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Pinceladas de clásicos del terror: La semilla del diablo (Rosemary's Baby) - Roman Polański (1968)

Título original - Rosemary's Baby
Año - 1968
Duración - 136 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Roman Polanski
Guión - Roman Polanski, basado en la novela de Ira Levin
Música - Christopher Komeda
Fotografía - William A. Fraker
Montaje - Sam O'Steen y Bob Wyman
Producción - William Castle
Productora - William Castle Productions. Distribuida por Paramount Pictures
Género - Terror. Drama
Reparto - Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Ralph Bellamy, Sidney Blackmer, Maurice Evans, Victoria Vetri, Patsy Kelly, Elisha Cook Jr., Charles Grodin, D'Urville Martin, Emmaline Henry, Hanna Landy, Phil Leeds, Hope Summers, Marianne Gordon, Wende Wagner

Cuando los años 60 se acercaban ya a su inevitable ocaso, el realizador Roman Polański escribió y dirigió Rosemary's Baby, a la que en nuestro país se le puso el desafortunado título de La semilla del diablo. Una magnífica obra en la que se da una lección magistral de como crear una atmósfera tóxica, que crece de manera constante e inexorable hasta su final, con la inocente Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) como constante centro de atención. Un trabajo del que deberían mamar los que se dedican a esto del terror, capaz de tener al espectador en vilo sin necesidad de subidas enérgicas de volumen ni sustos fáciles. Imprescindible.


Sinopsis - Los Woodhouse, un matrimonio neoyorquino, se mudan a un edificio situado frente a Central Park, sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen amigos de Minnie y Roman Castevet, unos vecinos que los colman de atenciones. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo; pero, cuando Rosemary se queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es normal.

El director - Hablar de Roman Polanski es hablar de uno de los directores más polémicos y que más han dado que hablar en el mundo del cine. Hechos como el asesinato de su esposa, la actriz Sharon Tate que se encontraba embarazada de ocho meses, a manos de la banda de Charles Manson o las acusaciones de abusos sexuales de Samantha Gailey, supuestos hechos ocurridos cuando ella tenía solo 13 años, son claras muestras de lo que les comento, aunque me limitaré a hablar de su obra, que por otra parte es a lo que nos dedicamos aquí.

Repulsión, Roman, PolanskiEn cuanto a su carrera artística, ha ejercido como director, productor, guionista y actor, teniendo nacionalidad polaca y habiendo nacido en Francia. Comenzó su carrera como actor teatral, tras lo que cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź. Tras realizar varios cortos entre los que destacan Dos hombres y un armario (1958), La lámpara (1959) y Ángeles caídos (1959), dirigió su primer largometraje, El cuchillo en el agua (1962), iniciando una de sus mejores épocas como director en la que destacan Repulsión (1965) Callejón sin salida (1966) o El baile de los vampiros (1967)), además de la que hoy nos ocupa.

Del resto de su extensa filmografía podemos destacar títulos como Chinatown (1974), El quimérico inquilino (1976), Tess (1979), Frenético (1988), Lunas de hiel (1992), La muerte y la doncella (1994), El pianista (2002), El escritor (2010), Un dios salvaje (2011), La Venus de las pieles (2013), Basada en hechos reales (2017) o la reciente El oficial y el espía (2019), por nombrar algunas de las de mayor calidad. Como curiosidad comentar que no ha vuelto a pisar ni Estados Unidos, ni el Reino Unido, por temor a ser recluido en prisión o extraditado, por lo que no asistió a la ceremonia de los Óscars de 2002, en la que obtuvo el Óscar al mejor director por El Pianista, y tuvo que rodar la película Oliver Twist en Praga, con actores británicos. Os dejo también el nombre de 3 documentales sobre el director, por si estáis interesados: Roman Polanski: Se busca (2008), dirigido por Marina Zenovich, Confesiones de Roman Polanski (2011), dirigido por Laurent Bouzereau y Roman Polanski: Odd Man Out (2012), nuevamente dirigido por Marina Zenovich.

La película - Con más de medio siglo ya a sus espaldas, lo mejor que creo se puede decir de Rosemary's Baby es que no ha perdido un ápice de su potencia original, algo realmente complicado de conseguir, con lo que ha cambiado el cine desde aquellos entonces. Estamos ante un trabajo donde cada detalle está cuidado a la perfección, de forma casi obsesiva, diría yo, algo que tuvieron que sufrir los que por aquellos entonces participaron en un proyecto que, finalmente Roman Polański hizo suyo. Su obsesión por la minuciosa planificación, su enorme egocentrismo y su enorme intransigencia con ideas provenientes de otras personas, tienen gran parte de culpa de todo esto. Tan solo con leer lo que declaró en una entrevista casi dos décadas después, nos podemos hacer una idea de ello: “Me estimulo repitiéndome a mí mismo que soy el mejor, un genio. Mientras trabajo en una película, estoy convencido de que será un gran éxito. Por eso le exijo a la gente con la que trabajo todo tipo de cosas que no les pediría normalmente”.


Y es que en ocasiones como esta, es cuando más se nota la importancia de tomar ciertas decisiones, para bien o para mal, tanto en el cine como en la vida misma. Inicialmente se pensó en el maestro Alfred Hitchcock para dirigirla, algo que tras no llegar a buen puerto pudo hacer que el productor y director William Castle tomara las riendas del proyecto. Finalmente fue Roman Polanski el elegido, gracias a la insistencia de Robert Evans, productor de la Paramount, que abrió de par en par las puertas de Hollywood al realizador polaco y las de su particular infierno al elenco contratado para filmarla. Era la primera oportunidad del cineasta polaco en Hollywood y no la dejaría pasar.

El faro (The Lighthouse) - Robert Eggers (2019)

Título original - The Lighthouse
Año - 2019
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Robert Eggers
Guion - Robert Eggers, Max Eggers
Montaje - Louise Ford
Música - Mark Korven
Fotografía - Jarin Blaschke 
Reparto - Willem Dafoe, Robert Pattinson
Producción - Rodrigo Teixeira, Jay Van Hoy, Robert Eggers, Lourenço Sant' Anna, Youree Henley
Productora - Coproducción Estados Unidos-Canadá; A24 / New Regency / RT Features. Distribuida por A24
Género - Drama. Fantástico. Terror

Tras su debut en 2015 con La bruja (The Witch), de la que os hablamos en este artículo, el realizador Robert Eggers vuelve a la carga con El faro, con el que vuelve a evidenciar su alejamiento total de los convencionalismos, regalando al espectador que decida sumergirse en ella, una experiencia que suele dejar huella, aunque muy alejada de lo que normalmente demanda el público actual. Mención especial al magnífico trabajo de Willem Dafoe y Robert Pattinson, que no se guardan absolutamente nada.


Sinopsis - La película nos cuenta la tormentosa relación entre Thomas Wake (Willem Dafoe), un veterano farero curtido en mil batallas y Ephraim Winslow (Robert Pattinson), su nuevo ayudante. Ambos deberán convivir durante cuatro semanas, forzados a conocerse y aguantarse en tal angosto lugar, dedicados al mantenimiento de un viejo faro situado en una diminuta parcela de roca que sobresale en el mar.

El director - Robert Neil Eggers, conocido en el mundillo cinematográfico como Robert Eggers, es un director de cine, guionista y diseñador de producción estadounidense nacido en Lee, New Hampshire, el 7 de julio de 1983.

Tras pasar su infancia en Nueva Inglaterra, se trasladó a la ciudad de Nueva York en el año 2001, donde se formó para dedicarse a las artes escénicas. Fue allí también donde comenzó a trabajar como diseñador y director de diversas producciones teatrales, antes de pasarse al séptimo arte.

Su debut en la dirección fue con la mencionada La bruja (The Witch), trabajo en el que es responsable del guión y en el que participó en su producción, además de dirigirlo. La película fue rodada en Canadá, en lugar de en Nueva Inglaterra, como inicialmente tenía pensado el propio Eggers, y se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2015, siendo proyectada también en el Festival Internacional de Cine de Toronto de ese mismo año.

La peculiaridad del cine del realizador quedaba patente en su debut, algo que El faro no hace más que agudizar y sobredimensionar, dejando a las claras que el trabajo del realizador puede gustar más o menos al espectador, pero no lo suele dejar indiferente. The Northman será el próximo trabajo del realizador, que en palabras de su habitual director de fotografía Jarin Blaschke: "Es una película más grande que las otras. Puedo decir que es una película de venganza vikinga y que estamos rodando en Europa. Es oscura e inusualmente violenta. Creo que Eggers siente la responsabilidad de hacer una especie de trilogía".

La película - Si tuviera que elegir una expresión para resumir lo que para mi es El faro, esta sería indudablemente "muy perturbadora". Y es que el segundo largometraje del realizador estadounidense, es de esos trabajos que la mayoría del público puede llegar a abandonar antes de su finalización, sobre todo si no son conscientes de lo que tienen ante si antes de comenzar a verla. Si su opera prima era ya de por sí bastante oscura y se alejaba de los convencionalismos, en esta ocasión ha elegido mostrarnos la reacción de dos personajes que se ven obligados a convivir en un lugar angosto, que sin duda invita a perder la noción del tiempo y hace aflorar lo mejor y lo peor del ser humano.


Algo así se aleja totalmente de lo que las grandes masas de público suelen demandar, por lo que estamos ante un ensayo realizado de forma sobresaliente, pero que solo llegará a satisfacer a unos pocos. Y muchos de ustedes se preguntarán tras leer esto el porqué de la magnífica nota que le he regalado a la película. Muy fácil, me limito a juzgar el resultado de lo que el realizador quiere mostrarnos, simple y llanamente, no a fantasear con "yo la hubiera hecho así" o "yo hubiera cambiado tal o cual". Para un servidor, el mérito de este trabajo es mostrarnos la naturaleza del ser humano bajo ciertas condiciones y por ello es por lo que lo juzgo.

La bruja (The Witch) - Robert Eggers (2015)

La bruja, Robert Eggers, The WitchTítulo original - The Witch
Año - 2015
Duración - 92 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Eggers
Guión - Robert Eggers
Música - Mark Korven
Fotografía - Jarin Blaschke
Montaje - Louise Ford
Producción - Chris Columbus, Jay Van Hoy, Jodi Redmond, Daniel Bekerman, Lars Knudsen y Rodrigo Teixeira
Productora - Coproducción USA-Canadá-Reino Unido; A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures
Género - Terror, Cine independiente
Reparto - Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith


Robert Eggers es el responsable del guión y la magnífica dirección, por la que ganó el premio en la categoría de Drama Estadounidense en el Festival de Cine de Sundance 2015, de este producto independiente que nos llega de los Estados Unidos. Terror psicológico filmado con enorme brillantez, donde además destacan la excelente fotografía de Jarin Blaschke, la soberbia puesta en escena y el trabajo de todo el reparto elegido para la ocasión, que no gustará a todos por igual, pero que hará las delicias de los amantes de un "terror" muy diferente al que se suele rodar en la actualidad, con personalidad y señas de identidad propias. La obra de un perfeccionista, algo que teniendo en cuenta que estamos ante un debut, habrá que tener muy en cuenta en el futuro.

La bruja, Robert Eggers, The Witch

Sinopsis: Nueva Inglaterra, 1630. Un matrimonio de colonos cristianos, con cinco hijos, es expulsado de la comunidad en la que viven por discrepancias con los que la dirigen. Tras un largo viaje en carreta se establecen en una tierra desconocida para ellos, frente a un bosque que, según las creencias populares, está dominado por el mal. Pero tras la extraña desaparición de su hijo recién nacido, la familia comienza a intentar dar una explicación lógica a lo sucedido a través de su férreas convicciones religiosas, algo que irá oscureciendo las relaciones entre sus miembros, que se irá agravando conforme se acerca el invierno, las cosechas no acaban de dar sus frutos y diversos fenómenos de difícil explicación continúan sucediendo.

La película: Lo primero que he de decir, es que comprendo perfectamente a todos aquellos que acuden a una sala de cine a ver lo que creen ser una película de terror como las que se suelen rodar en la actualidad y salen muy decepcionados al ver la obra que hoy nos ocupa, The Witch. Los comprendo porque esta es quizás una de las películas que he visto en mucho tiempo que mas se aleja de dicho concepto, de hecho, lo rehuye en todo momento, por lo que el que espera ver uno de esos trabajos donde se suceden los sustos repentinos y las súbitas subidas de volumen están a la orden del día, debe de salir decepcionado y muy aburrido. La bruja podría ser calificada como terror psicológico, algo ya bastante distinto, aunque yo iría incluso unos pasos mas allá y la definiría como un drama psicológico sobre los miedos y temores que han atenazado a los seres humanos a lo largo de la historia y los peligros de los fanatismos religiosos, con ciertos toques de cine fantástico. Es el gran problema de la forma en la que se promociona el cine a día de hoy, que no siempre (casi nunca diría yo) entrega al espectador lo que parece ofrecer, llegando después las lógicas decepciones.

La bruja, Robert Eggers, The Witch

Aclarado esto, he de decir que estamos ante una obra realmente bien llevada a la gran pantalla, que resulta inconcebible ubicar como una opera prima viendo la maestría con la que Robert Eggers consigue sacar partido de una historia bastante simple, que en manos de otro realizador tan poco experimentado como el, e incluso en las de algunos con mucha mayor experiencia, podría ser considerada como menor, e incluso ridícula diría yo, pero que el prometedor realizador consigue convertir en un trabajo de esos que dejan huella, capaz de distanciarse de la inmensa mayoría mostrando un estilo y unas cualidades fácilmente diferenciables. Cine que a pocos dejará indiferentes, que dudo mucho que convenza a una gran franja del público que acude hoy día a las salas, al estar bastante alejado de lo que buscan, pero que será todo un soplo de aire fresco para los que, como yo, creemos que no todo está hecho y que aunque resulte difícil, aún es posible innovar y contar ciertas historias de forma distinta.

Niebla (Haemoo) - Shim Sung-bo (2014)

Niebla, (Haemoo), Shim Sung-boTítulo original - Haemoo
Año - 2014
Duración - 111 min.
País - Corea del Sur
Director - Shim Sung-bo
Guión - Shim Sung-bo y Bong Joon-ho
Fotografía - Kyung-pyo Hong
Montaje - Jae-beom Kim y Sang-beom Kim
Producción - Bong Joon-ho, Neung-yeon Joh y Lewis Kim
Productora - Lewis Pictures
Género - Drama
Reparto - Kim Yoon-seok, Park Yoo-chun, Ye-ri Han, Seong-kun Mun, Sang-ho Kim, Hee-jun Lee, Seung-mok Yoo, In-gi Jeong, Kyung-Sook Jo


Niebla (Haemoo) supone el debut en la dirección de Shim Sung-bo, que lleva a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Bong Joon-ho, que también participa en la producción, basado en una obra de teatro homónima de 2007, que a su vez relata una escalofriante historia real ocurrida en el buque pesquero Taechangho en 2001. Un trabajo en el que destaca su mezcla de géneros, dividido en dos partes bien diferenciadas y solo lastrado por la influencia que el cine occidental ha tenido en su realizador. A pesar de ello resulta un producto de una enorme dureza que mantiene al espectador pegado a la pantalla en todo su metraje, casi siempre con el corazón encogido, resultando muy recomendable.

Niebla, (Haemoo), Shim Sung-bo

Sinopsis: El capitán Cheol-joo (Kim Yoon-seok) sobrevive como puede con su viejo barco pesquero de 69 toneladas Jeonjinho, aunque cada vez le resulta mas difícil ganarse la vida con el. Los últimos contratiempos lo han hecho endeudarse hasta un límite imposible de asumir, por lo que tras pedir algo de dinero decide transportar inmigrantes ilegales coreano-chinos para poder recuperarse y volver a su vida normal. Los problemas comenzarán tras contarles sus planes a la tripulación, que aunque acepta a regañadientes, no está preparada para realizar un trabajo de este tipo. Para colmo, el mal tiempo hace que el pesquero entre en un denso banco de niebla en el que la tripulación acabará perdiendo los nervios por completo.

La película: Hace tiempo ya que el cine coreano se abrió al resto del mundo, mostrando sus grandes virtudes y sus escasos defectos, pero esto ha supuesto una metamorfosis en gran parte de sus productos, que además de ver como se amplía y cambia enormemente el público que accede a el, ha adoptado ciertas características del cine occidental que no siempre le sientan bien. Este es uno de los mejores ejemplos que tenemos en la actualidad de dicha cuestión, un trabajo de una calidad indudable, a pesar de ser una ópera prima, que rebosa de la dureza que ha dado fama al cine de su país, pero que no llega a ser redondo por la introducción en el de alguna que otra linea argumental un tanto forzada, de la que no hablaré mas para no alterar la experiencia de quien la vaya a ver.

Pero quiero dejar claro que se trata de un detalle, solo un detalle que no debe de minar vuestras ganas de verla, ya que es una película que merece la pena ser disfrutada, capaz de, tras una primera parte en la que se nos presenta y desarrolla adecuadamente a sus protagonistas y los motivos que lo llevan a aceptar un trabajo ilegal y muy peligroso, realizar un cambio total en su fisionomía y convertirse en un producto totalmente diferente, en el que el espectador presencia asombrado como el giro de los acontecimientos convierten el viaje en una auténtica pesadilla, que acaba intentando sin mucha suerte encontrar en los personajes algún rastro de como eran cuando les fueron presentados.

Niebla, (Haemoo), Shim Sung-bo

Es esa la característica que mas destaca en Haemoo, la enorme fuerza con la que su realizador filma una historia que ya de por si resulta bastante cruda, pero que tras pasar por sus manos se convierte en un producto adictivo y sumamente perturbador, algo que nos hace albergar esperanzas sobre el futuro de Shim Sung-bo como director, del que habrá que estar atentos a sus próximos trabajos. El mismo firma también el guión junto al bueno de Bong Joon-ho, director y guionista con gran experiencia que nos ha dejado trabajos como la memorable Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) (2003), que escribió junto al propio Shim Sung-bo y de la que os hablamos en este artículoTokyo! (2008), Mother (2009) o la mas reciente Rompenieves (Snowpiercer) (2013), de la que os hablamos aquí.

El capital humano - Paolo Virzì (2014)

capital humano, Paolo Virzì, Il capitale umanoTítulo original - Il capitale umano
Año - 2014
Duración - 109 min.
País - Italia
Director - Paolo Virzì
Guión - Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo, basándose en la novela de Stephen Amidon
Música - Carlo Virzì
Fotografía - Jérôme Alméras y Simon Beaufils
Montaje - Cecilia Zanuso
Producción - Marco Cohen, Alessandro Mascheroni - Rai Cinema
Productora - Coproducción Italia-Francia; Indiana Production Company
Género - Drama
Reparto - Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli


Paolo Virzì dirige y escribe el guión junto a Francesco Bruni y Francesco Piccolo, basándose en la novela homónima de Stephen Amidon, de este magnífico drama que, a través de un desgraciado accidente, realiza un eficiente retrato de la sociedad italiana actual y de lo poco que vale una vida en este loco mundo en el que vivimos. Un trabajo realmente completo donde destaca su peculiar montaje, la riqueza de su guión y las actuaciones de un elenco que raya a un nivel excelente. La película, que fue capaz de ganar el David di Donatello a la brillante La gran belleza, no debe ser pasada por alto.

capital humano, Paolo Virzì, Il capitale umano

Sinopsis: Una noche antes de navidad, un camarero que regresa a casa tras trabajar en una fiesta de una escuela privada es atropellado por un lujoso todoterreno que se da a la fuga. La película nos cuenta como este hecho cambiará la vida de dos familias muy diferentes: la de Giovanni Bernaschi (Fabrizio Gifuni), un millonario que ha amasado una fortuna enorme gracias a la especulación y a un atractivo fondo que atrae a inversores de todo el mundo y la de Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), un agente inmobiliario de clase media cuya empresa está al borde de la quiebra, que busca desesperadamente la forma de salir a flote.

El director: Paolo Virzì es un guionista y director italiano nacido en Livorno, el 4 de marzo de 1964. Debutó en 1994 con la comedia La bella vita, con la que ganó entre otros el premio David di Donatello a la Mejor ópera prima. En su filmografía, de un nivel alto bastante constante, destacaré varios títulos: Ferie d'agosto (Vacaciones de agosto) (1996), Los años dorados (1997), My Name Is Tanino (2002), Caterina se va a Roma (2003), Napoleón y yo (2006), Tutta la vita davanti (2008), La prima cosa bella (2010) o Todo el santo día (2012). Actualmente trabaja en la comedia dramática La pazza gioia (2016), en cuyo reparto aparecen nombres como Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti o Elena Lietti, entre otros.

La película: El capital humano, expresión que da título a la excelente película que hoy nos ocupa, se refiere en esta ocasión al termino utilizado por las aseguradoras para calcular el valor de una persona, la cifra que han de asumir a la hora de indemnizar a la familia de un fallecido, que es calculada por variables como la esperanza de vida de una persona, su potencial en ingresos, la cantidad y la calidad de sus lazos afectivos, etc. ¿la calidad de sus lazos afectivos? ¿como se calcula eso?... Frías cifras que dejan claro que en la cruel sociedad sin escrúpulos en la que vivimos, cada uno tiene un precio, siendo este en la mayoría de los casos realmente ridículo, sobre todo si perteneces a las clases mas humildes y no dispones de la ayuda de un buen bufete de abogados.

capital humano, Paolo Virzì, Il capitale umano

Una vez aclarado esto, Il capitale umano es, ante todo, un trabajo que consigue reflejar con gran acierto muchas de las carencias de la sociedad en la que vivimos, en la que los valores humanos han dado paso a los numéricos, dando su sentido real al dicho "tanto tienes, tanto vales". Estamos ante una de esas películas que se centran en un trágico suceso para mostrarnos todo lo que se mueve a su alrededor y como este afecta a las diferentes personas que algo tienen que ver con el, en este caso el atropello de una persona. Una de las características fundamentales de la película es la forma en la que está estructurado el guión escrito por Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo, que tras mostrarnos el suceso en si, nos cuenta lo ocurrido los meses antes desde varios puntos de vista diferentes.

Nightingale - Elliott Lester (2014)

Nightingale, Elliott, LesterTítulo original - Nightingale
Año - 2014
Duración - 83 min.
País - Estados Unidos
Director - Elliott Lester
Guión - Frederick Mensch
Música - Mark D. Todd
Fotografía - Pieter Vermeer
Montaje - Nicholas Wayman-Harris
Producción - Elliott Lester, Josh Weinstock y Katrina Wolfe
Reparto - David Oyelowo, Barlow Jacobs, Heather Storm
Productora - BN Films / Yoruba Saxon Productions
Género - Drama, Telefilm


Elliott Lester es el director encargado de dar vida al guión escrito por Frederick Mensch, en una trabajo que nos muestra la bajada a los infiernos de Peter Snowden, al que interpreta de forma magistral el actor David Oyelowo. Un trabajo bastante arriesgado, con un presupuesto mínimo, que entrega a su protagonista el peso total de la película y al espectador la tarea de ir desgranando los motivos de su conducta, sus evidentes trastornos mentales y las causas que lo han podido llevar hasta donde se encuentra. Una puerta abierta a una mente enferma en forma de telefilm, con el sello de HBO.

Nightingale, Elliott, Lester

Sinopsis: Peter Snowden (David Oyelowo) es un varón afroamericano que ronda la treintena y vive junto a su madre. Ex-combatiente de la guerra de Irak, agobiado por un triste trabajo en un supermercado que solo le da para ir tirando y marcado por su estricta educación y por una relación imposible, su mente parece haber dicho "hasta aquí hemos llegado". Su mayor obsesión parece ser conseguir que un antiguo compañero venga una noche a cenar, aunque la esposa de este no parece a estar dispuesta ni a darle sus recados.

El director: Elliott Lester es un productor y director que inició su carrera como director de videoclips musicales y anuncios publicitarios. Debutó en la dirección de un largometraje en 2006 con Love Is the Drug, un drama sobre un peligroso triangulo amoroso. En 2011 dirigió Blitz, un thriller interpretado por  Jason Statham. Tras Nightingale, la que hoy nos ocupa, dirigió la serie Chop Shop en 2014. Tiene preparado ya el telefilm Thirst y el thriller Sleepwalker, escrito por Jack Olsen e interpretado por Richard Armitage, Haley Joel Osment y Kevin Zegers, entre otros.

La película: Los trabajos en los que se nos muestra parte de la vida de un personaje con evidentes desequilibrios psicológicos, no suelen ser sencillos de filmar y mucho menos de visualizar y digerir, ya que nos muestran formas de actuar que no podemos entender, algo muy lógico por otra parte, además de conseguir crear cierto desasosiego en el espectador, en el caso de estar bien realizados, claro. Pero si además de todo ello le sumamos que la historia transcurre casi en su totalidad en el interior de una casa y que su protagonista principal es prácticamente el único actor al que vemos trabajar en el, la complicación alcanza niveles insospechados.

Nightingale, Elliott, Lester

En un principio, puede que las premisas que les he comentado no sean excesivamente llamativas para muchos de los que estéis leyendo esta reseña, pero lo que os puedo asegurar sin ningún género de dudas, es que en esta ocasión podéis llevaros una grata sorpresa, ya que el trabajo del que hablamos es capaz de llamar la atención del espectador desde muy pronto, para ya no soltarla hasta que llegue su escena final, algo realmente difícil de conseguir con los condicionantes anteriormente mencionados. Para que tengáis una idea de que tipo de trabajo tenemos delante, siempre guardando las distancias y sin llegar a siquiera insinuar que sean parecidos, podemos compararlo con Locke, el drama dirigido por Steven Knight e interpretado por Tom Hardy en 2013, del que os hablamos en este artículo.

La muchacha del sendero - Nicolas Gessner (1976)

muchacha, sendero, GessnerTítulo original - The Little Girl Who Lives Down the Lane
Año - 1976
Duración - 100 min.
País - Canadá
Director - Nicolas Gessner
Guión - Laird Koenig, basado en la novela homónima de Laird Koenig
Música - Christian Gaubert
Fotografía - René Verzier
Montaje - Yves Langlois
Producción - Zev Braun
Productora - Coproducción Canadá-USA-Francia
Género - Intriga, Drama
Reparto - Jodie Foster, Martin Sheen, Alexis Smith, Mort Shuman, Dorothy Davis, Scott Jacoby, Clesson Goodhue, Dorothy Davis


Nicolas Gessner fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Laird Koenig realizó basándose en la novela The Little Girl Who Lives Down the Lane. Una peculiar película, que puede parecer un tanto lastrada en la actualidad por ese aire setentero inconfundible, pero que merece la pena disfrutar por su originalidad, la intriga que nos acompaña en todo momento y la posibilidad de ver uno de los primeros papeles principales de la excelente Jodie Foster. Terror psicológico del que se hacía antes, sin necesidad de excesos de sangre ni escenas estridentes, pero con una fuerza y una capacidad de desasosiego dignas de estudio. Muy interesante.

muchacha, sendero, Gessner

Sinopsis: Rynn Jacobs (Jodie Foster) es una joven que vive en una casa apartada de la costa, con un padre que apenas sale de su estudio, en el que trabaja escribiendo poesía y al que nadie ve hace mucho tiempo. Es independiente y muy inteligente, por lo que se ha acostumbrado a vivir prácticamente sola. Durante la noche de Halloween, justo el día en el que cumple trece años, recibe inesperadamente la visita de Frank Hallet (Martin Sheen), un joven padre de familia que tiene en el pueblo fama de pervertido, y al poco tiempo la de la señora Hallet (Alexis Smith), madre de Frank y propietaria de la casa donde viven, que se la tiene alquilada por tres años, amenazando así la tranquilidad y la soledad en la que Rynn se ha acostumbrado a vivir...

El director: Nicolas Gessner es un director de cine de origen húngaro, que ha realizado la mayor parte de su carrera en Francia. Desde 1965, cuando debutó con la comedia romántica Mil millones en un billar, hasta 1989 en el que dirigió su último trabajo titulado Noches de Tennessee, es responsable de tan solo siete títulos, entre los que se pueden destacar ¿Cuál de las trece? (1969), con Sharon Tate, Vittorio Gassman, Orson Welles y Vittorio De Sica entre su reparto, y Alguien detrás de la puerta (1971), con Charles Bronson, Anthony Perkins y Jill Ireland, aunque ninguna de las dos son precisamente una maravilla. La muchacha del sendero es, sin lugar a dudas, su mejor trabajo.

La película: Resulta cuanto menos curioso, comprobar lo mal que ha envejecido en general el cine de los años 60 y 70. Los motivos son diversos, pero tiene mucho que ver con el vestuario que se utilizaba, con esos colores apagados que tan mal le vienen a muchos títulos de la época y con el enorme progreso que ha dado nuestra forma de vida y nuestra moralidad, todo hay que decirlo. Este caso no es ninguna excepción, pero a pesar de todos los pesares, sigue manteniendo un encanto indiscutible, además de proporcionar un buen rato de cine a los aficionados de la intriga y la originalidad. Por lo tanto, tras un breve periodo de adaptación del espectador, estamos ante un trabajo que realmente merece la pena ver y que, lógicamente, no deberían dejar pasar por alto.

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The Little Girl Who Lives Down the Lane tiene como uno de sus principales virtudes su magnífico guión, escrito por Laird Koenig, que adapta la novela del mismo nombre de Laird Koenig. Su calidad es indiscutible, tanto en su ritmo, intencionadamente tranquilo y sereno, e inevitablemente desconcertante, como en su forma de estar estructurado, agregando poco a poco a personajes interesantes que siempre suman a la historia, hasta llegar a su final, excelentemente escrito y rodado. En el se imponen los diálogos a las imágenes en casi todo momento, resultando este otro de sus puntos fuertes, ya que hay pocos en la cinta que puedan parecer inútiles o de relleno.

Ensayo de un crimen - Luis Buñuel (1955)

Ensayo, crimen, BuñuelTítulo original - Ensayo de un crimen
Año - 1955
Duración - 91 min.
País - México
Director - Luis Buñuel
Guión - Luis Buñuel, Eduardo Ugarte (Novela: Rodolfo Usigli)
Música - Jorge Pérez
Fotografía - Agustín Jiménez
Montaje - Jorge Bustos y Pablo Gómez
Producción - Alfonso Patiño Gómez
Productora - Alianza Cinematográfica
Género - Drama, Comedia
Reparto - Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma


Luis Buñuel escribió el guión junto a Eduardo Ugarte, basándose en la novela homónima de Rodolfo Usigli, y dirigió este trabajo difícilmente clasificable, donde drama y comedia negra parecen ir de la mano para contarnos la historia de un curioso personaje, el señor Archibaldo de la Cruz, al que da vida el actor Ernesto Alonso, realizando un trabajo magnífico. Está considerada como una de sus películas mas personales, caracterizándose por esconder tras su sencilla narrativa, toda una crítica a la sociedad burguesa, la justicia y a tocar multitud de temas mas que el maestro quiso reflejar en ella con sutileza. La obra de un adelantado a su tiempo y uno de los mejores realizadores que ha dado este país.

Ensayo, crimen, Buñuel

Sinopsis: Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) vive estigmatizado desde niño por la muerte de su institutriz (Leonor Llausás), de la que se cree culpable al haberla deseado mientras jugaba con una peculiar caja de música que le regaló su madre. Desde entonces vive luchando constantemente con el deseo de asesinar a todas las mujeres que pasan por su vida, aunque aún sin llegar a cometer ninguno de ellos, se cree culpable de sus muertes, ya que tras desearlo todas acaban falleciendo. Desesperado por la situación, decide confesar sus delitos ante un juez (Armando Velasco), al que contará su angustiosa vida desde la muerte de su institutriz, para así poner fin a su interminable agonía.

La película: Ensayo de un crimen supuso la última película de las 14 que el realizador Luis Buñuel realizó en México de forma consecutiva, entre 1947, año en que que rodó Gran casino, hasta 1955, en el que presentó la que hoy nos ocupa. Mas tarde volvería a rodar en cuatro ocasiones mas allí, pero ya intercaladas entre su trabajo en España, y sobre todo, en Francia. No voy a entrar a valorar el porqué de tal exilio, pero lo que si queda claro es que sus ideas políticas y las dificultades que la censura franquista ponían para filmar en nuestro país, mucho mas si tenemos en cuenta el tipo de cine que le gustaba hacer al realizador, fueron motivos mas que suficientes para ello, aunque no se si serían los únicos.

Estamos ante el trabajo con el que normalmente aconsejo empezar a ver el cine de Buñuel, no porque sea representativo del resto de su obra, ya que resulta bastante atípica y personal, sino porque me parece un film muy ameno de ver, con un ritmo que no da tregua al espectador y un sentido del humor que deja algo descolocado a quien no lo espera. Comienzas a verla y te preguntas que tendrá de especial esta obra, ya que te parece estar viendo cualquier película común de la época, pero en cuanto un lamentable accidente priva a nuestro protagonista de la compañía de su institutriz, y compruebas la forma en la que el director lo plasma en la pantalla, descubrimos que estamos ante algo muy diferente a lo que imaginábamos, consiguiendo engatusarte irremediablemente hasta su ¿extraño? final.

Ensayo, crimen, Buñuel

El guión, obra del propio Buñuel y Eduardo Ugarte, resulta realmente brillante, tanto en su acertado ritmo, como en la descripción de personajes, la forma en la que nos lleva de un género a otro en un instante o la enorme riqueza que esconde tras su sencilla narrativa. Es de esos libretos que entrega el protagonismo a un solo personaje, siendo este digno de estudio: un elegante y educado caballero que siempre hace gala de una amplia sonrisa y que en su soledad se corroe lentamente luchando contra los mas básicos instintos que regresan a el cada vez que recuerda la muerte de la que fue su institutriz.

El último cazador - Daniel Nettheim (2011)

último cazador, Daniel Nettheim, the hunterTítulo original - The Hunter
Año - 2011
Duración - 88 min.
País - Australia
Director - Daniel Nettheim
Guión - Alice Addison y Wain Fimeri, basado en la novela homónima de Julia Leigh
Música - Andrew Lancaster, Michael Lira y Matteo Zingales
Fotografía - Robert Humphreys
Montaje - Roland Gallois
Producción - Vincent Sheehan
Productora - Porchlight Films
Género - Drama
Reparto - Willem Dafoe, Sam Neill, Frances O'Connor, Sullivan Stapleton, Dan Wyllie, Callan Mulvey, Jacek Koman, Morgana Davies, Jamie Timony, Dan Spielman
Web oficial - http://www.thehuntermovie.com/


The Hunter en una película australiana dirigida por Daniel Nettheim y producida por Vincent Sheehan. Su guión es obra de Alice Addison y Wain Fimeri, basado en la novela del mismo nombre de 1999, escrita por Julia Leigh. Filmada íntegramente en Tasmania, estamos ante un trabajo ideal para los que gustan de la intriga, deleitarse con la naturaleza y capaces de disfrutar del cine sin necesidad de que desarrolle un ritmo muy elevado. Ecología, supervivencia y el enorme dominio de las grandes compañías son sus principales ingredientes. Su protagonismo es para un Willem Dafoe que no suele defraudar.

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Sinopsis: Martin David (Willem Dafoe) es un experto contratado por la compañía de biotecnología militar Red Leaf para ir a Tasmania y recoger muestras del único ejemplar que creen que queda del tigre de Tasmania, un animal dado por extinguido hace mucho, que utilizaba una toxina para paralizar a sus presas, tras la que anda dicha compañía y otras muchas. Pero al llegar, descubre que el único lugar donde puede alojarse es con Lucy Armstrong (Frances O'Connor) y sus hijos Katie (Morgana Davies) y Jamie (Finn Woodlock), la familia de un zoólogo y ecologista recientemente desaparecido, una experiencia que cambiará su forma de ver la vida para siempre.

La película: Daniel Nettheim ha desarrollado la mayor parte de su carrera en televisión, ejerciendo de director en series como Vidas secretas, All Saints, Rush, Mr & Mrs Murder, Doctor Who, etc., por lo que no había tenido el placer de ver nada de su obra, mucho menos de juzgarla. Pero tras disfrutar de lo lindo con esta maravillosa película, pienso que puede darnos muchas alegrías en el futuro, ya que su trabajo resulta bastante bueno, mas aún teniendo en cuenta su escasa experiencia en la gran pantalla.

Pero si que he de avisar que no estamos ante un plato para todos los gustos, algo que hay que tener en cuenta antes de disponernos a verla. The Hunter es un trabajo para ver tranquilo, disfrutando de los hermosos paisajes donde está rodada, sin esperar ningún tipo de cambio brusco de ritmo ni enormes dosis de acción y observando como su trama se va barruntando poco a poco, al mismo ritmo en el que la intriga irá ocupando su espacio, hasta llegar a su eficiente tramo final. El guión es obra de Alice Addison y Wain Fimeri, que adaptan la novela homónima de Julia Leigh. Su mayor virtud es la forma en la que nos muestra la indómita tierra donde se desarrolla la historia, la lucha entre los que defienden el ecosistema y los que dependen de el para subsistir, el valor que le da a la familia y la enorme presión que ejercen las grandes empresas hasta conseguir sus objetivos, sea al precio que sea.

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Pero como todo no puede ser bueno, ya que si fuese así su nota hubiese subido aún mas, creo que su principal error es la descompensación que existe entre las primeras tres cuartas partes de la historia y su tramo final, que si bien se puede valorar como muy bueno, quizás resulte algo atropellado en relación al mencionado primer tramo. Quizás, y siempre bajo mi humilde punto de vista, hubiese resultado mejor haberse extendido menos en la búsqueda que nuestro protagonista hace de un supuesto ejemplar de tigre de Tasmania, para poder dedicar algo mas de metraje a la resolución de la historia. De todas formas, es algo mejorable pero que no debe quitaros las ganas de verla, ya que sinceramente creo que merece la pena.

Locke - Steven Knight (2013)

Locke, Steven, Knight* Título original - Locke
* Año - 2013
* Duración - 85 min.
* País - Reino Unido
* Director - Steven Knight
* Guión - Steven Knight
* Música - Dickon Hinchliffe
* Fotografía - Haris Zambarloukos
* Montaje - Justine Wright
* Producción - Guy Heeley y Paul Webster
* Productora - Coproducción Reino Unido-EEUU; IM Global, Shoebox Films
* Género - Drama
* Reparto - Tom Hardy, Olivia Colman, Ruth Wilson, Andrew Scott, Ben Daniels, Tom Holland, Bill Milner


Steven Knight realiza este experimento de 85 minutos con un resultado realmente loable. Una arriesgada apuesta de la que sale reforzado de forma notable, gracias a su excelente guión y a un Tom Hardy que realiza uno de los mejores trabajos de su carrera, sino el mejor. Por cierto, es el único actor del reparto que sale en pantalla, ¿te atreves?

Locke, Steven, Knight

Sinopsis: Ivan Locke (Tom Hardy) es un luchador que todo lo que ha conseguido en la vida, ha sido a base de esfuerzo y sacrificio. Casado y con dos hijos, es capataz en una enorme obra y ha tenido que superar una infancia difícil para llegar a ser lo que es. Pero un buen día, tras finalizar su trabajo y montarse en su coche para volver a casa, recibirá una llamada telefónica que lo hará replanteárselo todo, teniendo que decidir entre actuar correctamente o conservar lo que da razón de ser a su vida.

El director: Steven Knight es un guionista y director británico nacido en Malborough, Inglaterra, en 1959.

Locke, Steven, KnightEn su faceta como guionista, en responsable de varios trabajos: 'Amazing Grace' (2006), un drama de época dirigido por Michael Apted y protagonizado por Ioan Gruffudd, Albert Finney, Michael Gambon y Romola Garai, entre otros. Es la crónica de la vida del parlamentario británico William Wilberforce (Ioan Gruffud), pionero en la lucha contra la esclavitud; su siguiente trabajo fue 'Promesas del este' (2007), un duro retrato del trafico de persona por parte de las mafias, dirigido por el canadiense David Cronenberg y protagonizado por Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel y Armin Mueller-Stahl; tras ella trabajó en 'Shutter Island' (colaborando con Laeta Kalogridis) (2010), dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo y Ben Kingsley. Un thriller que cuenta la investigación de la desaparición de una peligrosa asesina que estaba recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe; su siguiente colaboración fue en 2010 en 'Las crónicas de Narnia: la travesía del viajero del alba' (junto a Christopher Markus, Stephen McFeely, Michael Petroni y Richard LaGravenese).

Su siguiente paso fue como creador y guionista principal en la serie 'Peaky Blinders' (2013), un drama sobre la mafia que cuenta en su reparto con Paul Anderson, Cillian Murphy y Iddo Goldberg. Su debut tras las cámaras llegó ese mismo año con 'Redención', un thriller interpretado por Jason Statham que aprueba por los pelos. Con 'Locke' realiza un importante salto en su carrera que nos hace sermuy optimistas sobre sus futuros trabajos. El tiempo nos lo dirá.

La película: Comencé a ver 'Locke' sin tener la mas mínima idea de lo que me disponía a presenciar. No conocía ni tan siquiera quien era su director, ni quien integraba su reparto, de hecho no sabía ni al género al que pertenecía. Tan solo tenía un mensaje de un amigo dándome el nombre para que la viese. Inicié su visionado con ganas, ya que este amigo suele recomendarme buenos trabajos, al ir sus gustos muy en consonancia con los mios, pero a los cinco minutos comencé a mosquearme, principalmente al ver que su protagonista no se bajaba del coche, y comencé a esperarme lo peor. No me digas que me van a tener toda la película con este tío conduciendo, me vino a la cabeza mientras comencé a plantearme abandonarla al instante.

Pinceladas de clásicos del terror: Martin - George A. Romero (1977)

Martin, George, RomeroTítulo original - Martin
Año - 1977
Duración - 95 min.
País - Estados Unidos
Director - George A. Romero
Guión - George A. Romero
Música - Donald Rubinstein
Fotografía - Michael Gornick
Montaje - George A. Romero
Producción - Richard Rubinstein y Ben Barenholtz
Productora - Laurel Entertainment Inc.
Género - Terror. Drama | Vampiros. Drama psicológico
Reparto - John Amplas, Lincoln Maazel, Christine Forrest, Elyane Nadeau, Sara Venable, Francine Middleton, Roger Caine, George A. Romero, Tom Savini


En 1977, George A. Romero decidió dejar momentáneamente de lado a sus muertos vivientes para realizar su peculiar homenaje al cine vampírico, uno de los mas originales realizado hasta la fecha. El resultado es esta curiosa historia sobre un adolescente totalmente obsesionado con la sangre, que supuso su primera colaboración con el famoso creador de efectos especiales Tom Savini. El señor Guillermo del Toro la calificó como la mejor película de vampiros que había visto, juzguen ustedes mismos.

Martin, George, Romero

Sinopsis: Martin (John Amplas) es un adolescente muy callado con enormes problemas para relacionarse con los demás. En su mente predomina la idea de que es un vampiro, aunque uno muy especial, que no tiene problemas con el ajo, las cruces o la luz solar. Cuando se va a vivir con su primo Cuda (Lincoln Maazel), este desde el primer momento parece convencido de que le afecta una extraña maldición familiar, por lo que está convencido de que está poseído por algún demonio, algo que parece solo creer el, pero Martin no tiene colmillos, aunque si una estrecha relación con los narcóticos y las cuchillas de afeitar.

El director: George A. Romero es uno de esos directores relacionados casi exclusivamente con el cine de terror, y mas concrétamente con el de bajo presupuesto, ese denominado "Serie B". En su extensa carrera ha dirigido 17 largometrajes, de los que en 15 ocasiones es también responsable de su guión, además de colaborar en dos series ('The Winners' (1973) y 'Tales from the Darkside' (1983).

Martin, George, RomeroLas que mas fama han dado al director han sido las relacionadas con los zombis, de las cuales se le considera el claro precursor, ya que aunque no fue el primero en tratar el tema, si que le dio a las hambrientas criaturas varias señas de identidad que han perdurado en el tiempo, y que podemos observar por primera vez en 'La noche de los muertos vivientes' (1968), que podéis disfrutar completa en este enlace. Después de ella vinieron títulos como 'El amanecer de los muertos' (1978), 'El día de los muertos' (1985), 'La tierra de los muertos' (2005), 'Diary of the Dead' (2007) y 'Survival of the Dead' (2009).

Aparte de estas, es responsable de títulos como 'The Crazies' (1973), 'Creepshow' (1982), 'Monkey Shines' (1988), 'The Dark Half' (1993) o 'Bruiser' (2000), además de 'Martin' (1977), la que hoy nos ocupa. Entre otros, en 2007 recibió un premio honorífico en el Festival de Cine de Sitges por su trayectoria y en 2009 recibió un premio a toda su trayectoria en la ceremonia de los Scream Awards, premios dedicados a los géneros de horror, ciencia ficción y fantasía para películas, series y comics.

La película: 'Martin' es un trabajo que se puede calificar, cuanto menos, de muy curioso. Realizada inicialmente con una duración de 2 horas y 45 minutos para ser vista en blanco y negro, su posterior comercialización la dejó tal cual hoy la podemos ver, no teniendo a día de hoy constancia ni el propio director de la existencia de alguna copia en su formato original. El propio director ha asegurado en varias ocasiones que es su película favorita de entre las que ha dirigido.

Repulsión - Roman Polanski (1965)

Repulsión, Roman, Polanski* Título original - Repulsion
* Año - 1965
* Duración - 105 min.
* País - Reino Unido
* Director - Roman Polanski
* Guión - Gérard Brach y Roman Polanski
* Música - Chico Hamilton
* Fotografía - Gilbert Taylor
* Montaje - Alastair McIntyre
* Producción - Gene Gutowski
* Productora - Columbia Pictures
* Género - Drama, Terror, Thriller
* Reparto - Catherine Deneuve, Ian Hendry, Patrick Wymark, John Fraser, Yvonne Furneaux, Valerie Taylor, James Villiers, Helen Fraser, Renee Houston


Roman Polanski ideó junto a Gérard Brach este trabajo con el fin de ayudar a financiar la realización de 'Cul-de-sac'. El resultado es esta escalofriante historia donde se adentran en la perturbada mente de una hermosa joven, mostrándonos su lento pero irreversible deterioro de una forma magistral. Turbadora como pocas, es capaz de mantener al espectador pegado a la pantalla gracias a la formidable interpretación de una Catherine Deneuve inconmensurable.

Repulsión, Roman, Polanski

Sinopsis: Carol Ledoux (Catherine Deneuve) vive con su hermana Helen (Yvonne Furneaux) en un apartamento en Londres, donde trabaja como manicurista en un salón de belleza de alto standing. A pesar de su belleza, su relación con los hombres es prácticamente inexistente, aún siendo cortejada por el joven y apuesto Colin (John Fraser). Sus sentimientos hacia ellos son una mezcla de deseo y repulsión, acrecentados por la relación que mantiene su hermana con Michael (Ian Hendry), un hombre casado. Tras marcharse ambos de vacaciones, Carol comenzará a desestabilizarse hasta tal punto que empieza a tener visiones.

El director: Hablar de Roman Polanski es hablar de uno de los directores mas polémicos y que mas han dado que hablar en el mundo del cine. Hechos como el asesinato de su esposa, la actriz Sharon Tate que se encontraba embarazada de ocho meses, a manos de la banda de Charles Manson o las acusaciones de abusos sexuales de Samantha Gailey cuando tenía solo 13 años, son claras muestras de ello, aunque me limitaré a hablar de su obra, que por otra parte es lo que mas nos interesa, al menos a mi.

Repulsión, Roman, PolanskiEn cuanto a su carrera artística, ha ejercido como director, productor, guionista y actor, teniendo nacionalidad polaca y habiendo nacido en Francia. Comenzó su carrera como actor teatral, tras lo que cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź. Tras realizar varios cortos entre los que destacan 'Dos hombres y un armario' (1958), 'La lámpara' (1959) y 'Ángeles caídos' (1959), dirigió su primer largometraje, 'El cuchillo en el agua' (1962), iniciando una de sus mejores épocas como director en la que destacan 'Callejón sin salida' (1966), 'El baile de los vampiros' (1967) y 'La semilla del diablo' (1968), además de la que hoy nos ocupa.

Del resto de su extensa filmografía destacan 'Chinatown' (1974), 'El quimérico inquilino' (1976), 'Tess' (1979), 'Frenético' (1988), 'Lunas de hiel' (1992), 'La muerte y la doncella' (1994), 'El pianista' (2002), 'Un dios salvaje' (2011) y 'La Venus de las pieles' (2013), por nombrar algunas de las de mayor calidad. Como curiosidad comentar que no ha vuelto a pisar Estados Unidos ni el Reino Unido, por temor a ser recluido en prisión o extraditado, por lo que no asistió a la ceremonia de los Óscars de 2002, en la que obtuvo el Óscar al mejor director por 'El Pianista', y tuvo que rodar la película 'Oliver Twist' en Praga, con actores británicos.

La película: 'Repulsión' es la primera película de la llamada "trilogía del apartamento", que se completa con 'La semilla del diablo' (1968) y 'El quimérico inquilino' (1976). Las tres tienen en común relatar terror psicológico no causado por ningún agente externo, sino por la propia mente de la persona afectada. Recomiendo el visionado de todas ellas, estando entre lo mejor que el director ha rodado hasta la fecha.