An American Crime - Tommy O'Haver (2007)

Título original - An American Crime
Año - 2007
Duración - 98 min.
País - Estados Unidos
Director - Tommy O'Haver
Guión - Tommy O'Haver y Irene Turner
Música - Alan Lazar
Fotografía - Byron Shah
Montaje - Melissa Kent
Producción - Jonathan McCoy
Productora - First Look Pictures
Género - Drama, Thriller (Basado en hechos reales, Años 60, Cine independiente)
Reparto - Catherine Keener, Ellen Page, James Franco, Bradley Whitford, Nick Searcy, Hayley McFarland, Ari Graynor, Evan Peters, Hannah Leigh Dworkin, Scout Taylor-Compton, Carlie Westerman, Jeremy Sumpter, Scott Eastwood

Tommy O'Haver escribió junto a Irene Turner y dirigió este durísimo thriller psicológico, basado en las transcripciones hechas en el juicio posterior a los incomprensibles sucesos ocurridos en la vida real. Un trabajo que, como no puede ser de otra manera, deja una desagradable sensación de perplejidad e impotencia en el espectador, filmado de forma correcta e interpretado a la perfección, sobre todo por Catherine Keener en el papel de Gertrude Baniszewsky y de Ellen Page en el de Sylvia Likens.

Sinopsis: Sylvia y Jennifer Likens (Ellen Page y Hayley McFarland) son dos hermanas que viven de forma precaria con su madre Betty (Romy Rosemont), prácticamente separada de Lester (Nick Searcy), que continúa trabajando cuando puede en una feria ambulante. Pero tras la aparición repentina de este con noticias sobre un posible trabajo para el matrimonio en la feria, no tienen otro remedio de dejar a sus hijas al cargo de Gertrude Baniszewski (Catherine Keener), madre de seis niños que se ofrece a cuidar de ellas a cambio de una compensación económica. Pero lo que en principio parece ser un tramite, se convertirá en una auténtica pesadilla, sobre todo para Sylvia, sobre la que Gertrude cargará toda su frustración.

El director: Tommy O'Haver es un director de cine y guionista estadounidense, nacido en Indianapolis, Indiana, el 24 de octubre de 1968. Tras graduarse en la universidad de Indiana en Periodismo, asistió al programa MFA de Cine de la Universidad del Sur de California a mediados de los 90, donde dirigió varios cortos que aparecían en los principales festivales, incluyendo Sundance y el Festival de Cine de Nueva York. Su filmografía es bastante escueta, incluyendo tan solo cuatro títulos, incluido el que hoy nos ocupa. Debutó con la comedia romántica Billy's Hollywood Screen Kiss (1998), puede que su mejor trabajo tras An American Crime (2007). Tras ella filmó una nueva comedia romántica titulada Así es el amor (Get Over It, 2001) y protagonizada por Kirsten Dunst y Ben Foste. Hechizada (Ella Enchanted) (2004) fue su siguiente trabajo, un drama romántico fantástico en el que aparecían nombres como Anne Hathaway, Hugh Dancy o Cary Elwes, entre otros. Tras An American Crime (2007), su mejor trabajo con bastante diferencia, solo ha dirigido algún episodio suelto de la serie United States of Tara (2009).

La película: Mas allá de la indudable dureza de la historia que nos cuenta este necesario trabajo, que a buen seguro dejará con la boca abierta a mas de uno, al menos a los que como yo vean la película sin conocer la historia, algo que les aconsejo desde ya, lo que mas indignación ha creado en mi es la evidente oscuridad que reside en el alma de la especie a la que todos pertenecemos, los seres humanos. Constatar, sin llegar a juzgar el grado de fidelidad de la película respecto a la historia real, como un enorme grupo de seres humanos son capaces de vivir con la conciencia perfectamente tranquila tras conocer, e incluso participar, en los hechos que aquí se nos cuentan, dice muy poco de nosotros como especie, convirtiéndonos en los seres mas despreciables de los que tenemos la certeza de su existencia. No es algo que no supiera antes de ver esta película, de eso no os quepa duda, pero cada prueba que ayuda a que desaparezcan las pocas dudas que tenía, no hacen mas que acrecentar esa sensación que ronda entre la pena y el mas profundo asqueo hacia nuestra propia condición.

Es esta una historia de esas que bien podrían ocupar uno de esos inaguantables telefilms de baja calidad que nos meten con calzador en las sobremesas de los fines de semana, algo que en algunos momentos de su visionado puede llegar a parecer una realidad, pero que en esta ocasión sobresale de estas en casi todos sus apartados, en unos mas que en otros, pero sobre todo en el de sus principales protagonistas, que aquí realizan un trabajo que difícilmente podremos disfrutar en un telefilm de medio pelo. Otra de esas diferencias claras es la forma en la que Tommy O'Haver dirige la cinta, que aunque tras comprobar su innegable dureza pueda parecer lo contrario, creo que en ningún momento intenta agrandar la, ya de por si agobiante, sensación que crea en el espectador la propia historia, algo que es una de las señas de identidad de las películas mediocres hechas para televisión.

Irrational Man - Woody Allen (2015)

Título original - Irrational Man

Año - 2015

Duración - 96 min.

País - Estados Unidos

Director - Woody Allen

Guión - Woody Allen

Música - Ramsey Lewis

Fotografía - Darius Khondji

Montaje - Alisa Lepselter

Producción - Woody Allen, Letty Aronson y Stephen Tenenbaum

Productora - Sony Pictures Classics / Gravier Productions

Género - Drama, Intriga, Comedia

Reparto - Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jamie Blackley, Parker Posey, Ethan Phillips, Julie Ann Dawson, Mark Burzenski, Gary Wilmes, Geoff Schuppert, David Pittu, Steven Howitt, Kaitlyn Bouchard, Ana Marie Proulx, Kate McGonigle, Tamara Hickey 

Woody Allen acude a su ineludible cita anual con los espectadores escribiendo y dirigiendo una de esas comedias de intriga que tan buenos resultados le han dado durante su carrera. En este caso lleva a la gran pantalla una historia bastante sencilla, aunque perfectamente contada, como nos tiene acostumbrados, que a mi personalmente me ha hecho pasar un buen rato, pero a la vez me ha dejado con ganas de algo mas. La pareja elegida para la ocasión: los brillantes Joaquin Phoenix y Emma Stone, que consiguen mantener a flote la cinta, aunque no elevarla en exceso. Inteligente y entretenida, pero muy lejos de sus mejores obras.

Sinopsis: Abe Lucas (Joaquin Phoenix) es un profesor de filosofía que atraviesa una grave crisis existencial. Recién contratado en la universidad de una pequeña ciudad, rápidamente ve como su vida da un giro al comenzar a relacionarse con dos mujeres: Rita Richards (Parker Posey), una compañera de universidad solitaria cuyo matrimonio hace aguas, que no esconde su interés por el y Jill Pollard (Emma Stone), una brillante estudiante que a pesar de tener novio, se siente atraída por él incluso antes de llegar al campús, algo que no hará mas que acrecentarse tras conocer esta su compleja y atormentada realidad.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Scoop (2006), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Cuando pasen los años y ya no tengamos la suerte de disfrutar de cada nueva obra de este magistral genio de Brooklyn llamado Woody Allen, buscaremos como locos trabajos como este para tener la oportunidad de recordar y revivir su particular manera de ver y hacer cine, algo a lo que en la actualidad no nos da ni tiempo, gracias a la enorme capacidad de trabajo que tiene y a la cantidad de títulos que nos regala año tras año. Hasta su obras menos afortunadas, consiguen dejar en mi mejores sensaciones que las que dejan muchas de las comedias que se hacen hoy día, pero eso no quita que cuando una de estas películas no brillen como lo han hecho otras, no deba exponerlo por exceso de respeto.

Y es que esa es la extraña sensación que me ha dejado este trabajo, con el que me he entretenido y he pasado un buen rato con la forma en la que está escrito, dirigido e interpretado, pero que me ha parecido un tanto simplón y bastante predecible, algo no muy frecuente en el cine de Allen. La sencillez de su historia podría ser escrita en una simple servilleta, algo que en manos de cualquiera no daba ni para un largometraje, pero que Allen consigue engrandecer con sus magníficos diálogos, con bastante menos chispa que otras veces, todo hay que decirlo, pero que vuelven a demostrar el enorme talento del cineasta también como guionista.

NOCTURNA anuncia sus primeros títulos para su IV edición (2016)

Poco a poco nos van llegando el nombre de algunos de los títulos que formarán parte de NOCTURNA 2016, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid. Se celebrará del 23 al 29 de mayo y es una producción de La Cruzada Entertainment y Scifiworld Entertainment. El año pasado contó con la visita de Robert Englund, Lamberto Bava, o Alexandre Aja entre otros, México como país invitado, además de numerosas premieres internacionales  y actividades paralelas. Este año os iremos informando de las novedades que se produzcan, pero lo que si podemos es adelantaros algunos de los títulos que se podrán disfrutar en el Festival.

La SECCIÓN OFICIAL DARK VISIONS consagrada al cine fantástico más independiente, nos presentará títulos como SENSORIA, debut en la dirección de Christian Hallman, que recibió el premio del público en Fantasporto.

Nos presenta la historia de Caroline, una mujer rozando los cuarenta, que ha perdido todo lo que le importa en el mundo. En su intento de empezar una nueva vida, se muda a un viejo apartamento y rápidamente comienza a darse cuenta de que no está tan sola como pensaba.



THE OPEN será otro de los títulos que se podrán ver en esta sección. Un film de ciencia ficción para paladares exquisitos que tendrá su premiere española en NOCTURNA.

Dirigida por Marc Lahore, el film nos traslada a un escenario de guerra global en el que André y Stéphanie preparan su participación en un open de tenis. Ellos creen firmemente en ello y logran convencer a Ralph, un guerrillero de la llanura, que dejará su arma por una raqueta. El film llega directamente desde Portugal tras alzarse con los premios a la mejor película, mejor director y mejor guión en la Semana de los Realizadores del Fantasporto.

Un tipo genial - Bill Forsyth (1983)

Título original - Local Hero
Año - 1983
Duración - 111 min.
País - Reino Unido
Director - Bill Forsyth
Guión - Bill Forsyth
Música - Mark Knopfler
Fotografía - Chris Menges
Montaje - Michael Bradsell
Producción - David Puttnam
Productora - Warner Bros. Pictures. Productor: David Puttnam
Género - Comedia. Drama. Romance
Reparto - Burt Lancaster, Peter Riegert, Denis Lawson, Peter Capaldi, Fulton Mackay, Jenny Seagrove, Jennifer Black, Christopher Rozycki, John Gordon Sinclair

Bill Forsyth escribió el guión y dirigió esta entrañable comedia costumbrista que transcurre en una hermosa localidad costera escocesa. Un trabajo sencillo, que se apoya en la belleza del lugar en el que transcurre y la riqueza de sus magníficos personajes, para firmar una obra de esas que se disfrutan con media sonrisa en la cara. Ideal para pasar un rato ameno con aire de cuento para adultos, Mención especial para el trabajo de Burt Lancaster, que aunque no interprete un papel excesivamente largo, consigue dejar ese sello particular que lo convirtió en uno de los grandes y a la magistral banda sonora de Mark Knopfler, una delicia para los sentidos. Ideal para dejarse llevar y acabar enamorándose del idílico lugar y sus peculiares habitantes.

Sinopsis: Mac (Peter Riegert) es un negociador de éxito que es enviado por la multinacional en la que trabaja a negociar junto a Oldsen (Peter Capaldi), un empleado de la compañía en la zona,  la compra de una amplia franja de costa donde planean construir una refinería. Nada mas llegar a la isla conocen a Urquhart (Denis Lawson), gerente del hotel y encargado de ponerlos en contacto con los habitantes del lugar, que rápidamente se deciden a vender ante la posibilidad de ganar una buena suma de dinero. El principal escollo es entonces Ben Knox (Fulton Mackay), un ermitaño que vive en la playa que heredó un antepasado suyo hace años y que no está dispuesto a abandonar el que ha sido su hogar solo por dinero.

El director: Bill Forsyth es un cineasta nacido en Glasgow, Escocia, el 29 de julio de 1946. Se adentró en el mundo cinematográfico con tan solo 17 años; cuando comenzó a trabajar como asistente para un realizador de documentales. A lo largo de los años 60, estudió en la escuela de cine y trabajó como asistente de montaje para la BBC. Tras dirigir el documental Islands of the West (1972), debutó con el largometraje de bajo presupuesto That Sinking Feeling (1980), cuyos actores eran en su mayoría jóvenes actores de teatro. Tras ella dirigió su primer trabajo de cierto nivel, Gregory's Girl (1981), tras la que dirigió la que hoy nos ocupa, Un tipo genial (1983). Su filmografía se completa con Comfort and Joy (1984), la magnífica Housekeeping (1987), su mejor película para mi junto a la que hoy comentamos, además de la primera que rodó con bandera estadounidense, Un ladrón y medio (1989), Un hombre perdido en el tiempo (1994) y Gregory's Two Girls (1999), su último trabajo.

La película: Muy de vez en cuando, llega a mis manos un trabajo de esos de los que nunca había oído hablar, que con el paso del tiempo solo ha sobrevivido en la memoria de un puñado de espectadores sin hacer demasiado ruido, pero que consigue renovar en mi esa ilusión que me hizo amar este arte y volver a convencerme de que no es necesario un gasto enorme para conseguir hacer una buena película. Un tipo genial ha entrado con fuerza en ese selecto grupo de películas con un encanto especial, cuya aparente sencillez esconde una enorme riqueza que ningún aficionado debe dejar pasar. Para que os hagáis una idea de como es este trabajo, lo voy a comparar con una serie que siempre me encantó, salvando las lógicas distancias entre ambos productos, muy diferentes entre si. Esa serie es Doctor en Alaska, un producto en el que muchas de sus tramas eran una simple escusa para disfrutar de sus inolvidables personajes y las relaciones entre estos y el doctor llegado de la gran ciudad.

En esta ocasión, en vez de un doctor que se traslada a un pueblecito de Alaska seguiremos a dos negociadores que trabajan para una gran multinacional, que llegarán al hermoso lugar decididos a rematar una gran operación, muy importante para el futuro de la empresa, pero que acabará por exterminar el encanto del singular enclave. El mundo del que vienen nada tiene que ver con el que acaban de conocer, por no hablar ya de sus habitantes, que inmediatamente llamarán la atención de ambos. Pero las ventajas y comodidades de la gran ciudad nunca podrán competir con la huella que un paraíso natural deja en quien se detiene ante él el tiempo suficiente como para admirarlo. El contacto con la naturaleza y la tranquila forma de vida de sus habitantes ensombrecen su propia existencia, abriéndoles los ojos a la realidad.

El regreso - Andrei Zvyagintsev (2003)

Título original - Vozvrashchenie (The Return)
Año - 2003
Duración - 105 min.
País - Rusia
Director - Andrei Zvyagintsev
Guión - Vladimir Moiseenko y Alexandre Novototsky
Música - Andrey Dergatchev
Fotografía - Mikhail Kritchman
Montaje - Vladímir Moguilevsky
Producción - Dmitry Lesnevsky
Reparto - Vladimir Garin, Ivan Dobronravov, Konstantin Lavronenko, Natalia Vdovina
Productora - Ren TV
Género - Drama (Road Movie)

Corría el año 2003 cuando en el panorama cinematográfico internacional irrumpía el realizador ruso Andréi Zviáguintsev, estrenando la que era su ópera prima, El regreso. Alabada rápidamente por la crítica, consiguió alzarse con el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Se trata de una road movie no apta para los paladares mas inquietos e impacientes, que destaca por su poderío visual y el dominio de las imágenes por encima de los diálogos. Atención especial al trabajo de Vladímir Garin e Iván Dobronrávov, que dan vida de forma brillante a los hermanos Andréi e Iván. Pura poesía.

Sinopsis: Iván (Iván Dobronrávov) y Andréi (Vladímir Garin), dos jóvenes de 12 y 14 años, viven con su madre y su abuela en una pequeña ciudad rusa. A su padre no lo han visto desde hace muchos años y sólo se acuerdan de él por una vieja foto que hay en la casa. Pero un buen día la vida de ambos sufre el enorme trastorno del regreso de su padre (Konstantín Lavronenko), sin previo aviso ni explicación, con el que emprenderán un viaje en coche que los llevará por los hermosos paisajes siberianos, en el que intentarán encontrar respuesta a todas las incógnitas que tienen sobre el.

El director: Andréi Petróvich Zviáguintsev es un director de cine y actor ruso nacido en Novosibirsk, el 6 de febrero de 1964. Sus inicios estuvieron ligados a trabajos de actor en teatros de provincia, tras los que trabajó como extra en varias series de televisión y largometrajes. Tras dirigir varios episodios de la serie de televisión El cuarto oscuro para la productora independiente REN TV, debutó en el cine con El regreso (2003), la película que hoy nos ocupa (ganó el León de Oro). Cuatro años después dirigió el drama psicológico The Banishment (2007), tras el que dirigió los cortometrajes Apocrypha (2009) y Mystery (2011). Ese mismo año estrenó el drama Elena (2011), con el que ganó el Premio Especial del Jurado en la sección 'Una cierta mirada' del Festival de Cannes. Su último trabajo ha sido Leviatán (2014), un drama social con el que ganó el Globos de Oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ser nominada al Óscar y el BAFTA en la misma categoría y llevarse el premio al Mejor guión en el Festival de Cannes. Su cine ha sido comparado en ocasiones con el de Andréi Tarkovski.

La película: Disfrutar o no de un trabajo como el que hoy nos ocupa depende directamente del gusto del espectador, pero de lo que no les debe quedar ninguna duda es de que estamos ante un largometraje que difícilmente dejará indiferente a nadie, para bien o para mal. Los motivos para ello son claros, comenzando por su ritmo, intencionadamente lento, ideal para el tipo de historia que cuenta y la forma en que lo hace, pero que llegará a desesperar a quien no tolere cine de este tipo. Andrei Zvyagintsev prefiere en todo momento insinuar a mostrar, por lo que el espectador se irá haciendo poco a poco su propia imagen de lo que tiene ante si, en una historia que invita a que cada cual haga su propia interpretación de los hechos a los que está asistiendo. El simbolismo de cada elemento es otra de sus características, como por ejemplo el del agua, presente en todo momento en la película, aunque no es el único.

Por lo tanto, al igual que hay otros directores que nos llevan de la mano por su película, como si de niños pequeños de paseo con sus padres se tratase, Zvyagintsev prefiere ir mostrándonos detalles de la suya, con la intención de que cada cual viaje por ella a su antojo. El guión de Vladimir Moiseenko y Alexandre Novototsky tiene mucho de onírico, o al menos lo tiene la forma de trasladarlo a la pantalla el propio realizador, algo que permite a cada espectador ver una película que puede ser muy diferente a la que ve cualquier otro. La simbología, como cometé en un principio, tiene una enorme importancia en el, algo que comprobarán ustedes mismos si deciden disfrutarla. De lo que no les debe caber ninguna duda, es de la intención de sus creadores de colocar como principal protagonista de este al propio viaje, que llevará a nuestros dos jóvenes protagonistas a abandonar la infancia y dar la bienvenida a su madurez.