Katyn - Andrzej Wajda (2007)

Título original - Katyn
Año - 2007
Duración - 115 min.
País - Polonia
Director - Andrzej Wajda
Guión - Andrzej Wajda, Andrzej Mularczyk
Música - Krzysztof Penderecki
Fotografía - Pawel Edelman
Montaje - Milenia Fiedler y Rafał Listopad
Producción - Michał Kwieciński
Productora - Akson Studio
Género - Drama
Reparto - Andrzej Chyra, Magdalena Cielecka, Artur Zmijewski, Danuta Stenka, Maja Komorowska, Wladyslaw Kowalski, Pawel Malaszynski, Stanislawa Celinska, Marek Kondrat, Krzysztof Kolberger, Krzysztof Globisz
Web oficial - http://karmafilms.es/katyn/

Andrzej Wajda, hijo de una de las víctimas de una atrocidad desconocida por muchos, escribió el guión junto a Andrzej Mularczyk y dirigió este durísimo homenaje a las victimas de otro vergonzoso episodio de la historia ocurrido tras la invasión de Polonia en 1939 por parte del Ejercito rojo y el alemán. Lógicamente, estamos ante un drama focalizado en el padecimiento de las víctimas y sus familias, por lo que si estas buscando cine bélico, te recomiendo que mires en otra dirección. La historia hay que conocerla para intentar evitar que vuelva a repetirse, algo que se me antoja difícil, ya que somos criaturas que tropiezan en la misma piedra una y otra vez...

Sinopsis: La película nos cuenta la historia de varias familias durante la invasión que en 1939 realizaron tropas nazis y del Ejercito rojo en Polonia, que mas tarde dio lugar a la masacre de Katyń, también conocida como la masacre del bosque de Katyn, que consistió en el asesinato en masa de oficiales del ejército, policías, intelectuales y otros civiles polacos llevada a cabo por el Comisariado del Pueblo para Asuntos Internos (NKVD), nombre de la policía secreta soviética dirigida por Lavrenti Beria, entre abril y mayo de 1940. La Unión Soviética negó siempre las acusaciones, señalando como responsables al ejercito alemán, hasta que en 1990 el gobierno de Borís Yeltsin reconoció que el NKVD fue el autor de la matanza y su encubrimiento, entregando además los documentos desclasificados.

La película: Desde 1955 en que debutara con Generación, el director de cine polaco Andrzej Wajda nos ha dejado cerca de 40 trabajos, de los que yo me quedo con algunos títulos que hay que ver, como Kanal (1957), Cenizas y diamantes (1958), Los brujos inocentes (1960), Cenizas (1965), El bosque de abedules (1970), La tierra de la gran promesa (1975), El director de orquesta (1980) y Crónica de los accidentes amorosos (1986), aunque he de decir que me quedan bastantes por disfrutar, que lógicamente no puedo valorar aún. El realizador tiene la cualidad de dibujar la historia de su país de forma que el espectador se conmueva, a la vez que se informe, por lo que ha logrado convertirse en una eminencia en su patria, además de un director de referencia en el mundo entero.

En el caso que hoy nos ocupa, el director muestra la eliminación sistemática que el gobierno soviético realizó con todo aquel que creía peligroso para sus intereses, casi todos ellos perteneciente a las mas altas esferas de cada campo, entre las que por supuesto están incluidos los oficiales de su ejercito. Pero el realizador no solo da a conocer dichos hechos, sino que también intenta mostrar la forma en que los soviéticos se aprovecharon de las actividades alemanas contra el pueblo judío, para intentar mostrarlos como los culpables de la matanza, ya que mientras ellos entraron en Polonia por el Este, los nazis lo hicieron por el Oeste.

No estamos ante un trabajo fácil de ver, mucho menos de asimilar, ya que el realizador utiliza imágenes de archivo para mostrar en toda su crudeza las evidencias del genocidio, por lo que estamos ante un trabajo enormemente dramático, muy alejado de muchos de los que nos muestran actos cometidos en la segunda guerra mundial. Y como es lógico, mas aún sabiendo que el propio director es hijo de una de las victimas, en la película no se muestra una sola escena bélica, centrándose sola y exclusivamente en las consecuencias del conflicto y no en como este se desarrolló. Esto hace que el tono general de la cinta sea bastante crudo, dejando al espectador con un nudo en la garganta y una sensación de desasosiego difícil de eliminar.

Ensayo de un crimen - Luis Buñuel (1955)

Título original - Ensayo de un crimen
Año - 1955
Duración - 91 min.
País - México
Director - Luis Buñuel
Guión - Luis Buñuel, Eduardo Ugarte (Novela: Rodolfo Usigli)
Música - Jorge Pérez
Fotografía - Agustín Jiménez
Montaje - Jorge Bustos y Pablo Gómez
Producción - Alfonso Patiño Gómez
Productora - Alianza Cinematográfica
Género - Drama, Comedia
Reparto - Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma

Luis Buñuel escribió el guión junto a Eduardo Ugarte, basándose en la novela homónima de Rodolfo Usigli, y dirigió este trabajo difícilmente clasificable, donde drama y comedia negra parecen ir de la mano para contarnos la historia de un curioso personaje, el señor Archibaldo de la Cruz, al que da vida el actor Ernesto Alonso, realizando un trabajo magnífico. Está considerada como una de sus películas mas personales, caracterizándose por esconder tras su sencilla narrativa, toda una crítica a la sociedad burguesa, la justicia y a tocar multitud de temas mas que el maestro quiso reflejar en ella con sutileza. La obra de un adelantado a su tiempo y uno de los mejores realizadores que ha dado este país.

Sinopsis: Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) vive estigmatizado desde niño por la muerte de su institutriz (Leonor Llausás), de la que se cree culpable al haberla deseado mientras jugaba con una peculiar caja de música que le regaló su madre. Desde entonces vive luchando constantemente con el deseo de asesinar a todas las mujeres que pasan por su vida, aunque aún sin llegar a cometer ninguno de ellos, se cree culpable de sus muertes, ya que tras desearlo todas acaban falleciendo. Desesperado por la situación, decide confesar sus delitos ante un juez (Armando Velasco), al que contará su angustiosa vida desde la muerte de su institutriz, para así poner fin a su interminable agonía.

La película: Ensayo de un crimen supuso la última película de las 14 que el realizador Luis Buñuel realizó en México de forma consecutiva, entre 1947, año en que que rodó Gran casino, hasta 1955, en el que presentó la que hoy nos ocupa. Mas tarde volvería a rodar en cuatro ocasiones mas allí, pero ya intercaladas entre su trabajo en España, y sobre todo, en Francia. No voy a entrar a valorar el porqué de tal exilio, pero lo que si queda claro es que sus ideas políticas y las dificultades que la censura franquista ponían para filmar en nuestro país, mucho mas si tenemos en cuenta el tipo de cine que le gustaba hacer al realizador, fueron motivos mas que suficientes para ello, aunque no se si serían los únicos.

Estamos ante el trabajo con el que normalmente aconsejo empezar a ver el cine de Buñuel, no porque sea representativo del resto de su obra, ya que resulta bastante atípica y personal, sino porque me parece un film muy ameno de ver, con un ritmo que no da tregua al espectador y un sentido del humor que deja algo descolocado a quien no lo espera. Comienzas a verla y te preguntas que tendrá de especial esta obra, ya que te parece estar viendo cualquier película común de la época, pero en cuanto un lamentable accidente priva a nuestro protagonista de la compañía de su institutriz, y compruebas la forma en la que el director lo plasma en la pantalla, descubrimos que estamos ante algo muy diferente a lo que imaginábamos, consiguiendo engatusarte irremediablemente hasta su ¿extraño? final.

El guión, obra del propio Buñuel y Eduardo Ugarte, resulta realmente brillante, tanto en su acertado ritmo, como en la descripción de personajes, la forma en la que nos lleva de un género a otro en un instante o la enorme riqueza que esconde tras su sencilla narrativa. Es de esos libretos que entrega el protagonismo a un solo personaje, siendo este digno de estudio: un elegante y educado caballero que siempre hace gala de una amplia sonrisa y que en su soledad se corroe lentamente luchando contra los mas básicos instintos que regresan a el cada vez que recuerda la muerte de la que fue su institutriz.

Otra Tierra - Mike Cahill (2011)

Título original - Another Earth
Año - 2011
Duración - 92 min.
País - Estados Unidos
Director - Mike Cahill
Guión - Mike Cahill, Brit Marling
Música - Fall On Your Sword
Fotografía - Mike Cahill
Montaje - Mike Cahill
Producción - Mike Cahill, Hunter Gray, Brit Marling y Nicholas Shumaker
Productora - Fox Searchlight Pictures / Artists Public Domain
Género - Ciencia ficción, Drama, Romance
Reparto - Brit Marling, William Mapother, Jordan Baker, Flint Beverage, Robin Taylor, Kumar Pallana
Web oficial - http://www.anotherearth.com/

Mike Cahill ejerce de co-guionista, responsable de la fotografía, del montaje, co-produce y dirige este curioso trabajo en el que van de la mano ciencia ficción, drama, e incluso romance. Su nombre es Otra tierra y nos cuenta una historia de culpa, remordimiento e intento de remisión, con la extraña aparición en el firmamento de un planeta gemelo al nuestro como inolvidable escenario. Gustará mas o menos, según los gustos del espectador, pero de lo que no se le puede acusar es de falta de originalidad. Mención especial a la brillante actuación de Brit Marling, que consigue robar protagonismo al extraño planeta.

Sinopsis: John Burroughs (William Mapother) y Rhoda Williams (Brit Marling) son dos personas totalmente diferentes que ni se conocen, ni parecen tener nada en común. El es un compositor de éxito felizmente casado que espera el nacimiento de su segundo hijo, mientras que ella es una chica inocente y extrovertida que sueña con viajar a las estrellas. Pero el destino ha decidido unir sus vidas y cambiarlas por completo en un instante, justo el mismo día en que un extraño planeta idéntico a la tierra aparece en el cielo. Mientras que el mundo se pregunta que significa y que consecuencias tendrá la aparición de Tierra 2, ambos tendrán que luchar por acostumbrarse al giro que dará su vida e intentar seguir adelante.

La película: No hace demasiado tiempo os hablábamos en esta entrada de Orígenes (2014), la última película de Mike Cahill, cuya filmografía se completa con el documental Boxers and Ballerinas, dirigida junto a Brit Marling en 2004. En aquella ocasión utilizaba una mezcla similar a la que usó con Otra tierra, mezclando ciencia ficción y drama con unos toques de romanticismo, aunque en mi modesta opinión, la película que hoy nos ocupa me ha parecido un pelín por encima de Orígenes en general, pero sobre todo en la forma en la que están mezclados dichos ingredientes, haciendo que la parte dramática se imponga a cualquier otra.

Por lo tanto, yo describiría Otra Tierra como un drama ambientado en una historia de ciencia ficción, que dejará mejor sabor de boca a los amantes de todo tipo de géneros que a los incondicionales de la ciencia ficción, que aunque tienen una nueva oportunidad de ver un título que se acerca a lo que mas aman, no creo que se sientan plenamente satisfechos con la mezcla realizada, al menos en un alto número. Aunque no quiero con esto decir que estemos ante un trabajo que no explore dicho género, lanzándonos multitud de preguntas de esas que el ser humano se ha hecho, se hace y se hará constantemente, pero si quiero que tengáis una idea aproximada de como es esta película, así evitarán hacerse una idea equivocada, con la consiguiente decepción posterior.

Su guión, escrito por el propio Mike Cahill junto a Brit Marling, posee una fuerza innata que el realizador es capaz de plasmar en la pantalla con bastante acierto. Su ritmo nunca es excesivo, transportándonos a través de la historia de forma plácida y muy efectiva. Posee la capacidad de intrigar al espectador a la vez que cuenta la dura historia de nuestros protagonistas, demasiado estigmatizados por los hechos que marcaron su vida como para dar al fenómeno de la aparición del planeta gemelo tanta importancia como le dan la mayoría de los mortales, todo un acierto en mi opinión, ya que enriquece la historia de forma evidente. No me extenderé mas para que no os enteréis de mas de la cuenta, porque creo que cuanto menos sepáis de ella, mejor será la experiencia. Quizás sea su final lo que me parezca mejorable, pero es algo que tendréis que juzgar vosotros.

Princesa (Han Gong-Ju) - Lee Su-jin (2013)

Título original - Han Gong-Ju
Año - 2013
Duración - 112 min.
País - Corea del Sur
Director - Lee Su-jin
Guión - Lee Su-jin
Música - Kim Tae-Sung
Fotografía - Hong Jae-Sik
Montaje - Hyun-sook Choi
Producción - Jung Hwan Kim y Su-jin Lee
Género - Drama
Reparto - Chun Woo-Hee, Jung In-Sun, Kim So-Young, Lee Young-Ran, KimChoi Yong-Joon
Web oficial - http://www.m3estudio.com/#!han-gong-ju/c24vw

Princesa (Han Gong-Ju) es la magnífica opera prima del realizador sur coreano Lee Su-jin. Un trabajo de esos que pasan de puntillas por unas pocas salas de cine, capaz de dejarte un pellizco en el estómago y varios días recordando y ordenando los detalles de la dura historia que nos cuenta. Cine que exige un compromiso y un esfuerzo del espectador, pero que a cambio lo invita a vivir una experiencia de las que no se olvidan fácilmente, mostrando temas nada sencillos de tratar con una delicadeza digna de elogio.

Sinopsis: Han Gong-ju (Chun Woo-hee) es una joven e inocente estudiante que se ve obligada a cambiar de aires tras ser señalada como la responsable de un misterioso incidente que altera las vidas de multitud de familias cercanas a ella. Con la ayuda de uno de sus profesores, la joven se muda a un pequeño pueblo y cambia de colegio, en un intento por dejar atrás su pasado y superar las evidentes secuelas que han cambiado radicalmente su vida, haciendo poco a poco nuevas amistades y refugiándose en la música y la natación, aunque la tarea no será una empresa fácil, ya que hay hechos que te persiguen para siempre.

La película: Increíble sorpresa la que me he llevado con el primer trabajo del realizador Lee Su-jin, un film de esos que uno no entiende como han tenido tan poca repercusión, al menos en nuestro país, sobre todo comparándolo con la multitud de insultos a la inteligencia de los aficionados que pueblan las salas de nuestros maltrechos cines. Aunque eso si, he de avisarles de que no estamos ante una película nada fácil de ver, y mucho menos de digerir, tanto por los delicados temas que trata, como por la forma en la que está llevada a la pantalla. Conozco cientos de aficionados que me dirán que no quieren ver algo así, a pesar de la extraordinaria delicadeza que su director utiliza para contarla, pero creo que realmente merece la pena ver un trabajo diferente a casi todo lo que hayáis visto hasta la fecha, augurando un prometedor futuro a su realizador.

Princesa (Han Gong-Ju) es un enrevesado puzzle al que hemos de enfrentarnos solos, recopilando poco a poco la información que nos va llegando, para poder sacar nuestras propias conclusiones. Comienza con una especie de reunión, consejo escolar o algo similar, donde se le hacen preguntas a nuestra protagonista, a la que seguidamente veremos mudarse con la ayuda de uno de sus profesores, sin saber el motivo que la lleva a ello. La historia prosigue en tiempo real, mientras se nos muestran diversos flashbacks desordenados que nos irán mostrando la información que antes mencioné, con la que poco a poco debemos ir haciéndonos una idea de la situación.

Por ello puede parecer un tanto confusa en un principio, pero mi consejo es que tengáis paciencia y no queráis saber demasiado antes de tiempo, ya que demasiada información alteraría la experiencia, siempre para mal. Lógicamente, una de las cosas a destacar es el montaje de la película, que es obra de Hyun-sook Choi, un apartado que, si normalmente tiene gran importancia, aquí se convierte en una de las señas de identidad de la película, siendo parte fundamental en el excelente resultado final.

El guión es obra de Lee Su-jin y posee una extraña mezcla de dureza, complejidad y belleza muy destacables. No es un trabajo de demasiados diálogos, aunque los tiene y no precisamente intrascendentes, aunque tampoco resultan excesivamente complejos, teniendo las imágenes una gran importancia en la historia, ya que muestran gran parte de la información. Parte de culpa la tiene la situación de nuestra protagonista, una joven tímida y traumatizada, que ha de adaptarse a mitad de curso a un nuevo hogar, una nueva escuela, nuevos compañeros, etc. Su riqueza reside en la variedad de temas que trata y la dureza de muchos de estos, aunque también en la forma en la que los aborda, rebosante de sutilidad y con sumo cuidado en cada momento para que la experiencia sea lo menos traumática posible.

Perversidad - Fritz Lang (1945)

Título original - Scarlet Street
Año - 1945
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - Fritz Lang
Guión - Dudley Nichols, basado en la novela de Georges de la Fouchardière 'La Chienne', de 1930
Música - Hans J. Salter
Fotografía - Milton Krasner
Montaje - Arthur Hilton
Producción - Fritz Lang y Walter Wanger
Productora - Universal Pictures
Género - Cine negro. Drama
Reparto - Edward G. Robinson, Joan Bennett, Dan Duryea, Jess Baker, Margaret Lindsay, Rosalind Ivan, Samuel S. Hinds, Vladimir Sokoloff

El maestro Fritz Lang produjo junto a Walter Wanger y dirigió este maravilloso trabajo, un remake de la película La golfa (La Chienne), dirigida por Jean Renoir en 1931. Con un guión de Dudley Nichols, basado en la novela La Chienne de Georges de la Fouchardière y con la magistral fotografía de Milton Krasner, estamos ante uno de esos títulos indispensables que cualquier aficionado al cine debería disfrutar, con mas razón si como yo, eres aficionado al buen cine negro. Destacar las interpretaciones del genial  Edward G. Robinson y de la perfecta femme fatale, interpretada por Joan Bennett. Un peliculón.

Sinopsis: Christopher Cross (Edward G. Robinson) es un hombre tímido, dominado totalmente por su esposa Adele (Rosalind Ivan), que lo maltrata constantemente, que solo encuentra en su afición a la pintura un motivo para seguir adelante. Trabaja como cajero de un banco hace varias décadas, por lo que el día de su aniversario en dicho trabajo recibe un merecido homenaje de su jefe y sus compañeros. De regreso a casa divisa a una mujer llamada Kitty March (Joan Bennett) que está siendo agredida, por lo que no duda en ayudarla. Lo que no imagina es lo que dicho acto le cambiará la vida, ya que se enamora perdidamente de ella, lo que le llevará a actuar como jamás había hecho hasta entonces.

La película: El maestro Fritz Lang dejó sobradas muestras de su enorme talento durante su impecable carrera, como podéis comprobar echando un vistazo a su filmografía, poblada de títulos como Las tres luces (1921), El doctor Mabuse (1922), Los Nibelungos (1924), Metrópolis (1927), M, el vampiro de Düsseldorf (1931), El testamento del Dr. Mabuse (1933), Furia (1936), Sólo se vive una vez (1937), Los verdugos también mueren (1943), El ministerio del miedo (1944), La mujer del cuadro (1944), etc. La lista es interminable, por lo que me he parado en el trabajo anterior al que hoy nos ocupa, dejándome además varios por el camino y siendo realmente difícil encontrar alguno que no consiga dejar buen sabor de boca.

En Scarlet Street, repitió el reparto principal que pocos meses antes tan buen resultado le había dado en La mujer del cuadro (1944), de la que ya os hablamos en este artículo, Edward G. Robinson, Joan Bennett y Dan Duryea, para realizar una nueva obra maestra sin apenas descanso entre una y otra. Curiosamente, con anterioridad iba a ser dirigida por el inolvidable Ernst Lubitsch, pero que tras ser abandonado el proyecto por este, por diferentes motivos que no vamos a sacar a relucir aquí, Lang recogió el testigo y lo sacó adelante, co-produciéndolo además de dirigirlo.

El guión fue escrito por Dudley Nichols, basándose en la novela La Chienne de Georges de la Fouchardière, además de en la película que el genial Jean Renoir dirigió en 1931, con el título de La golfa (La Chienne), dando como resultado un libreto al que pocas, o mas bien ninguna, pegas se le pueden poner. Su ritmo es el mas correcto, sus diálogos fluidos y perfectamente redactados, sus personajes están magníficamente desarrollados y en constante evolución. Su riqueza es innegable en todos los aspectos, haciendo además un completo repaso a la naturaleza de los seres humanos y a como los sentimientos nublan por completo nuestra razón en multitud de ocasiones.