Cure - Kiyoshi Kurosawa (1997)

Título original - Cure
Año - 1997
Duración - 111 min.
País - Japón
Director - Kiyoshi Kurosawa
Guión - Kiyoshi Kurosawa
Música - Gary Ashiya
Fotografía - Tokusho Kikumura
Montaje - Kan Suzuki
Producción - Junyuki Shimoba y Tsutomu Tsuchikawa
Productora - Code Red / Daiei Studios
Género - Thriller, Intriga, Terror
Reparto - Kôji Yakusho, Masato Hagiwara, Tsuyoshi Ujiki, Anna Nakagawa, Yoriko Douguchi, Yukijiro Hotaru, Denden, Ren Osugi, Masahiro Toda, Misayo Haruki, Shun Nakayama, Akira Otaka

Kiyoshi Kurosawa escribió el guión y dirigió este asfixiante y adictivo thriller psicológico filmado con un ritmo pausado pero inexorable y un estilo muy característico que da a la obra alma propia. Un trabajo que invita al espectador a ser partícipe de la investigación que en el se lleva a cabo, que lo obliga a intentar ir uniendo cabos, atrapándolo en una de esas tramas que dejan huella y hacen funcionar a las neuronas incluso mucho después de su finalización. Poco recomendable para los que no disfruten de trabajos exigentes mentalmente hablando, ideal para quienes gusten debatir de uno tras su visionado. Un consejo: cuanto menos sepan de su argumento mucho mejor, avisados quedan.

Sinopsis: Kenichi Takabe (Koji Yakusho) es un detective de policía cuya vida no pasa por su mejor momento. Casado con Fumie Takabe (Anna Nakagawa) y sin hijos, lucha por llevar una vida normal a pesar de la enfermedad de tipo mental que padece su esposa. Su vida laboral se ve igualmente alterada por la investigación de una serie de asesinatos que solo parecen tener en común una marca en forma de x que aparece en las víctimas y la amnesia que tras ellos padecen los culpables de los mismos, personas sin conexión aparente ni motivos para cometerlos. Conforme Kenichi va avanzando en la investigación, mayores son las dudas que esta le genera, aumentando paulatinamente el grado en el que en ella se implica y le afecta.

El director: Kiyoshi Kurosawa es un director de cine y guionista japonés nacido en Kōbe, el 19 de julio de 1955. Sin relación alguna con el realizador Akira Kurosawa, se graduó en la Facultad de Sociología de la Universidad de Rikkyo. En su época de estudiante empezó a rodar con una cámara de 8mm y en 1980 ganó un premio en el Festival de Cine de PIA (Japón). Tras ello trabajó como ayudante de dirección de Kazuhiko Hasegawa en The Man Who Stole the Sun (1979), con Shinji Somai en Sailor Suit and Machine Gun (1981) y con Banmei Takahashi en Ookami (1982). Tras debutar en solitario con Kandagawa Wars (1983) y dirigir The Excitement of the Do-Re-Mi-Fa Girl (1985), conoció al productor Juzo Itami, junto al que realizó Sweet Home (1989), película de la que nació el videojuego del mismo nombre que inspiró a su vez la popular serie de videojuegos Resident Evil. En 1992 consiguió una beca del Sundance Institute con el guion original de Charisma (1999) gracias a la cual estudió dirección en Estados Unidos. En su filmografía destacan obras como Permiso para vivir (1998), La senda de la serpiente (1998), Barren Illusions (1999), Kairo (Pulse) (2001), Bright Future (2003), House of Bugs (2005), Retribution (2006), Tokyo Sonata (2008), Seventh Code (2013) o Journey to the Shore (2015), aunque me dejo varias atrás. Su último trabajo se titula Creepy, un nuevo thriller psicológico del que poco os puedo contar aún.

La película: Un espectador puede ser definido como aquel que aprecia una obra o asiste a un espectáculo, aunque en esta ocasión en concreto, como ocurre en algunos otros casos, su labor va mucho mas allá de lo que nos muestra dicha definición. Quien asiste a una obra como Cure no solo puede limitarse a contemplar lo que su director propone sin mas, una experiencia bastante carente de sentido como tal, sino que además está en cierta forma obligado a formar parte de ella, a realizar su propia interpretación de lo que va observando, de lo que va percibiendo, algo que ni mucho menos será del agrado de todos, pero que a cambio nos da la posibilidad de ejercitar la mente y la imaginación, algo que para mi es impagable, pero que para otros muchos puede resultar poco estimulante o incluso aburrido. Parte de la grandeza de este arte, por cierto.

En la ficha técnica de Cure, concretamente en el apartado género, se califica la película como Thriller, Intriga y Terror, aunque creo que esto no define de forma correcta su espíritu. En realidad está dividida en dos partes bien diferenciadas, una primera en la que vemos la historia de dos personajes muy diferentes por separado, por una parte el detective Kenichi Takabe (Kôji Yakusho), del que conoceremos parte de su vida privada y como se hace cargo de la investigación de los asesinatos y por otra la del joven Kunio Mamiya (Masato Hagiwara), un extraño personaje que padece alguna clase de amnesia y vemos deambular por la ciudad dejando una hilera de incógnitas a su paso. Esta parte es clasificable como thriller policial en el que la intriga va en aumento conforme avanza la cinta.

Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors) - Woody Allen (1989)

Título original - Crimes and Misdemeanors
Año - 1989
Duración - 104 min.
País - Estados Unidos
Director - Woody Allen
Guión - Woody Allen
Música - Varios
Fotografía - Sven Nykvist
Montaje - Susan E. Morse
Producción - Robert Greenhut
Productora - Orion Pictures
Género - Drama, Comedia
Reparto - Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, Anjelica Huston, Mia Farrow, Martin Landau, Jerry Orbach, Caroline Aaron, Sam Waterston, Joanna Gleason, Martin Bergmann, Jenny Nichols, Daryl Hannah, Zina Jasper, Frances Conroy

Fue en 1989 cuando el bueno de Woody Allen escribió y dirigió la que, para mi y para muchos, es una de sus mejores películas, realizando una mezcla perfecta entre comedia y drama, con un excelente guión en el que destacan sus inolvidables diálogos, sus elaborados personajes y un mensaje tan real y directo como la vida misma. En su reparto, el propio Allen, Alan Alda, Anjelica Huston, Mia Farrow o Martin Landau, entre otros, consiguen rematar una obra realmente brillante y atemporal como pocas. Así es esta vida y así seguirá siendo, nos guste o no.

Sinopsis: La película nos cuenta las historias paralelas de dos hombres muy distintos: Judah Rosenthal (Martin Landau) es un oftalmólogo de prestigio al que la vida le sonríe. Tiene una hermosa familia y vive con todo tipo de comodidades, pero tras varios años de relación extra-matrimonial con Dolores Paley (Anjelica Huston), esta amenaza con destruir su vida tras saber que el pretende dejarla. Por otro lado, Cliff Stern (Woody Allen) es un documentalista de poco éxito atrapado en una relación que agoniza. Para colmo, es contratado por su arrogante y exitoso cuñado Lester (Alan Alda), al que odia profundamente, para realizar un documental sobre su vida y su obra. Así conocerá a Halley Reed (Mia Farrow), una de las productoras del documental, de la que se sentirá atraído de inmediato.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Tras haber visto este trabajo ya en tres ocasiones, algo que en todas ellas ha sido un verdadero placer, incluso creciendo este en cada visionado, puedo casi asegurar que estamos ante la película, al menos para mi gusto, que consigue dejar uno de los mensajes mas pesimistas de los que se le pueden mandar a un ser humano, consiguiendo magistralmente que a este se le quede la sensación de haber visto una buena comedia. Decirlo o escribirlo resulta fácil, pero llevarlo a cabo de la forma en la que lo hace el bueno de Woody Allen, no puede ser mas que calificado como magistral. Tanto si eres admirador de su cine, como si lo detestas, esta magnífica obra deberías verla, ya que consigue tratar varios de los temas mas trascendentales de los que podemos debatir los seres humanos, con una naturalidad y un sentido del humor fundamentales para no acabar asqueado de la vida misma.

El guión escrito por el propio Allen, es sin duda uno de los mejores que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar llevado a la gran pantalla, principalmente por como su creador es capaz de dosificar las dosis de drama y comedia, ya que con solo imaginar una historia similar sin el alivio que suponen sus chispeantes diálogos y varias de las situaciones que nos plantea, ya se le baja a uno la moral por completo. Olvídense del tipo de películas en las que las buenas acciones, las loables intenciones, son recompensadas por la misma vida o por cualquier Dios en el que crean y las malas son duramente castigadas, porque aquí el realizador estadounidense le da completamente la vuelta a la tortilla, enfrentándose a toda esa carga moral para intentar realizar un fiel retrato de como es la vida en realidad, por desgracia para la mayoría de nosotros.

Al rojo vivo (White Heat) - Raoul Walsh (1949)

Título original - White Heat
Año - 1949
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Raoul Walsh
Guión - Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg
Música - Max Steiner
Fotografía - Sid Hickox
Montaje - Owen Marcks
Producción - Louis F. Edelman
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro
Reparto - James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O'Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, John Archer, Wally Cassell, Fred Clark

Tras varios trabajos alejado del género en el que mejor se desenvolvía, James Cagney vuelve a interpretar el papel de un criminal sin escrúpulos, de esos que tan bien le iban, en este magnífico noir dirigido por Raoul Walsh. Con un guión de Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg, la fotografía de Sid Hickox y la banda sonora de Max Steiner, estamos ante uno de los clásicos ineludibles del género y una de las mejores interpretaciones del gran James Cagney, perfectamente acompañado por la femme fatale Virginia Mayo.

Sinopsis: Después de asaltar un tren que transportaba una gran cantidad de dinero y dejar varios muertos a su paso, Cody Jarret (James Cagney) y su banda consiguen esconderse de la policía, que los buscan como principales responsables del robo. Tras verse acorralado, Cody realiza una inteligente jugada entregándose por un delito mucho menor, por el que solo es condenado a dos años de cárcel, dejando a su madre (Margaret Wycherly) al frente de la banda. Pero lo que en principio iban a ser unas pequeñas vacaciones, se complicarán ante los problemas que empiezan a dar alguno de sus chicos fuera y la insistencia de la propia policía, que tratará de tenderle una trampa para poder imputarle el violento robo.

El director: Raoul Walsh fue un director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 11 de marzo de 1887. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro, aunque rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood. En una prolífica carrera entre el cine mudo y el sonoro, nos dejó mas de 80 títulos en varios géneros como director, de los que destacaremos varios: Regeneration (1915), El ladrón de Bagdad (1924), El precio de la gloria (1926), La frágil voluntad (1928), La gran jornada (1930), El arrabal (1933), Bajo presión (1935), Los violentos años veinte (1939), La pasión ciega (1940), Alta tensión (1941), La pelirroja (1941), El último refugio (1941), Murieron con las botas puestas (1941), Gentleman Jim (1942), Tres días de gloria (1944), Objetivo: Birmania (1945), Perseguido (1947), Río de plata (1948), Juntos hasta la muerte (1949), Tambores lejanos (1951), El mundo en sus manos (1952), Historia de un condenado (1953), Los implacables (1955), La esclava libre (1957) o Una trompeta lejana (1964). Falleció en Simi Valley, California, el 31 de diciembre de 1980.

La película: En Al rojo vivo tenemos todos los ingredientes necesarios para crear una buena película de gansters, aunque uno de los que llama la atención desde un primer momento es el enorme uso de violencia que en ella se utiliza. Lo que ocurre es que resulta muy difícil que el público de hoy día sepa apreciar dicha cualidad, ya que los años han ido pasando y lo que en aquellos entonces era un trabajo violento, hoy día es como un juego de niños, en comparación con lo que el cine puede llegar a ofrecer al espectador en la actualidad. Pero dejando de lado esto, algo inevitable por el inexorable paso del tiempo, estamos ante uno de esos trabajos que han creado escuela en el mundo del séptimo arte, que centra su atención en una mente criminal de gran carisma, alrededor de la que gira toda la trama, realizando un minucioso estudio de como funciona su mente y de la soledad con la que ha de convivir quien se encuentra en la cima, no puede fiarse de casi nadie y solo puede ya caer.

El mundo de Kanako (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima (2014)

Título original - Kawaki (The World of Kanako)

Año - 2014

Duración - 118 min.

País - Japón

Director - Tetsuya Nakashima

Guión - Tetsuya Nakashima, basado en la novela de Akio Fukamachi

Fotografía - Shôichi Atô

Montaje - Yoshiyuki Koike

Producción - Satomi Kotake y Yutaka Suzuki
Música - Grand Funk Inc.

Reparto - Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Productora - GAGA / GyaO / Licri

Género - Thriller, Intriga, Drama

Tras la interesante e hipnótica Confessions (2010), Tetsuya Nakashima regresó a la gran pantalla en 2014 con un producto en el que las nuevas generaciones vuelven a tener un gran protagonismo y la sociedad japonesa continúa en el punto de mira. Aún así estamos ante un trabajo muy diferente al anterior, que rebosa perversión y violencia de forma exagerada, cambiando parte del mimo por la estética del anterior, por un ritmo mucho mas vivo y mayores dosis de sangre y acción. Un nuevo espectáculo visual no apto para todos los públicos, que a mi personalmente se me hizo algo largo. Mención especial al trabajo del veterano actor Kôji Yakusho, que consigue mantener a flote tanta exageración incontrolada. Cine para personas con el estómago bien preparado para la ocasión. Avisados quedan.

Sinopsis: Akikazu Fujishima (Kôji Yakusho) es un antiguo detective separado cuya vida es solo una sombra de lo que fue. Pasa los días soñando con los buenos tiempos junto a su esposa Kiriko (Asuka Kurosawa) y su hija Kanako (Nana Komatsu), una estudiante modelo. Un buen día Kiriko lo llama para pedirle ayuda por la desaparición de Kanako, por lo que rápidamente se pone manos a la obra para descubrir donde está su hija. Pero conforme avanza la investigación se dará cuenta que su hija no es ya la niña que el recuerda, adentrándose en un oscuro mundo del que no será fácil salir airoso.

El director: Tetsuya Nakashima es un director y guionista de cine japonés nacido en Fukuoka, el 2 de septiembre de 1959. Tras dirigir en 1988 el segundo segmento de Bakayaro! I'm Plenty Mad, no fue hasta casi una década después cuando estrenó su primer trabajo en solitario llamado Happy-Go-Lucky (1997), en el que se encargó de su guión y la dirección, algo que ha repetido hasta la fecha. Tras ella llegó Beautiful Sunday (1998), que fue nominada como mejor película asiática en el Festival Internacional de Singapur. Su siguiente trabajo fue Kamikaze Girls (2004), que fue nominada para representar a su país en los Oscars, como Mejor película de habla no inglesa. Sus siguientes trabajos fueron Conociendo a Matsuko (2006), con la que ganó los premios como Mejor actriz (Miki Nakatani), montaje y BSO en la Academia de cine japonés y el de Mejor película asiática en Fant-Asia y Paco and the Magical Picture Book (2008). Confessions (2010), de la que ya os hablamos en este artículo, fue su último trabajo anterior a Kawaki (The World of Kanako), la que hoy nos ocupa.

La película: El mundo de Kanako es uno de esos trabajos que a buen seguro tendrán una buena legión de fans, ya que su guionista y director ha sabido volver a reinventarse y ofrecer al espectador una experiencia muy diferente a la mayoría de las que ha vivido hasta dicho momento, ya sea dirigida por el mismo o por cualquier otro. No puedo mas que quitarme el sombrero ante uno de los pocos que lo consiguen cada vez que estrena un nuevo trabajo, aunque igualmente he de decir que en esta ocasión no ha llegado a engatusarme como en otras ocasiones, principalmente con Confessions (2010), ya que he de reconocer que no he llegado a disfrutar de toda su filmografía al completo. Creo que la palabra que mejor puede definir a esta película es excesiva, ya que es el primer adjetivo que se me viene a la cabeza tras repasar sus diferentes apartados.

Excesiva porque lo es la imagen que su creador tiene de la sociedad japonesa actual, tan oscura y retorcida que resulta difícil incluso encontrar adjetivos suficientes para definirla. Excesiva porque lo es el uso constante de violencia que en ella se muestra, dando una imagen que resulta poco creíble, o al menos bastante exagerada. Excesiva porque lo es la enorme lista de perversiones que en ella aparecen, desde violaciones a personas de ambos sexos, pasando por el abuso de menores, el acoso escolar, el asesinato, el proxenetismo, la drogodependencia y mil y una perversidades mas que no quiero ni tener que recordar. Se que dichos excesos no importarán a muchos y muchas, pero que para mi resultan como los acabo de nombrar, sumamente excesivos. Conocía ya la turbia imagen que Nakashima tiene de la sociedad actual de su país y como la muestra en casi toda su obra, pero en esta ocasión creo que rebasa su propio límite y se desmelena de tal forma que resulta realmente complicado digerir el resultado final.

Southcliffe - Sean Durkin (2013)

Título original - Southcliffe
Año - 2013
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Sean Durkin
Guión - Tony Grisoni
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Victoria Boydell (4) y Daniel Greenway (2)
Producción - Derrin Schlesinger
Productora - Warp Films / Channel 4
Género - Drama, Miniserie
Reparto - Rory Kinnear, Sean Harris, Shirley Henderson, Anatol Yusef, Eddie Marsan, Mark Badham, Scott Plumridge, Coral Amiga, Paul Blackwell, Lee Nicholas Harris, Lee Plumridge, Brian P Smith, Ben Steele, Karol Steele, Fabio Vollono, Julie Vollono

Sean Durkin dirigió en 2013 esta miniserie de televisión para Channel 4, trasladando a la pequeña pantalla el guión escrito por Tony Grisoni. Cuatro oscuros episodios que nos muestran la forma en la que un traumatizante suceso golpea a una pequeña localidad ficticia localizada en las marismas del Norte de Kent. Lo mejor de ella: su capacidad para hacer participe al espectador de la historia y su brillante planteamiento, contándonos lo sucedido desde diferentes puntos de vista, además de la excelente labor de todo su reparto.

Sinopsis: Una pequeña comunidad rural amanece una mañana golpeada por una ola de violencia a la que no encuentra explicación, que afecta a todos sus habitantes de una forma u otra. El periodista David Whitehead (Rory Kinnear) será enviado muy a su pesar a cubrir la noticia, ya que aunque se crió en la zona y conoce a muchos de sus habitantes, su infancia en ella no fue un camino de rosas, por culpa de un desgraciado accidente del que fue culpado su padre. Dicho trabajo lo hará revivir traumas del pasado que han condicionado toda su existencia, mientras que intenta encontrar una explicación a los hechos y reflejar como estos han afectado a sus habitantes.

El director: Sean Durkin es un director de cine, guionista y productor nacido en Canadá el 9 de diciembre de 1981. Muy joven se trasladó a Inglaterra junto a su familia, criándose en el norte de Londres y en Surrey, hasta que se trasladaron a Manhattan cuando tenía 12 años. Se graduó de la escuela de Kent, Connecticut en el 2000, tras lo que asistió a la escuela de cine en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en 2005. Con su corto Mary Last Seen (2010) fue nominado al Mejor cortometraje en el Festival de Sundance, tras lo que dirigió su opera prima, su único trabajo de cine hasta la fecha, el thriller dramático Martha Marcy May Marlene (2011), con el que ganó el premio al Mejor director en el Festival de Sundance y el Premio Nueva generación de la Asociación de Críticos de Los Angeles. Su siguiente trabajo fue el corto de terror The Red (2013), estrenado el mismo año que la que hoy nos ocupa. Actualmente trabaja en El Exorcista, un remake para televisión de la famosa película dirigida por William Friedkin en 1973, que se espera para el 2007.

La miniserie: Puede que leer la sinopsis de este oscuro trabajo no llame excesivamente la atención de muchos tele espectadores, que su premisa inicial pueda hacer mirar en otra dirección a muchos de ellos, pero de lo que estoy totalmente convencido es de que estamos ante uno de los productos que mas me han hecho sentir lo que una tragedia de la magnitud de la que aquí se cuenta puede llegar a perturbar la vida de toda una comunidad, algo nada fácil de conseguir con el realismo que aquí se hace. Mas que una puñalada al espectador, estamos ante un vehículo que lo sumirá en un carrusel de emociones difícilmente descriptible, que lo llevará a través de su fría y durísima historia golpeándolo una y otra vez, algo que puede no ser del agrado de todos, pero que es el principal objetivo de su realizador, objetivo que cumple con creces..

Para que sepan a lo que en realidad se enfrentarán los que decidan "disfrutarla", aunque no creo que sea el mejor adjetivo para transmitir la experiencia a la que serán invitados, quiero dejar claro que no estamos ante una serie policíaca al uso, que aquí no veremos laboriosas investigaciones ni un estudio pormenorizado de el perfil de ningún criminal, ya que de hecho, los policías y detectives que aparecen en ella son todos secundarios que hacen acto de presencia y poco mas. Lo que de verdad tenemos delante es un drama que nos muestra la vida de los diferentes afectados, que se centra en los habitantes de la zona y en como actúan de formas diferentes ante lo sucedido, algo tras lo que ya ninguno volverá a vivir como antes lo hacía.

Billy Wilder: Un repaso a su vida y su obra a través de sus frases

Que Billy Wilder es uno de mis directores y guionistas favoritos es algo que quien me conozca, o me lea de vez en cuando, sabe ya de sobra. He querido rendirle un pequeño homenaje intentando que se conozca algo mejor como era, la riqueza de su obra y como entendía el cine. Para ello, que mejor que citar algunas de sus mejores frases, que nos ayudarán a comprender su amor por este arte y, quizás, a ver desde otro punto de vista su legado.

Breve biografía:

Wilder pasó su infancia y su juventud entre Cracovia y Viena. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron profundamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA, donde conoció a los grandes directores del momento.

Tras la subida al poder de Hitler, Wilder se vio obligado a abandonar Berlín, debido a su ascendencia judía. Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París y, desde allí, en 1934 se trasladó a Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Wilder y Lorre compartieron apartamento, hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro.

Como guionista, Wilder escribió 60 libretos y como director realizó 26 películas. Fue galardonado con seis Óscar tras haber sido nominado en 21 ocasiones.

En 1981 dirigió su última película, Aquí, un amigo. A partir de entonces las compañías aseguradoras ya no querían asegurar películas suyas, debido a su avanzada edad. Murió 21 años más tarde, a la edad de 95 años, en su residencia de Beverly Hills, a causa de una neumonía. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

Frases que pronunció sobre su cine:

* "He hecho películas que a mí me hubiera gustado ver. Y yo sólo quiero ver películas que me entretengan".
* "En mis películas no hay grande movimientos de cámara ni puntos de vista destinados a demostrar que soy un director de cine. [...] En Europa, un director puede tomarse todo el tiempo del mundo para crear una atmósfera, y meter un montón de escenas de nubes que se disuelven; pero el público de aquí, si les muestras las nubes por segunda vez, espera ver entre ellas un aeroplano".
* "Hay algo sorprendente: cuando reflexiono sobre todas mis películas, me llama la atención que, en las épocas en que estuve deprimido hice comedias. Y cuando me sentía feliz, rodé temas más bien trágicos. Quizás intente inconscientemente compensar cada uno de mis estados de ánimo".
* "Quizás El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) es una película cínica, pero para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural".
* "Nunca me retiraré. Tendrán que quitarme la cámara para que yo deje de hacer películas. Moriré haciendo películas".
* "Lo único que me partiría el corazón sería que me quitaran la cámara y no me dejaran volver a hacer películas".

Una jornada particular (Una giornata particolare) - Ettore Scola (1977)

Título original - Una giornata particolare
Año - 1977
Duración - 105 min.
País - Italia
Director - Ettore Scola
Guión - Ruggero Maccari y Ettore Scola
Música - Armando Trovajoli
Fotografía - Pasqualino De Santis
Montaje - Raimondo Crociani
Producción - Carlo Ponti
Productora - Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti
Género - Drama
Reparto - Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny

El recientemente fallecido Ettore Scola dirigió y escribió el guión junto a Ruggero Maccari de este magnífico retrato de la sociedad italiana de los años 30, que utilizando la visita de Adolf Hitler a Italia y a dos personajes atrapados en sus propias vidas, nos ofrece una nueva oportunidad de disfrutar de un dúo difícilmente igualable, el formado por una Sophia Loren y un Marcello Mastroianni estelares. Una auténtica delicia para los amantes del buen cine y la mejor forma de recordar al magnífico realizador italiano.

Sinopsis: El 6 de mayo de 1938. Hitler visita Roma, por lo que el pueblo se vuelca en su recibimiento en una jornada declarada de fiesta nacional. En un gran bloque de pisos todos van al desfile en su honor, excepto la portera y un par de vecinos que jamás se han cruzado siquiera. Antonietta (Sophia Loren) no puede asistir al tener que hacerse cargo de las labores domésticas derivadas de su vida con su esposo y sus 6 hijos, pero al escaparse el ave que tienen como mascota, esta se apoyará cerca de la ventana de Gabriele (Marcello Mastroianni), un vecino no muy bien mirado en la comunidad a cuyo apartamento llamará para intentar recuperarla. Entre ellos se establecerá una curiosa relación que cambiará la monotonía del día para ambos.

El director: Ettore Scola fue un director de cine italiano nacido en Trevico, Avellino, Italia, el 10 de mayo de 1931. Representante de la llamada "commedia all'italiana", posee los títulos honoríficos de Caballero de la Gran Cruz de la Orden al Mérito de la República Italiana y Medalla de oro al beneficio de la cultura y del arte. De su extensa filmografía mencionaré varios títulos: Con su permiso, hablemos de mujeres (1964), El demonio de los celos (1970), La più bella serata della mia vita (1972), Una mujer y tres hombres (Nos habíamos amado tanto) (1974), Brutos, feos y malos (1976), ¡Que viva Italia! (1977), La terraza (1980), Entre el amor y la muerte (1981), La noche de Varennes (1982), Macarrones (1985), La familia (1987), ¿Qué hora es? (1989), Splendor (1989), Historia de un pobre hombre (1995), La cena (1998), Competencia desleal (2001), Gente de Roma (2003) o Qué extraño llamarse Federico (2013). Falleció el 19 de enero de 2016 en Roma, Italia.

La película: Cuando me enteré de la muerte de este magnífico realizador italiano decidí que la mejor forma de rendirle un pequeño tributo era elegir uno de sus trabajos y realizar una crítica sobre el. Ojeando su filmografía resulta realmente difícil decidirse por una, pero cuando Una jornada particular llegó a aparecer ante mis ojos, ya no pude cambiar mi elección. Puede que os resulte extraño que para uno de los representantes de la llamada "commedia all'italiana", género cinematográfico nacido en Italia a inicios de la década de los cincuenta y que se extendió hasta principios de la década de los ochenta, un servidor haya elegido un drama como exponente de su cine, pero la enorme calidad de la película y el enorme cariño con el que la recuerdo, han hecho de esta mi única posible elección.

Y es que en este maravilloso trabajo encuentro muchas similitudes a como se vivía en España en los primeros años de mi vida, no ya por el auge que el fascismo tenía en el pueblo, ya que Francisco Franco murió cuando yo solo tenía 4 años y mi país comenzaba a ver la luz tras mucho tiempo, sino por los múltiples detalles que se pueden apreciar en como se vivía en la Italia de entonces, muy similares a los de la España de principio de los 70. Como eran los hogares mas humildes, la influencia de la radio en la vida de la población, las vestimentas, los molinillos de café, las vajillas, etc. Un sinfín de detalles que hacen que este trabajo agite mi mente y abra puertas en mi memoria que permanecían cerradas hace tiempo.

Pinceladas de clásicos del terror: Historias extraordinarias (Histoires extraordinaires) - Roger Vadim, Louis Malle y Federico Fellini (1968)

Título original - Histoires extraordinaires
Año - 1968
Duración - 121 min.
País - Francia
Directores - Roger Vadim, Louis Malle y Federico Fellini
Guión - Federico Fellini, Louis Malle, Roger Vadim, Bernardino Zapponi, Clement Biddle Wood, Daniel Boulanger y Pascal Cousin, basados en historias de Edgar Allan Poe
Música - Diego Masson, Jean Prodromidès, Nino Rota
Fotografía - Tonino Delli Colli, Claude Renoir, Giuseppe Rotunno
Montaje - Franco Arcalli, Suzanne Baron, Ruggero Mastroianni y Hélène Plemiannikov
Producción - Raymond Eger y Alberto Grimaldi
Productora - Coproducción Francia-Italia
Género - Intriga, Terror, Película de episodios
Reparto - Jane Fonda, Alain Delon, Brigitte Bardot, Terence Stamp, Salvo Randone, Peter Fonda, James Robertson Justice, Marlène Alexandre, Marie-Ange Aniès, David Bresson, Georges Douking, Philippe Lemaire, Carla Marlier

Roger Vadim, Louis Malle y Federico Fellini son los tres realizadores europeos que en 1968 realizaron sendas adaptaciones libres de otros tantos relatos del maestro Edgar Allan Poe. Un trabajo un tanto irregular, como suele ocurrir con las películas por episodios filmadas por diferentes directores, pero que resulta una oportunidad inigualable de ver a excelentes actores y actrices de la época, en un trabajo de cine de terror clásico muy diferente a la mayoría del cine de la época, que merece la pena disfrutar, aunque si he de avisaros de la escasa fidelidad a los textos de alguna de ellas, por no decir de todas.

Ante la diferencia de cada uno de los relatos frente a los otros, he preferido analizar cada uno de ellos por separado, que creo es la mejor manera de mostraros que tenéis delante.

Segmento 1: Metzengerstein - Roger Vadim

Sinopsis: La Condesa Frederique (Jane Fonda) hereda la finca Metzengerstein a la edad de 22 años, lo que le permite vivir una vida de derroche y opulencia, en la que la promiscuidad y el libertinaje son sus prácticas habituales. De una maldad innata, mantiene aterrorizados a los que no tienen mas remedio que vivir a su lado, algo que cambiará el día que conozca al Barón Wilhelm (Peter Fonda), un primo suyo que vive cerca de ella, pero con el que nunca ha tratado, debido a una vieja disputa entre sus familias. Quedará perdidamente enamorada de el, aunque el rechazo de este desencadenará la tragedia.

El director: Roger Vadim fue un realizador, actor y escenógrafo francés nacido en París, el 26 de enero de 1928. Considerado por muchos (entre los que me encuentro) como uno de los personajes con mas suerte del mundo, estuvo emparejado con Brigitte Bardot, Annette Stroyberg, Catherine Deneuve, Jane Fonda, Catherine Schneider y Marie-Christine Barrault, siendo Deneuve la única de ellas con la que no llegó a casarse. Centrándonos en su trabajo, dirigió una treintena de trabajos para cine y televisión, en los que el erotismo tenía casi siempre mucho protagonismo, de los que destacaremos varios: Y Dios creó a la mujer (1956), Las relaciones peligrosas (1959), El descanso del guerrero (1962), Los siete pecados capitales (1962), Barbarella (1967), Querido profesor (1970) o Si Don Juan fuese mujer (1973).

El relato: Fiel a su forma de ver el cine, el relato de Roger Vadim derrocha erotismo por todos lados, aunque es algo que con el paso de los años ha perdido gran parte de su poder de atraer y escandalizar, aunque no todo, lógicamente. A pesar de que se toma todas las licencias del mundo con respecto al texto, la verdad es que resulta interesante de ver, aunque en su tramo final pierde algo de fuelle, no estando todo lo bien cerrado que se podría. En el destaca una soberbia Jane Fonda, que a pesar de no derrochar expresividad precisamente, acapara sin excesivos problemas el protagonismo casi absoluto. El resultado final es bueno, aunque bastante mejorable, mas aún si miramos el escaso nivel como director que tenía Vadim.

El hombre que quiso ser Segundo - Ramón Alós (2014)

Título original - El hombre que quiso ser Segundo
Año - 2014
Duración - 90 min.
País - España
Director - Ramón Alós
Guión - Ramón Alòs y Leonardo Marini
Música - Andreu Alòs
Sonido - Pedro Aviño
Fotografía - Ximo Fernández
Dirección artística - Luis Sorando
Producción - Ana María Ferri, Ramón Alòs Sanchez y Gaizka Urresti
Productora - Bígaro Films / Gaizca Urresti / Moodfilm
Reparto - Ramón Langa, Enrico Vecchi, Juan Miguel Company
Género - Documental

Después de las excelentes críticas recibidas en su paso por la Cineteca de Madrid, el próximo viernes 27 de mayo se estrena a nivel nacional el magnífico trabajo que Ramón Alòs dedica a uno de esos pioneros del cine que no han obtenido el reconocimiento general que si lograron otros muchos, Segundo de Chomón. Aunando en él un merecido homenaje al Méliès español con una acertada historia de ficción, nos encontramos ante un trabajo que tiene la capacidad no solo de mostrar gran parte de la historia injustamente olvidada de uno de los precursores del cine universal, sino también de crear la necesidad en el espectador de conocer mas sobre este extraordinario personaje. Un producto que hará las delicias de los amantes del cine, pensado además para el disfrute del público en general. Indispensable.

Sinopsis: Vida y obra del pionero de cine español Segundo de Chomón y la peculiar relación que tuvo con su hermano gemelo, Primo de Chomón. Segundo de Chomón (Teruel 1871-París 1929) fue el cineasta español pionero del cine mudo y de la técnica de la animación cinematográfica. Fue un genio de los trucajes, dominó la utilización de maquetas, precursor del travelling, del cine a color y abuelo de la animación por ordenador. Por todo esto, se le compara con el otro gran pionero del cine universal, George Méliès, a quien durante toda su vida admiró e imitó al servicio de la Pathé francesa para, con el tiempo, superarle en el perfeccionamiento de algunos aspectos técnicos del cine de animación.

El documental: En los difíciles tiempos que corren, los realizadores tienen que agudizar su ingenio para poder atraer la atención de un segmento lo mas grande posible de público, mas aún si de lo que hablamos es de un documental. Siendo conocedor de tales circunstancias, el realizador Ramón Alós ha optado con gran acierto por enriquecer su excelente documental con una historia de ficción magníficamente integrada con este, hasta tal punto que uno llega a preguntarse en muchos momentos donde termina la realidad y comienza la ficción. Esto, que así dicho puede parecer un tanto confuso y podría resultar un arma de doble filo si no está realizado con la suficiente habilidad, en El hombre que quiso ser Segundo resulta realmente acertado y funciona a las mil maravillas, convirtiéndolo en un trabajo muy interesante para el público en general, además de una obra ineludible para cualquier amante del cine.

Resulta frustrante ver lo simple que resultamos los seres humanos, tan dados como somos tanto a mitificar a algunas figuras como a olvidarnos de otras muchas injustamente. Cuando me llegó la posibilidad de poder disfrutar de este trabajo, era realmente escasa la información que tenía de su protagonista, del que había leído algo en un par de ocasiones y poco mas. Tras finalizar su visionado, quedé realmente impresionado de la enorme labor que Segundo de Chomón realizó durante casi toda su vida por amor a este arte que nos une, pero mas aún me impresionó que se haya olvidado esta de la forma en que se ha hecho, algo que a nivel mundial tiene poca explicación, como ha ocurrido, ocurre y seguirá ocurriendo con tantos y tantos personajes a lo largo de la historia, pero que incluso en su propio país sea bastante desconocido es poco menos que un delito.

El violín rojo (Le Violon rouge) - François Girard (1998)

Título original - Le Violon rouge (The Red Violin)
Año - 1998
Duración - 130 min.
País - Canadá
Director - François Girard
Guión - Don McKellar y François Girard
Música - John Corigliano
Fotografía - Alain Dostie
Montaje - Gaétan Huot
Producción - Niv Fichman
Productora - New Line International Releasing / Channel Four Films / Telefilm Canada
Género - Drama, Intriga
Reparto - Samuel L. Jackson, Greta Scacchi, Jason Flemyng, Colm Feore, Carlo Cecchi, Irene Grazioli, Jean-Luc Bideau, Sylvia Chang

François Girard escribió junto a Don McKellar y dirigió este maravilloso homenaje a la música clásica y en especial al instrumento que la protagoniza, el violín. Un trabajo realmente completo que, cosas de este arte, no tuvo la repercusión que para mi merece, pero que gracias a los adelantos de hoy día podemos disfrutar en cualquier momento, algo que os recomiendo encarecidamente. Una excelente obra de ficción inspirada en el llamado "El Rojo Mendelssohn", un Stradivarius que luce una franja roja de orígenes desconocidos.

Sinopsis: En un taller de la Italia del siglo XVII, un maestro artesanal crea su obra definitiva, un violín perfecto y barnizado en rojo, el primer regalo para su hijo a punto de nacer. A partir de ese momento seguiremos parte de la historia del magnífico instrumento, mostrada en varias historias que transcurren en lugares tan diversos como Cremona, Viena, Oxford, Shanghái o Montreal, hasta llegar a nuestros días.

El director: François Girard es un guionista y director de cine, teatro y televisión franco/canadiense nacido en Quebec, el 12 de enero de 1963. Siempre ligada a la música, su carrera no es especialmente prolifera en el mundo del cine, donde debutó con Sinfonía en soledad: un retrato de Glenn Gould (1993), en la que retrata la vida del famoso pianista, un niño prodigio que componía a los 5 años y a los 15 ya daba conciertos. Cinco años mas tarde escribió y dirigió El violín rojo (1998), película que hoy nos ocupa. No fue hasta 2007 cuando escribió junto a Michael Golding y dirigió Seda (Silk), un drama romántico basado en una popular novela de Alessandro Baricco, interpretado por Michael Pitt, Keira Knightley y Koji Yakusho. Su último trabajo para la gran pantalla ha sido El coro (2014), un drama que nos cuenta la difícil relación entre un niño de once años, al que da vida Garrett Wareing, y su exigente maestro del coro, interpretado por Dustin Hoffman.

La película: Aprovechando que me he cogido unos necesarios días de descanso, he decidido revisionar tres de esos contados trabajos que se encuentran en la lista de mis debilidades, de los que tenía pendiente realizar un artículo en el blog. El primero de ellos es El violín rojo, una obra que hará las delicias de los amantes de la música clásica, en especial los que como yo tengan entre sus instrumentos favoritos el violín, pero que ofrece mucho mas que lo que puede en principio aparentar, siendo perfectamente disfrutable por el público en general. La inteligencia y el mimo con la que está filmada, la hacen ser una de esas películas que recomiendo disfrutar, ideal para ver con la debida tranquilidad, en uno de esos momentos en los que el espectador puede dedicarle los cinco sentidos, algo que posteriormente agradecerá y mucho.

Estamos ante un merecido homenaje al más pequeño y agudo de los instrumentos de cuerda clásicos, en el que se mima cada detalle, por pequeño que este sea, no limitándose tan solo a mostrarnos las virtudes del magnífico instrumento, sino haciéndolo en el transcurso de una historia que gana interés por momentos, contada de forma amena para, poco a poco, ir metiendo al espectador en ella, creando en el la necesidad de saber que nuevo giro hará que el violín prosiga su tortuoso camino hasta llegar a nuestros días. En otras palabras: sus creadores han conseguido realizar un trabajo que no se limita al homenaje, sino que busca llegar a una franja de público mas amplia, para así dar a conocer mejor el instrumento a quien no le haya prestado el suficiente interés, o no haya podido disfrutar de el lo suficiente, todo un acierto poco valorado en su momento.

No toquéis la pasta (Grisbi: Hands Off the Loot) - Jacques Becker (1954)

Título original - Touchez pas au grisbi (Grisbi: Hands Off the Loot)
Año - 1954
Duración - 94 min.
País - Francia
Director - Jacques Becker
Guión - Albert Simonin, Jacques Becker y Maurice Griffe, basado en la novela de Albert Simonin
Música - Jean Wiener
Fotografía - Pierre Montazel
Montaje - Marguerite Renoir
Producción - Robert Dorfmann
Productora - Coproducción Francia-Italia; Del Duca Films / Antares Produzione Cinematografica
Género - Thriller, Drama, Cine negro
Reparto - Jean Gabin, René Dary, Dora Doll, Vittorio Sanipoli, Marilyn Buferd, Gaby Basset, Paul Barge, Alain Bouvette, Daniel Cauchy, Denise Clair, Angelo Dessy, Jeanne Moreau, Lino Ventura

Jacques Becker escribió el guión en 1954 junto a Maurice Griffe y Albert Simonin, autor de la novela en la que se basa, y dirigió este excelente largometraje que ha servido de espejo para muchos otros mas tarde y con el que recobró notoriedad un magnífico Jean Gabin, considerado por muchos como uno de los mejores actores franceses de todos los tiempos, si no el mejor. Un trabajo filmado con una enorme atención en cada uno de sus detalles, por pequeño que este sea, que presta especial atención a los personajes y a los escenarios donde se mueven, sin dejar de lado en ningún momento la trama, dándole un toque característico dentro del cine negro, en el país donde el termino film noir fue acuñado por el crítico Nino Frank.

Sinopsis: Max (Jean Gabin) y Ritón (Rene Dary) son dos veteranos criminales que acaban de dar el golpe que esperan les sirva para poder retirarse con tranquilidad. Lo único que los separa de ello es conseguir colocar el jugoso cargamento de oro con el que se han hecho, algo que no será fácil, ya que Josy (Jeanne Moreau), la ex novia de Ritón, tiene conocimiento de los hechos y junto a Angelo Fraiser (Lino Ventura), el gánster con el que acaba de comenzar una relación, intentará hacerse con el oro antes de que ambos lo consigan vender.

El director: Jacques Becker fue un director de cine francés nacido en París, el 15 de septiembre de 1906. Casado con la actriz Françoise Fabian y padre del también director Jean Becker, es autor de varios clásicos del cine galo. De su filmografía destacaremos varios títulos: Goupi mains rouges (1943), Falbalas (1945), Se escapó la suerte (1947), Cita en julio (1949), Édouard et Caroline (1951), Calle de la Estrapada (La mudanza de Françoise) (1952), París bajos fondos (1952), Las aventuras de Arsenio Lupin (1957), Los amantes de Montparnasse (1958) y La evasión (1960), además de la que hoy nos ocupa. Ninguna de ella baja del siete en las principales webs de cine, así que podéis elegir con total tranquilidad sin temor a equivocaros.

La película: A un director como Jacques Becker tiene mucho que agradecerle el cine galo, como por ejemplo la realización de clásicos como París bajos fondos (1952) o La evasión (1960), pero si hay algo que realmente hemos de destacar en el día de hoy y mirando el trabajo del que os vamos a hablar, es la recuperación que con ella hizo del gran actor Jean Gabin, que tanto brillara en títulos como La bandera (1935), Los bajos fondos (1936), Cara de amor (1937), La gran ilusión (1937), El muelle de las brumas (1938), La bestia humana (1938), Amanece (1939), Remordimientos (1941) o Marea de luna (1942). Y es que este trabajo no sería el mismo sin la participación del genial actor, que realiza aquí toda una demostración de saber estar ante las cámaras, derrochando presencia y mucha clase.

Pero además, hay que agradecerle al realizador francés el hecho de realizar un trabajo en el que deja un sello personal inconfundible, que con posterioridad serviría de inspiración para multitud de directores. En ese sello destacan cualidades como el desarrollo de los personajes, algo que no solo podemos observar en los principales, sino también en los secundarios, por muy pequeño que sea su papel, además de la concienzuda recreación que se realiza del entorno en el que se mueven, plasmado con todo lujo de detalles para deleite del espectador que sepa valorarlo. El resultado es una obra que, sin olvidar en ningún momento la trama, adquiere una riqueza que rara vez podemos disfrutar en otros trabajos del género.

Una mujer bajo la influencia (A Woman Under the Influence) - John Cassavetes (1974)

Título original - A Woman Under the Influence
Año - 1974
Duración - 155 min.
País - Estados Unidos
Director - John Cassavetes
Guión - John Cassavetes
Música - Bo Harwood
Fotografía - Mitch Breit
Montaje - David Armstrong
Producción - Sam Shaw
Productora - Faces International
Género - Drama, Cine independiente
Reparto - Gena Rowlands, Peter Falk, Katherine Cassavetes, Fred Draper, John Finnegan, Matthew Labyorteaux, Angelo Grisanti

El inolvidable John Cassavetes escribió el guión y dirigió este realista y crudo drama llamado A Woman Under the Influence. Sin las obligaciones impuestas por los grandes estudios y obsesionado con contar su historia con la mayor realidad posible, estamos ante uno de esos trabajos que uno ve y ya nunca jamás olvida. Mención especial a la interpretación de Peter Falk y, sobre todo, el de la esposa del director, una Gena Rowlands que realiza una auténtica exhibición que le valió para ser nominada al Oscar, que finalmente ganaría Ellen Burstyn por Alicia ya no vive aquí. Imprescindible.

Sinopsis: Mabel Longhetti (Gena Rowlands) es una esposa y madre de tres hijos incapaz de acostumbrarse a las normas sociales, ya que padece inestabilidad emocional. Casada con Nick Longhetti (Peter Falk), un obrero italoamericano de la construcción, intenta cumplir con los cánones establecidos y ser la madre que todos esperan, mientras que su esposo lucha por mantener la normalidad en el hogar. Todo se complicará cuando la conducta de Mabel se vaya enrareciendo paulatinamente hasta llegar a afectar a sus hijos, momento en el que Nick comprenderá que tendrá que tomas cartar en el asunto, no teniendo mas remedio que afrontar ciertas medidas.

El director: John Cassavetes fue un actor, guionista y director greco-estadounidense, nacido en Nueva York, el 9 de diciembre de 1929. Considerado como uno de los máximos exponentes del cine independiente norteamericano, creció en Long Island y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar en la American Academy of Dramatic Arts. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión. Su debut en la dirección fue Sombras (Shadows, 1959), que consiguió financiar con dinero de familiares y el programa de radio Night People, aunque le fue imposible encontrar un distribuidor estadounidense, por lo que probó suerte en Europa, ganando el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Tras ella dirigió Too Late Blues (1961) y Ángeles sin paraíso (1963), con Burt Lancaster, Judy Garland y su esposa en el reparto. Regresó al cine independiente con Rostros (Faces) (1968), tras la que dirigió Maridos (1970) y Así habla el amor (1971). Tras ella llegó la considerada su época dorada con títulos como Una mujer bajo la influencia (1974), El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976), Opening Night (Noche de estreno) (1977) y Gloria (1980). Sus dos últimos trabajos fueron Love Streams (Corrientes de amor) (1984) y Un hombre en apuros (1986). Falleció en 1989, a los 59 años de edad, víctima de una cirrosis hepática.

La película: Para comprender la forma de hacer cine de Cassavetes, mas aún en una película como la que hoy nos ocupa, en la que no tenía que responder ante ningún gran estudio, hay que conocer, aunque sea mínimamente, lo que buscaba a la hora de filmar y como intentaba conseguirlo. En principio, la historia estaba escrita en su correspondiente guión, pero los métodos que utilizaba para conseguir el máximo realismo posible contándola eran muy alejados de los utilizados por la mayoría de sus compañeros de profesión. Daba una gran libertad a los actores, a los que además escuchaba y tenía en cuenta sus ideas y objeciones, aunque a la hora de filmar solo los observaba. Realizaba tomas larguísimas sin dar apenas instrucciones al reparto, utilizando además lentes largas para interferir lo menos posible en su trabajo, lo que hacía que estos no supieran con certeza cuando estaban filmando.

Se rodeaba de actores y actrices que conocía bien (su esposa y su madre en esta ocasión), con el fin de poder influir fácilmente en ellos, además de utilizar otros no profesionales o que directamente jamás hubieran actuado. Donde otros directores buscan la perfección en las formas, el hacía todo lo contrario, alargando las tomas hasta límites insospechados o sacándolos de foco inesperadamente. Su búsqueda era la de una apariencia de realidad que puede resultar en un principio algo chocante, sobre todo si no sabemos de antemano a que nos enfrentamos, pero cuyos resultados son bastante satisfactorios y consiguen que el espectador sienta que forma parte de algo real.