Kajaki - Paul Katis (2014)

Título original - Kajaki: The True Story
Año - 2014
Duración - 108 min.
País - Reino Unido
Director - Paul Katis
Guión - Tom Williams
Fotografía - Chris Goodger
Montaje - Brin
Producción - Paul Katis y Andrew De Lotbiniere
Productora - MENA Film, Pukka Films
Género - Aventuras, Drama, Bélico
Reparto - Mark Stanley, Malachi Kirby, David Elliot, Paul Luebke, Ali Cook, Bryan Parry, Grant Kilburn, Andy Gibbins, Scott Kyle, Jon-Paul Bell

Paul Katis debuta en la dirección de un largometraje llevando a la pantalla el guión con el que Tom Williams relata fielmente una de esas historias reales que nos deja la guerra moderna, en este caso la de Afganistán. Un producto que destaca por su realismo retratando lo que realmente es la guerra, la confusión y el caos que en ella suele dominar, pero que peca de algo de gran importancia: cuenta una historia que no daba para una película. Plana y excesivamente documentalista, algo incluso lógico teniendo en cuenta los inicios de su director, pero que tratando el tema que trata resulta bastante duro de ver.

Sinopsis: Afganistán. Una pequeña unidad de soldados ingleses instalada en una colina con vistas a la presa Kajaki. Una patrulla de tres hombres se dispone a deshabilitar un control de carretera talibanes. Al caminar por el lecho seco del rio Kajaki uno de ellos pisa una mina anti-persona. Sus compañeros acuden rápidamente en su ayuda para posteriormente darse cuenta de que están atrapados en una zona altamente repleta de estas mortales minas. Cada movimiento que hagan a partir de ese instante les puede costar una pierna o incluso la vida.

El director: Paul Katis debuta aquí en la dirección de un largometraje de ficción, en el que no puede evitar dejar algo de su pasado como documentalista, género en el que debutó con The Walton Sextuplets Hannah Luci Ruth Sarah Kate and Jenny y la posterior The Waltons: Meet Mickey Mouse (1989). Tras ellos ha dirigido los cortometrajes Wish You Were Here (1995), Starting Over (1998), Exposed (2010) y Exploited (2013). También es el responsable de los guiones de The Waltons: Meet Mickey Mouse (1989), Starting Over (1998) y Exposed (2010). Como productor está vinculado al documental Girlfriend in a Coma (2012), como productor asociado concretamente, además de producir junto a Andrew De Lotbiniere la película que hoy nos ocupa.

La película: El caso de Kajaki vuelve a abrir un debate que suele acompañar a este tipo de productos, sobre todo si, como ocurre en este caso, nos encontramos con un relato que tiene la verdadera intención de contar una historia real, que no es otro que hasta que punto se puede o se debe adornar la historia para hacerla llegar a un segmento mayor de público o simplemente para darle un poco de mordiente, respetando a la vez lo que sucedió en realidad. En este caso sus responsables han optado por ceñirse al máximo a los hechos ocurridos, algo muy loable y digno de admiración, pero que en este caso en concreto solo consigue que la historia sea bastante plana y el resultado final te deje un tanto frío, o al menos es lo que me ha ocurrido a mi.

Estamos ante un tipo de cine muy diferente al que habitualmente vemos en el género bélico, que no busca grandes gestas ni encumbrar al héroe de turno, sino simplemente mostrar un suceso ocurrido durante la guerra de Afganistán. El problema es que dicho suceso es bastante simple, por lo que al final te quedas con la extraña sensación de que, o no han sabido exprimir la historia como debían, o esta simplemente no daba para mas. La película está dividida en dos partes bien diferenciadas, una primera en la que nos presentan a los personajes y el entorno en el que se mueven, algo larga y con un ritmo un tanto cansino, seguida de una segunda que nos muestra una pequeña patrulla que se mete sin saberlo en un campo de minas, algo que hace que el resto de la historia transcurra casi por completo en unos pocos metros cuadrados.

Queridísima mamá (Mommie Dearest) - Frank Perry (1981)

Título original - Mommie Dearest
Año - 1981
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Perry
Guión - Frank Perry, Frank Yablans, Tracy Hotchner, Robert Getchell, basado en el libro de Christina Crawford
Música - Henry Mancini
Fotografía - Paul Lohmann
Montaje - Peter E. Berger
Producción - Frank Yablans, David Koontz, Terrence O'Neill y Neil A. Machlis
Productora - Paramount Pictures
Género - Drama
Reparto - Faye Dunaway, Steve Forrest, Diana Scarwid, Mara Hobel

Frank Perry escribió, junto a Frank Yablans, Tracy Hotchner y Robert Getchell, y dirigió Mommie Dearest (Queridísima mamá en España y Mamita querida en Hispanoamérica), una interesante película biográfica sobre la vida de Christina Crawford, la primera de los cuatro niños que la actriz Joan Crawford adoptó durante su vida. Un trabajo que deja bastante que desear en varios aspectos, que cuenta las experiencias personales de Christina con respecto a su madrastra, tomándose mas de una evidente licencia y que no debemos confundir con un biopic de la actriz, ya que solo se cuenta la parte de su vida relacionada con su hija, parte además descrita por la propia Christina en el polémico libro Mommie Dearest, que publicó con su madre aún viva. Tan obsesiva y repetitiva como interesante y ¿fidedigna?

Sinopsis: La película nos cuenta parte de la vida de la famosa actriz Joan Crawford, concretamente la parte vista desde los ojos de Christina Crawford, la primera niña que adoptó y la que, al parecer, sufrió en sus carnes los evidentes problemas mentales de la talentosa y controvertida actriz. Vapuleada por crítica y público durante años, el tiempo ha dado a este trabajo un lugar que nunca debería de haber ocupado si la juzgamos únicamente por su calidad, pero que gracias a su evidente exageración y a contar la presunta historia de una actriz a la que siempre acompañó la polémica, ha conseguido llegar a convertirse en todo un clásico "camp", e incluso en una película de culto para muchos.

El director: Frank Perry fue un director estadounidense nacido en Nueva York, el 21 de agosto de 1930. Tras asistir a la Universidad de Miami, produjo varias obras de teatro en Westport, tras lo que se dedicó a la producción de documentales de televisión. Tras participar en la Guerra de Corea, debutó como director con el drama de bajo presupuesto Elisa (David and Lisa), con un guión escrito por su esposa Eleanor Rosenfeld, por el que fue nominada a un Oscar. Tras ella llegaron Ladybug Ladybug (1963) y varios telefilms, hasta que en 1968 dirigió El nadador, interpretada por Burt Lancaster y que es para mi su mejor película junto a su debut. Tras ella llegaron El verano pasado (1969), un buen drama en el que se adapta una novela de Evan Hunter y Trilogy (1969), en el que adaptan varias historias de Truman Capote (guión del propio Truman Capote y Eleanor Perry). Su siguiente trabajo fue Diario de una esposa desesperada (1970), una comedia dramática que adapta una novela de Sue Kaufman, Duelo a muerte en el OK Corral (1971), Play It As It Lays (1972), Man on a Swing (1974), Vidas sin barreras (1975), el telefilm El tonto (1979), participó en la serie Skag (1980) y fue vapuleado por la que hoy nos ocupa. Hasta el final de su carrera dirigió Monseñor (1982), protagonizada por Christopher Reeve y las olvidables Posiciones comprometidas (1985) y ¿Estás muerta, cariño? (1987). Su último trabajo fue On the Bridge (1992), documental en el que narra la lucha contra el cáncer de próstata, que finalmente acabaría llevándoselo en 1995.

La película: Quiero comenzar dejando claro, si es que no lo he hecho suficientemente hasta ahora, que si estamos ante un biopic, no es precisamente sobre la actriz Joan Crawford, sino sobre la versión sobre la relación que esta tuvo con Christina Crawford, su primera hijastra. No seré yo quien ponga en entredicho la historia que cuenta Christina, ya que no poseo pruebas ni a favor ni en contra de su verosimilitud, pero si quiero dejar claro que hasta donde yo conozco, la historia se ha cambiado y se han omitido diversos detalles de la misma, no siendo estos precisamente livianos o insignificantes, como la no aparición de dos de los tres hermanastros que convivieron con ella o la forma en la que insinúa en el final de la película su intención de escribir la novela a la que tanto provecho sacó posteriormente, tras ser desheredada junto a su hermanastro, cuando esto fue consecuencia precisamente de haberla escrito con su madrastra aún viva, motivo que esgrimió la actriz para hacerlos desaparecer del testamento.

Tampoco quiero ser yo quien defienda a una magnífica actriz, que a su vez dejaba mucho que desear como persona, algo que no solo estaba en la mente de su hijastra, sino que ha sido corroborado por muchos y muchas de los que tuvieron la oportunidad de trabajar o conocer a la controvertida diva. Joan Crawford ha sido descrita por los que mejor la conocieron como manipuladora, de carácter un tanto bipolar, totalmente obsesionada con la limpieza y con una dependencia total al alcohol. De su vida amorosa prefiero no pronunciarme, al no tener datos objetivos, pero si les comentaré que se dice que era famosa por su promiscuidad, tanto con hombres como mujeres, algo que, al menos para mi, tiene escasa importancia.

Tres colores: Azul (Three Colours: Blue) - Krzysztof Kieślowski (1993)

Título original - Trois couleurs: Bleu (Three Colours: Blue)
Año - 1993
Duración - 98 min.
País - Francia
Director - Krzysztof Kieslowski
Guión - Krzysztof Piesiewicz y Krzysztof Kieslowski
Música - Zbigniew Preisner
Fotografía - Slawomir Idziak
Montaje - Jacques Witta
Producción - Marin Karmitz
Productora - Coproducción Polonia-Francia-Suiza; MK2 Productions / CED Productions / France 3 Cinéma / CAB Productions / Zespol Filmowy
Género - Drama
Reparto - Juliette Binoche, Benoît Régent, Florence Pernel, Charlotte Vêry, Hélène Vincent, Philippe Volter, Claude Duneton, Emmanuelle Riva

Trois Couleurs: Bleu (Tres colores: Azul en España y varios paises de habla hispana) es la primera película de las tres que el realizador polaco Krzysztof Kieślowski dedicó a los colores de la bandera francesa y a los ideales que estos representan. Una obra de una calidad y riqueza incuestionables, que como cualquier hermoso poema, necesita que quien lo disfrute posea un mínimo de sensibilidad y la capacidad de meterse en la piel de su protagonista, para que la experiencia sea plena. Mención especial al trabajo de la magnífica Juliette Binoche, imposible de realizar para alguien que no haya nacido para esto, que no posea su don. Imprescindible.

Sinopsis: En un accidente de coche, Julie (Juliette Binoche) pierde a su marido Patrice ( Hugues Quester), un prestigioso compositor, y a su hija Anna. Al recuperarse de sus lesiones, decide comenzar una nueva vida, independiente, solitaria y anónima, alejada de los privilegios que antes disfrutaba. Olivier (Benedict Regent), el ayudante de Patrice, intenta sacarla de su aislamiento. Olivier está enamorado de ella desde hace muchos años y acaba convenciéndola para que termine el «Concierto para Europa», una ambiciosa obra inacabada de Patrice.

El director: Krzysztof Kieslowski fue un director y guionista de cine polaco, nacido en Varsovia el 27 de junio de 1941. Criado en una familia modesta, intentó ser bombero, idea que abandonó para volver a sus estudios. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. Tras realizar numerosos cortometrajes en la segunda mitad de los años 60, al comienzo de los 70 comenzó a trabajar en televisión, dirigiendo varios documentales y telefilms, sin dejar de realizar cortos. Su debut en el cine llegó en 1976 con La cicatriz, tras la que llegaron El aficionado (Amator) (1979), Sin fin (1985) y El azar (Cita a ciegas) (1987). A fines de los 80, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que Kieślowski utilizó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora. Su último trabajo con bandera polaca fue La doble vida de Verónica (1991), tras la que comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su trabajo más importante, la trilogía Tres Colores, dedicada a la bandera francesa, de cuya primera película nos ocupamos en el artículo de hoy. Tras esto, decidió retirarse del cine. Falleció en 1996 de un ataque cardíaco en su ciudad natal.

La película: Hace tiempo que tenía la intención de revisionar y compartir la trilogía que el gran Krzysztof Kieslowski nos dejó para la posteridad, antes de dejarnos con tan solo 55 años. Con motivo del 20 aniversario de su fallecimiento, tuve la oportunidad hace poco de volver a disfrutar en el cine Azul, la que inicia dicha trilogía, una razón mas para no demorarlo mas y comenzar con ella los tres artículos que pretendo realizar sobre esta maravillosa obra que, si aún no han tenido el placer de disfrutar, ya es hora de que la incluyan en sus futuros planes. Cine de tal riqueza, de una belleza similar a este, resulta realmente complicado de encontrar, aunque igualmente he de aclarar que no es un producto que guste a todos por igual, ya que su ritmo pausado y los difíciles temas que aborda pueden echar a mas de uno para atrás. Pero si no es tu caso, mas que ante una película estamos ante un canto a la libertad, a la lucha necesaria para lograr conseguirla y a lo difícil que nos lo puede poner esta vida para poder conseguirlo. Poesía hecha cine.

Me gustaría dejar varias cosas claras para no llevar a engaño a quien aún no la haya visto y tenga la intención o dude de si hacerlo o no. En primer lugar decir que, a pesar de ser un drama, no es este un trabajo que busque conmover al espectador o que base su razón de ser en esa premisa. Lógicamente, la historia que nos cuenta nos ha de llegar, a poco que quien la está viendo sea capaz de ponerse en la piel de su protagonista, pero lo hace de una forma un tanto fría y distante, por lo que nada tiene que ver con la inmensa mayoría de historias de este tipo que se ruedan. De hecho, el color azul representa al primer lema revolucionario francés, la libertad. Pero, según palabras del propio director, ese color azul ya no simboliza la libertad en un sentido político o social en la época actual, sino la libertad de poder vivir la vida en sí misma.

Dobermann - Jan Kounen (1997)

Título original - Dobermann
Año - 1997
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Jan Kounen
Guión - Joël Houssin, basado en la novela de Joël Houssin
Música - Richard Shorr
Fotografía - Michel Amathieu
Montaje - Bénédicte Brunet
Producción - Frédérique Dumas y Éric Névé
Productora - La Chauve-Souris / Noé Productions
Género - Acción, Thriller
Reparto - Vincent Cassel, Monica Bellucci, Tcheky Karyo, Dominique Bettenfeld, Antoine Basler, Romain Duris, Chick Ortega

Fue en 1997 cuando se estrenó Dobermann, un thriller alocado con enormes dosis de acción, dirigido por Jan Kounen y escrito por Joël Houssin, que adapta los personajes de sus propias novelas. En su reparto aparecen nombres como Vincent Cassel y Monica Bellucci, que dos años mas tarde acabarían casándose, junto a otros conocidos como Tcheky Karyo. Grandes dosis de adrenalina y unos personajes que viven al margen de toda ley, que consiguieron que muchos vieran tras sus rocambolescas situaciones y su aire a videoclip musical, un producto mucho mejor de lo que en realidad es. Ideal si te gusta la acción pura y dura sin excesiva exigencias argumentales.

Sinopsis: Dobermann (Vincent Cassel) es el carismático líder de una banda de ladrones, que dirige junto a su novia sordomuda Nat la gitana (Monica Bellucci). Tras un brutal atraco, toda la policía de París los busca sin descanso, pero uno de sus miembros, el sádico Christini (Tchéky Karyo), está realmente obsesionado con su captura, por lo que no dudará en utilizar métodos poco ortodoxos para conseguirlo. Ante la imposibilidad de llegar hasta Dobermann, consigue enterarse de que un joven llamado Olivier Brachet (Stéphane Metzger), casado y con familia, pero que lleva una doble vida como un travesti que se hace llamar Sonia, trabaja con la banda, por lo que lo utilizará para intentar capturar al carismático criminal.

El director: Jan Kounen es un director, productor y guionista francés, nacido el 2 de mayo de 1964 en Utrecht, en los Países Bajos. Tras los cortometrajes Gisèle Kérozène (1990), Capitaine X (1994), Vibroboy (1994) y Le dernier chaperon rouge (1996), debutó con Dobermann (1997), película que hoy nos ocupa. Tras dirigir en 2004 el documental D'autres mondes (Other Worlds) y el flojo western Blueberry: la experiencia secreta, de nuevo con Vincent Cassel, pero esta vez junto a Juliette Lewis, dirigió un nuevo documental llamado Darshan: el abrazo (2005). Tras el vinieron la comedia 13,99 euros (2007), interpretada por Jean Dujardin, participó en la película por episodios 8 (Ocho) (2008), dirigió Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009), protagonizada por Mads Mikkelsen y Anna Mouglalis, participó en el documental Telegramas visuales, un proyecto que reúne a treinta realizadores de distintas partes del mundo y la miniserie televisiva Flight of the Storks (2012). Su próximo trabajo es el largometraje de animación Windwalkers, una historia fantástica de ciencia ficción de la que aún no he podido ver ni el trailer.

La película: Resulta curioso, pero a pesar de que pasan inexorables los años, Dobermann no parece haber perdido un ápice de fuerza en lo que se refiere a sus señas de identidad, tan extremistas y de tal fuerza que continúan en plena forma, convenciendo a los que gusten de productos tan dinámicos, alocados y políticamente incorrectos y amargando la experiencia de los que se atreven a visionarla sin saber muy bien a lo que se enfrentan o simplemente no aguantan su desenfrenado ritmo y sus caricaturescos personajes. El hecho es que continúa sin dejar títere con cabeza, haciendo gala de su constante irreverencia, sus inconfundibles atributos y sus inconfundibles señas de identidad, tan acertadas para algunos como inaguantables para otros. Poner otro producto como referencia de ella resulta un tanto complicado, habiendo sido comparada con algunos como Airbag, inolvidable película dirigida por Juanma Bajo Ulloa en 1997, a la que yo no le veo tanto parecido, la verdad.

Y es que basta con echar un vistazo a sus primeras escenas para comprobar que estamos ante un trabajo que, como poco, puede ser calificado de diferente a la mayoría. De hecho, creo que le bastan 15 o 20 minutos de metraje para escandalizar a los sectores mas tradicionales de la sociedad, además de llamar la atención del resto, que asiste atónito y con suma curiosidad a la presentación de sus peculiares personajes y a la curiosa forma en que esta está hecha. Joël Houssin, autor del guión de este peculiar producto y creador de sus personajes en una larga lista de novelas, expone sus cartas desde el primer instante, por lo que el espectador no tarda demasiado en ver a lo que se enfrenta, en comprobar si realmente será capaz de aguantar su frenético ritmo y su exagerada crítica a todos y cada uno de los estamentos de la sociedad francesa del momento.

El TAC presenta los 5 mejores cortometrajes de producción catalana de género fantástico y de terror

Los festivales B-Retina de Cornellà y Sant Cugat Fantástico se suman a la Federació d'Entitats Cinèfiles Terror Arreu de Catalunya

En 2015, 28 cortometrajes de terror de producción catalana fueron seleccionados en los diferentes festivales de cine miembros del TAC. De estos, se han seleccionado 5 que optarán a los Premios TAC'16. Al igual que la edición anterior, este año los festivales de cine de terror de Cataluña quieren premiar la industria catalana y, en concreto, la del cortometraje, y otorgará tres premios: Mejor Cortometraje, Mejor Interpretación y Mejores FX.

Las cinco producciones finalistas son:

ULTRAVIOLETA de Paco Plaza
VIAJE A PIES de Khris Cembe
CARADECABALLO de Marc Martínez
PULSIÓN SANGRIENTA de Gerard Tusquellas
INQUILINOS de Jaume Balagueró

JURADO Y ENTREGA DE PREMIOS

Los Premios TAC se entregarán el próximo 29 de octubre en el marco del Cardoterror, el festival de cine de terror de Cardedeu, donde también se proyectarán los cinco finalistas. Este año los diferentes miembros de la federación de festivales de cine de terror han elegido un jurado de lujo para otorgar los premios: la crítica cinematográfica Desireé de Fez; el director del Festival Nits de Cinema Oriental Vic, Quim Cruselles; y Alex Julià, director que en 2015 recibió el Premio TAC al mejor cortometraje por Line up.

En los últimos meses, la Federació d'Entitas Cinèfiles Terror Arreu de Cataluña está de enhorabuena ya que ha ampliado el número de miembros extendiendo así sus tentáculos en el territorio catalán. En concreto, se han incorporado dos nuevos festivales: el B-Retina de Cornellà y Sant Cugat Fantástico de Sant Cugat. Con las dos nuevas incorporaciones, el TAC pasa a estar formado por 8 festivales de cine de género fantástico y de terror. Completan la lista de miembros: el Festival de Cine Fantástico de Sabadell, Cryptshow Festival de Badalona, ​​FANTOSFREAK de Cerdanyola, Fangofest de Amposta, Cardoterror de Cardedeu y Terrormolins de Molins de Rei.