El hijo de Saúl (Son of Saul) - László Nemes (2015)

Título original - Saul fia (Son of Saul)
Año - 2015
Duración - 107 min.
País - Hungría
Director - László Nemes
Guión - László Nemes, Clara Royer
Música - László Melis
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Matthieu Taponier
Producción - Gábor Sipos y Gábor Rajna
Productora - Laokoon Filmgroup
Género - Drama
Reparto - Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg, Uwe Lauer, Attila Fritz, Kamil Dobrowolski, Christian Harting
Web oficial - http://sonyclassics.com/sonofsaul/

László Nemes escribe junto a Clara Royer, dirige y además se encarga de la banda sonora, del que es su debut en la gran pantalla, la multipremiada Saul fia (Son of Saul o El hijo de Saúl). Un viaje a través del campo de concentración de Auschwitz, en el que acompañaremos a un prisionero miembro de los Sonderkommandos, no apto para todos los paladares y que no suele dejar a nadie indiferente. Una historia similar a muchas de las contadas sobre el exterminio nazi, pero haciéndolo de forma muy diferente a la habitual, en la que el espectador intuye mucho mas de lo que ve y participa de forma directa en la asfixiante atmósfera que se vive en tan terrible lugar, siempre contando con que se meta en su historia y en como nos la cuentan. Te gustará o no, pero de lo que no queda duda es que consigue innovar en un tema tan recurrente en el mundo del cine como el holocausto. Si me lo dicen antes de verla no lo creo.

Sinopsis: Campo de concentración de Auschwitz, 1944. Saúl (Géza Röhrig) es un prisionero judío de origen húngaro que pertenece a los Sonderkommandos, judíos elegidos por los nazis que se encargan de conducir hasta las cámaras de gas a los grupos de judíos que llegan constantemente, encargándose de la recogida de los efectos personales de estos y la limpieza de las cámaras donde son asesinados, a cambio de lograr sobrevivir. En una de las limpiezas, Saúl descubre a un chico que ha sobrevivido inicialmente al gas, aunque ya es tarde para el y no consigue salvar su vida. A partir de ese momento intentará al menos salvarlo del crematorio, haciéndolo pasar por su hijo e intentando que reciba un entierro acorde a su fe.

El director: Nemes Jeles László (László Nemes) es un guionista y director de cine húngaro, nacido en Budapest, el 18 de febrero de 1977. Hijo del director de cine András Jeles, creció en París, interesándose desde muy joven en el mundo del cine. Después de estudiar Historia, Relaciones Internacionales y posteriormente, formarse como guionista, Nemes fue asistente del destacado director de cine Béla Tarr. Tras dirigir los cortometrajes Con un poco de paciencia (2007), The Counterpart (2008) y The Gentleman Takes His Leave (2010), por fin a los 38 años ha podido dirigir su primer largometraje, El hijo de Saúl, obteniendo con él resultados inimaginables que lo han llevado a alzarse con el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa, el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en Cannes, el Globo de Oro como Mejor película de habla no inglesa, el Premio David di Donatello al Mejor film de la Unión Europea y el Independent Spirit Awards a la Mejor película extranjera, entre otros muchos. En la actualidad trabaja en el drama Sunset, ambientada en el Bucarest de los años previos a la I Guerra Mundial. En principio se espera para 2017.

La película: Son of Saul es ante todo una película muy arriesgada, cuya principal característica puede ser su gran acierto o su talón de aquiles, en función de la opinión y el gusto de cada espectador. A esa carta se la jugó László Nemes para escribir y llevar a la pantalla su opera prima, la que además le sirve para rendir su propio homenaje a la familia de su madre, que desapareció en uno de esos campos de exterminio. En gran parte de la película, cámara en mano, seguiremos fijamente a nuestro protagonista durante su odisea dentro del infierno donde intenta sobrevivir. No seguimos la acción en primera persona, como si de un videojuego se tratase y la cámara simulase ser los ojos del protagonista, sino que seguimos los pasos en todo momento de Saúl, nos convertimos en su sombra de forma constante para así hacernos sentir parte de lo que el siente, pero sin mostrar lo que ve claramente ante nuestros ojos. Esto hace que la experiencia difiera de la que proporciona cualquier otra película, pero es algo que no es soportado por todo el mundo.

Pero no contento con tan peculiar forma de filmar la película, László Nemes la rueda en un formato de 4:3, en 35 mm., por lo que el campo de visión del espectador se estrecha considerablemente, aumentando así la sensación de agobio constante que sufre. Además, en multitud de ocasiones, la figura de Saúl es la que aparece enfocada, debiendo intuir el espectador e ir descifrando formas de todo lo que se intuye alrededor del protagonista, aunque para eso tengamos la inigualable ayuda del sonido, que en esta ocasión alcanza una importancia pocas veces vista anteriormente. Recuerdo una escena en especial en la que vemos de frente la cara impasible del protagonista, absorto y prácticamente ausente mientras está apoyado en las puertas de una cámara de gas en pleno funcionamiento, a la vez que se oye y se imagina el dantesco espectáculo de su interior.

La infancia de Iván (Ivan's Childhood) - Andrei Tarkovsky (1962)

Título original - Ivanovo detstvo (Ivan's Childhood)

Año - 1962

Duración - 95 min.

País - Unión Soviética (URSS)

Dirección - Andrei Tarkovsky

Guion - Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava

Música - Vyacheslav Ovchinnikov

Fotografía - Vadim Yusov

Montaje - Lyudmila Feiginova

Producción - Gleb Kuznetsov

Productora - Mosfilm

Reparto - Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Espionaje, Infancia, Nazismo

La infancia de Iván (Ivan's Childhood) supuso el primer trabajo que el inolvidable realizador ruso Andrei Tarkovsky dejó para la historia del cine. Un trabajo del que se hizo cargo tras el despido del anterior realizador, en el que con la fotografía de Vadim Yúsov, el montaje de Lyudmila Feiginova, la banda sonora de Vyacheslav Ovchinnikov y el protagonismo de Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov y Yevgeni Zharikov, intentó mostrarnos de una manera hermosa y poética su enorme odio a la guerra. Un drama bélico en el que no asistiremos a ninguna batalla, pero si a los estragos del conflicto.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. La película narra la historia de un niño huérfano, Iván (Nikolái Burliáyev), y de su infancia durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia ha muerto a manos de soldados alemanes. Él logra escapar y es adoptado por una unidad del Ejército Rojo en el frente oriental. En una forma de venganza, el pequeño Iván se decide a colaborar con las tropas soviéticas, y, gracias a su pequeña estatura, realiza con éxito labores de exploración que requieren que cruce las líneas enemigas.

El director - Andréi Arsénievich Tarkovski fue un director de cine, actor, poeta y escritor ruso, nacido en  Óblast de Ivánovo, antigua Unión Soviética, el 4 de abril de 1932. Su padre fue Arseni Tarkovski, reconocido como uno de los poetas rusos más destacados de todo el siglo XX, y su madre María Ivánova Vishnyakova. En su juventud, estudió música, pintura y escultura, aprendió lenguas orientales en Moscú antes de interesarse por el cine; también trabajó como geólogo por un tiempo en Siberia.

Pronto fue el centro de atención de todo el mundo con su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), que obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia, Italia (ex aequo con Cronaca familiare de Valerio Zurlini). Sin embargo, fue sometido a una estricta vigilancia de las autoridades soviéticas, que temían que sus siguientes filmes no siguiesen las férreas directrices del Partido Comunista de la Unión Soviética, por lo que se le recortó el presupuesto para filmar El idiota de Fiódor Dostoyevski y se le negó enteramente el rodaje de una película dedicada al Evangelio de Lucas (ninguna de ellas vio jamás la luz). Como resultado de esa vigilancia, su siguiente film, Andréi Rubliov (1966), fue prohibido hasta 1971. Su siguiente obra, Solaris (1972), fue aclamada en el Este y considerada por muchos como la respuesta soviética a la película 2001: Una odisea del espacio, del director estadounidense Stanley Kubrick, aunque Tarkovski siempre afirmó que no la había visto.

El realizador tuvo un problema con las autoridades, que por poco le cuesta la cárcel, a raíz de su película Zérkalo (El espejo) (1975), una densa y autobiográfica película con una radical, innovadora y sugestiva estructura narrativa. Su siguiente película, también de ciencia ficción, Stalker (1979), tuvo que ser filmada de nuevo, con una drástica reducción económica en la producción, después de que un accidente en el laboratorio destruyese totalmente la primera versión filmada. Nostalgia (1983), filmada en Italia, fue su última película realizada bajo la estricta vigilancia de la Unión Soviética, ya que poco después de su filmación huyó con su segunda mujer a Suecia. Su última película, Sacrificio (1986), fue filmada en Suecia con la ayuda de los colaboradores habituales del cineasta sueco Ingmar Bergman, ganó cuatro premios en el Festival de Cine de Cannes, un hecho sin precedentes en la historia del cine soviético. Sin embargo, Andréi Tarkovski estaba sufriendo los estragos del cáncer que acabaría con su vida, por lo que le fue imposible asistir a recoger el Premio Especial del Jurado que obtuvo esta película, siendo su hijo Andriushka quien lo recogió ante un aplauso general que se prolongó durante varios minutos. Falleció el 29 de diciembre de 1986, en París a los 54 años. Fue enterrado en el cementerio para inmigrantes rusos de Sainte-Geneviève-des-Bois, en Isla de Francia.

La película - Al cine de Andrei Tarkovsky le ocurre algo similar a lo que le ocurre al cine de Ingmar Bergman o David Lynch, pues resulta tan venerado y puesto por las nubes por sus incondicionales, que parte de los que no lo han disfrutado intentan hacerlo y acaban llevándose un chasco. La cosa pienso que debería ser mucho mas sencilla que todo eso. O te gusta o no lo hace, sin que si te gusta debas ser clasificado como un snop cinéfilo, como he leído ya en varias ocasiones, o si no te gusta tengas que ser tachado de inculto. Lo que no podemos, o mas bien no deberíamos, es tratar de imponer nuestros gustos y opiniones a los demás, algo que además de ser bastante desagradable, no hace mas que mostrar la bravuconería y la arrogancia que, por desgracia, cada vez están mas a la vista en la relación entre los seres humanos, sobre todo escudados tras la seguridad y la impunidad que les otorga un nick cualquiera. Con La infancia de Iván, y a pesar de ser una de las obras del realizador ruso mas accesibles, ocurre esto que les acabo de contar, un cine que jamás llegará a llenar a los que buscan simplemente entretenimiento, algo tan respetable como cualquier otra opinión, pero que sin embargo consigue llenar a otros espectadores, que suelen buscar algo diferente en este arte, o al menos a parte de ellos.

Kingdom (Serie de TV) - Kim Seong-hoon, Park In-je (2019)

Título original - Kingdom
Año - 2019
Duración - 50 min.
País - Corea del Sur
Dirección - Kim Seong-hoon, Park In-je
Guión - Kim Eun-hee, basado en el cómic de Kim Eun-hee y Yang Kyung-Il
Fotografía - Tae-Sung Kim
Productora - Coproducción Corea del Sur-Estados Unidos; AStory. Distribuida por Netflix
Género - Serie de TV. Terror. Fantástico. Thriller. Acción. Drama | Zombis. Pandemias. Edad Media. Cómic
Reparto - Ju Ji-hun, Doona Bae, Ryu Seung-ryong, Greg Chun, Hye-Jun Kim, Kim Sang-ho, Kim Sung-kyun, Heo Jun-ho, Jun Suk-Ho, Kim Tae-Yul, Kim Tae-hoon, Park Byeong-eun, Jin Seon-kyu, Yoo Seung-mok, Jun Ji-hyun
Web oficial - https://www.netflix.com/title/80180171

Kim Eun-hee ha sido el guionista encargado de adaptar el cómic del que es autor junto a Yang Kyung-Il, para ofrecernos un producto sorprendente, distribuido en nuestro país por Netflix. Una historia de luchas por el poder en la edad media, concretamente en la era de la dinastía Joseon, en la que hemos de añadir un extraño y jugoso ingrediente: el de un apocalipsis zombi. Adictiva y muy recomendable, puedo asegurar tras deleitarme con su segunda temporada, que tenemos serie para largo (al menos eso espero). Una muy agradable sorpresa.

Sinopsis - Ambientada en la era de la dinastía Joseon, unos años después de las invasiones japonesas de Corea (1592-1598), nos cuenta la historia del Príncipe Heredero Lee Chang (Ju Ji-hoon), quien tras toparse con la prohibición de ver a su padre supuestamente enfermo, por el poderoso Consejero de Estado (Ryu Seung-ryong) y la Reina Consorte (Kim Hye-jun), ha de luchar contra una conspiración política que amenaza su vida y la de su pueblo, mientras investiga la propagación de una misteriosa plaga.

Imágenes de asiankiwi.com

Los directores -  Hasta ahora han participado dos directores en la serie. El realizador Kim Seong-hoon dirigió la primera temporada completa y el primer episodio de la segunda.

Nacido el 20 de febrero de 1971 en Corea del Sur, ha dirigido cine y televisión. En su trabajo figuran títulos como el thriller de acción A Hard Day (2014), el thriller dramático The Tunnel (2016) y la comedia de acción Confidential Assignment (2017), además de la que hoy nos ocupa.

El realizador Park In-je ha dirigido los últimos cinco episodios de la segunda temporada en la serie.

Anteriormente dirigió el thriller de acción The Informers (2011) y el drama político The Mayor (2017). Un total desconocido para mi hasta ahora.

La serie - Aun recuerdo aquellos tiempos en los que costaba mucho que productos como Kingdom viesen la luz. El universo de los muertos vivientes nos obsequiaba con alguna que otra película de vez en cuando, que además en muchas ocasiones distaba de tener cierta calidad, por lo que ver alguna en condiciones se podía considerar como un regalo. El enorme auge del subgénero y su salto a la pequeña pantalla hizo que los incondicionales del mismo lo tuviesen mucho mas fácil para saciar sus ansias, algo inconcebible con anterioridad, pero de igual forma hizo que la calidad y la originalidad bajase proporcionalmente. Cuestión de estadística.

Con Kingdom he de reconocer que tenía mis reticencias, ya que además de que el subgénero zombi está bastante alicaído últimamente, los ingredientes de la serie distan mucho de parecer de fácil convivencia. ¿Una pandemia zombi en medio de la edad media? ¿En los tiempos de la Corea feudal? La verdad es que cuesta masticar y digerir algo así de buenas a primeras, pero con tan solo comenzar a disfrutarla, te das cuenta de que el nivel general en casi todos los apartados no es que sea bueno, sino que resulta incluso brillante en muchos de ellos. Prueba de ello es que digerí de una sentada cuatro episodios, como el que no quiere la cosa, algo que personalmente hago en contadas ocasiones.

Defensa (Deliverance) - John Boorman (1972)

Título original - Deliverance

Año - 1972

Duración - 110 min.

País - Estados Unidos

Dirección - John Boorman

Guion - James Dickey, basado en la novela del propio James Dickey

Música - Eric Weissberg

Fotografía - Vilmos Zsigmond

Montaje - Tom Priestley

Producción - John Boorman

Productora - Warner Bros., Elmer Enterprises

Reparto - Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, James Dickey, Bill McKinney, Ed Ramey, Billy Redden, Seamon Glass, Randall Deal, Herbert 'Cowboy' Coward, Lewis Crone, Ken Keener, Johnny Popwell, John Fowler, Kathy Rickman

Género - Aventuras, Drama, Thriller / Supervivencia, Naturaleza, Amistad, Película de culto

John Boorman fue el director encargado de producir y dirigir el guion que James Dickey realizó adaptando su propia novela. Con la fotografía de Vilmos Zsigmond, el montaje de Tom Priestley, la banda sonora de Eric Weissberg y las actuaciones de Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox, estamos ante un trabajo único, que no ha perdido un ápice de su vigor y su fuerza tras casi cuarenta años. Una simbiosis perfecta entre la belleza de sus paisajes naturales, la dureza de su relato y la complejidad de la naturaleza humana. Imprescindible.

Sinopsis - Cuatro amigos que viven en la ciudad deciden pasar un fin de semana en los Montes Apalaches, lejos de sus familias y los problemas de la oficina. Quieren bajar en canoa un río que atraviesa un bosque que pronto será inundado para la construcción de una presa. Todo parece ir bien pero, tras una jornada placentera, el encuentro con varios lugareños convierte la excursión en una angustiosa pesadilla.

El director - John Boorman es un cineasta británico nacido en Surrey, Inglaterra, el 18 de enero de 1933, aunque está establecido en Irlanda. Hijo de Ivy y George Boorman, estudió en el colegio salesiano de Chertsey, Surrey, aunque su familia no era católica.

Boorman comenzó a trabajar como periodista a finales de los 50 y filmó un documental para la BBC; fue entonces cuando el productor David Deutsch se fijó en él y lo puso al frente de la película musical Catch Us If You Can (1965), tras la que dio el salto a Hollywood, donde debutó con la magnífica A quemarropa (Point Blank, 1967), un thriller dramático interpretado por Lee Marvin y Angie Dickinson. Tras ella rodó la brillante Infierno en el pacífico (1968), un drama de supervivencia con Lee Marvin y Toshirô Mifune, donde demostró que no necesitaba un guión excelso para realizar una buena película. Tras la comedia dramática Leo el Último (1970), con Marcello Mastroianni y Billie Whitelaw, filmó la brillante Deliverance (1972), con Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox, a la que le siguió Zardoz (1974), un trabajo de ciencia ficción con Sean Connery y Charlotte Rampling.

De vuelta a Estados Unidos tomó una de las peores decisiones de su carrera, la de dirigir El exorcista 2: El hereje, con Linda Blair y Richard Burton, tras la que volvió a Europa, donde dirigió la inolvidable Excalibur (1981), a la que le siguieron la película de aventuras La selva esmeralda (1985) y el drama ambientado en la segunda guerra mundial Esperanza y gloria (1987). Sus siguientes trabajos fueron la comedia dramática Donde está el corazón (1990), con Dabney Coleman y Uma Thurman, el drama de Más allá de Rangún (1995), con Patricia Arquette y Frances McDormand y el drama El General (1998), con Brendan Gleeson y Adrian Dunbar. Sus últimos trabajos fueron la película de espionaje El sastre de Panamá (2001), con Pierce Brosnan, Geoffrey Rush, Jamie Lee Curtis y Brendan Gleeson, el drama romántico Un país en África (2004), con Juliette Binoche, Samuel L. Jackson y Brendan Gleeson, el thriller La cola del tigre (2006), con Brendan Gleeson y Kim Cattrall, y el prescindible drama Reina y patria (2014), con Callum Turner y Caleb Landry Jones al frente de su reparto.

La película - Resulta curioso ver como ha evolucionado el mundo del cine, sobre todo el estadounidense. Deliverance (me niego a utilizar un título tan burdo como Defensa), que en su momento supuso una enérgica ruptura con los cánones hasta entonces utilizados, se presentaba en la gala de la 45.ª edición de los Premios Óscar, edición en la que se premió con un merecido Óscar honorífico al inolvidable Edward G. Robinson, nominada como mejor película, mejor director (John Boorman) y mejor montaje (Tom Priestley), pero por desgracia tuvo que competir con obras como El Padrino (The Godfather) o Cabaret, que acapararon gran parte de los galardones, historia que se repitió en los Globos de Oro. A día de hoy, el nivel de los trabajos con bandera estadounidense que se presentan a los deseados premios ha bajado enormemente, al menos para un servidor, algo ante lo que los aficionados poco podemos hacer, por lo que me encantaría ver que resultados obtendría Deliverance en la actualidad. 

Elling - Petter Naess (2001)

Título original - Elling
Año - 2001
Duración - 90 min.
País - Noruega
Director - Petter Naess
Guión - Axel Hellstenius, basado en la novela de Ingvar Ambjørnsen
Música - Lars Lillo Stenberg
Fotografía - Svein Krøvel
Montaje - Inge-Lise Langfeldt
Producción - Dag Alveberg
Reparto - Sven Nordin, Per Christian Ellefsen, Marit Pia Jacobsen, Jorgen Langhelle, Per Christensen
Productora - Film OG TV Produksion / Nordisk Film / Audiovisuelt Produksionfond
Género - Comedia, Drama

Petter Naess fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Axel Hellstenius escribió adaptando la novela Brødre i blodet (Hermanos de sangre) de Ingvar Ambjørnsen. Un magnífico trabajo basado en su enorme sencillez, la perfecta construcción de sus personajes y el enorme oficio del que hacen gala dos magníficos actores que hasta ahora eran desconocidos para mi: Sven Nordin y Per Christian Ellefsen. Una comedia que te hará reír y sufrir junto a sus personajes, con el suficiente tacto y buen gusto como para que acabes respetándolos y queriéndolos, pero nunca riéndote de ellos. Brillante.

Sinopsis: Elling (Per Christian Ellefsen) y Kjell Bjarne (Sven Nordin) son compañeros de habitación en la institución mental donde están internados desde hace algún tiempo. Son dos personajes totalmente diferentes, pero parece que se llevan y se compenetran bastante bien, hecho por el cual la asistencia social noruega decide concederles un apartamento y tutelarlos mientras se acostumbran a su nuevo estatus, vivir en libertad. Pero para dos personas acostumbradas a las normas y la seguridad que les da la institución, no será nada fácil realizar tareas sencillas que para cualquiera son cotidianas, pero para ellos suponen todo un reto.

El director: Petter Naess es un actor y director de cine noruego nacido en Oslo, el 14 de marzo de 1960. Comenzó como actor de teatro en 1985, ejerciendo como tal también en cine y televisión. En el teatro comenzó a escribir guiones y a dirigir sus propias obras trabajando en el Oslo Nye Teater desde 1997, entre las que destaca la exitosa Elling and Kjell Bjarne, que posteriormente dio lugar a la película que hoy nos ocupa. Debutó en el cine con la comedia dramática Absolute Hangover (1999), tras la que dirigió Elling (2001). Prosiguió su carrera en el cine noruego dirigiendo el drama Just Bea (2004) y la comedia dramática Elsk meg i morgen (2005), tras las que dirigió su primer y único trabajo hasta la fecha con bandera estadounidense, Crazy in Love (Locos de amor) (2005). Tras dirigir el drama sueco Leaps and Bounds (2007) regresó al cine de su país, donde ha dirigido la comedia romántica Gone with the Woman (2007), el drama Shameless (2010) y el drama bélico Perdidos en la nieve (2012), su último trabajo hasta la fecha.

La película: Ante todo, por si alguno de ustedes se habían hecho una idea equivocada, aclarar que estamos ante un producto muy diferente a la mayoría de los trabajos que en tono de comedia se suelen hacer sobre temas similares a la que trata Elling. Además hay que dejar claro que hablamos de una comedia dramática a la europea, que poco o nada suele tener que ver con las que nos llegan de Estados Unidos, por lo que no esperemos que consiga sacarnos excesivas carcajadas. Por el contrario consigue que, sin necesidad de ridiculizar a sus protagonistas ni adjudicarles conductas poco realistas, asistamos a su odisea con media sonrisa en la cara. Acabas empatizando con ellos, cogiéndoles cariño, algo que para algunos es sinónimo de búsqueda de sentimentalismo fácil, pero que yo no comparto. Para mi es la consecuencia lógica de una excelente construcción de sus personajes y dos magníficas interpretaciones.

La heroicidad no es un concepto que suela ir unido a la fama, el reconocimiento o la admiración por parte de los demás. Muy alejados de los ojos de la mayoría de las personas existen seres que luchan a diario contra la adversidad, con la simple meta de llevar lo que la sociedad denomina "una vida normal", haciendo frente a las dificultades que tienen para hacer cosas que a nosotros nos parecen sencillas o habituales y aguantando además la poca consideración y comprensión de la mayoría de sus semejantes, muy dados a señalar y segregar a cualquiera por el simple hecho de ser diferentes. Héroes de a diario, de los que pocos hablan, cuyas hazañas rara vez salen en los libros de aventuras, pero que en este hermoso trabajo son, aunque sea por una sola vez y si quieren sin que sirva de precedente, los principales protagonistas.