Rocco y sus hermanos - Luchino Visconti (1960)

Título original - Rocco e i suoi fratelli
Año - 1960
Duración - 170 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli, basándose en un relato de Giovanni Testori
Música - Nino Rota
Fotografía - Giuseppe Rotunno
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Goffredo Lombardo
Productora - Coproducción Italia-Francia
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinau, Claudia Cardinale, Spiros Focas, Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair

Luchino Visconti firmó con Rocco y sus hermanos su séptima película como realizador, llevando a la gran pantalla un guión que Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli realizaron sobre un relato de Giovanni Testori. 170 minutos que giran en torno a una familia de emigrantes y las duras condiciones que encuentran tras llegar a Milán en busca de una vida mejor, con un excelente trabajo de todo su reparto, la fotografía de Giuseppe Rotunno y la música del inolvidable Nino Rota. Un trabajo imprescindible que deberían haber visto ya, aunque he de confesar que los envidio si aún no lo han hecho y tienen intención de hacerlo.

Sinopsis: Rosaria Parondi (Katina Paxinou) y sus hijos Simone (Renato Salvatori), Rocco (Alain Delon), Ciro (Max Cartier) y Luca (Rocco Vidolazzi) abandonan su tierra natal en busca de una vida mejor, emigrando a una gran ciudad como Milán, donde Vincenzo (Spiros Focás), el mayor de los hermanos, trabaja de albañil y entrena para llegar a ser boxeador profesional. Su llegada y la progresiva adaptación de sus miembros no será sencilla, aunque cada uno intentará buscar un futuro mejor en una tierra muy diferente a la que dejaron atrás, pero a la que no tendrán mas remedio que acabar adaptándose.

El director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorrealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Rocco y sus hermanos (1960), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto.

La película: En la película que hoy nos ocupa, encontramos varias de las constantes de su cine, como la importancia de la familia o las duras condiciones que soportan las clases mas desfavorecidas, por poner algunos ejemplos. En principio puede que su extenso metraje cree ciertas dudas en los mas escépticos, pero puedo asegurarles que una vez conocidos sus personajes e introducidos en su historia, resulta realmente difícil abandonar su visionado, haciéndose mucho mas corta de lo que su duración real transmite. Lógicamente, si no has visto demasiado cine italiano, necesitarás un breve periodo de adaptación a sus característicos diálogos, sobre todo a la rapidez que tienen los mismos en ciertos momentos (la madre es el mejor de los ejemplos), pero es algo que haréis casi sin enteraros y la recompensa tras ello bien merece la pena.

Rocco y sus hermanos encierra dentro de si un excelente drama social en el que se muestra la lucha por una vida mejor de los que poco o nada tienen, un melodrama realmente brillante donde se aprecia la riqueza que el mundo de las artes escénicas sembraron en el director y en el que encontramos ciertas similitudes con algunas tragedias griegas, pero sobre todo encontramos en el un auténtico y genuino alegato en favor de la familia, esa institución a la que muchos y muchas prestan escasa atención, pero que debería de ser uno de los pilares fundamentales de nuestras vidas, el mayor de los motivos para seguir adelante y continuar la lucha.

La muchacha del sendero - Nicolas Gessner (1976)

Título original - The Little Girl Who Lives Down the Lane
Año - 1976
Duración - 100 min.
País - Canadá
Director - Nicolas Gessner
Guión - Laird Koenig, basado en la novela homónima de Laird Koenig
Música - Christian Gaubert
Fotografía - René Verzier
Montaje - Yves Langlois
Producción - Zev Braun
Productora - Coproducción Canadá-USA-Francia
Género - Intriga, Drama
Reparto - Jodie Foster, Martin Sheen, Alexis Smith, Mort Shuman, Dorothy Davis, Scott Jacoby, Clesson Goodhue, Dorothy Davis

Nicolas Gessner fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Laird Koenig realizó basándose en la novela The Little Girl Who Lives Down the Lane. Una peculiar película, que puede parecer un tanto lastrada en la actualidad por ese aire setentero inconfundible, pero que merece la pena disfrutar por su originalidad, la intriga que nos acompaña en todo momento y la posibilidad de ver uno de los primeros papeles principales de la excelente Jodie Foster. Terror psicológico del que se hacía antes, sin necesidad de excesos de sangre ni escenas estridentes, pero con una fuerza y una capacidad de desasosiego dignas de estudio. Muy interesante.

Sinopsis: Rynn Jacobs (Jodie Foster) es una joven que vive en una casa apartada de la costa, con un padre que apenas sale de su estudio, en el que trabaja escribiendo poesía y al que nadie ve hace mucho tiempo. Es independiente y muy inteligente, por lo que se ha acostumbrado a vivir prácticamente sola. Durante la noche de Halloween, justo el día en el que cumple trece años, recibe inesperadamente la visita de Frank Hallet (Martin Sheen), un joven padre de familia que tiene en el pueblo fama de pervertido, y al poco tiempo la de la señora Hallet (Alexis Smith), madre de Frank y propietaria de la casa donde viven, que se la tiene alquilada por tres años, amenazando así la tranquilidad y la soledad en la que Rynn se ha acostumbrado a vivir...

El director: Nicolas Gessner es un director de cine de origen húngaro, que ha realizado la mayor parte de su carrera en Francia. Desde 1965, cuando debutó con la comedia romántica Mil millones en un billar, hasta 1989 en el que dirigió su último trabajo titulado Noches de Tennessee, es responsable de tan solo siete títulos, entre los que se pueden destacar ¿Cuál de las trece? (1969), con Sharon Tate, Vittorio Gassman, Orson Welles y Vittorio De Sica entre su reparto, y Alguien detrás de la puerta (1971), con Charles Bronson, Anthony Perkins y Jill Ireland, aunque ninguna de las dos son precisamente una maravilla. La muchacha del sendero es, sin lugar a dudas, su mejor trabajo.

La película: Resulta cuanto menos curioso, comprobar lo mal que ha envejecido en general el cine de los años 60 y 70. Los motivos son diversos, pero tiene mucho que ver con el vestuario que se utilizaba, con esos colores apagados que tan mal le vienen a muchos títulos de la época y con el enorme progreso que ha dado nuestra forma de vida y nuestra moralidad, todo hay que decirlo. Este caso no es ninguna excepción, pero a pesar de todos los pesares, sigue manteniendo un encanto indiscutible, además de proporcionar un buen rato de cine a los aficionados de la intriga y la originalidad. Por lo tanto, tras un breve periodo de adaptación del espectador, estamos ante un trabajo que realmente merece la pena ver y que, lógicamente, no deberían dejar pasar por alto.

The Little Girl Who Lives Down the Lane tiene como uno de sus principales virtudes su magnífico guión, escrito por Laird Koenig, que adapta la novela del mismo nombre de Laird Koenig. Su calidad es indiscutible, tanto en su ritmo, intencionadamente tranquilo y sereno, e inevitablemente desconcertante, como en su forma de estar estructurado, agregando poco a poco a personajes interesantes que siempre suman a la historia, hasta llegar a su final, excelentemente escrito y rodado. En el se imponen los diálogos a las imágenes en casi todo momento, resultando este otro de sus puntos fuertes, ya que hay pocos en la cinta que puedan parecer inútiles o de relleno.

Dark Places (Lugares oscuros) - Gilles Paquet-Brenner (2015)

Título original - Dark Places
Año - 2015
Duración - 113 min.
País - Reino Unido
Director - Gilles Paquet-Brenner
Guión - Gilles Paquet-Brenner (Novela: Gillian Flynn)
Música - Gregory Tripi
Fotografía - Barry Ackroyd
Montaje - Douglas Crise y Billy Fox
Producción - Stéphane Marsil, Prince Azim, Matthew Rhodes, Cathy Schulman y Charlize Theron
Productora - Coproducción Reino Unido-Francia-USA; Exclusive Media Group / Mandalay Vision / Cuatro Plus Films
Género - Thriller, Intriga, Drama
Reparto - Charlize Theron, Nicholas Hoult, Chloë Grace Moretz, Christina Hendricks, Tye Sheridan, Corey Stoll, Drea de Matteo, Azure Parsons, Andrea Roth, Dora Madison Burge, Sterling Jerins, Laura Cayouette, Shannon Kook, Glenn Morshower, Addy Miller
Web oficial - http://darkplacesmovie.com/

Gilles Paquet-Brenner se lo guisa y se lo come, como dicen por aquí, escribiendo el guión y dirigiendo este Thriller de intriga que es el ejemplo perfecto de como una buena idea no sirve de mucho si quien la plasma en el guión y quien la dirigen (en este caso la misma persona) no llegan a hacerlo con un mínimo de coherencia. Un trabajo que se sigue con atención, con un buen reparto, muy poco aprovechado en muchos casos, y que comete uno de los peores pecados que puede cometer una película, no resultar casi nunca creíble. Imposible evitar la comparación con Perdida (Lone girl), otra novela de Gillian Flynn mucho mejor adaptada.

Sinopsis: Libby Day (Charlize Theron) sobrevivió cuando era niña a la matanza de su familia, testificando después en contra de su hermano Ben (Tye Sheridan), al que señaló como responsable de los hechos, por lo que fue encerrado de por vida. Pasados 25 años, y sin que ella haya sido capaz de dejar atrás tan terribles hechos, recibe la visita de Lyle (Nicholas Hoult), el representante de un grupo de personas obsesionados con crímenes y criminales sangrientos, que se reúnen en un peculiar local. Lyle ofrece algo de dinero a Libby para que asista a una de sus reuniones y conteste a las preguntas de los miembros, algo a lo que ella tendrá que acceder, aún sin querer hacerlo, por la grave situación económica que atraviesa. Pero una vez allí descubrirá que la intención del grupo es reabrir el caso de su hermano, al que creen inocente.

El director: El director y guionista francés Gilles Paquet-Brenner ha dirigido dos cortometrajes (13 Minutos en la vida de Josh y Anna y Le Marquis) y siete largometrajes, de los que ha sido también autor de sus guiones. Debutó en 2001 con Las cosas bellas, interpretada por la brillante Marion Cotillard. Tras ella llegaron Gomez y Tavarès (2003), Gomez y Tavarès, la suite (2007), UV (2007) y Walled In (2009), de las que no puedo opinar por no haberlas visto. En 2010 dirigió su último trabajo anterir al que hoy nos ocupa, la excelente La llave de Sarah, un drama sobre el holocausto interpretado por Kristin Scott Thomas, Mélusine Mayance y Niels Arestrup, entre otros, que merece la pena y mucho.

La película: He de comenzar aclarando que no he leído la novela Dark Places, escrita por Gillian Flynn en 2009, por lo que no voy a valorar si la adaptación es buena o no, al igual que tampoco podré valorar si ciertas características del guión y la película son heredadas del libro o no. Lo que si que me ha quedado claro es que hay ciertos aspectos en la película realmente difíciles de creer, aún a sabiendas de que es ficción, siendo un enorme error reproducirlos en esta si estaban en la novela, error que es mucho mayor si no lo estaban y han sido ideados por el guionista. De cualquiera de las formas, he de decir que es una verdadera lástima, porque obviando estos detalles y con un poco mas de atino, estaríamos ante un trabajo que hubiese alcanzado un 7 o un 8 fácilmente.

Y es que hay que decir que estamos ante un trabajo que no me ha aburrido en ningún momento, en el que la intriga está dosificada de forma correcta, al igual que su ritmo, en un constante in crescendo que hace que se disfrute con atención, pero regular comenzada y mucho peor terminada. Por ello, su comienzo te hace albergar esperanzas de que puede tratarse de una buena película, algo de lo que dudas en cuanto asistes a los motivos por los que nuestra protagonista llega a desear revivir todo lo que ocurrió. Una vez se pone a ello, viene la mejor parte de este trabajo, la mas regular y donde la película consigue no suspender, haciendo que casi olvides el delirio inicial y asistas a su desarrollo de forma optima.

Black Sea (Mar tenebroso) - Kevin Macdonald (2014)

Título original - Black Sea
Año - 2014
Duración - 115 min.
País - Reino Unido
Director - Kevin Macdonald
Guión - Dennis Kelly
Música - Ilan Eshkeri
Fotografía - Christopher Ross
Montaje - Justine Wright
Producción - Kevin Macdonald y Charles Steel
Productora - Cowboy Films / Etalon Film / Film4
Género - Aventuras, Thriller
Reparto - Jude Law, Scoot McNairy, Ben Mendelsohn, David Threlfall, Konstantin Khabenskiy, Sergey Puskepalis, Michael Smiley, Grigory Dobrygin, Sergey Veksler, Sergey Kolesnikov

Kevin Macdonald es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión firmado por Dennis Kelly. Con un convincente reparto encabezado por Jude Law, estamos ante un trabajo un tanto atípico, que a pesar de recoger algunas ideas de otros muchos, es capaz de mantenerte pegado a la pantalla en un producto final con identidad propia. No esperen excesivos alardes visuales ni de efectos especiales, pero a cambio podrán disfrutar de una película con una atmósfera claustrofóbica donde la tensión y la intriga tienen dos de los papeles principales. Mucho mejor de lo que esperaba en un principio, recomendable sin duda alguna.

Sinopsis: El capitán Robinson (Jude Law) no atraviesa por su mejor momento. Recientemente divorciado y sin haber podido disfrutar apenas de su hijo, recibe la noticia de que la empresa para la que trabaja ha decidido despedirlo, dándole una ridícula indemnización. Pero tomando unas copas con sus antiguos compañeros Blackie (Konstantin Khabensky) y Kurston (Daniel Ryan), el último los informa de una forma de conseguir una gran cantidad de dinero de forma rápida, pero muy peligrosa, abordando un antiguo submarino alemán que se hundió frente a las costas de Georgia cargado de oro, por lo que intentaran conseguir la financiación necesaria para adquirir un antiguo submarino ruso y reclutar una tripulación mitad británica, mitad rusa, que le permita intentar acceder al preciado cargamento.

El director: En las dos décadas que dura la carrera del director escocés Kevin Macdonald, este ha intercalado la realización de documentales y ficción. Entre los primeros podemos disfrutar de El Goliat de Chaplin (1996), Howard Hawks, un artísta americano (1997), Un día de septiembre (1999), My Enemy’s Enemy (2007), La vida en un día (2011) o Marley (2012), todos ellos altamente recomendables. Entre sus trabajos de ficción tenemos la maravillosa El último rey de Escocia (2006), interpretada por el excelente Forest Whitaker, la brillante La sombra del poder (2009), con un reparto de lujo donde encontramos a nombres como Russell Crowe, Ben Affleck o Rachel McAdams, además de las mas modestas La legión del águila (2011) y Mi vida ahora (2013).

La película: La formula consistente en contarnos las andanzas de un grupo de hombres a bordo de un submarino, nos ha dejado a lo largo de la historia del cine un buen puñado de títulos que, con una mayor o menor calidad, suelen asegurarnos un buen rato de cine. Entre los nombres que me vienen a la mente están Marea roja (1995), U-571 (2000), Abyss (1989), Das Boot. El submarino (1981), Marea roja (1995), K-19: The Widowmaker (2002) o La caza del Octubre rojo (1990), aunque la lista sería mucho mas amplia. Entre sus principales características suele estar la claustrofóbica atmósfera que se respira en ellas, ya sea un título de aventuras, acción, bélico o un thriller.

En el caso que hoy nos ocupa, he de confesar que no las tenía todas conmigo antes de verla, e incluso he de decir que en su comienzo me daba mala espina, pero ha sido simplemente una ilusión, ya que en cuanto nuestros protagonistas le echan valor y se meten en el maltrecho submarino, la película despega dejando atrás gran parte de mis temores, hasta conseguir envolverte y llevarte en volandas hasta su acertado final. Su guión, obra del guionista y productor Dennis Kelly (Pulling, Spooks, Utopía), un profesional ligado normalmente al medio televisivo que escribe aquí su primer guión para la gran pantalla, con bastante buen resultado, todo hay que decirlo.

Mad Max: Furia en la carretera - George Miller (2015)

Título original - Mad Max: Fury Road
Año - 2015
Duración - 120 min.
País - Australia
Director - George Miller
Guión - Nick Lathouris, Brendan McCarthy y George Miller
Música - Junkie XL
Fotografía - John Seale
Montaje - Margaret Sixel
Producción - Doug Mitchell, George Miller y P.J. Voeten
Productora - Coproducción Australia-USA; Kennedy Miller Productions / Icon Productions
Género - Ciencia ficción. Acción | Futuro postapocalíptico. Western futurista. 3-D. Secuela
Reparto - Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Angus Sampson, Zoë Kravitz, Rosie Huntington-Whiteley, Nathan Jones, Riley Keough, Abbey Lee, Courtney Eaton, Josh Helman, Megan Gale, Melissa Jaffer, Stephen Dunlevy
Web oficial - http://www.madmaxmovie.com/

Mad Max: Furia en la carretera es el nombre que en España se le ha dado a la resurrección de la memorable saga que en los años 80 dirigió George Miller y protagonizó Mel Gibson. El propio Miller se hace cargo del guión junto a Nick Lathouris y Brendan McCarthy, además de continuar con la dirección, en un trabajo donde Tom Hardy sustituye a Gibson, muy bien acompañado por Charlize Theron. Adrenalina en estado puro en una persecución de dos horas de duración, adaptada hábilmente a lo que el público de hoy día demanda. En los pocos respiros que da al espectador es donde mas se notan sus evidentes carencias.

Sinopsis: Max (Tom Hardy) es un solitario superviviente en un mundo postapocalíptico que es capturado por los War Boys, el ejército de Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne), un tirano que domina la ciudadela donde habita gracias a su control sobre el agua. Allí los días de Max están contados, tras el descubrimiento de su condición de donante de sangre universal, pero todo cambiará cuando Imperator Furiosa (Charlize Theron), una de las integrantes del cruel ejercito, aproveche un viaje rutinario para darse a la fuga a bordo de un potente camión fuertemente blindado, llevando consigo a las cinco esposas de Inmortal Joe, esclavizadas con el único fin de procrear. La inmediata persecución del preciado cargamento dará a Max la oportunidad de poder sobrevivir.

El director: La carrera del productor, director y guionista australiano George Miller combina algunos trabajos que han pasado a formar parte de la historia del cine, como la trilogía Mad Max, Las brujas de Eastwick o El aceite de la vida, con periodos en los que apenas ha trabajado o lo ha hecho como guionista o productor. En los últimos 20 años solo ha ejercido como realizador en trabajos dirigidos al público infantil, realizando Babe, el cerdito valiente, Happy Feet y sus respectivas secuelas. Curiosamente han sido estas las que mayor éxito le han proporcionado, al menos en cuanto a palmarés se refiere, ya que exceptuando su nominación al Oscar como Mejor guion original por El aceite de la vida, las otras tres han sido a mejor guión y película por Babe y su única estatuilla ganada, la de Mejor película de animación por Happy Feet.

La película: Y que mejor forma de volver a la ficción para adultos que revitalizar la trilogía que lo hizo destacar como nunca en su carrera, aprovechando los enormes avances que la tecnología ha dado al cine desde aquel lejano 1979 en que estrenara la original Mad Max, que tan bien le vienen a un trabajo de estas características. El resultado es un espectáculo visual digno de elogio, en el que el espectador goza de pocos momentos de respiro mientras asiste a una persecución como pocas pueden verse en una pantalla de cine, que ha dado y dará mucho que hablar. Pero claro, aunque simplemente eso sea suficiente para hacer que gran parte del público pase un rato en grande, tras acabar su visionado conviene hacerse ciertas preguntas cuyas respuestas puede que nos hagan cambiar algo nuestra opinión.

La primera de esas preguntas que vienen a mi mente es la opinión que tendría de su guión, en el supuesto caso de haberlo leído antes de ver la película, porque la verdad es que dudo y mucho de que pudiera ser positiva. La historia es bastante simple, rozando el absurdo en muchos momentos, pero es algo que tras el derroche de adrenalina puede quedar en un segundo plano, al menos para muchos aficionados. Pero lo que peor sabor de boca me ha dejado del libreto obra de Nick Lathouris, Brendan McCarthy y George Miller, es la falta de alma que desprende en su conjunto, precisamente una de las grandes bazas de su película original y lo que consiguió convertirla en una película de culto.