Stromboli, tierra de Dios - Roberto Rossellini (1950)

Título original - Stromboli, terra di Dio
Año - 1950
Duración - 107 min.
País - Italia
Director - Roberto Rossellini
Guión - Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y Roberto Rossellini
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Otello Martelli
Montaje - Roland Gross y Alfred L. Werker
Producción - Roberto Rossellini
Productora - Coproducción Italia-Estados Unidos; Berit Films / Bero Productions / RKO Radio Pictures
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponzo, Roberto Onorati, Gaetano Famularo

Dicen que la actriz Ingrid Bergman envió una carta al realizador Roberto Rossellini expresándole la admiración por su obra y el deseo de trabajar con él. Tras ella llegó una fructífera y controvertida relación (ambos estaban casados) que ha pasado a la historia del cine, cuyo primer retoño, cinematográficamente hablando, fue esta Stromboli, tierra de Dios. Un trabajo que retrata la dureza de la posguerra, la soledad de muchos de sus supervivientes y como la desesperación lleva al ser humano a tomar decisiones que no siempre son las mas correctas. Un trabajo a camino entre la época neorealista del director italiano y la dirección que posteriormente tomaría su cine, que exige la comprensión del contexto histórico donde está rodada para ser justamente valorado.

Sinopsis: Karin (Ingrid Bergman) es una exiliada lituana en Italia que lucha por escapar y olvidar la soledad que se ha apoderado de su vida tras la guerra. Tras intentar emigrar a Argentina, siendo rechazada su solicitud por las autoridades, la desesperación la hace aceptar casarse con Antonio (Mario Vitale), un prisionero de guerra que conoce tan solo a través de una alambrada, que le habla de la isla donde vive y le ofrece una oportunidad de futuro. Pero tras llegar a Stromboli, la pequeña isla donde Antonio vive y trabaja como pescador, descubre que la vida en ella no es lo que imaginaba, encontrando una tierra inhóspita, dominada por un volcán y habitada por gentes muy diferentes a ella, que no se lo pondrán nada fácil.

El director: Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en Roma, Italia, el 8 de mayo de 1906, considerado como uno de los principales exponentes del neorrealismo italiano. Debutó con Un piloto regresa (1942), la primera de la llamada Trilogía Fascista, que se completa con La nave blanca (1942) y L'uomo dalla croce (1943). Tras ella llegó la Trilogía Neorrealista, formada por Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (Camarada) (1946) y Alemania, año cero (1948). Del resto de su filmografía, que abarca mas de 30 títulos entre cine y televisión, podemos destacar varias: Deseo (1946), El amor (1948), Francisco, juglar de Dios (1950), Europa '51 (1952), Nosotras las mujeres (1953), Dov'è la libertà...? (1954), Juana de Arco (1954), Ya no creo en el amor (1954), Te querré siempre (1954), El general de la Rovere (1959), Fugitivos en la noche (1960), Ro.Go.Pa.G. (Rogopag) (1963), La toma del poder por parte de Luis XIV (1966), Sócrates (1971) y Blaise Pascal (1972), las dos últimas realizadas para televisión.

La película: La oscura actualidad en el planeta está encabezada una vez mas por varios conflictos bélicos y la triste historia de los refugiados que estos han creado, entre los que está el de millones de sirios que luchan por huir de uno de ellos, además de la, como poco, bochornosa forma en la que esta está siendo tratada por medio mundo, y en especial por una Comunidad Económica Europea que parece haber tardado muy poco en olvidar su pasado reciente, repleto de sangrientas dictaduras y continuos conflictos que hicieron de Europa un lugar asolado por la miseria y necesitado de la ayuda internacional. Creo por tanto que estamos ante un momento inmejorable para poder comprender la película que hoy nos ocupa, una historia imposible de valorar con justicia si la sacamos del contexto en el que se desarrolla, uno que por desgracia se repite una y otra vez en la historia y que lamentablemente se seguirá repitiendo.

Digo esto porque, desde un primer momento, la forma de proceder de su principal protagonista puede parecer un tanto impulsiva y egoísta, sobre todo si no tenemos en cuenta las razones que tiene para comportarse como lo hace. La película no nos cuenta lo que ha sufrido hasta llegar a su comienzo, algo que con el paso de los años se antoja fundamental. Stromboli, tierra de Dios es un retrato de una huida hacia ninguna parte, de la desesperación y la soledad de una mujer atormentada por el inevitable rumbo que ha tomado su vida y de su lucha por mantener sus señas de identidad y volver a sentirse libre. Su guión, obra de Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y el propio Roberto Rossellini, intenta mostrar en la persona de Karin la lucha constante del ser humano por sobrevivir, algo que consigue con nota.

The Missing - Tom Shankland (2014)

Título original - The Missing
Año - 2014
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Shankland
Guión - Harry Williams y Jack Williams
Música - Dominik Scherrer
Fotografía - Ole Bratt Birkeland
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle (6 episodios), Fiona Colbeck y Danielle Palmer
Producción - Chris Clough
Productora - Coproducción USA-Reino Unido; New Pictures / Company Pictures / Two Brothers Pictures / Playground Entertainment / Fortis Film Fund Czar / Vlaamse Radio en Televisie (VRT) / All3Media / British Broadcasting Corporation (BBC) / Starz Entertainment
Género - Drama, Intriga, Miniserie de TV
Reparto - James Nesbitt, Frances O'Connor, Tchéky Karyo, Anastasia Hille, Émilie Dequenne, Jason Flemyng, Saïd Taghmaoui, Titus De Voogdt, Diana Kent, Arsher Ali, Joséphine de La Baume, Issaka Sawadogo
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b04n9mtk

Tom Shankland es el director encargado de llevar a la pequeña pantalla el guión escrito por Harry Williams y Jack Williams, para ofrecernos la historia de la desaparición de un menor y las enormes consecuencias que esta origina. Ocho episodios de una hora de duración de una calidad indiscutible, que basa en su excelente guion, la enorme calidad de su reparto y la maestría del realizador y su equipo, los excelentes resultados que mantendrán al espectador con el corazón en un puño y el alma en un hilo. Una maravilla que no deberían dejar pasar de largo. Por cierto, ha sido tal su éxito que, a pesar de nacer como una miniserie, se ha encargado una segunda temporada que nos contará otro caso totalmente distinto. Por algo será.

Sinopsis: Tony (James Nesbitt) y Emily (Frances O'Connor) sufrieron la desaparición de su hijo Oliver Hughes (Oliver Hunt) durante unas vacaciones en un pequeño pueblo de Francia. Separados hace años, ella intentar rehacer su vida como puede formando otra familia, mientras que el continúa buscando indicios que le permitan saber que fue del chico, algo que se ha convertido en su forma de vida. Cuando cree reconocer la bufanda que Oliver llevaba el día que desapareció en una foto, regresa al lugar de los hechos y pide ayuda a Julien Baptiste (Tchéky Karyo), el inspector que llevó la investigación y que ya está jubilado, para intentar conseguir que se vuelva a abrir el caso.

El director: Thomas Otto "Tom" Shankland es un guionista y director británico de cine y televisión nacido el 07 de mayo 1968. En sus comienzos realizó tres cortometrajes llamados Bubbles (1998), Bait (1999) y Going Down (2000), que le dieron la oportunidad de trabajar en televisión participando en la serie Clocking Off (2000), a la que le siguieron el brillante telefilm Ninguna noche dura lo suficiente (2002) y la participación en la serie Marple (2004). Su debut en la gran pantalla fue Waz (2007), donde mezcla thriller y terror para contarnos la historia de un asesino en serie y los policías que luchan por atraparlo. Al año siguiente presentó The Children (2008), un slasher donde los niños son los protagonistas. De vuelta al mundo televisivo, ha participado en las series The Fades (2010) y Ripper Street (2012), antes de hacerse cargo en solitario de la que hoy nos ocupa.

La serie: The Missing es uno de los productos mas completos que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos, destacando en casi todos los apartados posibles, pero si tuviese que destacar una cualidad por encima de las demás, esta sería el extraordinario y desasosegante realismo que desprende en todo momento, algo que la hace entrar en el alma del espectador sin excesivos problemas, y que en el caso de que este sea padre o madre, se multiplica de tal manera que lo hace de alguna forma participe del dolor de los desdichados protagonistas, algo que unido a las enormes dosis de intriga que derrocha de principio a fin, la hacen no solo una excelente miniserie, sino una historia de las que no se olvidan con facilidad.

Los ingredientes necesarios para conseguir estos excelentes resultados están encabezados por el brillante guión escrito por los hermanos Williams (Roman's Empire, Honest, Fried). En el hay que destacar su excelente ritmo, que rara vez es excesivamente apresurado pero en ningún momento resulta monótono o cansino, la maestría con la que mezcla drama e intriga, que consigue administrar con las dosis precisas en cada momento, su habilidad para mezclar y mostrar a la misma vez los acontecimientos actuales y los que sucedieron en el momento de la desaparición, y por último, la riqueza que las pequeñas historias paralelas sobre las vidas privadas de sus personajes dan al conjunto, siendo estos desarrollados de forma impecable.

Canción de cuna para un cadáver - Robert Aldrich (1964)

Título original - Hush... Hush, Sweet Charlotte
Año - 1964
Duración - 133 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Aldrich
Guión - Lukas Heller y Henry Farrell
Música - Frank DeVol
Fotografía - Joseph Biroc
Montaje - Michael Luciano
Producción - Robert Aldrich
Productora - 20th Century Fox
Género - Intriga, Thriller psicológico
Reparto - Bette Davis, Olivia de Havilland, Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Cecil Kellaway, Victor Buono, Mary Astor, George Kennedy, William Campbell, William Marshall, Bruce Dern

Dos años después de la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), el bueno de Robert Aldrich dirigió y produjo un nuevo trabajo pensado para el lucimiento de la inolvidable Bette Davis, esta vez acompañada por Olivia de Havilland, Joseph Cotten y Agnes Moorehead. Un largometraje que muchos insisten en comparar con el primero, no sin algo de razón, todo hay que decirlo, pero que merece la pena disfrutar sin ningún género de dudas, por su excelente reparto, lo inverosímil que resulta su guión, la brillante fotografía de Joseph Biroc, la maestría de la partitura de Frank DeVol y el buen hacer del memorable Robert Aldrich. Similitudes con el anterior tiene algunas, pero menospreciarla por ello resulta un tanto absurdo, al menos para mi.

Sinopsis: Charlotte Hollis (Bette Davis) vive recluida en la mansión familiar que heredó de su querido padre, sin haber llegado a recuperarse nunca de la trágica muerte de su gran amor, un hombre casado llamado John Mayhew (John Mayhew), de la que el pueblo la hace responsable. Con evidentes problemas mentales y la única compañía de su siempre malhumorada criada Velma (Agnes Moorehead), recibe la noticia de que el estado está a punto de expropiar sus tierras para la construcción de una autopista, por lo que intentará recurrir a su prima Miriam (Olivia de Havilland) y a su viejo amigo Drew (Joseph Cotten), para intentar evitar a toda costa que la echen del que siempre ha sido su hogar.

El director: Robert Aldrich fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Se inició en los estudios RKO y fue ayudante de dirección de Jean Renoir, Joseph Losey y Charles Chaplin. En las tres décadas que permaneció en activo, nos dejó mas de una treintena de trabajos dirigidos, entre los que podemos destacar: Apache (1954), Vera Cruz (1954), La podadora (1955), El beso mortal (1955), Hojas de otoño (1956), Ataque! (1956), El último atardecer (1961), Sodoma y Gomorra (1962), ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), El vuelo del Fénix (1965), Doce del patíbulo (1967), La leyenda de Lylah Clare (1968), Comando en el mar de China (1970), La banda de los Grissom (1971), La venganza de Ulzana (1972), El emperador del norte (1973) y la que hoy nos ocupa.

La película: Lo primero que siempre me viene a la mente cuando observo los estropicios que las actrices actuales cometen al someterse a innumerables intervenciones de cirugía estética, es la variedad y calidad de trabajos que la inolvidable Bette Davis nos dejó durante su carrera, pero en especial los que realizó ya con una edad avanzada. Tanto estirarse la cara acaba por inmovilizar sus rostros, que pierden por completo la capacidad de expresión que deberían tener. En el trabajo que hoy nos ocupa, tras una larga escena introductoria, los títulos de crédito iniciales son acompañados de la imagen de Bette, que por si no fuera suficiente el alarde interpretativo que nos dejará en las dos horas largas que dura la película, nos regala como aperitivo un abanico de gestos y muecas que van desde la alegría a la pena, sin siquiera tener que soltar una palabra, algo que en la actualidad pocas actrices de su edad podrían siquiera imitar.

Digo esto porque, siempre hablando en mi modesta opinión, solo con tenerla a ella en el reparto ya merece la pena ver la película. Ahora bien, el trabajo del que hablamos hoy es como la hermana pequeña de un genio en cualquier materia, siempre a la sombra del mayor e injustamente comparada continuamente con el. No alcanzo a comprender porque esto resulta tan importante para muchos aficionados o críticos, porque si las similitudes entre uno y otro existen, estas se limitan a ser un drama psicológico ambas y a el papel de su principal protagonista, muy similar al que realizó en la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? un par de años antes. Si solo por eso somos incapaces de ver una sin compararla con la otra mal vamos, ya que no existen tantas posibilidades de disfrutar de esta enorme actriz como para dar de lado o menospreciar uno de sus grandes papeles.

Hidden: Terror en Kingsville - Matt Duffer y Ross Duffer (2015)

Título original - Hidden
Año - 2015
Duración - 85 min.
País - Estados Unidos
Director - Matt Duffer y Ross Duffer
Guión - Matt Duffer y Ross Duffer
Música - David Julyan
Fotografía - Thomas Townend
Montaje - Jeffrey M. Werner
Producción - Lawrence Grey, Roy Lee, Mason Novick y Richard D. Zanuck
Productora - Primal Pictures / Warner Bros.
Género - Terror, Thriller
Reparto - Alexander Skarsgård, Andrea Riseborough, Heather Doerksen, Emily Alyn Lind, William Ainscough

El debut en la gran pantalla de los hermanos Duffer (Matt y Ross Duffer) ha llegado a España sin hacer excesivo ruido, saliendo directamente en DVD, por lo que su título le viene que ni pintado. Una pequeña joya escondida que traslada una gran idea a un magnífico guión, capaz de innovar en un género cada vez mas repetitivo, en el que la originalidad brilla cada vez mas por su ausencia. Ideal para los que gustan de ese cine de terror que cumple su cometido sin excesos de hemoglobina, apoyándose en la calidad de la historia, grandes dosis de intriga y el miedo irracional a lo que creemos que anda por ahí, aunque nunca lo hayamos tenido delante. Toda una sorpresa que no puedo mas que recomendaros.

Sinopsis: Ray (Alexander Skarsgård), Claire (Andrea Riseborough) y su hija, Zoe (Emily Alyn Lind), sobreviven como pueden en un antiguo refugio anti-nuclear en el que consiguieron refugiarse hace ya 300 días. Los avisos de las autoridades dieron paso al pánico generalizado de la población, hecho por el que desde entonces viven encerrados intentando no perder la esperanza de que algún día puedan volver a la superficie, aunque lo único que saben con seguridad es que fuera existe algo horrible y desconocido a lo que no quieren ni pueden enfrentarse, algo que en cuanto conozca su existencia irá a por ellos sin ninguna piedad.

Los directores: Los hermanos Duffer han trabajado casi siempre juntos como guionistas o directores principalmente, hasta ahora en cortometrajes o para televisión. Suyos son los cortometrajes We All Fall Down (2005) y Eater (2007). Han participado como guionistas en varios episodios de la serie Wayward Pines (2015), de la que os hablamos aquí y actualmente preparan como guionistas y directores la serie Stranger Things, que actualmente se encuentra en pre-producción y se espera para el próximo 2016.

La película: Antes que nada he de advertiros que estamos ante uno de esos trabajos que basan su efectividad en el desconocimiento del espectador de varios detalles de su trama, por lo que os recomiendo que tengáis especial cuidado si os apetece leer algo mas sobre el fuera de este dominio, no vaya a ser que cualquier "descuidado" os chafe la experiencia antes de tiempo. Créanme, se muy bien de que les hablo. De hecho, yo tendré el máximo cuidado para que conozcáis lo mínimo posible de su historia, comentando solo los motivos por lo que recomiendo su visionado y algunas características de la película que no tendrán influencia alguna a la hora de disfrutarla.

He de reconocer que Hidden: Terror en Kingsville es un título que ya en si mismo creó dudas en mi antes de disfrutarla, aunque es algo a lo que gran parte de la población mundial, y en especial los españoles, deben ya estar mas que acostumbrados, ante la diversidad de títulos que, según en que país se distribuya, se utilizan para un mismo trabajo, por lo que no debemos guiarnos por ello. Mi sorpresa ha sido mayúscula cuando, a la vez que avanzaba el metraje, he ido descubierto un trabajo de una riqueza poco común en el género, que quizás en un principio pueda resultar algo light para los amantes de las emociones mas fuertes, pero que esconde en su interior varias cosas que rara vez nos regala una película de terror o un thriller.

La ruta natural - Àlex Pastor (2004)

Título original - La ruta natural
Año - 2004
Duración - 11 min.
País - España
Director - Àlex Pastor
Guión - Àlex Pastor y Martí Roca
Música - Joan Villarroya
Fotografía - Eduard Grau
Montaje - Eloi Tomàs
Producción - Carlos Pastor y Teresa Vallejo
Productora - Escándalo Films S.L. / ESCAC
Género - Drama, Cortometraje
Reparto - Pere Ventura, Albert López-Murtra, Albert Capdevila, Carlota Ribes, Lucas Zamora

Sinopsis: Cuando Divad (Pere Ventura) despierta tras un extraño accidente en la bañera, es incapaz de recordar nada, ni siquiera su propio nombre. Su casa, su supuesta esposa Arual (Silvia Serván)... Absolutamente todo es desconocido para él. Aunque no pueda concretarlo, algo inquietante y fuera de lo normal parece ocurrir en el mundo que le rodea, algo a lo que tendrá que enfrentarse desde la soledad y la perplejidad que produce el desconocimiento.

El director: La ruta natural fue el primer trabajo del realizador español Àlex Pastor, autor también del cortometraje Peacemaker (2006), un western que contó con José Luís Adserías, Enric Arquimbau y Jordi Gràcia en su reparto y de los largometrajes Infectados (Carriers) (2009), donde mezcla drama, terror y ciencia ficción, con la participación de Chris Pine, Piper Perabo, Lou Taylor Pucci, Emily VanCamp, etc. y Los últimos días (2013), un thriller de ciencia ficción postapocalíptico protagonizado por Quim Gutiérrez, José Coronado y Marta Etura, ambos escritos y dirigidos junto a David Pastor.

El cortometraje: Que levante la mano la persona que no haya deseado alguna vez en su vida dar marcha atrás en el tiempo, para así tener la posibilidad de actuar de forma distinta o disfrutar mas de ciertas cosas que, con el paso del tiempo, adquieren para nosotros su importancia real. Pero lo que realmente anhelamos es volver a vivir cierto periodo de tiempo, algo que nada tiene que ver con cambiar el sentido de los acontecimientos, el orden en el que los vamos viviendo y experimentando.

Bajo esta curiosa premisa, Àlex Pastor y Martí Roca escribieron el jugoso guión en el que se basa este curioso cortometraje, que es de esos que invitan a la reflexión tras su visionado, mostrándonos esas pequeñas cosas que quizás no apreciamos tanto como deberíamos o a las que simplemente no prestamos la suficiente atención. La forma de señalarlas es brillante, ya que les basta con ponernos en el lugar de alguien que ha perdido la memoria y ha de vivirlas como si de la primera vez se tratase. El resultado es bastante satisfactorio, por lo que no es de extrañar la multitud de premios que obtuvo, entre los que destacan el Premio Nova Autoria (mejor guión) en el Festival de Sitges, el premio al Mejor cortometraje internacional en el Festival de Sundance y la nominación al Mejor cortometraje de ficción en los Goya.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Pinceladas de clásicos del terror: El extraño caso del Dr. Jekyll - Victor Fleming (1941)

Título original - Dr. Jekyll and Mr. Hyde
Año - 1941
Duración - 113 min.
País - Estados Unidos
Director - Victor Fleming
Guión - John Lee Mahin, basado en la novela El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson
Música - Franz Waxman
Fotografía - Joseph Ruttenberg
Montaje - Harold F. Kress
Producción - Victor Fleming y Victor Saville
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género - Drama, Terror
Reparto - Spencer Tracy, Ingrid Bergman, Lana Turner, Donald Crisp, Ian Hunter, Barton MacLane, C. Aubrey Smith, Peter Godfrey, Sara Allgood, Frederick Worlock, William Tannen, Frances Robinson, Denis Green, Billy Bevan, Forrester Harvey, Lumsden Hare, Lawrence Grant

Victor Fleming fue el encargado de co-producir y dirigir en 1941 una nueva película de una de las novelas que mas adaptaciones ha soportado en la historia, El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson. Con un excelente reparto encabezado por Spencer Tracy, Ingrid Bergman y Lana Turner, el guión de John Lee Mahin y la fotografía de Joseph Ruttenberg, estamos ante un trabajo muy disfrutable, aunque tildado de innecesario por muchos de los incondicionales de la versión de 1931 (El hombre y el monstruo), dirigida por Rouben Mamoulian y que dio, aunque fuese de manera compartida, el Oscar como mejor actor al brillante Fredric March, a la que creo no consigue superar.

Sinopsis: El Dr. Jekyll (Spencer Tracy) es un prestigioso doctor y un incansable doctor obsesionado con la lucha entre el bien y el mal, para lo que tiene la intención de crear un fármaco capaz de aislarlos y poder controlarlos. A pesar de estar a punto de casarse con la bella Bea Emery (Lana Turner), sus investigaciones lo llevan a obsesionarse de tal forma que, ante la imposibilidad de experimentar con seres humanos, decide probar el mismo los efectos del medicamento que ha creado, dando nacimiento así a Mr. Edward Hyde, un ser lleno de maldad que tan solo comparte con el el uso de su cuerpo, resultando cada vez mas difícil para el Dr. Jekyll evitar la transformación en Hyde, o al menos poder llegar a controlarlo.

El director: Victor Fleming fue un cineasta norteamericano nacido en La Cañada, California, el 23 de febrero de 1889. Entrando en el mundo del cine casi por casualidad, debutó en 1919 dirigiendo junto a Theodore Reed el mediometraje Pesadillas (1919). En sus 30 años dirigiendo cine realizó mas de 40 trabajos entre los que podemos destacar El virginiano (1929), Tierra de pasión (1932), La isla del tesoro (1934), Capitanes intrépidos (1937), El gran vals (1938), La vida es así (1942), Dos en el cielo (1943) y Juana de Arco (1948), además de los dos trabajos consecutivos que lo han hecho pasar a la historia de cine entre los mas grandes: El mago de Oz y Lo que el viento se llevó (junto a George Cukor y Sam Wood), ambas de 1939.

La película: Para entender un poco mejor como funcionaba la industria del cine en otras épocas viene bien conocer pequeñas historias como la de esta película, o en este caso concreto, el ultraje que intentaron cometer sus responsables con los fines que podéis imaginar. La Metro-Goldwyn-Mayer adquirió los derechos de la película de 1931, originalmente lanzada por Paramount Pictures, con el fin de mantener la película fuera de la circulación. No contentos con ello, cada copia de la película de 1931 que pudieron localizar fue destruida, convirtiéndola durante décadas en un producto perdido del que solo quedaban unas cuantas imágenes para el recuerdo. Por suerte, y después de mucho tiempo, se encontró una copia de la misma y esta fue recuperada y restaurada, evitando así uno de los actos mas deplorables cometidos en el universo del séptimo arte. ¿Los motivos? Como he mencionado antes, que cada cual saque sus propias conclusiones.

Dicho esto, creo que sería injusto no disfrutar de este trabajo solo por la forma de actuar de algunos de sus responsables, ya que una cosa es conocer ciertos hechos históricos y otra muy diferente sería juzgar un trabajo solo por ellos. La adaptación de Victor Fleming tiene, al menos a priori, todos los ingredientes necesarios para ser una gran película, aunque también se cometieron en ella ciertos errores que evitan que su nota suba un par de puntos, al menos esa es mi opinión particular, que no tiene por que coincidir con la suya. El guión de John Lee Mahin (Senda prohibida, Quo Vadis, Mogambo, La mala semilla) es bastante brillante, aunque hay que decir que se toma bastantes licencias en referencia a la novela. La historia es muy interesante, tiene un ritmo adecuado y consigue mantener la atención del espectador hasta el final.

Son of a Gun - Julius Avery (2014)

Título original - Son of a Gun
Año - 2014
Duración - 108 min.
País - Australia
Director - Julius Avery
Guión - Julius Avery
Música - Elliott Wheeler
Fotografía - Nigel Bluck
Montaje - Jack Hutchings
Producción - Timothy White
Productora - Bridle Path Films / WBMC / Media House Capital / Southern Light Films / Altitude Film Entertainment
Género - Thriller, Acción
Reparto - Ewan McGregor, Brenton Thwaites, Alicia Vikander, Matt Nable, Damon Herriman, Nash Edgerton, Jacek Koman, Tom Budge, Eddie Baroo, David Partridge, Ben Weirheim, Tammie West, Rick Tonna, Isaac Money, Warwick Sadler

Son of a Gun es el primer largometraje de Julius Avery, en el que se encarga, además de la dirección, de la redacción de su guión. Un trabajo en el que mezcla varios géneros de forma algo arriesgada, que le sirve para mostrar sus credenciales y que lo presenta como un realizador que puede darnos muchas alegrías en el futuro, ya que talento no le falta. Con la fotografía de Nigel Bluck y los papeles principales para Ewan McGregor, Brenton Thwaites y Alicia Vikander, estamos ante un título bien dirigido y muy interesante, a pesar de ser irregular y mejorable en varios aspectos.

Sinopsis: El joven J.R. (Brenton Thwaites) es encerrado por primera vez por un delito menor. Su falta de experiencia lo pondrá pronto en el punto de mira de un grupo de peligrosos reclusos que ven en el a un candidato ideal para sus juegos sexuales, ante lo que Brendan Lynch (Ewan McGregor), uno de los criminales mas peligrosos de Australia le ofrece su protección. Sin otra salida, J.R. no tiene mas remedio que aceptar, aunque no tardará mucho en comprobar que la ayuda de Lynch no será gratuita, ya que tiene pensado un arriesgado trabajo para el en el momento que sea puesto en libertad.

El director: A pesar de que Julius Avery debute en la gran pantalla con Son of a Gun, posee ya una amplia experiencia en el mundo del cine, habiendo realizado tareas como guionista, montador, encargado de la fotografía, de cámara y electricidad, e incluso de productor. Como director es responsable de seis cortometrajes: Matchbox (2002), Little Man (2004), Solvent (2004), End of Town (2006), The Tank (2007) y Jerrycan (2008). En todos ellos ha ejercido también como guionista, además de escribir el guión de Yardbird (2012), dirigido por Michael Spiccia.

La película: Son of a Gun es lo que yo llamo un trabajo correcto, bastante ameno de ver y muy esperanzador, ya que tenemos que tener en cuenta que es un debut y en el se ven los ingredientes necesarios como para esperar con bastante optimismo los próximos trabajos de un director que necesita algo de experiencia, pero al que parecen sobrarle condiciones para ello. Digo esto porque su trabajo en la dirección resulta bastante bueno, sobre todo tras las cámaras, aunque aún le falte una chispa para concretar una buena dirección de actores, uno de los apartados en los que la cinta resulta mejorable.

Y es que estamos ante un producto con bastantes elementos a su favor, pero que carece de la consistencia necesaria para llegar a ser notable. Parte de culpa de ello la tiene el guión escrito por el propio Julius Avery, que posee elementos meritorios pero algo inconexos entre si, como si de un buen plato con buenos ingredientes se tratase, pero no del todo bien cocinado hasta su resultado final. Sus personajes no están del todo bien dibujados o son insuficientemente desarrollados en algunos casos, restando bastante credibilidad al resultado final. Su intento de unir varios géneros resulta un tanto forzada, una lástima viendo el buen resultado conseguido en dichos elementos por separado, algo de lo que no creo que se pueda dudar.

Cube - Vincenzo Natali (1997)

Título original - Cube
Año - 1997
Duración - 92 min.
País - Canadá
Director - Vincenzo Natali
Guión - Vincenzo Natali, Andre Bijelic y Graeme Manson
Música - Mark Korren
Fotografía - Derek Rogers
Montaje - John Sanders
Producción - Colin Brunton, Mehra Meh y Betty Orr
Productora - Cube Libre / The Feature Film Project / The Harold Greenberg Fund / Odeon Films / Ontario Film Development Corporation / Téléfilm Canada / Viacom Canada
Género - Fantástico, Terror, Thriller
Reparto - Maurice Dean Wint, Nicole de Boer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrew Miller, Wayne Robson, Julian Richings

Nunca olvidare la primera vez que vi esta película. Acababa de cenar con mi pareja y nos disponíamos a hacer zapping para ver que ponían por televisión (que tiempos aquellos en los que se podía ver cine en televisión sin sufrir continuos y eternos cortes publicitarios). Al cambiar de canal vimos como comenzaba una película de la que no sabíamos ni el nombre y muchísimo menos de que trataba, pero como desde el primer instante fue capaz de absorber toda nuestra atención y alimentar nuestra curiosidad, ya nos volvimos a tocar el mando. El resultado fue realmente impactante, ya que nos tuvo pegados a la pantalla hora y media casi sin pestañear. Tras finalizar me entere de que era Cube, esta maravilla hecha con cuatro perras que hoy recordamos para quien no la haya disfrutado aún.

Sinopsis: La película comienza con un grupo de personas que despierta cada una en una habitación diferente con forma de cubo, sin saber ninguna de ellas cuando, como o porque motivo están allí. Se trata de un grupo de personas muy diferentes entre si, que poseen ciertos conocimientos o habilidades propias que no poseen el resto. Tras el lógico aturdimiento inicial, comienzan a investigar y descubren que cada habitación tiene seis salidas, una por cada cara del cubo. También observan una secuencia numérica en cada una de ellas que parece podría ser la clave para poder salir de allí, ya que existen diferentes trampas en ciertas habitaciones que deberán eludir si desean sobrevivir.

El director: Vincenzo Natali es un director de cine y guionista canadiense nacido el 6 de enero de 1969. Tras el éxito que consiguió con Cube en 1997, no volvió a dar señales de vida hasta Cypher (2002), un excelente trabajo de ciencia ficción con Jeremy Northam y Lucy Liu entre su reparto. Tras la comedia fantástica Nothing (2003) y el documental Getting Gilliam (2005), escribió y dirigió un segmento de la brillante Paris, je t'aime (2006). En el resto de su filmografía tenemos Splice: Experimento mortal (2009), Haunter (2013), el corto Darknet (2013) y la participación en las series Hemlock Grove (2013), Hannibal (2013), recientemente cancelada y Darknet (2014), de la que es el creador. También ha participado en The ABCs of Death 2 (2014), escribiendo y dirigiendo uno de los cortos que la forman.

La película: Cube es uno de esos trabajos que sirven como perfecto ejemplo de que lo único que hace falta para que una película funcione es un grupo de profesionales con ganas de trabajar y un buen guión basado en una idea brillante. Tras ella han llegado multitud de trabajos basados en ideas similares y muchos que han utilizado a esta como inspiración o espejo donde mirarse, pero la originalidad no puede ni debe ser compartida, además de que a pesar de que muchas de ellas han tenido y tendrán presupuestos mucho mayores, difícilmente consiguen los resultados que consiguió esta pequeña maravilla.

Y es que resulta realmente complicado hablar de este trabajo sin llegar a meter la pata, ya que se antoja fundamental disfrutarlo sabiendo lo mínimo posible de el. Por mi parte podéis estar tranquilos porque, no solo es que sea una de mis prioridades no chafar la experiencia de ver un trabajo por leer un artículo, algo que quien me haya leído con anterioridad sabe que nunca hago, sino que lo que mas odio a la hora de comentar una película es desvelar detalles haciéndolo, hecho por el que cada vez leo menos críticas antes de ver un film, algo que si suelo hacer a veces después de hacerlo.

Scoop - Woody Allen (2006)

Título original - Scoop
Año - 2006
Duración - 91 min.
País - Reino Unido
Director - Woody Allen
Guión - Woody Allen
Música - Varios
Fotografía - Remi Adefarasin
Montaje - Alisa Lepselter
Producción - Letty Aronson y Gareth Wiley
Productora - Coproducción GB-USA; BBC Films / Focus Features / Ingenious Film Partners
Género - Comedia, Romance
Reparto - Woody Allen, Scarlett Johansson, Hugh Jackman, James Nesbitt, Ian McShane, Romola Garai, Kevin McNally
Web oficial - http://www.scoopmovie.net/

Scoop es el segundo trabajo de Woody Allen y Scarlett Johansson juntos, tras la maravillosa Match Point (2005). En esta ocasión, el veterano director escribe, dirige y actúa en una comedia romántica cuyo reparto principal lo completa el todo terreno Hugh Jackman. Un trabajo ameno y divertido que no exige prácticamente ningún esfuerzo al espectador, que solo ha de poner hora y media de su valioso tiempo, recibiendo a cambio un rato de diversión como hacía tiempo que el prolífico director no nos regalaba. Ideal para la época en la que se estrenó, un caluroso verano en el que raramente encontramos excesivos productos de calidad en las salas.

Sinopsis: Sondra Pransky (Scarlett Johansson) es una estudiante de periodismo estadounidense que durante unas vacaciones en Londres trata de entrevistar a un famoso director. Un día asiste al espectáculo de un mago de tercera que se hace llamar "Splendini" (Woody Allen) que la hace subir al escenario como colaboradora. Esperando a que el mago realice su truco, se le aparece el espíritu de un famoso periodista recién fallecido Joe Strombel (Ian McShane), con la intención de darle una gran exclusiva, la identidad del asesino del tarot, que tiene desconcertada a la policía. Este no es otro que el hijo de un Lord inglés llamado Peter Lyman (Hugh Jackman), por lo que Sondra intentará que el mago la ayude a desenmascararlo, para así conseguir su primera gran exclusiva.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Scoop es un trabajo que ha dejado en mi sensaciones encontradas, aunque no quiero que crean que con esto quiero decir que no merezca la pena disfrutarla, algo de lo que no deben tener ninguna duda. Por una parte resulta un tanto simple en comparación con algunas de sus mejores obras, algo que para algunos puede ser incluso una virtud, echando de menos al Allen mas rebuscado y extravagante. Por otro lado, me ha hecho pasar uno de los mejores ratos que una comedia ha conseguido últimamente, sobre todo en las partes donde el interviene como actor, repletas de momentos realmente conseguidos y muy, muy divertidos, aunque ya saben como es esto del humor, lo que a unos les hace gracia a otros los deja indiferentes. Lo cierto y verdad es que viendo como está el panorama cinematográfico en el género, creo que esta es una excelente opción, de las mejores diría yo.

Lo que mi atrofiada mente no alcanza a comprender es como se compara este trabajo con otros muchos mas serios como Match Point. Es como si dan por hecho que viendo una película dirigida por este señor, ya las has visto todas, cuando en realidad ha realizado cine muy diferente durante su carrera, con su toque particular y característico, claro está, pero ni mucho menos igual, como muchos quieren hacernos creer. Si tengo que comparar esta película con alguna anterior o nombrar alguna que tenga puntos en común con la que hoy nos ocupa, esta sería Misterioso asesinato en Manhattan, en la que se realiza una mezcla de géneros similar. El humor y la intriga van de la mano en todo momento, aderezados con ligeros toques románticos, para mostrarnos una historia sencilla, muy divertida y con la duración justa.

Barry Lyndon - Stanley Kubrick (1975)

Título original - Barry Lyndon
Año - 1975
Duración - 183 min.
País - Reino Unido
Director - Stanley Kubrick
Guión - Stanley Kubrick, basándose en una novela de William Thackeray
Música - Leonard Rosenman, Varios
Fotografía - John Alcott
Montaje - Tony Lawson
Producción - Jan Harlan, Stanley Kubrick y Bernard Williams
Productora - Warner Bros / Hawk Films
Género - Drama
Reparto - Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali, Patrick Magee, Mary Kean, Philip Stone, Hardy Krüger, Gay Hamilton, Wolf Kahler, Steven Berkoff, Murray Melvin, André Morell, Diana Loerner, Frank Middlemass, Arthur O'Sullivan, Leonard Rossiter

Cuando en 1975, el inolvidable Stanley Kubrick estrenó Barry Lyndon, esta había sido precedida por la legendaria 2001: Una Odisea del Espacio y la controvertida La naranja mecánica, por lo que no obtuvo resultados tan favorables como las mencionadas, a pesar de lo cual se llevó cuatro Oscar. El enorme cambio de registro no fue recibido bien por parte del público, notándose mucho en sus resultados en taquilla. El inexorable paso del tiempo parece haber ido poniendo a este magnífico cuasi documental sobre la vida en el siglo XVIII en el lugar que le corresponde, ya que como casi todo lo que hizo el maestro, resulta una excelente experiencia donde se cuida cada detalle con mimo.

Sinopsis: El joven Redmond Barry (Ryan O'Neal), un inocente muchacho que vive en la Irlanda de siglo XVIII, se enamora perdidamente de su descarada prima Nora Brady (Gay Hamilton), que juguetea con el hasta que conoce al mucho mejor situado capitán John Quin (Leonard Rossiter). Tras batirse con el en duelo por su amor, Redmond Barry huye para evitar ser apresado y se acaba enrolando en el ejercito inglés. Seguiremos las peripecias de nuestro protagonista por media Europa, asistiendo a su progresivo ascenso en la sociedad y a su inevitable caída, por su extravagante forma de vida y a sus diferentes y costosos vicios.

El director: Resumir la carrera de uno de los directores mas notables de la historia del cine con unas pocas palabras es poco menos que imposible. Obsesionado con los detalles, como buen fotógrafo que era, nos dejó una no muy prolífica pero brillante filmografía en la que tocó varios géneros totalmente opuestos, entre la que yo destaco títulos como Atraco perfecto (1956), Senderos de gloria (1957), Espartaco (1960), Lolita (1962), ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964), 2001: Una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971), El resplandor (1980) o La chaqueta metálica (1987). Como pueden comprobar, la escasez de títulos en su filmografía es insignificante ante la enorme calidad media de estos.

La película: Resulta curioso ver como un gran profesional como Kubrick fue capaz de elevar un título que, en manos de otros directores, habría pasado sin pena ni gloria a la historia del cine. Su enorme cuidado en cada detalle, su obsesión con encontrar las localizaciones idóneas y con elegir el plano mas adecuado para cada momento, hacen de este un título inigualable, en el que hay que tener en cuenta varias cuestiones para comprender lo que el cineasta buscaba, algo que consiguió sobradamente. Entre sus detractores encontraréis quien se queje del reparto elegido, del uso que se hace de la voz del narrador, del exceso de metraje, del uso y volumen de la música clásica utilizada o de la falta de interés de su historia en muchos momentos, aunque en mi modesta opinión, todo ello tiene el fin de mostrar el cuadro que el cineasta quería.

Digo esto porque muchos espectadores se disponen a ver este trabajo como lo que no es, aunque en muchos momentos lo parezca. En Barry Lyndon encontramos drama, comedia, alguna que otra aventura y poco mas, pero el espíritu de la película no es otro que realizar un retrato de la Europa de la época, de la forma de vida de sus diferentes clases sociales y las enormes desigualdades entre ellas, de sus eternos conflictos entre naciones. Hay que tener en cuenta que en muchos momentos parece un documental, por lo que si no te atrae mucho la vida de la época, un tanto aburrida principalmente en las clases sociales mejor situadas, ni la música clásica, creo que esta no es la mejor película que ver.

La historia de siempre - José Luis Montesinos (2009)

Título original - La historia de siempre
Año - 2009
Duración - 11 min.
País - España
Director - José Luis Montesinos
Guión - José Luis Montesinos
Música - Marc Martin
Fotografía - Marc Zumbach
Montaje - José Luis Montesinos
Producción - Arturo Méndiz
Productora - Bastian Films
Género - Drama, Cortometraje
Reparto - Miguel Ángel Jenner, Ángel de la Guarda, Chus Leiva, Roger Batalla, Alzira Gómez, Graham Roberts
Web oficial: https://lahistoriadesiempre.wordpress.com/

Sinopsis: La conversación telefónica de un hombre tiene en vilo a todos los pasajeros del autobús en el que viajan. Habla con su mujer, la cual le abandonó hace ya un mes. Ella está en su casa. Él va a ayudarla a encontrar algo que se dejó olvidado al hacer la maleta, pero sobre todas las cosas va a intentar tener una segunda oportunidad cambiando la vida de todos los que le rodean.

El director: José Luis Montesinos nace en 1978 en Tarragona, estudia Ingeniería en Imagen y Sonido en la Escuela La Salle Bonanova de la Universidad Ramon Llull. Al mismo tiempo se gradúa en Dirección en Cinematografía en el Centro de Estudios Cinematográficos de Catalunya (CECC). Con experiencia en la dirección de spots publicitarios, ha sido realizador de Televisió de Catalunya en diferentes programas. Actualmente ejerce de guionista en diferentes productoras de varios largometrajes para cine y es realizador de TV. Es responsable de los cortometrajes Final (2003), Fest. A la hora de ganar todo vale (2008), Matagatos (2010) y El corredor (2014), además del que hoy nos ocupa.

El cortometraje: Resulta curioso comprobar como en la mayoría de reseñas y críticas que he leído sobre La historia de siempre, sus autores se encargan de dejar claro que odian el comportamiento de esas personas que viven pendiente de la vida de los que los rodean, algo en lo que me incluyo, sin lugar a dudas, pero realmente hay algo en el ser humano (hablo en general) que lo incita a saber que ocurre a nuestro alrededor, incluso a las personas con las que nos cruzamos, aunque no sepamos absolutamente nada de ellas, aunque sea la primera y la última vez que vayamos a tenerlos al lado. Es algo que va unido a nosotros, a como somos, a nuestra naturaleza, algo que casi nadie reconoce, pero que le ocurre a una gran mayoría. Podéis llamarlo como queráis, pero hay escenas que hacen salir el pequeño voyeur que llevamos dentro, algo que en este trabajo está perfectamente representado y que hace que parezca tan cotidiano y real.

Su premisa es tan sencilla como creíble, un señor que comienza una conversación telefónica en un tono elevado durante un viaje en un autobús urbano, que en principio molesta a la mayoría del pasaje, pero que al revelar su naturaleza, hace que estos necesiten saber como acabará. Una buena historia del propio José Luis Montesinos, unos actores que realizan un trabajo soberbio, sobre todo el del actor de doblaje Miguel Ángel Jenner, hasta ahora la voz de actores como Samuel L. Jackson o Jean Reno, entre otros, que aquí interpreta el papel protagonista de forma magistral y un final inesperado que enriquece el conjunto y lo hace mas completo si cabe, dan como resultado un cortometraje brillante que toca en diez minutos una infinidad de temas de rabiosa actualidad. Para no perdérselo.

Mencionar que está producido por Bastian Films y ha sido galardonado con 130 premios a nivel Nacional e Internacional, entre los que destacan Festivales como Málaga, Medina del Campo, Mieres, Trieste, Hong Kong, Rhode Island, etc.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Vimeo

Fortitude - Simon Donald (2015)

Título original - Fortitude
Año - 2015
Duración - 60 min.
País - Reino Unido
Director - Sam Miller, Hettie Macdonald, Nick Hurran, Richard Laxton
Guión - Stephen Brady, Tom Butterworth, Simon Donald, Chris Hurford, Ben Richards
Música - Ben Frost
Fotografía - John Conroy, David Luther, Christopher Ross, Gary Shaw
Montaje - Stephen O'Connell, Yan Miles, Trevor Waite, Emma E. Hickox y Katie Weiland
Producción - Matthew Bird y Trevor Hopkins
Productora - Fifty Fathoms Productions / Sky Atlantic / Tiger Aspect Productions
Género - Serie de TV, Drama, Intriga
Reparto - Richard Dormer, Stanley Tucci, Michael Gambon, Sofie Gråbøl, Johnny Harris, Luke Treadaway, Christopher Eccleston, Nicholas Pinnock, Jessica Raine, Verónica Echegui, Sienna Guillory, Phoebe Nicholls, Darren Boyd, Björn Hlynur Haraldsson, Darwin Brokenbro, Mia Jexen, Elizabeth Dormer-Phillips, Aaron McCusker, Jessica Gunning, Chipo Chung, Alexandra Moen, Emil Hostina, Charlotte Pyke, Michael Obiora, Jonjo O'Neill, Lee Nicholas Harris
Web oficial - http://www.sky.com/tv/show/fortitude

Simon Donald es el creador de la serie Fortitude para Sky Atlantic. Un trabajo cuyo principal hándicap (para algunos) puede ser su ritmo pausado, pero que a cambio nos regala una excelente historia, grandes dosis de intriga, una ambientación fantástica y el excelente trabajo de todo su elenco, en un producto que se vuelve mas y mas adictivo conforme avanza la historia, vayamos conociendo a sus personajes y resolviendo incógnitas que dan paso a otras mucho mayores. Puede que no guste a todos por igual, pero en mi opinión es una serie realmente completa y enormemente adictiva. Si deciden verla, no la juzguen solo por dos episodios, seguro que con el paso del tiempo no se arrepentirán.

Sinopsis: Fortitude es un pequeño pueblo aislado en el ártico, donde solo unos pocos noruegos y rusos se atreven a vivir. Sus principales características son el duro clima que soporta, la enorme belleza de sus paisajes y la total tranquilidad con la que se vive en el. Hildur Odegard (Sofie Gråbøl), la gobernadora del lugar, planea construir un exótico hotel subterráneo que puede producir enormes beneficios, por lo que encarga un estudio al prestigioso científico Charlie Stoddart (Christopher Eccleston), que tras redactar un informe favorable, encuentra algo bajo la superficie que parecen poder ser los restos de un mamut, por lo que piensa cambiar este informe. Todo se complica tras aparecer el cadáver de Charlie brutalmente mutilado en su propia casa, algo insólito en el lugar que obligará al sheriff Dan Anderssen (Richard Dormer) y a su escueto y poco preparado equipo, a enfrentarse a algo con lo que nunca hubieran imaginado.

El creador: Simon Donald es un actor, guionista director y productor británico de cine y televisión. Como guionista ha participado en Los secretos de la inocencia, Criaturas hermosas y algún episodio de la serie Wallander, entre otras. Como productor ha hecho lo propio en Criaturas hermosas, la miniserie The Deep y la serie Fortitude, que es la que hoy nos ocupa, mientras que como director solo trabajó en la fallida The Life of Stuff, de 1997. Fortitude ha supuesto para el todo un desafío, viendo sus esfuerzos recompensados con la renovación de la serie para una segunda temporada, que les aseguro que no me perderé.

La serie: Si deciden echar un vistazo por la red y leer diversas opiniones sobre el producto del que hoy les hablo, encontrarán bastantes que la calificarán de muy lenta, excesivamente fría y varios calificativos similares. Lo único que se me ocurre tras disfrutar su primera temporada "completa", es que la mayoría de estos comentarios y críticas han sido realizados tras ver, no mas de dos o tres episodios a lo sumo, lo que explicaría la opinión que ha dejado en ellos. Pero ojo, no quiero decir con esto que yo posea la verdad absoluta, sino que me cuesta mucho entender que viendo los doce episodios que componen dicha temporada, la opinión sea la misma que viendo solo los primeros, ya que en Fortitude todo muta con el paso del tiempo, muy poco a poco al principio, no le quepa duda, pero de forma firme e inexorable, hasta convertirse en un producto muy alejado del que en un principio parece.

Les comento esto porque yo mismo, tras leer la opinión de varios aficionados y críticos, era bastante reacio a comenzar a verla y la he tenido en cuarentena un tiempo, e incluso les puedo asegurar que tras ver los dos primeros episodios (el piloto de casi dos horas) en una noche, me planteé la posibilidad de abandonarla, algo que a día de hoy me alegro de no haber hecho, ya que me hubiera perdido uno de los productos mas completos que he disfrutado últimamente. Lo que ocurre es que el desarrollo de los personajes es el gran protagonista de sus inicios, dando una imagen un tanto errónea de su verdadero espíritu, pero una vez nos familiaricemos con ellos y la historia comience a mostrarse tal cual en realidad es, resultará poco menos que imposible abandonarla.