El hombre que quiso ser Segundo - Ramón Alós (2014)

Título original - El hombre que quiso ser Segundo
Año - 2014
Duración - 90 min.
País - España
Director - Ramón Alós
Guión - Ramón Alòs y Leonardo Marini
Música - Andreu Alòs
Sonido - Pedro Aviño
Fotografía - Ximo Fernández
Dirección artística - Luis Sorando
Producción - Ana María Ferri, Ramón Alòs Sanchez y Gaizka Urresti
Productora - Bígaro Films / Gaizca Urresti / Moodfilm
Reparto - Ramón Langa, Enrico Vecchi, Juan Miguel Company
Género - Documental

Después de las excelentes críticas recibidas en su paso por la Cineteca de Madrid, el próximo viernes 27 de mayo se estrena a nivel nacional el magnífico trabajo que Ramón Alòs dedica a uno de esos pioneros del cine que no han obtenido el reconocimiento general que si lograron otros muchos, Segundo de Chomón. Aunando en él un merecido homenaje al Méliès español con una acertada historia de ficción, nos encontramos ante un trabajo que tiene la capacidad no solo de mostrar gran parte de la historia injustamente olvidada de uno de los precursores del cine universal, sino también de crear la necesidad en el espectador de conocer mas sobre este extraordinario personaje. Un producto que hará las delicias de los amantes del cine, pensado además para el disfrute del público en general. Indispensable.

Sinopsis: Vida y obra del pionero de cine español Segundo de Chomón y la peculiar relación que tuvo con su hermano gemelo, Primo de Chomón. Segundo de Chomón (Teruel 1871-París 1929) fue el cineasta español pionero del cine mudo y de la técnica de la animación cinematográfica. Fue un genio de los trucajes, dominó la utilización de maquetas, precursor del travelling, del cine a color y abuelo de la animación por ordenador. Por todo esto, se le compara con el otro gran pionero del cine universal, George Méliès, a quien durante toda su vida admiró e imitó al servicio de la Pathé francesa para, con el tiempo, superarle en el perfeccionamiento de algunos aspectos técnicos del cine de animación.

El documental: En los difíciles tiempos que corren, los realizadores tienen que agudizar su ingenio para poder atraer la atención de un segmento lo mas grande posible de público, mas aún si de lo que hablamos es de un documental. Siendo conocedor de tales circunstancias, el realizador Ramón Alós ha optado con gran acierto por enriquecer su excelente documental con una historia de ficción magníficamente integrada con este, hasta tal punto que uno llega a preguntarse en muchos momentos donde termina la realidad y comienza la ficción. Esto, que así dicho puede parecer un tanto confuso y podría resultar un arma de doble filo si no está realizado con la suficiente habilidad, en El hombre que quiso ser Segundo resulta realmente acertado y funciona a las mil maravillas, convirtiéndolo en un trabajo muy interesante para el público en general, además de una obra ineludible para cualquier amante del cine.

Resulta frustrante ver lo simple que resultamos los seres humanos, tan dados como somos tanto a mitificar a algunas figuras como a olvidarnos de otras muchas injustamente. Cuando me llegó la posibilidad de poder disfrutar de este trabajo, era realmente escasa la información que tenía de su protagonista, del que había leído algo en un par de ocasiones y poco mas. Tras finalizar su visionado, quedé realmente impresionado de la enorme labor que Segundo de Chomón realizó durante casi toda su vida por amor a este arte que nos une, pero mas aún me impresionó que se haya olvidado esta de la forma en que se ha hecho, algo que a nivel mundial tiene poca explicación, como ha ocurrido, ocurre y seguirá ocurriendo con tantos y tantos personajes a lo largo de la historia, pero que incluso en su propio país sea bastante desconocido es poco menos que un delito.

El violín rojo (Le Violon rouge) - François Girard (1998)

Título original - Le Violon rouge (The Red Violin)
Año - 1998
Duración - 130 min.
País - Canadá
Director - François Girard
Guión - Don McKellar y François Girard
Música - John Corigliano
Fotografía - Alain Dostie
Montaje - Gaétan Huot
Producción - Niv Fichman
Productora - New Line International Releasing / Channel Four Films / Telefilm Canada
Género - Drama, Intriga
Reparto - Samuel L. Jackson, Greta Scacchi, Jason Flemyng, Colm Feore, Carlo Cecchi, Irene Grazioli, Jean-Luc Bideau, Sylvia Chang

François Girard escribió junto a Don McKellar y dirigió este maravilloso homenaje a la música clásica y en especial al instrumento que la protagoniza, el violín. Un trabajo realmente completo que, cosas de este arte, no tuvo la repercusión que para mi merece, pero que gracias a los adelantos de hoy día podemos disfrutar en cualquier momento, algo que os recomiendo encarecidamente. Una excelente obra de ficción inspirada en el llamado "El Rojo Mendelssohn", un Stradivarius que luce una franja roja de orígenes desconocidos.

Sinopsis: En un taller de la Italia del siglo XVII, un maestro artesanal crea su obra definitiva, un violín perfecto y barnizado en rojo, el primer regalo para su hijo a punto de nacer. A partir de ese momento seguiremos parte de la historia del magnífico instrumento, mostrada en varias historias que transcurren en lugares tan diversos como Cremona, Viena, Oxford, Shanghái o Montreal, hasta llegar a nuestros días.

El director: François Girard es un guionista y director de cine, teatro y televisión franco/canadiense nacido en Quebec, el 12 de enero de 1963. Siempre ligada a la música, su carrera no es especialmente prolifera en el mundo del cine, donde debutó con Sinfonía en soledad: un retrato de Glenn Gould (1993), en la que retrata la vida del famoso pianista, un niño prodigio que componía a los 5 años y a los 15 ya daba conciertos. Cinco años mas tarde escribió y dirigió El violín rojo (1998), película que hoy nos ocupa. No fue hasta 2007 cuando escribió junto a Michael Golding y dirigió Seda (Silk), un drama romántico basado en una popular novela de Alessandro Baricco, interpretado por Michael Pitt, Keira Knightley y Koji Yakusho. Su último trabajo para la gran pantalla ha sido El coro (2014), un drama que nos cuenta la difícil relación entre un niño de once años, al que da vida Garrett Wareing, y su exigente maestro del coro, interpretado por Dustin Hoffman.

La película: Aprovechando que me he cogido unos necesarios días de descanso, he decidido revisionar tres de esos contados trabajos que se encuentran en la lista de mis debilidades, de los que tenía pendiente realizar un artículo en el blog. El primero de ellos es El violín rojo, una obra que hará las delicias de los amantes de la música clásica, en especial los que como yo tengan entre sus instrumentos favoritos el violín, pero que ofrece mucho mas que lo que puede en principio aparentar, siendo perfectamente disfrutable por el público en general. La inteligencia y el mimo con la que está filmada, la hacen ser una de esas películas que recomiendo disfrutar, ideal para ver con la debida tranquilidad, en uno de esos momentos en los que el espectador puede dedicarle los cinco sentidos, algo que posteriormente agradecerá y mucho.

Estamos ante un merecido homenaje al más pequeño y agudo de los instrumentos de cuerda clásicos, en el que se mima cada detalle, por pequeño que este sea, no limitándose tan solo a mostrarnos las virtudes del magnífico instrumento, sino haciéndolo en el transcurso de una historia que gana interés por momentos, contada de forma amena para, poco a poco, ir metiendo al espectador en ella, creando en el la necesidad de saber que nuevo giro hará que el violín prosiga su tortuoso camino hasta llegar a nuestros días. En otras palabras: sus creadores han conseguido realizar un trabajo que no se limita al homenaje, sino que busca llegar a una franja de público mas amplia, para así dar a conocer mejor el instrumento a quien no le haya prestado el suficiente interés, o no haya podido disfrutar de el lo suficiente, todo un acierto poco valorado en su momento.

No toquéis la pasta (Grisbi: Hands Off the Loot) - Jacques Becker (1954)

Título original - Touchez pas au grisbi (Grisbi: Hands Off the Loot)
Año - 1954
Duración - 94 min.
País - Francia
Director - Jacques Becker
Guión - Albert Simonin, Jacques Becker y Maurice Griffe, basado en la novela de Albert Simonin
Música - Jean Wiener
Fotografía - Pierre Montazel
Montaje - Marguerite Renoir
Producción - Robert Dorfmann
Productora - Coproducción Francia-Italia; Del Duca Films / Antares Produzione Cinematografica
Género - Thriller, Drama, Cine negro
Reparto - Jean Gabin, René Dary, Dora Doll, Vittorio Sanipoli, Marilyn Buferd, Gaby Basset, Paul Barge, Alain Bouvette, Daniel Cauchy, Denise Clair, Angelo Dessy, Jeanne Moreau, Lino Ventura

Jacques Becker escribió el guión en 1954 junto a Maurice Griffe y Albert Simonin, autor de la novela en la que se basa, y dirigió este excelente largometraje que ha servido de espejo para muchos otros mas tarde y con el que recobró notoriedad un magnífico Jean Gabin, considerado por muchos como uno de los mejores actores franceses de todos los tiempos, si no el mejor. Un trabajo filmado con una enorme atención en cada uno de sus detalles, por pequeño que este sea, que presta especial atención a los personajes y a los escenarios donde se mueven, sin dejar de lado en ningún momento la trama, dándole un toque característico dentro del cine negro, en el país donde el termino film noir fue acuñado por el crítico Nino Frank.

Sinopsis: Max (Jean Gabin) y Ritón (Rene Dary) son dos veteranos criminales que acaban de dar el golpe que esperan les sirva para poder retirarse con tranquilidad. Lo único que los separa de ello es conseguir colocar el jugoso cargamento de oro con el que se han hecho, algo que no será fácil, ya que Josy (Jeanne Moreau), la ex novia de Ritón, tiene conocimiento de los hechos y junto a Angelo Fraiser (Lino Ventura), el gánster con el que acaba de comenzar una relación, intentará hacerse con el oro antes de que ambos lo consigan vender.

El director: Jacques Becker fue un director de cine francés nacido en París, el 15 de septiembre de 1906. Casado con la actriz Françoise Fabian y padre del también director Jean Becker, es autor de varios clásicos del cine galo. De su filmografía destacaremos varios títulos: Goupi mains rouges (1943), Falbalas (1945), Se escapó la suerte (1947), Cita en julio (1949), Édouard et Caroline (1951), Calle de la Estrapada (La mudanza de Françoise) (1952), París bajos fondos (1952), Las aventuras de Arsenio Lupin (1957), Los amantes de Montparnasse (1958) y La evasión (1960), además de la que hoy nos ocupa. Ninguna de ella baja del siete en las principales webs de cine, así que podéis elegir con total tranquilidad sin temor a equivocaros.

La película: A un director como Jacques Becker tiene mucho que agradecerle el cine galo, como por ejemplo la realización de clásicos como París bajos fondos (1952) o La evasión (1960), pero si hay algo que realmente hemos de destacar en el día de hoy y mirando el trabajo del que os vamos a hablar, es la recuperación que con ella hizo del gran actor Jean Gabin, que tanto brillara en títulos como La bandera (1935), Los bajos fondos (1936), Cara de amor (1937), La gran ilusión (1937), El muelle de las brumas (1938), La bestia humana (1938), Amanece (1939), Remordimientos (1941) o Marea de luna (1942). Y es que este trabajo no sería el mismo sin la participación del genial actor, que realiza aquí toda una demostración de saber estar ante las cámaras, derrochando presencia y mucha clase.

Pero además, hay que agradecerle al realizador francés el hecho de realizar un trabajo en el que deja un sello personal inconfundible, que con posterioridad serviría de inspiración para multitud de directores. En ese sello destacan cualidades como el desarrollo de los personajes, algo que no solo podemos observar en los principales, sino también en los secundarios, por muy pequeño que sea su papel, además de la concienzuda recreación que se realiza del entorno en el que se mueven, plasmado con todo lujo de detalles para deleite del espectador que sepa valorarlo. El resultado es una obra que, sin olvidar en ningún momento la trama, adquiere una riqueza que rara vez podemos disfrutar en otros trabajos del género.

Una mujer bajo la influencia (A Woman Under the Influence) - John Cassavetes (1974)

Título original - A Woman Under the Influence
Año - 1974
Duración - 155 min.
País - Estados Unidos
Director - John Cassavetes
Guión - John Cassavetes
Música - Bo Harwood
Fotografía - Mitch Breit
Montaje - David Armstrong
Producción - Sam Shaw
Productora - Faces International
Género - Drama, Cine independiente
Reparto - Gena Rowlands, Peter Falk, Katherine Cassavetes, Fred Draper, John Finnegan, Matthew Labyorteaux, Angelo Grisanti

El inolvidable John Cassavetes escribió el guión y dirigió este realista y crudo drama llamado A Woman Under the Influence. Sin las obligaciones impuestas por los grandes estudios y obsesionado con contar su historia con la mayor realidad posible, estamos ante uno de esos trabajos que uno ve y ya nunca jamás olvida. Mención especial a la interpretación de Peter Falk y, sobre todo, el de la esposa del director, una Gena Rowlands que realiza una auténtica exhibición que le valió para ser nominada al Oscar, que finalmente ganaría Ellen Burstyn por Alicia ya no vive aquí. Imprescindible.

Sinopsis: Mabel Longhetti (Gena Rowlands) es una esposa y madre de tres hijos incapaz de acostumbrarse a las normas sociales, ya que padece inestabilidad emocional. Casada con Nick Longhetti (Peter Falk), un obrero italoamericano de la construcción, intenta cumplir con los cánones establecidos y ser la madre que todos esperan, mientras que su esposo lucha por mantener la normalidad en el hogar. Todo se complicará cuando la conducta de Mabel se vaya enrareciendo paulatinamente hasta llegar a afectar a sus hijos, momento en el que Nick comprenderá que tendrá que tomas cartar en el asunto, no teniendo mas remedio que afrontar ciertas medidas.

El director: John Cassavetes fue un actor, guionista y director greco-estadounidense, nacido en Nueva York, el 9 de diciembre de 1929. Considerado como uno de los máximos exponentes del cine independiente norteamericano, creció en Long Island y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar en la American Academy of Dramatic Arts. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión. Su debut en la dirección fue Sombras (Shadows, 1959), que consiguió financiar con dinero de familiares y el programa de radio Night People, aunque le fue imposible encontrar un distribuidor estadounidense, por lo que probó suerte en Europa, ganando el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Tras ella dirigió Too Late Blues (1961) y Ángeles sin paraíso (1963), con Burt Lancaster, Judy Garland y su esposa en el reparto. Regresó al cine independiente con Rostros (Faces) (1968), tras la que dirigió Maridos (1970) y Así habla el amor (1971). Tras ella llegó la considerada su época dorada con títulos como Una mujer bajo la influencia (1974), El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976), Opening Night (Noche de estreno) (1977) y Gloria (1980). Sus dos últimos trabajos fueron Love Streams (Corrientes de amor) (1984) y Un hombre en apuros (1986). Falleció en 1989, a los 59 años de edad, víctima de una cirrosis hepática.

La película: Para comprender la forma de hacer cine de Cassavetes, mas aún en una película como la que hoy nos ocupa, en la que no tenía que responder ante ningún gran estudio, hay que conocer, aunque sea mínimamente, lo que buscaba a la hora de filmar y como intentaba conseguirlo. En principio, la historia estaba escrita en su correspondiente guión, pero los métodos que utilizaba para conseguir el máximo realismo posible contándola eran muy alejados de los utilizados por la mayoría de sus compañeros de profesión. Daba una gran libertad a los actores, a los que además escuchaba y tenía en cuenta sus ideas y objeciones, aunque a la hora de filmar solo los observaba. Realizaba tomas larguísimas sin dar apenas instrucciones al reparto, utilizando además lentes largas para interferir lo menos posible en su trabajo, lo que hacía que estos no supieran con certeza cuando estaban filmando.

Se rodeaba de actores y actrices que conocía bien (su esposa y su madre en esta ocasión), con el fin de poder influir fácilmente en ellos, además de utilizar otros no profesionales o que directamente jamás hubieran actuado. Donde otros directores buscan la perfección en las formas, el hacía todo lo contrario, alargando las tomas hasta límites insospechados o sacándolos de foco inesperadamente. Su búsqueda era la de una apariencia de realidad que puede resultar en un principio algo chocante, sobre todo si no sabemos de antemano a que nos enfrentamos, pero cuyos resultados son bastante satisfactorios y consiguen que el espectador sienta que forma parte de algo real.

El misterio de God's Pocket (God's Pocket) - John Slattery (2014)

Título original - (Son of Saul)
Año - 2014
Duración - 87 min.
País - Estados Unidos
Director - John Slattery
Guión - John Slattery y Alex Metcalf, basado en la novela homónima de Peter Dexter
Música - Nathan Larson
Fotografía - Lance Acord
Montaje - Tom McArdle
Producción - Sam Bisbee, Jackie Kelman Bisbee, Lance Acord, John Slattery, Philip Seymour Hoffman y Emily Ziff
Productora - Park Pictures / Cooper's Town Productions / Shoestring Pictures
Género - Drama, Comedia dramática, Cine independiente
Reparto - Philip Seymour Hoffman, Richard Jenkins, Christina Hendricks, John Turturro, Eddie Marsan, Caleb Landry Jones, Glenn Fleshler, Domenick Lombardozzi, Lenny Venito, Sophia Takal, Eddie McGee, Peter Gerety, John Cenatiempo, Casey Roberts

El actor John Slattery (Mujeres Desesperadas, Ley y Orden, Mad Men) debuta en la dirección llevando a la pantalla un guión que el mismo escribe junto a Alex Metcalf, en el que adaptan la novela God's Pocket de Peter Dexter. Un oscuro trabajo que mezcla drama y comedia negra generando diversidad de opiniones, principalmente por su supuesta indefinición de género, pero que yo recomiendo disfrutar para que puedan formarse así su propia opinión. Tan solo el hecho de ver uno de los últimos trabajos del bueno de Philip Seymour Hoffman ya merece la pena, aunque no es el único.

Sinopsis: La ya de por si difícil vida de Mickey Scarpato (Philip Seymour Hoffman) en el barrio obrero de God's Pocket se complica aún mas con la repentina muerte de su hijastro Leon (Caleb Landry Jones), mientras trabajaba en una obra. Su esposa Jeannie (Christina Hendricks), con la que no atraviesa su mejor momento precisamente, no está dispuesta a enterrar a su hijo de cualquier forma, por lo que a las inoportunas deudas de juego de Mickey hay que añadir el alto coste de un funeral decente, las dudas de su mujer sobre si fue un accidente y la llegada del reportero Richard Shelburn (Richard Jenkins), que empezará a husmear para intentar descubrir la verdad.

El director: John Slattery es un actor y director de cine estadounidense nacido en Boston, el 13 de agosto de 1962. Con mas de 25 años de carrera como actor desde que debutara en 1991 en la serie Homefront, ha actuado en mas de 30 producciones entre cine y televisión. En la pequeña pantalla destaca su trabajo en series como Mujeres Desesperadas, Ley y Orden o Mad Men, siendo nominado por esta última en cuatro ocasiones para el Emmy al mejor actor de reparto en una serie de TV. En la gran pantalla ha participado en trabajos como Eraser (1996), Sleepers (1996), Traffic (2000), 9 días (2002), Vías cruzadas (2003), La sonrisa de Mona Lisa (2003), Banderas de nuestros padres (2006), Un cruce en el destino (2007), La guerra de Charlie Wilson (2007), Destino oculto (2011), Bluebird (2013), Ant-Man (2015), Spotlight (2015) y Capitán América: Civil War (2016), entre otras. Actualmente trabaja como actor en el Thriller biográfico Churchill, dirigido por Jonathan Teplitzky, que se espera para 2017.

La película: He de reconocer que transmitir las sensaciones que un trabajo como God's Pocket me ha dejado no es una tarea sencilla, en primer lugar porque tras su destartalado aspecto y su historia poco convencional se esconde un trabajo que, incomprensiblemente, ha conseguido dejar en mi mucho mas huella que otros quizás mejor elaborados o cuyas pequeñas historias resulten mas creíbles. Quizás sea por su poco convencionalismo, quizás por sus estrafalarios personajes o tal vez solo sea por lo que ha sido mas criticada, su incapacidad para ser integrada en un género en concreto. Lo cierto y verdad es que tras disfrutarla resulta realmente difícil quitársela de la cabeza, al menos es lo que me ha ocurrido a mi, por lo que hablar mejor o peor de cada uno de sus apartados me resulta mucho mas sencillo que hablar mal de ella en general, del resultado final, algo que no me sale. Realmente curioso.

Todo es oscuro y sombrío en God's Pocket, un ficticio barrio obrero de mayoría irlandesa inspirado en Devil's Pocket, un barrio real al sur de Philadelphia, Pennsylvania. Hoy día es ya muy diferente, aunque sigue habiendo en el una gran cantidad de vecinos de origen irlandés, pero en su momento era un barrio apartado de las principales carreteras y dominado por una colonia irlandesa con fama de ser un tanto áspera, sobre todo si no pertenecías al lugar y osabas meter los hocicos en sus cosas. Ese es para mi el principal protagonista de esta historia, el propio barrio, con sus costumbres, sus gentes y su peculiar forma de solucionar los problemas.