Mandarinas - Zaza Urushadze (2013)

Título original - Mandariinid (Tangerines)
Año - 2013
Duración - 83 min.
País - Estonia
Director - Zaza Urushadze
Guión - Zaza Urushadze
Música - Niaz Diasamidze
Fotografía - Rein Kotov
Montaje - Alexander Kuranov
Producción - Ivo Felt
Productora - Coproducción Estonia-Georgia; Allfilm / Georgian Film
Género - Drama. Bélico | Años 90
Reparto - Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass

Zaza Urushadze es el autor del guión y la dirección de esta pequeña joya llamada Mandarinas. Un agridulce alegato contra la violencia desmedida y absurda de cualquier guerra, escenificada en esta ocasión en un conflicto poco mediatizado, el de la guerra de Abjazia (1992-1993), que enfrentó a chechenos y georgianos por su posesión. Un trabajo de una riqueza indudable que, sin tomar partido por ninguno de los dos bandos ni juzgar sus motivos, lo analiza desde un punto de vista moral y ético, con el protagonismo de un estonio atrapado en el centro del conflicto que se niega a abandonar la tierra donde ha vivido. Cine de enorme grandeza y sencillez que merece la pena disfrutar y meditar.

Sinopsis: Ivo (Lembit Ulfsak) es un hombre maduro que vive en un poblado estonio de Abjasia que se encuentra prácticamente desierto, ya que casi todos sus compatriotas han huido tras estallar el conflicto en el que chechenos y georgianos se disputan el control de la zona. Trabaja duro construyendo cajas de madera para ayudar a su vecino y amigo Margus (Elmo Nüganen), cuya cosecha de mandarinas necesita ser recolectada en breve, hasta el día en que en una escaramuza resultan muertos varios soldados de ambos bandos en la proximidad de las tierras de Margus. Casualmente sobreviven el checheno Ahmed (Giorgi Nakashidze) y al georgiano Niko (Misha Meskhi), por lo que Ivo se verá obligado a acogerlos y cuidarlos en su casa, hasta que ambos puedan valerse por si mismo.

El director: Zaza Urushadze es un director y guionista georgiano nacido el 30 de octubre de 1965. Hijo de Ramaz Urushadze, un famoso portero de fútbol soviético, se graduó en la Universidad de Georgia en 1988, donde estudió teatro y cine. Debutó en 1998 con el largometraje Here Comes the Dawn, tras el que llegaron títulos como Three Houses (2008), Stay with Me (2011) y The Guardian (2012). Mandarinas es la película que le ha dado mayor repercusión a nivel internacional, siendo nominado por ella al Óscar y al Globo de oro a la Mejor película de habla no inglesa y ganar el Satellite Award como Mejor película de habla no inglesa, además de triunfar en Palm Springs, Seattle, Varsovia o Bari, entre otros.

La película: Uno de los mayores alicientes que tiene para mi la celebración de la gala de los Oscars, es la posibilidad que nos da de conocer varias buenas películas filmadas lejos de la maquinaria de Hollywood, que resultaría bastante difícil conocer sin su participación en ella y casi imposible verlas distribuida fuera de su país. De la gala de 2015, hemos hablado ya de la ganadora Ida de Pawel Pawlikowski en este artículo y de la candidata Relatos salvajes de Damián Szifrón en este otro. En esta ocasión le toca el turno a Mandarinas, una obra con bandera estonia, aunque es co-producida junto a Georgia, que basa en su sencillez y su belleza todo su éxito, demostrando una vez mas que lo mas importante para hacer buen cine es tener algo bueno que contar y el suficiente talento para hacerlo de forma que su mensaje cale en el espectador.

Mandarinas es un trabajo que, sin tener nada que ver con ella, me ha recordado a otro trabajo del que ya os hablamos aquí, Una historia verdadera de David Lynch. Mientras que aquella es una road movie, esta es un drama bélico, pero ambas poseen dos atributos similares que les dan un encanto especial, la sencillez de su historia y el protagonismo de una persona de avanzada edad, que acarrean consigo los achaques propios de la esta, pero también la sabiduría y experiencia que les ha dado. Tiempo atrás no hubiera disfrutado ninguno de estos trabajos como lo hago ahora, no se decir bien si es por los años que llevo viendo cine o por la amplitud de miras que estos me han dado, pero lo que os puedo asegurar es que en la actualidad se encuentran entre los que mas me llenan y mejor sabor de boca me dejan.

Mientras duermes - Jaume Balagueró (2011)

Título original - Mientras duermes (Sleep Tight)
Año - 2011
Duración - 107 min.
País - España
Director - Jaume Balagueró
Guión - Alberto Marini
Música - Lucas Vidal
Fotografía - Pablo Rosso
Montaje - Guillermo De La Cal
Producción - Julio Fernández
Productora - Filmax
Género - Thriller, Terror
Reparto - Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida, Tony Corvillo
Web - http://www.mientrasduermeslapelicula.com/

En un mundo donde la mentira y la hipocresía campan a sus anchas, donde la incomunicación de los individuos es cada día mas evidente y nada es lo que parece, ¿crees que conoces realmente como son las personas que te rodean? ¿De quien te puedes fiar? ¿Por quien puedes poner la mano en el fuego? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras ver esta magnifica película de Jaume Balagueró. Un thriller inquietante que nos hará desconfiar, al menos por un tiempo, de todas esas personas que tratamos habitualmente pero de las que realmente nada conocemos.

Sinopsis: Cesar (Luis Tosar) trabaja como portero en un edificio de apartamentos, una persona atenta y trabajadora que tiene una buena relación con la mayoría de los vecinos, para los que es lo que solemos llamar un trabajador de confianza. Pero bajo su apariencia servicial habita una persona totalmente diferente a la que creen conocer. Desde su puesto en la portería tiene un sillón privilegiado desde el que observar las vidas de todos y conocer sus mas íntimos secretos, que le proporciona cierto poder con el que a el le encanta jugar. Cesar es incapaz de ser feliz y le irrita sobremanera palpar esa felicidad en los demás, algo que le resulta insoportable. La llegada de Clara (Marta Etura), la nueva vecina del bloque, supondrá un nuevo aliciente para el, ya que ella derrocha simpatía e irradia felicidad.

El director: Jaume Balagueró i Bernat es un director de cine español nacido en Lleida, el 3 de noviembre de 1968. Especializado en el género de terror, más concrétamente en la vertiente del terror psicológico, debutó con el cortometraje Alicia (1994), con el que triunfaría en el Festival de Sitges, tras el que dirigió Días sin luz (1995), un corto con el que consolidaría un estilo que perdurará en sus siguientes películas. En su filmografía destacan trabajos como Los sin nombre (1999), con el que debutó en la gran pantalla ganando el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea, Darkness (2002), Frágiles (2005), el telefilm Para entrar a vivir (2006), la saga [•REC], que incluye cuatro trabajos de los que participó en tres: [•REC] (2007), [•REC]² (2009) y [•REC] 4: Apocalipsis (2014), además de los cortos Miedo (2010) e Inquilinos (2014).

La película: El cine de terror es un género en el que podemos destacar varias ramas o subgéneros muy diferentes entre si, que gustan mas o menos en función de las preferencias de cada espectador. Así tenemos quien prefiere el terror paranormal, donde el miedo a lo desconocido es el que mueve al espectador, el terror gótico, caracterizado por una ambientación peculiar y el protagonismo de ciertas criaturas, el gore, en el que domina la extrema violencia y los excesos de sangre y vísceras, el slasher, caracterizado por tener como centro de atención a un asesino que va dejando un reguero de víctimas a su paso, etc. Personalmente, el que mas ha conseguido captar mi atención es el terror psicológico, que centra su atención en los temores de los personajes, sus culpas, creencias y supersticiones. En el, el miedo trata de suscitarse afectando directamente a la emotividad del espectador, que debe acabar identificándose con los padecimientos o vivencias extremas de determinados personajes, utilizando mas la sugerencia que el susto en si.

Es este último el tipo de cine que Jaume Balagueró utiliza en el trabajo que hoy nos ocupa, un cine capaz de poner los pelos de punta por la simple posibilidad de poder ser cualquiera de nosotros las victimas de lo que ocurre en el, por la cercanía de los personajes que vemos y lo sencillo que nos resulta identificarnos con ellos. Un cine que no necesita de criaturas abominables ni entes paranormales para atrapar al espectador, que por el simple hecho de presenciar lo que va ocurriendo en el, es capaz de crear paralelismos inmediatos entre las vidas de sus personajes y la suya propia, asistiendo al tipo de cine de terror que menos descabellado resulta, al mas tangible, al mas real. Porque, ¿cuantos Cesar conocéis? ¿cuantas personas así son parte de nuestra vida sin que lleguemos a tener idea de como son en realidad?

Stromboli, tierra de Dios - Roberto Rossellini (1950)

Título original - Stromboli, terra di Dio
Año - 1950
Duración - 107 min.
País - Italia
Director - Roberto Rossellini
Guión - Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y Roberto Rossellini
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Otello Martelli
Montaje - Roland Gross y Alfred L. Werker
Producción - Roberto Rossellini
Productora - Coproducción Italia-Estados Unidos; Berit Films / Bero Productions / RKO Radio Pictures
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponzo, Roberto Onorati, Gaetano Famularo

Dicen que la actriz Ingrid Bergman envió una carta al realizador Roberto Rossellini expresándole la admiración por su obra y el deseo de trabajar con él. Tras ella llegó una fructífera y controvertida relación (ambos estaban casados) que ha pasado a la historia del cine, cuyo primer retoño, cinematográficamente hablando, fue esta Stromboli, tierra de Dios. Un trabajo que retrata la dureza de la posguerra, la soledad de muchos de sus supervivientes y como la desesperación lleva al ser humano a tomar decisiones que no siempre son las mas correctas. Un trabajo a camino entre la época neorealista del director italiano y la dirección que posteriormente tomaría su cine, que exige la comprensión del contexto histórico donde está rodada para ser justamente valorado.

Sinopsis: Karin (Ingrid Bergman) es una exiliada lituana en Italia que lucha por escapar y olvidar la soledad que se ha apoderado de su vida tras la guerra. Tras intentar emigrar a Argentina, siendo rechazada su solicitud por las autoridades, la desesperación la hace aceptar casarse con Antonio (Mario Vitale), un prisionero de guerra que conoce tan solo a través de una alambrada, que le habla de la isla donde vive y le ofrece una oportunidad de futuro. Pero tras llegar a Stromboli, la pequeña isla donde Antonio vive y trabaja como pescador, descubre que la vida en ella no es lo que imaginaba, encontrando una tierra inhóspita, dominada por un volcán y habitada por gentes muy diferentes a ella, que no se lo pondrán nada fácil.

El director: Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en Roma, Italia, el 8 de mayo de 1906, considerado como uno de los principales exponentes del neorrealismo italiano. Debutó con Un piloto regresa (1942), la primera de la llamada Trilogía Fascista, que se completa con La nave blanca (1942) y L'uomo dalla croce (1943). Tras ella llegó la Trilogía Neorrealista, formada por Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (Camarada) (1946) y Alemania, año cero (1948). Del resto de su filmografía, que abarca mas de 30 títulos entre cine y televisión, podemos destacar varias: Deseo (1946), El amor (1948), Francisco, juglar de Dios (1950), Europa '51 (1952), Nosotras las mujeres (1953), Dov'è la libertà...? (1954), Juana de Arco (1954), Ya no creo en el amor (1954), Te querré siempre (1954), El general de la Rovere (1959), Fugitivos en la noche (1960), Ro.Go.Pa.G. (Rogopag) (1963), La toma del poder por parte de Luis XIV (1966), Sócrates (1971) y Blaise Pascal (1972), las dos últimas realizadas para televisión.

La película: La oscura actualidad en el planeta está encabezada una vez mas por varios conflictos bélicos y la triste historia de los refugiados que estos han creado, entre los que está el de millones de sirios que luchan por huir de uno de ellos, además de la, como poco, bochornosa forma en la que esta está siendo tratada por medio mundo, y en especial por una Comunidad Económica Europea que parece haber tardado muy poco en olvidar su pasado reciente, repleto de sangrientas dictaduras y continuos conflictos que hicieron de Europa un lugar asolado por la miseria y necesitado de la ayuda internacional. Creo por tanto que estamos ante un momento inmejorable para poder comprender la película que hoy nos ocupa, una historia imposible de valorar con justicia si la sacamos del contexto en el que se desarrolla, uno que por desgracia se repite una y otra vez en la historia y que lamentablemente se seguirá repitiendo.

Digo esto porque, desde un primer momento, la forma de proceder de su principal protagonista puede parecer un tanto impulsiva y egoísta, sobre todo si no tenemos en cuenta las razones que tiene para comportarse como lo hace. La película no nos cuenta lo que ha sufrido hasta llegar a su comienzo, algo que con el paso de los años se antoja fundamental. Stromboli, tierra de Dios es un retrato de una huida hacia ninguna parte, de la desesperación y la soledad de una mujer atormentada por el inevitable rumbo que ha tomado su vida y de su lucha por mantener sus señas de identidad y volver a sentirse libre. Su guión, obra de Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y el propio Roberto Rossellini, intenta mostrar en la persona de Karin la lucha constante del ser humano por sobrevivir, algo que consigue con nota.

The Missing - Tom Shankland (2014)

Título original - The Missing
Año - 2014
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Shankland
Guión - Harry Williams y Jack Williams
Música - Dominik Scherrer
Fotografía - Ole Bratt Birkeland
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle (6 episodios), Fiona Colbeck y Danielle Palmer
Producción - Chris Clough
Productora - Coproducción USA-Reino Unido; New Pictures / Company Pictures / Two Brothers Pictures / Playground Entertainment / Fortis Film Fund Czar / Vlaamse Radio en Televisie (VRT) / All3Media / British Broadcasting Corporation (BBC) / Starz Entertainment
Género - Drama, Intriga, Miniserie de TV
Reparto - James Nesbitt, Frances O'Connor, Tchéky Karyo, Anastasia Hille, Émilie Dequenne, Jason Flemyng, Saïd Taghmaoui, Titus De Voogdt, Diana Kent, Arsher Ali, Joséphine de La Baume, Issaka Sawadogo
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b04n9mtk

Tom Shankland es el director encargado de llevar a la pequeña pantalla el guión escrito por Harry Williams y Jack Williams, para ofrecernos la historia de la desaparición de un menor y las enormes consecuencias que esta origina. Ocho episodios de una hora de duración de una calidad indiscutible, que basa en su excelente guion, la enorme calidad de su reparto y la maestría del realizador y su equipo, los excelentes resultados que mantendrán al espectador con el corazón en un puño y el alma en un hilo. Una maravilla que no deberían dejar pasar de largo. Por cierto, ha sido tal su éxito que, a pesar de nacer como una miniserie, se ha encargado una segunda temporada que nos contará otro caso totalmente distinto. Por algo será.

Sinopsis: Tony (James Nesbitt) y Emily (Frances O'Connor) sufrieron la desaparición de su hijo Oliver Hughes (Oliver Hunt) durante unas vacaciones en un pequeño pueblo de Francia. Separados hace años, ella intentar rehacer su vida como puede formando otra familia, mientras que el continúa buscando indicios que le permitan saber que fue del chico, algo que se ha convertido en su forma de vida. Cuando cree reconocer la bufanda que Oliver llevaba el día que desapareció en una foto, regresa al lugar de los hechos y pide ayuda a Julien Baptiste (Tchéky Karyo), el inspector que llevó la investigación y que ya está jubilado, para intentar conseguir que se vuelva a abrir el caso.

El director: Thomas Otto "Tom" Shankland es un guionista y director británico de cine y televisión nacido el 07 de mayo 1968. En sus comienzos realizó tres cortometrajes llamados Bubbles (1998), Bait (1999) y Going Down (2000), que le dieron la oportunidad de trabajar en televisión participando en la serie Clocking Off (2000), a la que le siguieron el brillante telefilm Ninguna noche dura lo suficiente (2002) y la participación en la serie Marple (2004). Su debut en la gran pantalla fue Waz (2007), donde mezcla thriller y terror para contarnos la historia de un asesino en serie y los policías que luchan por atraparlo. Al año siguiente presentó The Children (2008), un slasher donde los niños son los protagonistas. De vuelta al mundo televisivo, ha participado en las series The Fades (2010) y Ripper Street (2012), antes de hacerse cargo en solitario de la que hoy nos ocupa.

La serie: The Missing es uno de los productos mas completos que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos, destacando en casi todos los apartados posibles, pero si tuviese que destacar una cualidad por encima de las demás, esta sería el extraordinario y desasosegante realismo que desprende en todo momento, algo que la hace entrar en el alma del espectador sin excesivos problemas, y que en el caso de que este sea padre o madre, se multiplica de tal manera que lo hace de alguna forma participe del dolor de los desdichados protagonistas, algo que unido a las enormes dosis de intriga que derrocha de principio a fin, la hacen no solo una excelente miniserie, sino una historia de las que no se olvidan con facilidad.

Los ingredientes necesarios para conseguir estos excelentes resultados están encabezados por el brillante guión escrito por los hermanos Williams (Roman's Empire, Honest, Fried). En el hay que destacar su excelente ritmo, que rara vez es excesivamente apresurado pero en ningún momento resulta monótono o cansino, la maestría con la que mezcla drama e intriga, que consigue administrar con las dosis precisas en cada momento, su habilidad para mezclar y mostrar a la misma vez los acontecimientos actuales y los que sucedieron en el momento de la desaparición, y por último, la riqueza que las pequeñas historias paralelas sobre las vidas privadas de sus personajes dan al conjunto, siendo estos desarrollados de forma impecable.

Canción de cuna para un cadáver - Robert Aldrich (1964)

Título original - Hush... Hush, Sweet Charlotte
Año - 1964
Duración - 133 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Aldrich
Guión - Lukas Heller y Henry Farrell
Música - Frank DeVol
Fotografía - Joseph Biroc
Montaje - Michael Luciano
Producción - Robert Aldrich
Productora - 20th Century Fox
Género - Intriga, Thriller psicológico
Reparto - Bette Davis, Olivia de Havilland, Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Cecil Kellaway, Victor Buono, Mary Astor, George Kennedy, William Campbell, William Marshall, Bruce Dern

Dos años después de la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), el bueno de Robert Aldrich dirigió y produjo un nuevo trabajo pensado para el lucimiento de la inolvidable Bette Davis, esta vez acompañada por Olivia de Havilland, Joseph Cotten y Agnes Moorehead. Un largometraje que muchos insisten en comparar con el primero, no sin algo de razón, todo hay que decirlo, pero que merece la pena disfrutar sin ningún género de dudas, por su excelente reparto, lo inverosímil que resulta su guión, la brillante fotografía de Joseph Biroc, la maestría de la partitura de Frank DeVol y el buen hacer del memorable Robert Aldrich. Similitudes con el anterior tiene algunas, pero menospreciarla por ello resulta un tanto absurdo, al menos para mi.

Sinopsis: Charlotte Hollis (Bette Davis) vive recluida en la mansión familiar que heredó de su querido padre, sin haber llegado a recuperarse nunca de la trágica muerte de su gran amor, un hombre casado llamado John Mayhew (John Mayhew), de la que el pueblo la hace responsable. Con evidentes problemas mentales y la única compañía de su siempre malhumorada criada Velma (Agnes Moorehead), recibe la noticia de que el estado está a punto de expropiar sus tierras para la construcción de una autopista, por lo que intentará recurrir a su prima Miriam (Olivia de Havilland) y a su viejo amigo Drew (Joseph Cotten), para intentar evitar a toda costa que la echen del que siempre ha sido su hogar.

El director: Robert Aldrich fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Se inició en los estudios RKO y fue ayudante de dirección de Jean Renoir, Joseph Losey y Charles Chaplin. En las tres décadas que permaneció en activo, nos dejó mas de una treintena de trabajos dirigidos, entre los que podemos destacar: Apache (1954), Vera Cruz (1954), La podadora (1955), El beso mortal (1955), Hojas de otoño (1956), Ataque! (1956), El último atardecer (1961), Sodoma y Gomorra (1962), ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), El vuelo del Fénix (1965), Doce del patíbulo (1967), La leyenda de Lylah Clare (1968), Comando en el mar de China (1970), La banda de los Grissom (1971), La venganza de Ulzana (1972), El emperador del norte (1973) y la que hoy nos ocupa.

La película: Lo primero que siempre me viene a la mente cuando observo los estropicios que las actrices actuales cometen al someterse a innumerables intervenciones de cirugía estética, es la variedad y calidad de trabajos que la inolvidable Bette Davis nos dejó durante su carrera, pero en especial los que realizó ya con una edad avanzada. Tanto estirarse la cara acaba por inmovilizar sus rostros, que pierden por completo la capacidad de expresión que deberían tener. En el trabajo que hoy nos ocupa, tras una larga escena introductoria, los títulos de crédito iniciales son acompañados de la imagen de Bette, que por si no fuera suficiente el alarde interpretativo que nos dejará en las dos horas largas que dura la película, nos regala como aperitivo un abanico de gestos y muecas que van desde la alegría a la pena, sin siquiera tener que soltar una palabra, algo que en la actualidad pocas actrices de su edad podrían siquiera imitar.

Digo esto porque, siempre hablando en mi modesta opinión, solo con tenerla a ella en el reparto ya merece la pena ver la película. Ahora bien, el trabajo del que hablamos hoy es como la hermana pequeña de un genio en cualquier materia, siempre a la sombra del mayor e injustamente comparada continuamente con el. No alcanzo a comprender porque esto resulta tan importante para muchos aficionados o críticos, porque si las similitudes entre uno y otro existen, estas se limitan a ser un drama psicológico ambas y a el papel de su principal protagonista, muy similar al que realizó en la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? un par de años antes. Si solo por eso somos incapaces de ver una sin compararla con la otra mal vamos, ya que no existen tantas posibilidades de disfrutar de esta enorme actriz como para dar de lado o menospreciar uno de sus grandes papeles.