Narcos - Chris Brancato, Carlo Bernard y Doug Miro (Serie de Tv., 2015)

Título original - Narcos
Año - 2015
Duración - 52 min.
País - Estados Unidos
Director - Chris Brancato, Carlo Bernard y Doug Miro (Creadores), José Padilha, Guillermo Navarro, Andrés Baiz (Andi Baiz), Fernando Coimbra
Guión - Chris Brancato, Carlo Bernard, Doug Miro, Paul Eckstein, Samir Mehta, Andrew Black, Dana Calvo, Nick Schenk, Zach Calig, Dana Ledoux Miller
Música - Pedro Bromfman
Fotografía - Mauricio Vidal, Lula Carvalho y Adrián Teijido
Montaje - Leo Trombetta, Matthew Colonna, Luis Carballar y Victor Du Bois
Producción - Paul Eckstein, José Luis Escolar y José Padilha
Productora - Gaumont International Television / Netflix
Género - Serie de TV, Drama
Reparto - Wagner Moura, Pedro Pascal, Boyd Holbrook, Joanna Christie, Maurice Compte, Stephanie Sigman, Ana de la Reguera, Bruno Bichir, Roberto Urbina, Danielle Kennedy, Diego Cataño, Paulina Gaitán, Raúl Méndez, Gabriela de la Garza, Vera Mercado, Juan Pablo Raba, Jorge A. Jimenez, Thaddeus Phillips, Richard T. Jones, Adria Arjona, Julian Bustamante, Luis Gnecco, Alberto Ammann, Luis Guzmán

Chris Brancato, Eric Newman y Carlo Bernard son los creadores de esta ambiciosa serie que nos muestra el ascenso del narcotraficante Pablo Escobar, la formación del Cartel de Medellín y los posteriores intentos de los dirigentes estadounidenses por combatirlos y destruirlos. Un producto que aúna la necesaria fidelidad a los hechos históricos, la introducción de elementos de ficción que no los alteran en exceso y la efectividad con la que estos son llevados a la pequeña pantalla, dando lugar a una serie tan reveladora como adictiva y amena, con la que, una vez hayamos comenzado a disfrutarla, resultará realmente difícil dejar de hacerlo.

Sinopsis: Pablo Escobar (Wagner Moura) es un respetado mafioso que realiza sus turbios negocios con total impunidad en Colombia. Pero al conocer el negocio que el narcotráfico a los Estados Unidos puede suponer, comienza a introducir cocaína en el país, a pequeña escala en un principio, pero aumentando poco a poco hasta llegar a limites inimaginables. Tras ser detectado este aumento por las autoridades estadounidenses, el gobierno envía al agente de la DEA Steve Murphy (Boyd Holbrook) a Colombia para, con la ayuda de las fuerzas de seguridad locales, intentar perseguir y detener a Pablo, con el fin de desarticular el Cartel de Medellín, una de las organizaciones mas poderosas y eficientes de la era moderna.

Los creadores: Chris Brancato es un escritor y productor de televisión. Ha participado en productos como Expediente X, Hampones, Crossing Jordan, Species II, True Blue, Ley y orden: Acción criminal, La tapadera o Hannibal, entre otros. Carlo Bernard es un escritor que ha trabajado en el cine en El gran rescate, Presencias extrañas, Prince of Persia. Las arenas del tiempo o El aprendiz de brujo. En Narcos ha ejercido también como productor ejecutivo de un episodio. Por su parte, Doug Miro es un escritor que ha participado en El gran rescate, Presencias extrañas, Prince of Persia. Las arenas del tiempo o El aprendiz de brujo.

La serie: La figura de Pablo Escobar ha sido llevada a la pequeña y la gran pantalla en multitud de ocasiones, por lo que no se puede decir que la esencia de Narcos sea algo excesivamente original, ni mucho menos. Por lo tanto, resulta bastante arriesgado volver a contar una historia de la que casi todo el mundo conoce, como poco, su final, algo que puede echar para atrás a mas de un aficionado, mas aún viendo la variada selección de series de calidad que en la actualidad pueblan las cadenas de televisión y las principales plataformas digitales. Pero créanme si les digo que sería un error dejar pasar de largo un producto de la calidad del que hoy nos ocupa, capaz de mostrar una historia como esta de forma realmente fiel a la realidad, pero sin olvidar el principal espíritu de una serie de televisión: resultar lo suficientemente interesante y adictiva como para crear la necesidad en el espectador de continuar disfrutándola.

Creo que hay varias razones para que realmente merezca disfrutarla, comenzando por la forma en la que esta es contada al espectador. En ningún momento toman partido sus creadores por ninguno de sus bandos, algo muy habitual en este tipo de productos, realizando un excelente desarrollo de personajes que sirve para que cada cual los vaya conociendo y los juzgue según su propia opinión y ética. Por el contrario, es el conflicto el que tiene el mayor protagonismo en esta ocasión, mostrando al espectador los avances en la forma en que los traficantes consiguen evitar las fronteras y los agentes van conociendo a los que son sus máximos responsables y los métodos que utilizan, para intentar acabar con ellos. Esta forma de exponer la historia, junto al uso de la voz de un narrador (la del agente de la DEA Steve Murphy) con un aire desenfadado, en muchos momentos casi chulesco, que nos va dando infinidad de datos que las imágenes no podrían acaparar, la hacen tener rasgos propios que la diferencia de todas las demás.

Love & Mercy - Bill Pohlad (2014)

Título original - Love and Mercy
Año - 2014
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Bill Pohlad
Guión - Oren Moverman y Michael A. Lerner
Música - Atticus Ross
Fotografía - Robert D. Yeoman
Montaje - Dino Jonsäter
Producción - Bill Pohlad, Claire Rudnick Polstein y John Wells
Productora - John Wells Productions / River Road Entertainment
Género - Drama
Reparto - Paul Dano, John Cusack, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Kenny Wormald, Dee Wallace, Erin Darke, Max Schneider, Nikki Wright, Michelle Lenhardt, Claudia Graf, Joanne Spracklen, Paige Diaz, Violet Paley, Kirstin Masters
Web oficial - http://www.loveandmercyfilm.com/

Casi un cuarto de siglo después de su debut, con el que es hasta la fecha su único trabajo en la dirección, Bill Pohlad irrumpe en el panorama cinematográfico con una excelente película, que va mucho mas allá de lo que suele ofrecer cualquier biopic musical al uso. Una apuesta realmente arriesgada que nos muestra la vida del músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, al que dan vida de forma admirable los actores Paul Dano y John Cusack. Una figura clave de la música pop no merecía menos. Sencillamente imprescindible.

Sinopsis: Brian Wilson es uno de los personajes claves de la música pop, aunque su vida está muy lejos de haber sido un camino de rosas. Para mostrárnosla, el realizador nos la enseña a caballo entre dos etapas claves de la misma, los años 60, en los que se produjo el boom de los Beach boys y donde es interpretado por Paul Dano, y los turbulentos años 80, etapa en la que es John Cusack el que da vida al prolífico músico, mostrándonos los graves problemas psicológicos que sufrió y su tortuosa relación con el controvertido terapeuta Dr. Eugene Landy (Paul Giamatti).

El director: La carrera de Bill Pohlad en el mundo del cine es un tanto curiosa. Tras escribir, dirigir y producir el largometraje Old Explorers (1990), del que no puedo opinar ya que desconocía su existencia hasta hace muy poco, se centró en la producción, estando su nombre ligado a multitud de productos entre los que destacan títulos como Retrato de una obsesión (2006), Hacia rutas salvajes (2008), The Runaways (2010), Caza a la espía (2010), El árbol de la vida (2011), 12 años de esclavitud (2013), Alma salvaje (2014) o Time Out of Mind (2014). Sorpresivamente, y tras 24 años desde su debut tras las cámaras, ha conseguido realizar uno de los biopics mas completos que un servidor recuerda, una magnífica película que merece la pena disfrutar.

La película: Lo primero que a uno le viene a la cabeza tras acabar de disfrutar esta excelente película, es la enorme diferencia entre la forma en la que se nos muestra la vida del brillante Brian Wilson y la de la inmensa mayoría de los artistas, ya sean músicos, escultores, pintores o escritores. Mientras que a la hora de hablar de la mayoría de ellos, se nos intenta transmitir como utilizaban su arte para expresar su tormento interior, en el caso de Wilson es precisamente la música la que actuaba como la única forma de conseguir cierto descanso, ya que su carácter extrovertido y sus evidentes problemas psiquiátricos, hacían de su existencia y su relación con los demás mortales, una lucha continua en la que rara vez encontraba descanso o era comprendido, ni siquiera por los que convivían con a el.

Y para mostrarnos la vida de un personaje tan admirado y seguido de forma sincera, pero a la vez sin llegar a ser injusto o faltar a la verdad, los responsables de la película asumieron bastantes riesgos en la forma de hacerlo, algo que tras comprobar el magnífico resultado final, solo podemos calificar como un enorme acierto. Hablo de riesgos porque el uso de constantes saltos temporales con 20 años de diferencia y la utilización de dos actores tan distintos como Paul Dano y John Cusack, dificulta enormemente la creación de un producto redondo, capaz de llegar al público de forma nítida y de dejar a todos contentos con el resultado final, ya seas seguidor del inolvidable personaje o no.

John Wick (Otro día para matar) - David Leitch y Chad Stahelski (2014)

Título original - John Wick
Año - 2014
Duración - 101 min.
País - Estados Unidos
Director - David Leitch y Chad Stahelski
Guión - Derek Kolstad
Música - Tyler Bates, Joel J. Richard
Fotografía - Jonathan Sela
Montaje - Elísabet Ronalds
Producción - Basil Iwanyk, David Leitch, Eva Longoria y Michael Witherill
Productora - Lionsgate / 87Eleven / Company Films / DefyNite Films
Género - Acción, Thriller
Reparto - Keanu Reeves, Michael Nyqvist, Alfie Allen, Willem Dafoe, Dean Winters, Adrianne Palicki, Omer Barnea, Toby Leonard Moore, Daniel Bernhardt, Bridget Moynahan, John Leguizamo, Ian McShane, Bridget Regan, Lance Reddick, Keith Jardine, Thomas Sadoski, Clarke Peters, Kevin Nash, Randall Duk Kim, David Patrick Kelly
Web oficial - http://johnwickthemovie.com/

David Leitch y Chad Stahelski son los encargados de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Derek Kolstad, que nos cuenta una historia con grandes dosis de acción y la venganza como motor y único objetivo. Un trabajo que sin aportar nada nuevo al género, si que hará las delicias de los seguidores del género y los fans de un Keanu Reeves por el que no parecen no pasar los años. Mención especial a la excelente fotografía de Jonathan Sela y a las magníficas coreografías utilizadas en los combates, que en algunos momentos recuerdan, aunque sea de lejos y solo en su estética, a la inolvidable Matrix. La cena está servida, el espectáculo garantizado.

Sinopsis: John Wick (Keanu Reeves) es un implacable asesino retirado, que estuvo ligado a la mafia rusa radicada en Nueva York. Tras la dolorosa perdida de su esposa, victima de un cáncer, recibe la visita de un mensajero que le hace entrega de un cachorro, un último regalo de esta para ayudarlo a superar su pérdida. Todo dará un giro cuando es atacado en su casa por un grupo de matones rusos, que le roban su Shelby 69 modificado y matan al perro, tras lo que John investigará hasta conocer que el líder de estos es Alfie Allen (Yosef Tarasov), el hijo de su ex jefe Michael Nyqvist (Viggo Tarasov), algo que lejos de persuadirlo, lo hará volver a la acción, desempolvar sus armas y buscar venganza.

Los directores: David Leitch y Chad Stahelski tienen un origen común y no muy habitual en directores en el mundo del cine, el de los especialistas. Entre ambos han participado en multitud de películas ejerciendo como coordinadores o supervisores de especialistas, además de ser responsables de multitud de coreografías de lucha y artes marciales. Entre dichos títulos podemos poner algunos como ejemplo: La trilogía de Matrix, Troya, 300, V de Vendetta, Iron Man, Los juegos del hambre, etc. Como directores, ambos han debutado con la que hoy nos ocupa. David Leitch está inmerso en el rodaje de The Coldest City, que se espera para 2016, mientras que con Chad Stahelski hace lo propio con John Wick 2, la secuela de la que hoy nos ocupa, que se espera también en 2016 y Cowboy Ninja Viking para 2017.

La película: He de reconocer que personalmente no hubiera dado a esta cinta la nota que le he dado, principalmente porque repite los problemas que cada vez son mas habituales en el cine en general, y en el de acción en particular, los que tienen que ver con su guión, con lo que se nos cuenta y con como se nos cuenta. Pero la verdad es que estamos ante un producto que, a pesar de dichos peros, tiene varios puntos fuertes que no debemos obviar así porque así, menos aún viendo el nivel actual de sus semejantes: un buen ritmo, una ambientación muy bien conseguida, un puñado de escenas filmadas de forma brillante y un protagonista que sobresale de la media general dentro del género, por lo que el resultado final es ameno y fluido, ideal para ver en una buena pantalla, con un buen bol de palomitas y sin estrujarnos la sesera en exceso. Por todo ello, no sería tampoco justo ponerle solo un cinco pelón, ya que creo que gustará a un buen segmento del público actual.

Pero eso si, tengan claro que lo que van a presenciar es puro espectáculo visual, ya que el libreto escrito por Derek Kolstad deja mucho que desear en cuanto a la historia que nos cuenta. Olvídense de los actos de venganza por la perdida de algún familiar cercano, por un engaño que nos manda a la cárcel por varios años o por algún tipo de agresión, porque no imagino la reacción de nuestro protagonista en tal caso. Aquí la motivación recuerda, y mucho, a la que tenía el bueno de Mel Gibson en la magnífica Payback, dirigida por Brian Helgeland en 1999. Si en aquella ocasión fueron suficientes 70.000 dolares para que su protagonista diera rienda suelta a toda su ira, en esta son suficientes motivos el robo de un coche, una preciosidad desde luego, y la muerte de un cachorrito, que además es el regalo póstumo de su esposa recién fallecida. Dos motivos loables, no seré yo quien lo dude, pero un tanto exagerados sin lugar a dudas.

Cazador blanco, corazón negro - Clint Eastwood (1990)

Título original - White Hunter, Black Heart
Año - 1990
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Director - Clint Eastwood
Guión - Burt Kennedy, Peter Viertel y James Bridges, basado en la novela homónima de Peter Viertel
Música - Lennie Niehaus
Fotografía - Jack N. Green
Montaje - Joel Cox
Producción - Clint Eastwood
Género - Aventuras, Drama
Productora - Warner Bros. Pictures / Malpaso
Reparto - Clint Eastwood, Jeff Fahey, George Dzundza, Alun Armstrong, Marisa Berenson, Timothy Spall, Charlotte Cornwell, Boy Mathias Chuma, Mel Martin, Clive Mantle

Clint Eastwood dirigió, interpretó y produjo este fiel retrato que, con la escusa de la preparación del rodaje de La reina de África, nos muestra la personalidad y el complejo carácter del director John Huston, un personaje que vivió su vida al límite y que sirve como ejemplo de como eran algunas estrellas de Hollywood de los años dorados. Un trabajo muy recomendable, en el que el realizador da la importancia justa a personajes como Katharine Hepburn, Lauren Bacall o Humphrey Bogart, para centrarse el la figura de Huston y repasar esa añorada época en la que se filmaban las grandes producciones de Hollywood en África, con la dificultad que los medios de la época imponían. Para muchos resultará un trabajo incompleto, sobre todo si conoce las vicisitudes del posterior rodaje, pero lo cierto es que cumple con la función para la que se creó de forma sobresaliente, realizando además un repaso a la sociedad de la época.

Sinopsis: Pete Verrill (Jeff Fahey) es reclamado por el realizador John Wilson (Clint Eastwood) para que de los últimos retoques al guión de su próxima película, para la que solo resta el visto bueno de los productores. Esta se desarrolla en África, por lo que lo invita a acompañarlo al continente para elegir las localizaciones mas idóneas para filmarla, aunque en realidad su principal objetivo dista mucho de ser ese, ya que está obsesionado con cazar un animal grande, el mas grande de todos, un elefante. El principal problema es que Sam Spiegel (George Dzundza), el productor de la película que conoce bien al realizador, enviará con ellos a Ralph Lockhart (Alun Armstrong), un hombre de confianza que lo tendrá informado de los movimientos de Wilson, lo que pondrá en peligro constantemente un proyecto que pende de un hilo.

El director: ¿Que decir a estas alturas de uno de los grandes de este arte? Tras debutar en 1955 con un pequeño papel en El regreso del monstruo, alcanzó la fama interpretando al Hombre sin nombre en la Trilogía del dólar, que dirigió Sergio Leone en la década de 60 y a Harry Callahan en la serie de películas de Harry el Sucio durante los 70 y 80. Desde 1967 Eastwood posee su propia productora de cine, Malpaso Productions, que ha producido la mayor parte de sus películas, debutando como director con Escalofrío en la noche (1971). Cazador blanco, corazón negro supuso un punto de inflexión en su filmografía, alejando al actor de sus típicos papeles de hombre duro, algo que fue bien recibido por gran parte de la crítica, pero no tanto por el público, no acostumbrado aún a esta nueva faceta. Su estreno fue limitado y su recaudación en taquilla bastante pobre, por lo que estamos ante uno de los trabajos menos conocidos y valorados del realizador.

La película: El universo de Hollywood tiene, como casi todas las cosas relacionadas con personajes influyentes en este mundo, una imagen al exterior que no siempre se corresponde con la realidad, mostrando sobre todo el glamour que tanto atrae al espectador, para dejar en segundo plano muchas de las excentricidades de unas estrellas que, en multitud de ocasiones, perderían gran parte de su encanto mostradas tal y como son en realidad. En el caso que nos ocupa, puede parecer que el director realiza una dura crítica a la personalidad del controvertido John Huston, pero la realidad es que incluso suaviza bastante la imagen de el que Peter Viertel muestra en su novela, ya que tampoco era su intención menospreciar la figura de uno de sus directores favoritos, tan brillante en su trabajo como difícil de soportar en su vida privada, sobre todo para quien no tenía mas remedio que trabajar a su lado.

Su verdadera intención era mostrar todo lo que se esconde tras las luces de neón, los lujosos vestidos y las inolvidables noches de estreno, realizando un retrato del mundo del cine de Hollywood de la época y del ser humano en general, algo que consigue sin excesivos problemas. Pero claro, no es eso lo que muchos esperaban ver en este trabajo, mas intrigados por los avatares de un rodaje que transcurrió entre enormes dificultades y del que han corrido desde entonces auténticos ríos de tinta, o por como era la vida de los Bogart, Bacall o Hepburn, estrellas que conservan a día de hoy gran parte de la gloria que consiguieron en su momento con su trabajo, o incluso mas, convertidos en auténticas leyendas en el mundo del cine.

Horns - Alexandre Aja (2013)

Título original - Horns aka
Año - 2013
Duración - 120 min.
País - Estados Unidos
Director - Alexandre Aja
Guión - Keith Bunin, basándose en la novela de Joe Hill
Música - Robin Coudert
Fotografía - Frederick Elmes
Montaje - Baxter
Producción - Alexandre Aja, Riza Aziz, Joey McFarland, Cathy Schulman y Joe Hill
Productora - Coproducción USA-Canadá; Lionsgate / Mandalay Pictures / Red Granite Pictures
Género - Fantástico, Thriller, Romance
Reparto - Daniel Radcliffe, Juno Temple, Max Minghella, Kelli Garner, Joe Anderson, James Remar, Kathleen Quinlan, Heather Graham, David Morse, Michael Adamthwaite, Nels Lennarson, Mitchell Kummen, Dylan Schmid, Sabrina Carpenter, Jared Ager-Foster, Erik McNamee, Laine MacNeil

Alexandre Aja es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Keith Bunin, basándose en la novela homónima de Joe Hill. Un trabajo basado en una buena idea, que alcanza momentos realmente brillantes, sobre todo cuando utiliza su lado cómico y gamberro, pero que debido a su irregularidad y a un tramo final un tanto exagerado, no alcanza la nota que en un principio debería haber sacado. Aún así es capaz de hacernos pasar un rato de diversión, algo que no todos pueden decir, aunque al final te queda la sensación de ocasión perdida que tanto coraje da, al menos es lo que me ocurrió a mi.

Sinopsis: Merrin Williams (Juno Temple) es una joven que aparece asesinada en un lugar remoto, en medio de un bosque. El principal y único sospechoso es su novio Ignatius 'Ig' Perrish (Daniel Radcliffe), pero no puede ser condenado por falta de pruebas, aunque para muchos de sus vecinos siempre será el culpable. Un año mas tarde del suceso, Ig continúa destrozado mientras que sus conocidos recuerdan a la joven fallecida. Tras una noche donde Ig pierde los papeles por completo, despierta desorientado y resacoso descubriendo que le han salido cuernos que le dan un extraño poder hacia el resto de las personas, haciendo que estas saquen a la luz sus peores instintos, lo que intentará utilizar para descubrir al auténtico responsable de la muerte de su amada.

El director: Alexandre Jouan-Arcady (Alexandre Aja) es un director, guionista y productor francés nacido en París, Francia, el 7 de agosto de 1978. Su carrera siempre ha estado vinculada al cine fantástico y de terror. Tras el corto Over the Rainbow (1997), por el que fue candidato a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, debutó en la gran pantalla con Furia (1999), tras la que llegaron Alta tensión (2003), por la que fue galardonado en el Festival de Cine de Sitges, Las colinas tienen ojos (2006), Reflejos (Mirrors) (2008) y Piraña 3D (2010). Tras Horns, de la que os hablamos hoy, está inmerso en la realización del thriller The 9th Life of Louis Drax, que adapta la novela Las vidas de Louis Drax, de Liz Jensencuyo, y cuyo estreno se espera para este mismo año.

La película: He de confesar que mi idilio con este título es tan irregular como el resultado final del mismo, ya que desde un principio no acababa de convencerme su premisa. Tras revisar los últimos trabajos del director y tragar algo de saliva decidí darle una oportunidad, sorprendiéndome muy gratamente en su tramo inicial, en el que descubrí un trabajo ameno, muy gamberro y divertido. El problema es que en vez de seguir por ese camino, sus responsables aúnan en un producto un cóctel de un sinfín de géneros que acaba por aturdir al espectador, que tras finalizar su visionado no sabe bien que es lo que ha visto realmente y como se ha logrado echar a perder un comienzo tan prometedor. Y a pesar de todo, he de decir que yo la vería otra vez y, de hecho, recomiendo verla, pero me produce una desagradable sensación de impotencia ver lo cerca que han estado de hacer un trabajo realmente bueno.

Sus problemas tienen un origen muy claro, el guión escrito por Keith Bunin, que adapta la novela de Joe Hill. No he leído el texto en cuestión, pero si puedo decir que el libreto es de esos que aspiran a aunar en un producto varios géneros a la vez, pero que lo que consigue es malgastar una buena idea llevando al espectador por una historia mal hilvanada, por un quiero y no puedo que pierde fuerza a la vez que se va alejando del humor negro para adentrarse en el género del terror, algo que tras lo bien que funciona su comienzo, resulta ya imposible. Para colmo, su metraje es claramente exagerado y su final inútilmente alargado y torpemente rematado.

Testamento de juventud - James Kent (2014)

Título original - Testament of Youth
Año - 2014
Duración - 129 min.
País - Reino Unido
Director - James Kent
Guión - Juliette Towhidi (Autobiografía: Vera Brittain)
Música - Max Richter
Fotografía - Rob Hardy
Montaje - Lucia Zucchetti
Producción - Rosie Alison y David Heyman
Productora - BBC Films / Heyday Films
Género - Bélico, Drama, Romance
Reparto - Alicia Vikander, Kit Harington, Emily Watson, Hayley Atwell, Dominic West, Colin Morgan, Miranda Richardson, Charlotte Hope, Anna Chancellor, Emily Bevan, Jonathan Bailey, Xavier Atkins, Amanda Fairbank-Hynes, Joanna Scanlan, Taron Egerton

El debut en la gran pantalla del realizador James Kent (Marchlands, Inside Men, El cuento número trece), adaptando el guión que Juliette Towhidi escribe sobre la autobiografía de Vera Brittain, confirma el indudable talento de este, del que ya os hemos hablado en varias ocasiones por aquí. Con la excelente fotografía de Rob Hardy, la banda sonora de Max Richter y el protagonismo de Alicia Vikander, estamos ante una dura y magníficamente contada historia, que nos muestra como cambió y marcó la vida de nuestra protagonista la I guerra mundial. Una película con la calidad que la BBC suele imprimir en sus productos, que no deberíais dejar escapar.

Sinopsis: Vera Brittain (Alicia Vikander) es una joven que consigue vencer las restricciones a las mujeres de la época y el inicial rechazo de su padre, para realizar el examen de acceso al Somerville College, en Oxford. Pero tras conseguir su ingreso y comenzar sus estudios, ve como comienza la I guerra mundial y su hermano Edward (Taron Egerton), su prometido Roland Leighton (Kit Harington) y sus amigos Victor Richardson (Colin Morgan) y Geoffrey Thurlow (Jonathan Bailey), con los que ha pasado gran parte de su juventud, son enviados a servir al frente, lo que la hará considerar la posibilidad de ayudar a su país ejerciendo como enfermera y dejando así momentáneamente sus estudios.

El director: James Kent lleva ya bastante tiempo llamando nuestra atención con productos para televisión de una calidad incuestionable, por lo que para mi fue una gratísima sorpresa ver su nombre vinculado a este trabajo. En su carrera nos ha dejado productos como los documentales John Wayne, el americano inquieto (1997) y The Genius of Mozart (2004), los telefilms Margaret (2009), The Secret Diaries of Miss Anne Lister (2010) y El cuento número trece (2013), de la que os hablamos aquí , las miniseries Marchlands (2011) y Inside Men (2012), de la que os hablamos aquí, además de participar en la serie La Reina Blanca (2013). Testamento de juventud es su primer trabajo para la gran pantalla, pero viendo los resultados obtenidos y su trayectoria, seguro que no será el último.

La película: Lo primero que ha de quedar claro es que no estamos ante un film bélico al uso, sino mas bien ante un drama romántico forzosamente ambientado en la I guerra mundial. A pesar de que el film debe ser incluido dentro del género de cine bélico, está contado desde la perspectiva de quien participó en la guerra ayudando como enfermera, tras ver partir al frente a sus seres queridos, así que no esperéis acciones militares deslumbrantes ni cine de acción, ya que en ningún momento es esa la intención de sus creadores. Estamos ante la imagen de dicho conflicto mostrado desde la perspectiva de sus mujeres, y en concreto de la de Vera Brittain, que interpuso su deseo de ayudar a su país antes que el de finalizar los estudios que tanto esfuerzo le había costado comenzar, algo que por suerte pudo hacer con posterioridad.

Al no haber leído la autobiografía de Vera Brittain, me es imposible asegurar el grado de fidelidad del guión que Juliette Towhidi escribió basándose en ella, pero conociendo las formas que habitualmente emplean los británicos en este tipo de productos y datos como que se tuvo el apoyo de Shirley Williams, hija de Brittain, y de Marcos Bostridge, biógrafo, editor de Brittain, y uno de sus albaceas literarios, que al parecer actuaba como asesor en la película, creo que queda fuera de toda duda que, al menos el espíritu y los detalles fundamentales de esta, están dignamente preservados. Y es que tras disfrutarla comprobareis que sería un pecado imperdonable variar la estremecedora historia que nos cuenta, manteniendo así intactas las vivencias de esta formidable mujer, de la que no quiero dar mas detalles para no desvelar nada mas.

Una chica vuelve a casa sola de noche - Ana Lily Amirpour (2014)

Título original - A Girl Walks Home Alone at Night
Año - 2014
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - Ana Lily Amirpour
Guión - Ana Lily Amirpour
Música - Johnny Jewel
Fotografía - Lyle Vincent
Montaje - Alex O'Flinn
Producción - Ana Lily Amirpour, Justin Begnaud y Sina Sayyah
Productora - Say Ahh Productions / SpectreVision / Logan Pictures / Black Light District
Género - Terror, Romance, Thriller, Cine independiente
Reparto - Sheila Vand, Arash Marandi, Dominic Rains, Marshall Manesh, Mozhan Marnò, Milad Eghbali

El debut de la estadounidense de origen iraní Ana Lily Amirpour puede gustar mas o menos, según el gusto de cada espectador, pero lo que os puedo asegurar es que no dejará a ninguno de ellos indiferente. Estéticamente deslumbrante y mimada hasta en el mas mínimo detalle, nos cuenta una historia de amor perturbadora entre una chica sedienta de sangre y un chico diferente a la mayoría. Una extraña mezcla de géneros donde priman las imágenes en blanco y negro a los escuetos y escasos diálogos, donde mas que contar una historia se nos sugiere y en la que la escasa profundidad de esta y sus evidentes referentes quedan compensados con su innegable capacidad de seducción.

Sinopsis: Arash (Arash Marandi) es un joven trabajador que vive con su padre Hossein (Marshall Manesh), un adicto a la heroína. Tras recibir la visita de un traficante llamado Saeed (Dominic Rains), que se lleva su coche como pago de la enorme cantidad de dinero que su padre le debe, decide hacerle una visita para hacer un trato con el y así poder recuperarlo. Mientras lo espera en la entrada de su casa sin que este conteste a sus llamadas, se cruza por primera vez con una extraña joven que lleva un chador (Sheila Vand), que sale de la misma vivienda, sin saber entonces que entre ellos acaba de nacer una singular relación. El problema es que ella es un depredador que busca a sus víctimas por las oscuras calles de Bad city.

La directora: Ana Lily Amirpour es una directora, guionista, productora y actriz nacida en Inglaterra, nacionalizada estadounidense, donde se mudo con sus padres muy joven, y de una familia de origen iraní. Su familia se estableció en Bakersfield, California, donde asistió a la escuela secundaria. Más tarde asistió a la Universidad Estatal de San Francisco y se graduó de la Escuela de UCLA de Teatro, Cine y Televisión. Lleva realizando películas desde que tenía 12 años de edad. Dirigió varios cortos antes de acometer su ópera prima: Six and a Half y You en 2009, True Love, Ketab y Ana Lily Amirpour Likes This en 2010, Pashmaloo y A Girl Walks Home Alone at Night en 2011 y A Little Suicide en 2012. Actualmente está enfrascada en su segundo largometraje, que con el título de The Bad Batch se encuentra en post-producción y se espera estrenar en 2016.

La película: El subgénero vampírico está experimentando en los últimos años una constante evolución que lleva a los guionistas y realizadores a buscar nuevas formas de mostrar a estas sangrientas criaturas tan utilizadas en el mundo del cine desde prácticamente sus inicios. Trabajos como Byzantium, de la que os hablamos en este artículo, Déjame entrar, que comentamos en este otro, o la mas reciente Solo los amantes sobreviven, de la que os hablamos aquí, son solo algunos ejemplos de como el cine vampírico ha ido evolucionando para, como bien dicen, renovarse antes que morir. En esta ocasión es la realizadora Ana Lily Amirpour la que da una nueva vuelta de tuerca al mito, dirigiendo un trabajo realmente completo, que es además su debut en un largometraje y que invita a seguir con enorme atención sus próximos pasos en la industria cinematográfica.

Además de dirigirla, Ana Lily Amirpour es responsable de su guión, la co-produce junto a Justin Begnaud y Sina Sayyah, e incluso interpreta un pequeño papel en una escena que transcurre en una discoteca. Sus señas de identidad son claras, estando rodada en blanco y negro, en idioma persa (a nuestro país ha llegado en su idioma original subtitulada), algo que no supone ningún problema, ya que sus diálogos son bastante escuetos, primando las imágenes por encima de todo, y su ritmo bastante pausado, algo que en algunos momentos puede llegar a resultar algo desesperante, pero que acaba resultando fundamental para conseguir la tensión contenida que se respira en todo momento y el enorme poder de atracción que derrocha.

Celda 213 - Stephen Kay (2011)

Título original - Cell 213
Año - 2011
Duración - 109 min.
País - Canadá
Director - Stephen Kay
Guión - Maninder Chana
Música - Jonathan Goldsmith
Fotografía - Luc Montpellier
Montaje - Tad Seaborn
Producción - Hassain Zaidi
Productora - Access Motion Pictures
Género - Terror
Reparto - Eric Balfour, Deborah Valente, Michael Rooker, Bruce Greenwood, Conrad Coates, Marie-Josée Colburn, Darlene Cooke, Murray Furrow, Tamara Gorski, Rothaford Gray, Darren Hynes, Viv Leacock

Celda 213 es el último trabajo que el director Stephen Kay ha dirigido para la gran pantalla hasta la fecha. Con un guión de Maninder Chana, la fotografía de Luc Montpellier y el protagonismo de Eric Balfour, Deborah Valente, Michael Rooker y Bruce Greenwood, asistimos a un trabajo un tanto irregular como película de terror, pero muy capaz de mantener la atención del espectador durante todo su metraje, gracias a el interés de su historia y el buen hacer de varios de sus protagonistas. Lástima que se pierda en los pequeños detalles, algo que por desgracia suele acompañar al director a lo largo de su carrera.

Sinopsis: Michael Gray (Eric Balfour) es un joven abogado con una meteórica carrera por la que está a punto de ser nombrado socio de su bufete, una oportunidad que no está dispuesto a dejar pasar. Inmerso en el juicio de un importante cliente, que se antoja fundamental para lograr su objetivo, acude a la penitenciaría a visitar a un acusado de la violación y la muerte de una pequeña, teniendo la mala fortuna de que su defendido se suicida ante el, siendo acusado por el guarda de prisiones Ray Clement (Michael Rooker), que se presenta como único testigo. Condenado por dicho crimen, ingresará en la misma prisión donde todo ocurrió, siendo encerrado en la celda 213, la misma donde pasó sus últimos días su cliente.

El director: Stephen Kay es un actor, director y guionista de cine y televisión, nacido en Nueva Zelanda, en 1963. Su carrera puede calificarse como irregular, siendo esto mas un cumplido que un agravio, créanme. Para la gran pantalla ha dirigido trabajos como La última vez que me suicidé (1997), Get Carter (Asesino implacable) (2000), Boogeyman, la puerta del miedo (2005) o Isolation (2010), no alcanzando siquiera el aprobado en ninguna de ellas (en las principales webs de cine). En televisión ocurre algo parecido, habiendo dirigido varios telefilms como La muerte no miente (El fantasma de Nueva Orleans) (2004), BTK Asesino en serie (2005),  Justicia para Natalee (2011), El asesino de Craigslist (2011) o La asesina de ojos azules (2012). Quizás sea en su participación en las series The shield: al margen de la ley, Friday Night Lights y Hijos de la Anarquía donde ha obtenido mejores resultados, aunque su participación no ha sido excesivamente extensa.

La película: Ya son varias las ocasiones en las que he pensado que no se ha aprovechado todo lo que se debería un escenario tan propicio para ello como es una prisión, siempre refiriéndome al cine de terror, claro. No se si será una apreciación solo mía, pero me parece un marco inmejorable para desarrollarlas, sobre todo si se trata de terror psicológico, en el que los espacios reducidos y cerrados suelen dar bastante juego, por lo que cuando un amigo me recomendó ver este trabajo y aún conociendo la discreta trayectoria de su director en el género, la idea no me pareció nada mala. Una vez vista, he de decir que como trabajo de terror no consiguió precisamente su objetivo, que no pasé miedo al verla, diciéndolo mas claro, pero si he de reconocer que en ningún momento tuve la tentación de quitarla, haciéndome pasar un entretenido rato ante la pantalla, mucho mas de lo que esperaba en un principio.

Eso si, he de reconocer que su comienzo sembró en mi ciertas dudas, principalmente por lo enrevesado que resulta lo que nos cuenta, pero es algo que no debe ser motivo suficiente para abandonar de buenas a primeras, ya que conforme avanza el metraje, la cosa mejora bastante dejándolo como una simple anécdota. El guión escrito por Maninder Chana (The Boom, Deadline: A Sequential Zombie, Little Terrors), resulta un tanto irregular en algunos momentos, pero tiene la plausible capacidad de crear en el espectador la necesidad de saber la respuesta a las varias preguntas que plantea, algo que sin duda compensa la carencia de mejores diálogos y de algo mas de desarrollo en algunos de sus personajes.

Profanación (Los casos del Departamento Q) - Mikkel Nørgaard (2014)

Título original - Fasandræberne (The Absent One)
Año - 2014
Duración - 119 min.
País - Dinamarca
Director - Mikkel Nørgaard
Guión - Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, basándose en la novela de Jussi Adler-Olsen
Música - Patrik Andrén, Uno Helmersson y Johan Söderqvist
Fotografía - Eric Kress
Montaje - Morten Egholm y Frederik Strunk
Producción - Jonas Bagger, Peter Aalbæk Jensen y Louise Vest Productora - Zentropa Entertainments / Film i Väst
Género - Cine negro, Thriller, Intriga
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Danica Curcic, Pilou Asbæk, David Dencik, Sarah-Sofie Boussnina, Johanne Louise Schmidt, Marco Ilsø, Søren Pilmark, Camilla Gottlieb, Adam Ild Rohweder, Morten Kirkskov
Web oficial - http://www.departamentoq.es/

Mikkel Nørgaard vuelve a la carga con la segunda entrega de los casos protagonizados por los agentes Carl Mørck y Assad, llevando a la gran pantalla el guión escrito por Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, que adapta la novela superventas de Jussi Adler-Olsen. Sin necesidad ya de presentaciones, nos encontramos ante un caso mas complejo y oscuro que el de su predecesora, que hará que nuestros protagonistas den lo máximo de si para solucionar un caso que se creyó cerrado hace dos décadas y en el que parecen estar relacionados varios de los hombres mas poderosos de Dinamarca. Si la primera fue una agradable sorpresa, esta es una magnífica confirmación que incluso mejora a su predecesora.

Sinopsis: El Departamento Q no pasa por su mejor momento. Tras el ya lejano éxito de su primer caso resuelto, las dudas de sus superiores amenazan con finalizar la trayectoria de los agentes, que no consiguen cerrar con éxito ningún otro. Un buen día aparece el cadáver de un padre que se ha suicidado tras pasar 20 años intentando encontrar a los culpables reales de la muerte de sus dos hijos adolescentes, caso que en su día se cerró tras entregarse un hombre sin motivos aparentes. Antes de acabar con su vida, este deja una caja con todos los datos recopilados hasta la fecha, datos que apuntan a la posible participación de varios de los hombres mas influyentes del país, algo que llamará la atención de detective Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas), que intentará convencer a Assad (Fares Fares) para continuar con la investigación.

El director: Mikkel Nørgaard Søncksen es un director de cine y televisión danés nacido el 23 de enero de 1974. Tras graduarse en la Escuela de Cine de Dinamarca en 2001, comenzó a trabajar en televisión participando en la dirección de varias series, entre las que se encuentran Langt fra Las Vegas (2001), Klovn (2005), Anna Pihl (2006) o la magnífica Borgen (2010), que les recomiendo no se pierdan. Ese mismo año debutó en la dirección de un largometraje con Klovn: The Movie (2010), continuación de la serie anteriormente mencionada. Misericordia (2013) y Profanación (2014) parecen haber iniciado un idilio del director con la obra literaria de Jussi Adler-Olsen, que esperemos no quede aquí. En breve se espera el estreno de Klown Forever (2015), secuela de la exitosa comedia televisiva Klovn: The Movie.

La película: Si en su primer trabajo Misericordia (Los casos del Departamento Q) (2013), del que os hablamos en este artículo, ya os animábamos a disfrutar de los comienzos de estos dos singulares detectives, a pesar de la sencillez y la sobriedad del caso que servía como aperitivo para la creación del departamento policial, Profanación no es mas que la confirmación de la creación de una franquicia que promete dar muchas alegrías a los seguidores de este tipo de productos, ofreciendo además un trabajo que me ha resultado aún mas completo y atrayente, en el que sin dar de lado sus principales señas de identidad, se consigue mostrar un producto mas enrevesado y oscuro, que da una pequeña vuelta de tuerca mas a su brillante predecesora, consiguiendo así limar los pocos peros que a aquella se le podían achacar.

Sin haber llegado a leer ninguna de las dos novelas, resulta complicado asegurar si en esta mejoría influyen estas directamente o simplemente es el guión escrito por Nikolaj Arcel (autor del de la primera entrega), ayudado en esta ocasión por Rasmus Heisterberg, el que resulta mas completo que su antecesor. De lo que no me queda ninguna duda, es de que en la profundidad y complejidad de la historia es donde radica este pequeño salto adelante que hace de Profanación un producto brillante que invita al espectador a esperar con impaciencia una posible nueva entrega, que esperemos nos llegue con el tiempo.

La ley de Herodes - Luis Estrada (1999)

Título original - La ley de Herodes
Año - 1999
Duración - 120 min.
País - México
Director - Luis Estrada
Guión - Luis Estrada, Jaime Sampietro, Vicente Leñero y Fernando León, basándose en la historia de los dos primeros
Música - Santiago Ojeda
Fotografía - Norman Christianson
Montaje - Luis Estrada
Producción - Luis Estrada
Productora - Bandidos Films
Género - Comedia
Reparto - Damián Alcázar, Pedro Armendáriz Jr., Guillermo Gil, Isela Vega, Salvador Sánchez, Eduardo López Rojas, Manuel Ojeda, Ernesto Gómez Cruz, Alex Cox, Leticia Huijara, Juan Carlos Colombo, Delia Casanova, Evangelina Sosa, Jorge Zárate, Jesús Ochoa, Lucía Muñoz, Manuel Poncelis

Luis Estrada ideó junto a Jaime Sampietro, escribió junto a Sampietro, Vicente Leñero y Fernando León, dirigió y produjo esta magnífica comedia que satiriza la situación política de su país en los años 40, durante el largo mandato del PRI, realizando a la vez un profundo estudio de como la codicia y el poder es capaz de cambiar a la inmensa mayoría de los seres humanos. Con el indiscutible protagonismo de su actor fetiche, el genial Damián Alcázar, asistiremos a dos horas de una comedia que se torna mas y mas negra a la vez que avanza su metraje. Como bien dice su título: ¡Te tocó la ley de Herodes, o te chingas o te jodes!.

Sinopsis: Corre el año 1949, cuando los habitantes de la localidad de San Pedro de los Saguaros decapitan de un machetazo a su alcalde cuando trataba de huir del pueblo con el dinero de las arcas municipales. En plena carrera electoral, lo último que quieren los dirigentes del PRI es un escándalo que les haga daño en las elecciones, por lo que el secretario de Gobierno estatal, el licenciado Fidel López (Pedro Armendáriz Jr.), decide buscar un hombre de confianza con escasa experiencia para el cargo que asuma el puesto hasta las elecciones. El elegido es Juan Vargas (Damián Alcázar), encargado de un triste basurero y militante del PRI desde hace mucho tiempo, que acepta su encargo con las mejores intenciones, pero que pronto comprobará que la tarea no será nada fácil.

El director: Luis Estrada Rodríguez es un director, guionista, escritor y productor de cine mexicano nacido el 17 de enero de 1962 en Ciudad de México. Es hijo del famoso director de cine José "El Perro" Estrada y es conocido por su critica abierta hacia el sistema político mexicano y los temas polémicos que giran alrededor de este. Tras el corto La divina Lola (1984), debutó con Camino largo a Tijuana (1989), tras la que llegaron Bandidos (1991) y Ámbar (1993). Tras una pausa de 6 años comenzó su idilio con su amigo Damián Alcázar, actor que ha protagonizado todas sus películas desde entonces. Tras la que hoy nos ocupa dirigió Un mundo maravilloso (2006), El Narco (El infierno) (2010), de la que os hablamos en este artículo, y La dictadura perfecta (2014), todas ellas muy recomendables.

La película: Resulta curioso ver como el valiente trabajo de directores como Luis Estrada, capaces de crear cine que critica constantemente la situación política y las desigualdades de su país, sean tan poco reconocidos, no ya dentro de el, algo de lo que no tengo constancia para poder opinar, sino fuera de sus fronteras. Dejando a un lado la calidad de su cine, que en el caso que nos ocupa es indiscutible, la valentía que demuestran es digna de admiración y merecerían mucho mas atención de la que habitualmente se les presta, sobre todo en países como el nuestro, cuya historia está tan unida a la de la mayoría de países del continente americano, además de vivir constantemente en la fina linea que separa una democracia consolidada como muchas de las europeas, de un sistema que, bajo la apariencia democrática, esconde un cortijo donde la corrupción campa a sus anchas en casi todos sus estamentos.

El caso de Estrada riza ya el rizo, en un país como México, donde las desigualdades entre los de las clases pudientes y el resto son inimaginables, donde pasan los años, las décadas, y no se adivinan cambios que hagan tener un mínimo de esperanza a su pueblo, no quiero ni imaginar las enormes trabas que han de superar para conseguir llevar a buen puerto cada uno de sus trabajos. En el que nos ocupa, fue capaz de incluir en sus anuncios promocionales la frase ¿Por qué no quieren que la veas?, que claramente se refiere a las dificultades que tuvieron para poder llevarla a buen puerto y poder estrenarla en su país.

Mandarinas - Zaza Urushadze (2013)

Título original - Mandariinid (Tangerines)
Año - 2013
Duración - 83 min.
País - Estonia
Director - Zaza Urushadze
Guión - Zaza Urushadze
Música - Niaz Diasamidze
Fotografía - Rein Kotov
Montaje - Alexander Kuranov
Producción - Ivo Felt
Productora - Coproducción Estonia-Georgia; Allfilm / Georgian Film
Género - Drama. Bélico | Años 90
Reparto - Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass

Zaza Urushadze es el autor del guión y la dirección de esta pequeña joya llamada Mandarinas. Un agridulce alegato contra la violencia desmedida y absurda de cualquier guerra, escenificada en esta ocasión en un conflicto poco mediatizado, el de la guerra de Abjazia (1992-1993), que enfrentó a chechenos y georgianos por su posesión. Un trabajo de una riqueza indudable que, sin tomar partido por ninguno de los dos bandos ni juzgar sus motivos, lo analiza desde un punto de vista moral y ético, con el protagonismo de un estonio atrapado en el centro del conflicto que se niega a abandonar la tierra donde ha vivido. Cine de enorme grandeza y sencillez que merece la pena disfrutar y meditar.

Sinopsis: Ivo (Lembit Ulfsak) es un hombre maduro que vive en un poblado estonio de Abjasia que se encuentra prácticamente desierto, ya que casi todos sus compatriotas han huido tras estallar el conflicto en el que chechenos y georgianos se disputan el control de la zona. Trabaja duro construyendo cajas de madera para ayudar a su vecino y amigo Margus (Elmo Nüganen), cuya cosecha de mandarinas necesita ser recolectada en breve, hasta el día en que en una escaramuza resultan muertos varios soldados de ambos bandos en la proximidad de las tierras de Margus. Casualmente sobreviven el checheno Ahmed (Giorgi Nakashidze) y al georgiano Niko (Misha Meskhi), por lo que Ivo se verá obligado a acogerlos y cuidarlos en su casa, hasta que ambos puedan valerse por si mismo.

El director: Zaza Urushadze es un director y guionista georgiano nacido el 30 de octubre de 1965. Hijo de Ramaz Urushadze, un famoso portero de fútbol soviético, se graduó en la Universidad de Georgia en 1988, donde estudió teatro y cine. Debutó en 1998 con el largometraje Here Comes the Dawn, tras el que llegaron títulos como Three Houses (2008), Stay with Me (2011) y The Guardian (2012). Mandarinas es la película que le ha dado mayor repercusión a nivel internacional, siendo nominado por ella al Óscar y al Globo de oro a la Mejor película de habla no inglesa y ganar el Satellite Award como Mejor película de habla no inglesa, además de triunfar en Palm Springs, Seattle, Varsovia o Bari, entre otros.

La película: Uno de los mayores alicientes que tiene para mi la celebración de la gala de los Oscars, es la posibilidad que nos da de conocer varias buenas películas filmadas lejos de la maquinaria de Hollywood, que resultaría bastante difícil conocer sin su participación en ella y casi imposible verlas distribuida fuera de su país. De la gala de 2015, hemos hablado ya de la ganadora Ida de Pawel Pawlikowski en este artículo y de la candidata Relatos salvajes de Damián Szifrón en este otro. En esta ocasión le toca el turno a Mandarinas, una obra con bandera estonia, aunque es co-producida junto a Georgia, que basa en su sencillez y su belleza todo su éxito, demostrando una vez mas que lo mas importante para hacer buen cine es tener algo bueno que contar y el suficiente talento para hacerlo de forma que su mensaje cale en el espectador.

Mandarinas es un trabajo que, sin tener nada que ver con ella, me ha recordado a otro trabajo del que ya os hablamos aquí, Una historia verdadera de David Lynch. Mientras que aquella es una road movie, esta es un drama bélico, pero ambas poseen dos atributos similares que les dan un encanto especial, la sencillez de su historia y el protagonismo de una persona de avanzada edad, que acarrean consigo los achaques propios de la esta, pero también la sabiduría y experiencia que les ha dado. Tiempo atrás no hubiera disfrutado ninguno de estos trabajos como lo hago ahora, no se decir bien si es por los años que llevo viendo cine o por la amplitud de miras que estos me han dado, pero lo que os puedo asegurar es que en la actualidad se encuentran entre los que mas me llenan y mejor sabor de boca me dejan.

Mientras duermes - Jaume Balagueró (2011)

Título original - Mientras duermes (Sleep Tight)
Año - 2011
Duración - 107 min.
País - España
Director - Jaume Balagueró
Guión - Alberto Marini
Música - Lucas Vidal
Fotografía - Pablo Rosso
Montaje - Guillermo De La Cal
Producción - Julio Fernández
Productora - Filmax
Género - Thriller, Terror
Reparto - Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida, Tony Corvillo
Web - http://www.mientrasduermeslapelicula.com/

En un mundo donde la mentira y la hipocresía campan a sus anchas, donde la incomunicación de los individuos es cada día mas evidente y nada es lo que parece, ¿crees que conoces realmente como son las personas que te rodean? ¿De quien te puedes fiar? ¿Por quien puedes poner la mano en el fuego? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras ver esta magnifica película de Jaume Balagueró. Un thriller inquietante que nos hará desconfiar, al menos por un tiempo, de todas esas personas que tratamos habitualmente pero de las que realmente nada conocemos.

Sinopsis: Cesar (Luis Tosar) trabaja como portero en un edificio de apartamentos, una persona atenta y trabajadora que tiene una buena relación con la mayoría de los vecinos, para los que es lo que solemos llamar un trabajador de confianza. Pero bajo su apariencia servicial habita una persona totalmente diferente a la que creen conocer. Desde su puesto en la portería tiene un sillón privilegiado desde el que observar las vidas de todos y conocer sus mas íntimos secretos, que le proporciona cierto poder con el que a el le encanta jugar. Cesar es incapaz de ser feliz y le irrita sobremanera palpar esa felicidad en los demás, algo que le resulta insoportable. La llegada de Clara (Marta Etura), la nueva vecina del bloque, supondrá un nuevo aliciente para el, ya que ella derrocha simpatía e irradia felicidad.

El director: Jaume Balagueró i Bernat es un director de cine español nacido en Lleida, el 3 de noviembre de 1968. Especializado en el género de terror, más concrétamente en la vertiente del terror psicológico, debutó con el cortometraje Alicia (1994), con el que triunfaría en el Festival de Sitges, tras el que dirigió Días sin luz (1995), un corto con el que consolidaría un estilo que perdurará en sus siguientes películas. En su filmografía destacan trabajos como Los sin nombre (1999), con el que debutó en la gran pantalla ganando el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea, Darkness (2002), Frágiles (2005), el telefilm Para entrar a vivir (2006), la saga [•REC], que incluye cuatro trabajos de los que participó en tres: [•REC] (2007), [•REC]² (2009) y [•REC] 4: Apocalipsis (2014), además de los cortos Miedo (2010) e Inquilinos (2014).

La película: El cine de terror es un género en el que podemos destacar varias ramas o subgéneros muy diferentes entre si, que gustan mas o menos en función de las preferencias de cada espectador. Así tenemos quien prefiere el terror paranormal, donde el miedo a lo desconocido es el que mueve al espectador, el terror gótico, caracterizado por una ambientación peculiar y el protagonismo de ciertas criaturas, el gore, en el que domina la extrema violencia y los excesos de sangre y vísceras, el slasher, caracterizado por tener como centro de atención a un asesino que va dejando un reguero de víctimas a su paso, etc. Personalmente, el que mas ha conseguido captar mi atención es el terror psicológico, que centra su atención en los temores de los personajes, sus culpas, creencias y supersticiones. En el, el miedo trata de suscitarse afectando directamente a la emotividad del espectador, que debe acabar identificándose con los padecimientos o vivencias extremas de determinados personajes, utilizando mas la sugerencia que el susto en si.

Es este último el tipo de cine que Jaume Balagueró utiliza en el trabajo que hoy nos ocupa, un cine capaz de poner los pelos de punta por la simple posibilidad de poder ser cualquiera de nosotros las victimas de lo que ocurre en el, por la cercanía de los personajes que vemos y lo sencillo que nos resulta identificarnos con ellos. Un cine que no necesita de criaturas abominables ni entes paranormales para atrapar al espectador, que por el simple hecho de presenciar lo que va ocurriendo en el, es capaz de crear paralelismos inmediatos entre las vidas de sus personajes y la suya propia, asistiendo al tipo de cine de terror que menos descabellado resulta, al mas tangible, al mas real. Porque, ¿cuantos Cesar conocéis? ¿cuantas personas así son parte de nuestra vida sin que lleguemos a tener idea de como son en realidad?