y sus efectivos giros en la trama, sus características mas destacables.

Pero da la casualidad de que hay historias, entre las que se encuentra la que nos cuenta este film, que no necesitan de excesivos alardes narrativos para resultar efectivas y convincentes, sobre todo si quien te las va a contar es capaz de sacar de cada linea, de cada párrafo, de cada capítulo, el máximo jugo posible, gracias a la magnífica forma de plasmarlo en imágenes y de utilizar todo lo que cada escenario es capaz de ofrecer. Parte fundamental de que esto sea posible es el uso que se hace de la cámara, algo que tratándose del cine de los Coen, raro es que no nos regale un buen puñado de genialidades y de planos de todo tipo, que permanecerán en nuestra memoria por mucho tiempo.

Tiempos Modernos - Charles Chaplin (Película completa online, 1936)

Título original - Modern Times
Año - 1936
Duración - 89 min.
País - Estados Unidos
Director - Charles Chaplin
Guión - Charles Chaplin
Música - Charles Chaplin
Fotografía - Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
Montaje - Williard Nico
Producción - Charles Chaplin
Productora - United Artists
Género - Comedia, Cine mudo, Película de culto
Reparto - Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia

El inolvidable Charles Chaplin escribió, dirigió, produjo, protagonizó e incluso se encargó de la banda sonora, en esta maravillosa sátira sobre las carencias existentes durante la gran depresión, con una especial atención a las condiciones laborales de la época y una visión futurista de las mismas. Una deliciosa mezcla entre cine mudo y sonoro que ha alcanzado la condición de atemporal, siendo de obligada visión para los amantes de este arte y muy recomendable para todos en general. Cine hecho con el corazón.

Sinopsis: Charlie Chaplin es un obrero que trabaja en una cadena de montaje de una moderna fábrica metalúrgica. Las condiciones de trabajo que soporta hacen que cada vez le cueste mas seguir el ritmo que los jefes pretenden imprimir, por lo que acabará perdiendo la razón y siendo recluido en un hospital psiquiátrico. A su salida deberá afrontar una de las peores épocas económicas de su país, intentando sobrevivir en un mundo donde el hambre y la pobreza campan a sus anchas.

El director: Charlie Chaplin fue un actor, humorista, compositor, productor, director y escritor británico nacido en Londres, Inglaterra, un 16 de abril de 1889. Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.

Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan, y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Entre su filmografía, las películas más destacadas fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, desde 1916 también se encargó de la producción, y a partir de 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.

A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Óscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975 y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades anti-estadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York (1957) y La condesa de Hong Kong (1967), sus últimos trabajos. Falleció el Día de Navidad de 1977.

Chaplin estuvo casado en cuatro ocasiones (Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill), y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

La película: El cine sonoro ya estaba en pleno auge cuando Chaplin concibió Tiempos Modernos, aunque el era muy reticente a ponerle voz al personaje al que se lo debía todo, un Charlot al que no imaginaba, o no quería imaginar, hablando ante la cámara. Es por ello por lo que en este trabajo decidió introducir sonido, pero no en los diálogos de sus protagonistas, por lo que lo puso en las voces que se escuchaban en radios y televisores, en varias canciones o en el singular ruido de la maquinaria dentro de la fábrica. Por ello, además de una obra maestra del cine, es también un trabajo muy peculiar, citado por muchos como la última película del cine mudo, aunque no lo fuera en su totalidad. De hecho es la primera en la que se escucha la voz del célebre personaje de bombín y bastón.

Delicatessen - Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro (1991)

* Título original - Delicatessen
* Año - 1991
* Duración - 95 min.
* País - Francia
* Director - Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro
* Guión - Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, Gilles Adrien
* Música - Carlos d'Alessio
* Fotografía - Darius Khondji
* Montaje - Hervé Schneid
* Producción - Claudie Ossard
* Productora - UGC / Hachette Première
* Género - Fantástico. Comedia | Comedia negra. Película de culto
* Reparto - Dominique Pinon, Howard Vernon, Chick Ortega, Pascal Benezech, Marie-Laure Dougnac, Jean-Claude Dreyfus, Karin Viard, Anne-Marie Pisani, Silvie Laguna, Jean-François Perrier, Dominique Zardi, Marc Caro

Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro sorprendieron en el año 1991 a crítica y público con este trabajo que, mas que una película, es la creación de un pequeño universo donde sus fascinantes personajes son los protagonistas absolutos de la historia. Un film donde resulta mucho mas importante el continente que el contenido, motivo por el que su estética resulta tan trascendente. Mención especial para la peculiar fotografía de Darius Khondji, parte fundamental del rotundo éxito que obtuvo.

Sinopsis: En un mundo post-apocalíptico existe un sombrío y antiguo edificio en medio de la nada donde habitan un puñado de personajes de costumbres muy extrañas. En los bajos del mismo, tiene su carnicería el señor Clapet, dueño y casero del edificio que maneja a su antojo a sus inquilinos jugando con la escasez de alimentos en la que el mundo está sumido. Todo cambiará con la llegada de un nuevo inquilino que trabajaba en el circo, el señor Louison, contratado para hacer labores de mantenimiento y que entablará una estrecha relación con Julie Clapet, la hija del extravagante casero, poniendo así patas arriba la "normalidad" del pintoresco edificio.

Sus directores: El guionista y director de cine francés Jean-Pierre Jeunet nació un 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne, Loira. Empezó en el arte de la dirección a los 17 años, cuando se compró su primera cámara. Creó varios cortos mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios. Se hizo amigo de Marc Caro, diseñador y artista de cómics nacido un 2 de abril de 1956, en París, Francia. Ambos comenzarían así una corta pero muy fructífera colaboración que comenzaría en el sector publicitario y realizando algunos vídeos musicales como 'Zoolook' de Jean Michel Jarre.

Ambos dirigirían varios cortometrajes de animación, entre ellos 'Le manège' (El tiovivo) (1980), protagonizado por marionetas. Su primer trabajo con actores fue el corto futurista 'The Bunker of the Last Gunshots' (1981), sobre unos soldados atrapados en un Bunker donde hay un artefacto con una cuenta atrás. En 1991 dirigen su primer largometraje titulado 'Delicatessen', cuyo éxito les permitió financiar 'La ciudad de los niños perdidos' estrenada en 1994, aunque había sido escrita 14 años antes. Se trata de un cuento fantástico para adultos, en el que se mantiene el inconfundible toque que dan a sus trabajos.

Ya en solitario, Marc Caró solo ha dirigido el largometraje 'Dante 01' (2008), un thriller de ciencia ficción totalmente evitable. Por su parte Jean-Pierre Jeunet no ha parado desde entonces, siendo responsable de los títulos 'Alien resurrección' (1997), 'Amélie' (2001), 'Largo domingo de noviazgo' ('2004), 'Micmacs' (2009) y 'El extraordinario viaje de T.S. Spivet (2013). La más popular es 'Amélie', que obtuvo cinco nominaciones a los Premios Oscar y varios premios cinematográficos de prestigio.

La película: La verdad que escoger el título de 'Delicatessen' fue todo un acierto, no ya solo por el tema que trata esta comedia negra francesa, que también, sino por el tipo de cine que podemos ver en ella. Y es que estamos ante un trabajo que, como ocurre con algunos manjares, resultará una verdadera delicia para algunos (está considerada por muchos como una película de culto), casi en la misma medida que resultará anodina para otros. Yo me quedo en un termino medio, quitándome el sombrero ante la puesta en escena, la ambientación y la recreación de los personajes que se realiza, pero encontrando la historia un tanto insulsa, o al menos plasmada en el guión de forma no tan brillante como cabría esperar. Aún así recomiendo su visionado para que juzguen ustedes mismos.

Gilda - Charles Vidor (1946)

* Título original - Gilda
* Año - 1946
* Duración - 110 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Charles Vidor
* Guión - Marion Parsonnet (Historia: E.A. Ellington)
* Música - Hugo Friedhofer
* Fotografía - Rudolph Maté
* Montaje - Charles Nelson
* Producción - Virginia Van Upp
* Productora - Columbia Pictures Corporation
* Género - Cine negro. Drama. Romance. Thriller. Película de culto
* Reparto - Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleia, Steven Geray, Rosa Rey, Joseph Sawyer, Gerald Mohr, Mark Roberts, Ludwig Donath, Donald Douglas, Lionel Royce, Saul Martell

Era el año 1946 cuando Charles Vidor estrenaba la adaptación a la gran pantalla de un guión que Marion Parsonnet había realizado sobre una historia de E.A. Ellington. Para ello se contrató a Rita Hayworth y Glenn Ford, dando lugar a una de las historia de amor-odio mas famosas de la historia del cine. Un guante, una bofetada y una Diosa irresistible quedarían para la historia, convirtiendo a su protagonista en la auténtica sex symbol de la primera época de la historia del cine y al largometraje en una película de culto de fama mundial, además de una de las paradas imprescindibles para cualquier cinéfilo que se precie. Así nació la leyenda de Gilda.

Sinopsis: Johnny Farrell (Glenn Ford) es un buscavidas recién llegado a Buenos Aires que sobrevive realizando trampas en el juego. Tras meterse en problemas a las primeras de cambio, es rescatado por Ballin Mundson (George MacReady), un hombre de negocios dueño de un casino con el que comenzará a trabajar hasta llegar a ser su hombre de confianza. Todo cambiará el día que Mundson regrese de un viaje y decida presentarle a su nueva esposa Gilda (Rita Hayworth), una hermosa mujer a la que el conocía ya muy bien.

El director: Charles Vidor fue un cineasta de origen húngaro nacido un 27 de julio de 1900 en Budapest. Estudió ingeniería en la Universidad de Budapest primero, y en la de Berlín después. Fue precisamente en la capital alemana donde tomó contacto con el mundo del cine, trabajando como montador y director asistente para la productora alemana Universum Film AG.

Se trasladó a los Estados Unidos en 1924, donde trabajó en algunos musicales de Broadway, para luego trasladarse a Hollywood, donde empezaría como colaborador del director británico Alexander Korda. En 1931 se le da la oportunidad de dirigir su primer cortometraje, 'The Bridge', iniciando así su contrato con la Metro Goldwyn Mayer. Un año después, codirigiría junto a Charles Brabin su primer largo 'La máscara de Fu Manchú', aunque en los créditos no figurara como tal. En 1933, ya en la MGM, rodaría su primer film en solitario: 'Dama de cabaret'. Su trabajo en esta época cuenta con nueve títulos, entre los que destacan 'Árbol genealógico' (1935) o 'Desconocidos' (1935).

En los años 40 firma con Columbia Pictures, donde nos dejaría algunos de sus mejores trabajos: 'La dama en cuestión' (1940), 'El misterio de Fiske Manor' (1941), 'Se acabó la gasolina' (1942), 'Las modelos' o 'Gilda' (1946). Tras 'Los amores de Carmen' (1948), rompió con la Columbia para volver a la Metro en 1949. De esta época destacan 'El fabuloso Andersen' (1952), 'Rapsodia' (1954), 'Quiéreme o déjame' (1955) y otra de las grandes perlas de su filmografía 'Adiós a las armas' (1957). En 1956, creó su propia productora 'Aurora Productions', aunque 3 años después moría de un ataque al corazón mientras filmaba su película 'Magic Flame', que finalmente acabó George Cukor con el nombre de 'Sueño de amor'.

La película: 'Gilda' es uno de esos casos peculiares que aparecen muy de vez en cuando en el cine. De hecho, no creo que nadie de los que amen este arte os aconseje que no la veáis, aunque la verdad es que en algunos aspectos puede resultar algo sobrevalorada, según para que espectador, y me explico: No cabe ninguna duda de la enorme repercusión que tuvo en su momento, e incluso que puede seguir teniendo, ya que es un trabajo que ha envejecido bastante bien, no ya por el famoso baile y bofetada posterior, que a día de hoy pueden resultar poco relevantes, sino por el tema que en realidad trata la película, esa relación de amor-odio tan característica en los seres humanos.

La escapada - Dino Risi (1962)

* Título original - Il sorpasso
* Año - 1962
* Duración - 105 min.
* País - Italia
* Director - Dino Risi
* Guión - Dino Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari
* Música - Riz Ortolani
* Fotografía - Alfio Contini
* Montaje - Maurizio Lucidi
* Producción - Mario Cecchi Gori
* Productora - Fair Film / Incei Film / Sancro Film
* Reparto - Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant, Catherine Spaak, Claudio Gora, Luciana Angiolillo
* Género - Comedia. Drama

Era el año 1962 cuando Dino Risi escribió junto al maestro Ettore Scola y Ruggero Maccari, y dirigió esta magistral comedia con la que realizó un perfecto retrato de la pujante sociedad italiana de la época. La historia de un viaje realizado por dos seres completamente diferentes, interpretados magistralmente por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. Un claro referente de la comedia italiana de los 60.

Sinopsis: Bruno Cortona (Vittorio Gassman) recorre una Roma desierta en su descapotable buscando tabaco y un teléfono. Tras parar en una fuente, observa a Roberto Mariani (Jean-Louis Trintignant), un tímido estudiante asomado a la ventana y le pide que llame por el. Tras invitarlo este a subir para que llame el mismo, Bruno convencerá a Roberto para ir a tomar algo, en lo que supondrá el comienzo de un viaje por los alrededores de Roma de dos personas totalmente opuestas, lo que hará pensar a Roberto si ha escogido el estilo de vida correcto, cada vez mas fascinado con la de Bruno.

El director: Dino Risi nació en Milán, en diciembre de 1916. Quedó huérfano de niño, y fue criado por familiares y amigos de la familia. Es hermano del director y poeta  Nelo Risi. Estudió medicina al igual que sus dos hermanos y se especializó en psiquiatría. Se convirtió en un respetado director de cine tras el éxito de la película 'Pane, amore e...' (1955), secuela de 'Pane, amore e fantasia' y 'Pane, amore e gelosia', ambas dirigidas por Comencini.

Fue uno de los llamados maestros de la comedia a la italiana, junto a Mario Monicelli, Luigi Comencini, Nanni Loy y Ettore Scola. Su obra abarca mas de 50 trabajos, siendo su carrera bastante irregular, algo lógico por otra parte en alguien tan prolífico. De entre ellas destacan títulos como 'Sabela' (1957), con Peppino De Filippo y Sylva Koscina; 'El viudo' (1959), con Alberto Sordi y Franca Valeri; 'El estafador' (1960), con Vittorio Gassman y Dorian Gray; 'Una vida difícil' (1961), con Alberto Sordi y Lea Massari; 'La marcha sobre Roma' (1962), con Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi; 'El éxito' (1963), con Vittorio Gassman y Anouk Aimée; 'Monstruos de hoy' (1963), con Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi; 'Los complejos' (1965), con Nino Manfredi y Ugo Tognazzi; 'En nombre del pueblo italiano' (1971), con Ugo Tognazzi y Vittorio Gassman; 'Perfume de mujer' (1974), con Vittorio Gassman y Agostina Belli; 'Alma perdida' (1977), con Catherine Deneuve y Vittorio Gassman; '¡Que viva Italia!' (Los nuevos monstruos) (1977), con Vittorio Gassman, Ornella Muti y Alberto Sordi; 'Fantasma de amor' (1981), con Romy Schneider y Marcello Mastroianni, además de la que hoy nos ocupa, posiblemente la mejor de todas ellas. Falleció en Roma, el 7 de junio de 2008.

La película: Mi relación con el cine italiano es de lo mas curiosa. Recuerdo que de pequeño me lamentaba cuando ponían alguna película de dicha nacionalidad, ya que era joven e inexperto y las encontraba sumamente aburridas. Con el tiempo, y después de ver mucho cine, he ido aprendiendo a valorar como se merece el excelente cine que se realizaba en el país vecino, sobre todo el que se hacía en su época dorada.

Réquiem por un sueño - Darren Aronofsky (2000)

* Título original - Requiem for a Dream
* Año - 2000
* Duración - 102 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Darren Aronofsky
* Guión - Darren Aronofsky y Hubert Selby Jr. sobre una novela del propio Hubert Selby Jr.
* Música - Clint Mansell
* Fotografía - Matthew Libatique
* Montaje - Jay Rabinowitz
* Producción - Eric Watson y Palmer West
* Productora - Artisan Entertainment / Thousand Words
* Género - Drama
* Reparto - Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker, Keith David, Peter Maloney

Darren Aronofsky dirigió y escribió junto a Hubert Selby Jr., autor de la novela en la que se basa, este viaje a uno de los rincones mas oscuros de la raza humana, el de las adicciones, y en especial, a la adicción a las drogas. De una forma treméndamente original y consiguiendo ámpliamente su objetivo de llegar al espectador, demuestra con una dureza alarmante que no todo estaba contado en el amplio abanico de trabajos que sobre el mismo tema se han creado. Una película difícil de ver y mucho mas de digerir, en la que destacan las brillantes actuaciones de sus cuatro protagonistas.

Sinopsis: Harry Goldfarb (Jared Leto) y su novia Marion Silver (Jennifer Connelly) sueñan con montar un negocio propio, aunque su adicción a la heroína no les permite tener nunca el dinero necesario. Sara Goldfarb (Ellen Burstyn), la madre de Harry, vive sola con la televisión y la comida como únicos compañeros, mientras espera la llamada de su concurso favorito para participar y salir en televisión. Tyrone C. Love (Marlon Wayans), sueña con ganar dinero y salir de la dura vida de la calle. Ninguno de ellos se conformará con que solo sean sueños, haciendo lo que haga falta para convertirlos en realidad.

El director: El director, guionista y productor Darren Aronofsky nació en Brooklyn, Nueva York, en 1969 y es hijo de Abraham y Charlotte Aronofsky, dos profesores de origen hebreo, descendientes de polacos. Cursó sus estudios en la Universidad de Harvard, realizando un breve paso por el American Film Institute. Sus primeros cortos, Supermarket Sweep' (1991) y 'Protozoa' (1993) son de esa época, además del mediometraje 'Fortune Cookie' (1991).

Su debut al frente de un largometraje llegó con 'Pi, fe en el caos' (1998), un drama fantástico filmado en blanco y negro sobre un matemático que está a punto de descubrir el sistema numérico que rige el aparente caos del mercado bursátil. Fue su primera colaboración con Clint Mansell, algo que se convertiría en habitual,  y obtuvo una gran acogida, obteniendo entre otros el premio como Mejor Director en el Festival de Sundance. Tras dirigir en el 2000 la película que hoy nos ocupa, no fue hasta 2006 cuando dirigió la película 'La fuente de la vida', en el que nos cuenta la historia de un hombre que realiza un viaje al pasado y otro al futuro para intentar salvar la vida de su esposa. Protagonizado por Hugh Jackman, Rachel Weisz y Ellen Burstyn, tuvo multitud de problemas, como el abandono de Brad Pitt y Cate Blanchett, además de tener dispar aceptación en público y crítica.

Su siguiente trabajo fue 'El luchador' (2008), un impresionante relato sobre el ocaso de un antiguo campeón de lucha libre protagonizado por un irreconocible Mickey Rourke junto a Marisa Tomei, por el que obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia. En el 2010 dirigió el thriller psicológico 'Cisne negro', un magnífico retrato sobre la competencia que existe en el mundo de la danza. Está protagonizado por Natalie Portman, ganando un Oscar como Mejor Actriz por su magistral trabajo. En este mismo año ha estrenado su peor trabajo bajo mi punto de vista, 'Noé', en la que cuenta la historia del famoso personaje bíblico de forma muy diferente a como viene descrita en la biblia, algo que levantó ampollas entre los cristianos mas radicales, además de cosechar nefastas críticas. Ha sido el elegido para dirigir el episodio piloto de la nueva serie fantástica de la cadena HBO, 'Hobgoblin', que se espera para el año próximo.

La película: Si en la mayoría de las ocasiones recomiendo saber cuanto menos mejor sobre un trabajo, para poder disfrutarlo en toda su plenitud, en este caso haré todo lo contrario, ya que no recomiendo la visión de este sin saber a que nos vamos a enfrentar. Puedo decir, sin temor a equivocarme, que estamos ante una de las películas mas duras que he tenido la posibilidad de ver, lo que unido a la maestría de su director para ponernos en la piel de sus protagonistas, harán que una buena parte del público decida buscar en otra dirección.

Homenaje a los Monty Python: 'Los Caballeros De La Mesa Cuadrada' (1974) y 'La vida de Brian' (1979). Completas.

Los 'Monty Python' fue un grupo británico de humoristas que sintetizó en clave de humor la idiosincrasia británica de los años 60 y 70. Lograron la fama gracias a su serie para la televisión inglesa 'Monty Python's Flying Circus' (El Circo Ambulante de los Monty Python), basada en sketches breves que en muchas ocasiones incluían una importante carga de crítica social, si bien en su mayoría se centraban en un sentido del humor absolutamente surrealista y basado en el absurdo. El primer episodio fue emitido el 5 de octubre de 1969 por la BBC y la serie siguió en antena hasta 1974.

Aunque el fenómeno de los Monty Python comenzó con la serie de televisión, se convirtió en algo mucho mayor con un gran impacto: películas, álbumes, libros; y catapultó a sus miembros a la fama. La influencia del grupo en la comedia se ha comparado con la de los Beatles en la música. En 2009 recibieron un premio BAFTA (concedido por la Academia Británica de Cine y Televisión) honorífico por su contribución al mundo de la comedia. El premio se lo entregaron en el pre estreno del documental dedicado al fallecido Graham Chapman, 'Monty Python: casi la verdad'.

Los 'Monty Python' estaban formados por:

* Eric Idle. Era el músico del grupo, aunque no el autor de la canción de la serie de televisión 'Monty Python's Flying Circus', la cual es una marcha popular llamada 'La campana de la Libertad', así como de la mayoría de las canciones de las películas. En 'La vida de Brian' canta la canción más reconocida de los Python, 'Always Look On The Bright Side Of Life'. Idle es conocido por el uso de pelucas ridículas (una de las raras ocasiones en que no usa peluca es en la escena final de La vida de Brian), y por sus exasperantes papeles, como el hombre invisible, el hombre de las fotos, el hombre que quería una hormiga, y otros. Idle interpretó al "valiente" Sir Robin en 'Los caballeros de la mesa cuadrada'.

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* Michael Palin. Era, tras John Cleese y Eric Idle, el Python más conocido por su trabajo como actor. Participó con John Cleese en un de los mejores sketches de 'Monty Python's Flying Circus': los franceses de la oveja volante. Realizó los papeles de Bevis, el barbero medio psicópata travestido que quería ser leñador en el sketch 'La Canción del Leñador' y de Sir Galahad en 'Los caballeros de la mesa cuadrada'. Aparecía al principio de cada episodio de 'Monty Python's Flying Circus' como el náufrago que decía 'It's...'


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* John Cleese. Llegó a ser famoso como el presentador de la BBC que aparecía sentado frente a un escritorio en lugares tan extraños como una calle, una playa o un camión, y que decía la frase «And now for something completely different» («y ahora algo totalmente diferente»), que convirtió en eslogan de los Monty Python. Fue, junto con Graham Chapman uno de los gérmenes del grupo. Desde el fin de los Python se ha acostumbrado a trabajar en comedias de éxito de Hollywood.



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* Terry Gilliam. Siempre le llamó más la atención la dirección que la actuación, por lo que sus papeles en la serie fueron muy esporádicos y secundarios. Es conocido por las animaciones , en las que cortaba fotografías y las volvía surrealistas. Después de la disolución del grupo, ha ganado fama como director de cintas serias y fantásticas siendo, junto con John Cleese, el Python que más reconocimiento ha logrado.



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* Terry Jones. Recordado principalmente por sus papeles de mujer con voz chillona que hacía. Fue la divertidísima madre de Brian en 'La vida de Brian', film que dirigió él mismo. Llevó a cabo también 'Los caballeros de la mesa cuadrada', éste último trabajando en cooperación con Terry Gilliam. Después de la disolución del grupo se dedicó, principalmente, a la televisión, como guionista y presentador. Dirigió también 'Erik el vikingo', 'Viento en los sauces' y escribió el guión de 'Dentro del Laberinto', dirigida por Jim Henson en 1986.



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* Graham Chapman. Conocido por protagonizar a personajes autoritarios, como el coronel famoso que interrumpía los sketches. También realizó, varias veces, los papeles de doctor, para el que su formación habrá contribuido mucho, entre otros tantísimos papeles. Realizó los papeles principales en 'La vida de Brian', protagonizando el papel de Brian, y 'Los caballeros de la mesa cuadrada'. Con el tiempo, el alcoholismo perturbó su desempeño como actor. Mantuvo su homosexualidad en secreto hasta que lo confesó en un programa de entrevistas presentado por el músico de jazz George Melly.

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Equilibrium - Kurt Wimmer (2002)

* Título original - Equilibrium
* Año - 2002
* Duración - 107 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Kurt Wimmer
* Guión - Kurt Wimmer
* Música - Klaus Badelt
* Fotografía - Dion Beebe
* Montaje - Tom Rolf y William Yeh
* Producción - Jan de Bont y Lucas Foster
* Productora - Dimension Films
* Género - Ciencia ficción, Thriller, Acción, Película de culto
* Reparto - Christian Bale, Taye Diggs, Emily Watson, Angus MacFadyen, William Fichtner, Sean Bean, Sean Pertwee, Dominic Purcell, Matthew Harbour, John Keogh, David Hemmings, Kurt Wimmer
* Web oficial - http://www.dimensionfilms.com/equilibrium/index.html

Kurt Wimmer escribió y dirigió dos años después de ver la luz la innovadora 'Matrix' este regalo para los sentidos que, aún bebiendo de la anteriormente mencionada, demuestra tener alma propia. Cine que combina acción y ciencia ficción con una profunda crítica a la naturaleza humana, al totalitarismo y a como reaccionamos ante la opresión. Inteligente y entretenida en partes iguales.

Sinopsis: Tras la desoladora Tercera Guerra Mundial, un gobierno opresor liderado por un único patriarca llamado 'padre' (Sean Pertwee), apoyado por un consejo, han impuesto un orden en el que las emociones humanas son controladas mediante una droga sintética conocida como 'prozium'. Todo aquel ciudadano que se niegue a mantener su consumo continuado y elija tener emociones libres es calificado como un ofensor de sentidos y castigado con la pena de muerte. Para hacer cumplir la ley se ha creado un cuerpo denominado 'Tetragrammaton' compuesto por los clérigos, guerreros entrenados desde su niñez para tal fin. Al frente de ellos está el clérigo John Preston (Christian Bale) que comienza a notar un comportamiento extraño en su compañero Errol Partridge (Sean Bean).

El director: Kurt Wimmer posee una amplia nómina como guionista, su principal actividad en el mundo del cine. Es responsable de los libretos de 'Esfera' (1998) dirigida por Barry Levinson y con Dustin Hoffman, Sharon Stone, Peter Coyote y Samuel L. Jackson en los papeles principales, adaptando la novela homónima de Michael Crichton (1987); 'El secreto de Thomas Crown' (1999), adaptando la película del mismo nombre dirigida y producida por Norman Jewison y protagonizada por Steve McQueen y Faye Dunaway (1968); 'La Prueba' (2003), dirigida por Roger Donalson y protagonizada por Al Pacino y Colin Farrell; 'Dueños de la calle' (2008), dirigida por David Ayer e interpretada por Keanu Reeves; 'Un ciudadano ejemplar' (2009), dirigida por F. Gary Gray y protagonizada por Jamie Foxx y Gerard Butler; 'Salt', dirigida por Phillip Noyce y protagonizada por Angelina Jolie; su último trabajo como guionista ha sido 'Desafío total' (2012),  dirigida por Len Wiseman y protagonizada por Colin Farrell.

Como director no se ha prodigado en exceso, siendo su mayor éxito 'Equilibrium', película que hoy nos ocupa. Sus otros dos títulos son 'Frío como el acero. Buscando venganza' (1996), un pobre thriller de acción con Brian Bosworth y Bruce Payne y 'Ultravioleta' (2006), un paupérrimo trabajo de ciencia ficción con la hermosa Milla Jovovich como único reclamo. Ambas de una calidad irrisoria.

La película: Lo primero que he de contaros y advertiros, es que estuve a punto de quitar esta película tras solo cinco minutos de visionado. Su grotesco comienzo incluye una de las escenas mas fantasmas que un servidor ha tenido el pesar de aguantar y créanme, no han sido una ni dos. No voy a contaros nada porque odio los spoilers y pocos me habréis visto hacer, pero el que la haya visto o la vea próximamente me comprenderá. Y es que este trabajo tiene una gran parte que me cautiva enormemente, por motivos que expondré mas adelante, pero tiene otra pequeña parte que, sin llegar a impedirme ver la película, si que me toca bastante la moral.

Pinceladas de clásicos del terror: 'Nosferatu' - F.W. Murnau (1922, película completa)

* Título original - Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)
* Año - 1922
* Duración - 91 min.
* País - Alemania
* Director - F.W. Murnau
* Guión - Henrik Galeen
* Música - James Bernard, Hans Erdmann, Carlos U. Garza, Timothy Howard, Richard Marriott, Richard O'Meara, Hans Posegga, Peter Schirmann, Bernardo Uzeda, Bernd Wilden
* Fotografía - Fritz Arno Wagner
* Escenografía - Albin Grau
* Vestuario - Albin Grau
* Producción - Enrico Dieckmann y Albin Grau
* Productora - Prana-Film GmbH
* Género - Terror, Cine mudo, Película de culto
* Reparto - Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz

Cuando F.W. Murnau decidió realizar su propia adaptación de la novela 'Drácula' de Bram Stoker sin haber conseguido los derechos para poder llevarla a cabo, no imaginaba que acabaría convirtiéndose en una película de culto y en el trabajo del que probablemente haya un mayor numero de copias diferentes por todo el mundo. Una obra de arte que ha conseguido sobrevivir al paso del tiempo y al mandato que en su época se dio para destruirla, siendo un claro referente en el cine vampírico y el impresionismo alemán.

Sinopsis: Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wisborg (Alemania) que vive felizmente casado con Ellen. Un buen día es enviado por el agente inmobiliario Knock a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok, que esta dispuesto a adquirir una propiedad en Wisborg, muy cercana a donde vive Hutter. Pero tras conocer al conde, comienza a notar un comportamiento sospechoso en el que lo hace sospechar, gracias a un libro que encontró en una posada, que el conde es en realidad un vampiro.

El director: F.W. Murnau estudió literatura, historia del arte, filosofía y música en la prestigiosa Universidad de Heidelberg, antes de instruirse en teatro y cinematografía junto a Max Reinhardt, con quien llegó a colaborar. Gran parte de su filmografía la realizó en su Alemania natal, antes de firmar un contrato con la Fox, con la que estuvo ligado entre 1926 y 1931. En su cine se nota la influencia del expresionismo alemán unida a la base, adquirida en gran parte de su etapa con Reinhardt, del romanticismo alemán.

Participó en la Primera Guerra Mundial como piloto aéreo hasta que sufrió un grave accidente en Suiza. Es uno de los directores clave en el cine de los años 20, constando su filmografía de 21 trabajos, de los que los últimos 4 fueron realizados en Estados Unidos. Entre los realizados en Alemania, siempre dentro de una calidad muy constante, podemos destacar 'El castillo encantado' (1921), 'Phantom' (El nuevo Fantomas) (1922), 'Nosferatu' (1922), 'La tierra en llamas' (1922), 'El último' (1924), película que recomiendo especialmente por estar como mínimo a la altura de la que hoy nos ocupa, 'Tartufo o el hipócrita' (1925) o 'Fausto' (1926), su última película realizada en su tierra natal y que posee también una enorme calidad.

Ya en Estados Unidos dirigió la excelente 'Amanecer' (1927), a la que siguieron 'Los cuatro diablos' (1928), 'El pan nuestro de cada día' (1930) y la que sería el brillante broche final a su carrera, 'Tabú' (1931). Falleció en marzo de ese mismo año tras un accidente automovilístico en Santa Mónica, poco antes de que su país de origen iniciara un nuevo conflicto bélico a nivel mundial.

La película: Hablar de 'Nosferatu' es hablar de un trabajo que ha pasado a la historia de este arte, no solo por su enorme calidad y lo que representa, sino por la forma en la que fue realizado y condenado a la desaparición, pese a lo cual ha conseguido sobrevivir hasta llegar a ser la película de culto que es a día de hoy. Existen infinidad de copias con distinto metraje sobre ella, aunque la mayoría son de una calidad pésima. Por suerte se editó una copia que incluye la mayoría del metraje que fue presentada en el Festival de Berlín de 1984.

Memento - Christopher Nolan (2000)

* Título original - Memento
* Año - 2000
* Duración - 115 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Christopher Nolan
* Guión - Christopher Nolan basado en la historia de Jonathan Nolan
* Música - David Julyan
* Fotografía - Wally Pfister
* Montaje - Dody Dorn
* Producción - Jennifer Todd y Suzanne Todd
* Productora - Newmarket / Summit Entertainment
* Género - Thriller, Intriga
* Reparto - Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano, Mark Boone Junior, Stephen Tobolowsky, Harriet Sansom Harris, Jorja Fox

Christopher Nolan se lo guisa y se lo come escribiendo el guión, sobre una historia de su hermano Jonathan, y dirigiendo este rompecabezas que, sobre todo en su primera visualización, exige al espectador el máximo de atención y consigue que tenga la sensación de experimentar en sus propias carnes parte del problema de memoria que padece su protagonista. Una historia en la que destaca su diabólico montaje por encima de todo y que consigue lo que otras muchas no son capaces, hacernos utilizar el celebro, que no es poco en los tiempos que corren.

Sinopsis: La vida de Leonard (Guy Pearce) es un verdadero infierno producido por su incapacidad de retener en la memoria los hechos cotidianos. Recuerda todo su pasado hasta que, al intentar detener el asesinato de su mujer, recibió un golpe en la cabeza que le produjo su complicada enfermedad. Ahora utiliza una cámara de fotos con la que realiza instantáneas con la que poder recordar, sirviéndose de los mensajes que deja en las mismas y los que lleva tatuados en su propio cuerpo para intentar descubrir quien fue su asesino, teniendo que comenzar de nuevo día tras día.

El director: Christopher Nolan es uno de los directores con mejor presente y prospero futuro de los que podemos disfrutar en la actualidad. Tras el cortometraje fantástico 'Doodlebug' (1997), dirigió su primer trabajo en 1998, 'Following', un thriller dramático rodado en blanco y negro durante varios fines de semana mientras aún cursaba sus estudios universitarios y en el que participaron varios compañeros como actores. Es hasta la fecha su único trabajo realizado en el Reino Unido; en el 2000 realizó 'Memento', la que hoy nos ocupa, que lanzó su carrera de forma meteórica.

Su siguiente trabajo fue 'Insomnio' (2002), donde repite con el thriller dramático con un reparto excelente entre los que se encuentran Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank. Sus buenos resultados le permitieron comenzar el renacimiento de lo que a la postre sería la trilogía que haría olvidar la paupérrima situación en la que Joel Schummacher había dejado al legendario Batman, comenzando por 'Batman Begins' (2005) y continuando con las dos mejores películas que un servidor ha disfrutado sobre el guardián de Gotham City, 'El caballero oscuro' (2008) y 'El caballero oscuro: La leyenda renace' (2012). Entre ellas realizó otros dos trabajos de calidad, 'El truco final (The Prestige)' (2006), un thriller fantástico en el que nos cuenta la historia de dos magos enfrentados a finales del siglo XIX, con Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine y Scarlett Johansson y 'Origen (2010), un thriller de ciencia ficción sobre un hombre con la habilidad de apropiarse de los secretos del subconsciente aprovechando el sueño y en el que participaban Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page y Ken Watanabe entre otros.

Baste decir que ninguno de sus trabajos bajan del siete sobre diez de puntuación en las principales webs de cine, por lo que queda claro que no solo realiza productos de una gran calidad, sino que además ha demostrado una regularidad en su trabajo que resulta muy difícil de encontrar. Su próximo estreno llegará en noviembre se este mismo año con el nombre de 'Interstellar', un título de ciencia ficción en el que un grupo de exploradores utilizan un agujero de gusano para vencer las distancias inalcanzables por el hombre. En el figuran Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine y Matt Damon entre el numeroso elenco, así que la cosa pinta bien para los amantes de un género bastante maltratado. Crucen los dedos.

El odio (La Haine) - Mathieu Kassovitz (1995)

* Título original - La haine (Hate)
* Año - 1995
* Duración - 95 min.
* País - Francia
* Director - Mathieu Kassovitz
* Guión - Mathieu Kassovitz
* Música - Varios
* Fotografía - Pierre Aim
* Montaje - Mathieu Kassovitz y Scott Stevenson
* Producción - Christophe Rossignon
* Productora - Les Productions Lazennec / Le Studio Canal + / La Sept Cinéma / Kasso inc. Productions
* Género - Drama
* Reparto - Vincent Cassel, Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui, Abdel Ahmed Ghili, Solo, Joseph Momo, Héloïse Rauth, Rywka Wajsbrot, Olga Abrego, Laurent Labasse, Choukri Gabteni, Nabil Ben Mhamed, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Anthony Souter

Mathieu Kassovitz es el responsable del guión y la dirección de este duro retrato sobre la vida en los suburbios de París a mediados de la década de los noventa. Un trabajo que pretende ser un estudio sociológico de la realidad de miles de jóvenes, que se enfrentan día a día al racismo, a la discriminación y al paro, como ocurre en tantos países dentro y fuera de Europa. Hoy de primer plato tenemos realidad a la parisina, algo indigesta para los responsables de tanta desidia, esos estupendos señores que nos gobiernan.

Sinopsis: Tras la paliza que Abdel Ichah, de sólo 16 años, ha recibido en una comisaría de policía y que le ha ocasionado heridas que lo tienen en un estado de coma grave, los disturbios han enfrentado a policías y una juventud harta e indignada durante toda la noche. La película nos hará pasar las siguientes 24 horas de la vida de tres amigos, Vinz, Saïd y Hubert (un judío, un árabe y un afroamericano), que se han criado en un suburbio de París y que son testigos directos de las revueltas.

El director: La carrera de Mathieu Kassovitz está dividida entre la dirección y su faceta como actor, habiendo participado en 14 películas, entre las que destacan 'El quinto elemento' de Luc Besson (1997), 'Oscura seducción' de Jez Butterworth y 'Amélie' de Jean-Pierre Jeunet (ambas de 2001) y 'Múnich' de Steven Spielberg (2005).

Antes de su debut en la dirección de un largometraje, había realizado 3 cortometrajes: 'Fierrot le pou' (1990), 'Cauchemar blanc' (1991) y 'Assassins...' (1992). En 2003 presentó su opera prima 'Métisse', una comedia romántica sobre una joven embarazada que no sabe quien es el padre. Tras 'El odio' (1995), que es la que hoy nos ocupa, realizó 'Asesino(s)' (1997), un drama sobre un hombre que ha ejercido durante 40 años de asesino y cree haber encontrado a su sucesor. Su siguiente trabajo será 'Los ríos de color púrpura' (2000), un thriller de acción en el que Jean Reno y Vincent Cassel unirán sus fuerzas al investigar casos distintos pero que tienen una conexión.

En 2003, tras llamar su trabajo la atención en la meca del cine, debutó de forma poco acertada dirigiendo el thriller de terror 'Gothika', su primera y, hasta la fecha, ultima película estadounidense en la que contaba con actores como Halle Berry, Robert Downey Jr. y Penélope Cruz entre otros. Nos cuenta como una doctora despierta descubriendo que es una paciente en la propia institución mental donde trabaja al ser acusada de la muerte de su esposo, de lo que no recuerda nada. Tras un paréntesis de 5 años dirige 'Babylon' en 2008, un pobre trabajo protagonizado por Vin Diesel donde nos cuenta como en un mundo donde reina la anarquía, un mercenario recibe la orden de trasladar a una hermosa joven desde Rusia hasta Nueva York. Su último trabajo hasta la fecha es la magnífica 'L'ordre et la morale (Rebellion)' de 2011, un trabajo de acción sobre el secuestro de 30 policías franceses en la Cueva Gossanah por independentistas kanakas ocurrido en 1988. Su mejor película tras la que hoy nos ocupa.

La película: 'El odio' no es una película fácil de ver, y mucho menos de digerir, sobre todo si perteneces a una familia acomodada, de esas en las que sus hijos tienen ya su nombre escrito con letras de oro en un elegante despacho, incluso antes de haber comenzado sus estudios en una buena universidad privada. Para ellos, que prefieren mirar hacia otro lado cuando escuchan los problemas de las clases mas desfavorecidas, esta será una película de gamberretes que pierden su tiempo sin hacer nada, solamente el vago.