Caminando entre las tumbas - Scott Frank (2014)

Caminando, tumbas, Scott FrankTítulo original - A Walk Among the Tombstones
Año - 2014
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Scott Frank
Guión - Scott Frank, basado en la novela de Lawrence Block
Música - Carlos Rafael Rivera
Fotografía - Mihai Malaimare Jr.
Montaje - Jill Savitt
Producción - Danny DeVito, Michael Shamberg, Stacey Sher, Tobin Armbrust y Brian Oliver
Productora - 1984 Private Defense Contractors / Cross Creek Pictures / Da Vinci Media Ventures
Género - Thriller, Intriga
Reparto - Liam Neeson, Dan Stevens, Marina Squerciati, Sebastian Roché, Boyd Holbrook, Stephanie Andujar, David Harbour, Briana Marin, Toshiko Onizawa, Purva Bedi, Maurice Compte, Patrick McDade, Luciano Acuna Jr., Hans Marrero, Laura Birn
Web oficial - http://www.awalkamongthetombstones.net/


Scott Frank escribe el guión, basado en la novela homónima de Lawrence Block, y dirige este entretenido thriller en el que sobresale la figura del todo terreno Liam Neeson al frente del reparto. Un trabajo que, sin llegar a la excelencia, es una muy buena opción para pasar un buen rato de cine, consiguiendo que la atención del espectador permanezca intacta en todo su metraje. Recomendable, no les quepa dudas, aunque igualmente mejorable, sobre todo en su guión.

Caminando, tumbas, Scott Frank

Sinopsis: Matt Scudder (Liam Neeson), trabaja como detective privado en la ciudad de Nueva York, a pesar de que no tener licencia para ello. En su pasado fue policía, lo que le ha dado la experiencia necesaria para realizar este tipo de trabajo, por lo que un buen día acude en su busca Peter Kristo (Boyd Holbrook), el hermano de Kenny (Dan Stevens), que desea contratar sus servicios para investigar el secuestro y asesinato de su pareja. Matt rechaza el trabajo en un principio, ya que no le gusta la forma de ganarse la vida de su nuevo cliente, aunque la insistencia de este y la forma en la que se realizó el crimen, hará que reconsidere su decisión inicial.

El director: Scott Frank es un guionista y director estadounidense nacido en Fort Walton Beach, Florida, un 10 de marzo de 1960. Asistió a la Universidad de California, en Santa Barbara, donde se graduó en 1982 con una licenciatura en estudios de cine.

Caminando, tumbas, Scott FrankComenzó en el cine en calidad de guionista, siendo responsable de numerosos trabajos entre los que destacaremos varios: Morir todavía (1991), dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh; El pequeño Tate (1991), dirigida y protagonizada por Jodie Foster; Malicia (1993), dirigida por Harold Becker y protagonizada por Nicole Kidman, Alec Baldwin y Bill Pullman; Cómo conquistar Hollywood (1995), dirigida por Barry Sonnenfeld y protagonizada por John Travolta, Gene Hackman, Rene Russo y Danny DeVito; Prisioneros del cielo (1996), escrita junto a Harley Peyton, dirigida por Phil Joanou y protagonizada por Alec Baldwin, Kelly Lynch y Mary Stuart Masterson; Un romance muy peligroso (1998), dirigida por Steven Soderbergh y protagonizada por George Clooney y Jennifer López; Minority Report (2002), dirigida por Spielberg y protagonizada por Tom Cruise; La intérprete (2005), dirigida por Sydney Pollack y protagonizada por Nicole Kidman y Sean Penn, y Lobezno inmortal (2013), escrita junto a Mark Bomback.

Como director debutó en 2007 con The Lookout, de la que también es responsable de su guión. Se trata de un thriller interpretado por Joseph Gordon-Levitt, Jeff Daniels, Matthew Goode, Isla Fisher y Carla Gugino, entre otros y que nos cuenta la historia de una estrella del deporte juvenil cuya vida cambia tras un trágico accidente donde mueren su mejor amigo y la novia de éste. Caminando entre las tumbas (2014) ha sido su segundo y último trabajo hasta la fecha en la que ha ejercido de director.

La película: Caminando entre las tumbas es un trabajo que me ha hecho pasar un rato de entretenimiento bastante aceptable, aprobando en casi todos los aspectos con relativo desahogo, pero sin conseguir en casi ningún momento dejar huella, al menos de la forma en la que lo hacen las mejores obras de este arte. Los motivos para ello son varios y trataré de exponerlos aquí, aunque aún así os la recomiendo para uno de esos días en los que solo quieres entretenerte, sin romperte demasiado la sesera en el intento.

Agente doble - James Marsh (2012)

Shadow Dancer, Agente doble, James MarshTítulo original - Shadow Dancer
Año - 2012
Duración - 101 min.
País - Reino Unido
Director - James Marsh
Guión - Tom Bradby (Novela: Tom Bradby)
Música - Dickon Hinchliffe
Fotografía - Rob Hardy
Montaje - Daniel Attrill
Producción - Daniel Attrill y Louis Taylor
Productora - BBC Films / Element Pictures / UKFS
Género - Thriller | Terrorismo. IRA. Espionaje
Reparto - Andrea Riseborough, Clive Owen, Aidan Gillen, Gillian Anderson, Domhnall Gleeson, Stuart Graham, Martin McCann
Web oficial - http://www.magpictures.com/shadowdancer/


Tom Bradby firma el guión basado en su propia novela, James Marsh se encarga de la dirección y Rob Hardy de la fotografía. Con un ritmo intencionadamente lento y una carencia total de violencia, intenta mediante una historia centrada en una familia inmersa en el, dejar su punto de vista sobre el conflicto irlandés. Inconfundible su origen documentalista, en un trabajo en el que brillan Andrea Riseborough y Clive Owen en los papeles protagonistas, con el habitual buen hacer de la BBC.

Shadow Dancer, Agente doble, James Marsh

Sinopsis: Belfast, 1993. Colette McVeigh (Andrea Riseborough) vive con su madre y sus hermanos, en una familia en la que casi la totalidad de sus miembros están vinculados al IRA. Tras intentar colocar un artefacto de forma fallida en una estación de metro, Colette es detenida por el MI5 y conducida a un lugar apartado. Allí la espera Mac (Clive Owen), un agente que le demuestra con varias pruebas que la tienen totalmente atrapada, tras llevar tiempo tras sus pasos, pero antes de encarcelarla le ofrece una salida: convertirse en informadora de la agencia para salir indemne.

El director: James Marsh es un director de cine y documental británico nacido el 30 de abril 1963 en Truro, Cornwall. Creció en el seno de una familia humilde, siéndole prohibido por su padre ver películas desde los diez años, tras una conversión religiosa de este. Cursó sus estudios en St Catherine's College, en Oxford, gracias a una beca que ganó y se graduó con una licenciatura en Inglés.

Shadow Dancer, Agente doble, James MarshMarsh comenzó su carrera con la dirección de varios documentales realizados para la BBC, entre los que se encuentran Troubleman – The Last Years of Marvin GayeThe Animator of Prague (ambos en 1990), The Burger and the King: The Life and Cuisine of Elvis Presley (1995) y John Cale (1998). En 1999 dirigió para la BBC el drama Wisconsin Death Trip. En 2005 dirigió el documental sobre fútbol The Team y el largometraje The King, un drama coproducido por Reino Unido y Estados Unidos.

Pero iba a ser en 2008 cuando ganó notoriedad, tras dirigir el documental Man on Wire, sobre el hombre que caminó sobre un alambre tendido entre las torres gemelas del World Trade Center de Nueva York, de forma ilegal. Ganó con el un Oscar, un BAFTA y arrasó en la mayoría de festivales y premios de prestigio. Tras Red Riding: 1980, Parte 2 (para TV) de 2009, dirigió el documental Proyecto Nim (2011), sobre un experimentp en el que un chimpancé fue criado como un humano en los años 70. La teoría del todo (2014) ha sido su último trabajo, consiguiendo el Oscar al Mejor actor Eddie Redmayne, de cinco nominaciones, además de varios premios de prestigio. Actualmente trabaja en dos largometrajes, Hold On To Me, con la presencia de Robert Pattinson y Carey Mulligan en su reparto y Untitled Donald Crowhurst Project, que contará en su elenco con Colin Firth y Rachel Weisz. Ambos se esperan para 2016.

La película: Shadow Dancer es un trabajo que, como mínimo, podemos calificar de peculiar. El simple hecho de contarnos una historia con el conflicto irlandés de fondo, en el que el IRA y el MI5 sean dos de sus principales protagonistas, sin mostrarnos apenas violencia en la pantalla, puede dejar a much@s con la mosca detrás de la oreja. Y si para colmo, sus responsables deciden dotar a la historia de un ritmo realmente sobrio y pausado, el resultado puede que diste mucho de lo que much@s puedan esperar de el.

El ángel borracho (El ángel ebrio) - Akira Kurosawa (1948)

ángel, ebrio, KurosawaTítulo original - Yoidore tenshi (Drunken Angel)
Año - 1948
Duración - 102 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa y Keinosuke Uegusa
Música - Fumio Hayakawa
Fotografía - Takeo Ito
Montaje - Akikazu Kôno
Producción - Sôjirô Motoki
Productora - Toho
Género - Drama, Cine negro
Reparto - Takashi Shimura, Toshirô Mifune, Reisaburo Yamamoto, Chieko Nakakita, Michiyo Kogure, Noriko Sengoku, Eitaro Shindo, Choko Iida, Taiji Tonoyama, Katao Kawasaki, Sachio Sakai, Yoshiki Kuga, Shizuko Kasagi, Masao Shimizu, Sumire Shiroki


Cinco años después de su debut, el maestro Akira Kurosawa llevó a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Keinosuke Uegusa. Un drama con aroma a cine negro que supondría la primera de 16 colaboraciones entre el director y el inolvidable actor Toshirō Mifune, entregándole el papel protagonista de forma mas que acertada a un Takashi Shimura en estado de gracia. Como casi toda la obra del japonés, imprescindible.

ángel, ebrio, Kurosawa

Sinopsis: Sanada (Takashi Shimura) es un médico con un carácter muy peculiar, que vive atormentado por lo que pudo haber sido su vida y no fue ahogando sus penas en alcohol, aunque a pesar de todo, ejerce su labor con una dedicación casi absoluta en un barrio periférico del Tokio de postguerra, donde la mafia impone su ley en las calles. Un buen día, el doctor recibe a altas horas de la noche a un hombre (Toshirô Mifune), requiriendo le cure una herida en su mano que se hizo al golpearse con una puerta, pero en el transcurso de dicha cura, el doctor extraerá una bala de la herida, que iniciará una estraña relación entre ambos.

El director: Akira Kurosawa fue un director de cine japonés nacido en Shinagawa, un 23 de marzo de 1910. Durante su carrera dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria

ángel, ebrio, KurosawaKurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de los 50, y que le dio a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones, o usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (El Emperador), por su estilo como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

ángel, ebrio, Kurosawa

Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. Kurosawa era igualmente detallista con la música, por lo que solía buscar un solo instrumento (por ejemplo, sólo trompetas), para acompañar una escena en concreto. Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más compleja.

La película: Después de haber leído mucho sobre este genio del séptimo arte y de como la censura mutiló y consiguió evitar que sacara toda su magia, tenía curiosidad por ver alguno de sus primeros trabajos, aunque no esperaba encontrarme con una obra tan completa como la que hoy tratamos. La verdad es que este film marca un antes y un después en su filmografía, mostrando ya en el parte del enorme talento que atesoraba para este arte y dando rienda suelta a su capacidad para retratar al ser humano, mostrando sus carencias y sus virtudes de una forma única.

Hard Candy - David Slade (2005)

Hard, Candy, David, SladeTítulo original - Hard Candy
Año - 2005
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - David Slade
Guión - Brian Nelson
Música - Harry Escott y Molly Nyman
Fotografía - Jo Willems
Montaje - Art Jones
Producción - Paul G. Allen y Rosanne Korenberg
Productora - Lions Gate Films / Vulcan Productions
Género - Thriller, Terror, Drama, Cine independiente
Reparto - Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Odessa Rae, G.J. Echternkamp
Web oficial - http://hardcandymovie.com/


David Slade debutó en la gran pantalla con este canto a la venganza en el que los roles habituales se invierten. Con un guión de Brian Nelson, la fotografía de Jo Willems y la extraña y escueta música de Harry Escott y Molly Nyman, consiguió los premios como Mejor película , Mejor guión y el Premio del Público en el Festival de Sitges de 2005. Un aviso: está mejor puntuada de lo que yo lo he hecho en la mayoría de las webs de cine, así que yo que vosotros la vería para poder opinar.

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Sinopsis: Jeff (Patrick Wilson), un fotógrafo de 32 años de bastante éxito que basa su trabajo principalmente en modelos mas jóvenes que el, queda con Hayley (Ellen Page), una chica adolescente de 14 años con la que lleva un tiempo conversando por Internet, lugar donde la conoció. Tras tomar un café, Hayley decide ir a casa de Jeff, para escuchar varias canciones de un concierto al que el dice haber asistido...

El director: David Slade es un director de cine y televisión británico que comenzó su carrera dirigiendo comerciales televisivos y vídeos musicales. Entre ellos ha realizado videoclips para artistas como Aphex Twin, Rob Dougan, System of a Down, Stone Temple Pilots, Tori Amos o Muse.

Hard, Candy, David, SladeEn 2004 dirigió el cortometraje Do Geese See God?, un thriller de ciencia ficción interpretado por Blair Underwood, Matthew Nastuk y Raymond S. Persi. Su debut en la dirección de un largometraje fue Hard Candy, película de la que hoy nos ocupamos, que fue comprada por Lions Gate Entertainment tras su exhibición como independiente en el Festival de Sundance, en 2005. Tras ella dirigió 30 días de oscuridad (2007), un trabajo de terror sobre vampiros ambientado en un remoto pueblo de Alaska, donde durante 30 días de cada invierno el Sol no sale. En su reparto figuran nombres como Josh Hartnett, Melissa George, Ben Foster o Danny Huston, entre otros. Su trabajo en esta última hizo que los responsables de la saga Crepúsculo se fijasen en el para dirigir La saga Crepúsculo: Eclipse (2010). El penoso espectáculo, aunque a favor del director hay que decir que eso no había quien lo salvara, cuenta con la participación, entre otros, de Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner.

Su trabajo en televisión tampoco es nada desdeñable, incluyendo la dirección en varios episodios de series como Awake, Hannibal, Crossbones, HelixPowers.

La película: Ante todo he de deciros que, como os he avisado en la presentación del artículo, la nota media que este trabajo tiene en las principales webs de cine, es uno o dos puntos mas elevada de la que yo le he puesto, algo que cada cual sabrá el porque. Quizás tenga algo que ver con el odio que cualquier persona en sus cabales le tiene al tipo de personas que aparecen en ella, pero que en mi caso no es suficiente como para puntuarla tan alto, fundamentalmente porque tras su visionado, no consigue que crea nada de lo que cuenta.

Y muchos dirán: ¡hay que fastidiarse!, miles de películas son irreales y gustan, y mucho, pero no me refiero a eso precisamente, sino a que no me resulta real el conjunto, algo que en un trabajo en el que dos actores tienen todo el protagonismo, resulta poco menos que inaguantable. Hay que reconocer que ya en eso es bastante arriesgado, siendo realmente difícil ver a dos actores salir airosos de tal desafío, pero también hay que decir que no es solo culpa de los actores su baja nota, ya que el guión no es precisamente un prodigio, al menos bajo mi punto de vista.

Dime que yo - Mateo Gil (Cortometraje, 2008)

Título original - Dime que yo
Año - 2008
Duración - 14 min.
País - España
Director - Mateo Gil
Guión - Mateo Gil (Idea: Mateo Gil, Xisela López)
Música - Fernando Velázquez
Fotografía - Josu Intxaustegui
Montaje - Miguel Burgos
Producción - Mateo Gil
Productora - Platanutre / User T-38 / Foro Sonoro
Género - Romance
Reparto - Fele Martínez, Judith Diakhate, Carolina Bang, Lucio Cerdá, José García, Alberto Soto, Xisela López


Mateo Gil ganó el Goya al Mejor cortometraje de ficción en 2010 por Dime que yo, llevándose además el Goya al Mejor guión original como coguionista de Ágora, dirigida por Alejandro Amenábar, en una noche que a buen seguro no olvidará fácilmente.


Y para ello plasmó el mismo en un guión, la idea que había tenido junto a Xisela López. Dicho guión, resulta brillante como pocos habréis visto en un cortometraje, consiguiendo plasmar en unos minutos la esencia de las relaciones de pareja, algo que infinidad de largometrajes románticos, ya sean comedias o dramas, rara vez consiguen. No le sobra una palabra, ni una sola frase, algo que hay que valorar en su justa medida.

Además está llevado a la pantalla de forma brillante, plasmando con fidelidad, y siempre desde el punto de vista óptimo, para que seamos partícipes en primera persona de lo que nos quiere contar. Su pareja protagonista, Fele Martínez (Abre los ojos, Los amantes del círculo polar, La mala educación), que ganó el Goya al Mejor Actor Revelación en 1996 por Tesis, de Alejandro Amenábar, y la actriz mallorquina Judith Diakhate (La noche de los girasoles, Diario de una ninfómana), una belleza de padre nigeriano y madre española, bordan sus papeles para poner la guinda del pastel a un trabajo del que no os contaré nada mas, porque lo que tenéis que hacer es disfrutarlo.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube