Rocco y sus hermanos - Luchino Visconti (1960)

Título original - Rocco e i suoi fratelli
Año - 1960
Duración - 170 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli, basándose en un relato de Giovanni Testori
Música - Nino Rota
Fotografía - Giuseppe Rotunno
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Goffredo Lombardo
Productora - Coproducción Italia-Francia
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinau, Claudia Cardinale, Spiros Focas, Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair

Luchino Visconti firmó con Rocco y sus hermanos su séptima película como realizador, llevando a la gran pantalla un guión que Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli realizaron sobre un relato de Giovanni Testori. 170 minutos que giran en torno a una familia de emigrantes y las duras condiciones que encuentran tras llegar a Milán en busca de una vida mejor, con un excelente trabajo de todo su reparto, la fotografía de Giuseppe Rotunno y la música del inolvidable Nino Rota. Un trabajo imprescindible que deberían haber visto ya, aunque he de confesar que los envidio si aún no lo han hecho y tienen intención de hacerlo.

Sinopsis: Rosaria Parondi (Katina Paxinou) y sus hijos Simone (Renato Salvatori), Rocco (Alain Delon), Ciro (Max Cartier) y Luca (Rocco Vidolazzi) abandonan su tierra natal en busca de una vida mejor, emigrando a una gran ciudad como Milán, donde Vincenzo (Spiros Focás), el mayor de los hermanos, trabaja de albañil y entrena para llegar a ser boxeador profesional. Su llegada y la progresiva adaptación de sus miembros no será sencilla, aunque cada uno intentará buscar un futuro mejor en una tierra muy diferente a la que dejaron atrás, pero a la que no tendrán mas remedio que acabar adaptándose.

El director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorrealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Rocco y sus hermanos (1960), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto.

La película: En la película que hoy nos ocupa, encontramos varias de las constantes de su cine, como la importancia de la familia o las duras condiciones que soportan las clases mas desfavorecidas, por poner algunos ejemplos. En principio puede que su extenso metraje cree ciertas dudas en los mas escépticos, pero puedo asegurarles que una vez conocidos sus personajes e introducidos en su historia, resulta realmente difícil abandonar su visionado, haciéndose mucho mas corta de lo que su duración real transmite. Lógicamente, si no has visto demasiado cine italiano, necesitarás un breve periodo de adaptación a sus característicos diálogos, sobre todo a la rapidez que tienen los mismos en ciertos momentos (la madre es el mejor de los ejemplos), pero es algo que haréis casi sin enteraros y la recompensa tras ello bien merece la pena.

Rocco y sus hermanos encierra dentro de si un excelente drama social en el que se muestra la lucha por una vida mejor de los que poco o nada tienen, un melodrama realmente brillante donde se aprecia la riqueza que el mundo de las artes escénicas sembraron en el director y en el que encontramos ciertas similitudes con algunas tragedias griegas, pero sobre todo encontramos en el un auténtico y genuino alegato en favor de la familia, esa institución a la que muchos y muchas prestan escasa atención, pero que debería de ser uno de los pilares fundamentales de nuestras vidas, el mayor de los motivos para seguir adelante y continuar la lucha.

La muchacha del sendero - Nicolas Gessner (1976)

Título original - The Little Girl Who Lives Down the Lane
Año - 1976
Duración - 100 min.
País - Canadá
Director - Nicolas Gessner
Guión - Laird Koenig, basado en la novela homónima de Laird Koenig
Música - Christian Gaubert
Fotografía - René Verzier
Montaje - Yves Langlois
Producción - Zev Braun
Productora - Coproducción Canadá-USA-Francia
Género - Intriga, Drama
Reparto - Jodie Foster, Martin Sheen, Alexis Smith, Mort Shuman, Dorothy Davis, Scott Jacoby, Clesson Goodhue, Dorothy Davis

Nicolas Gessner fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Laird Koenig realizó basándose en la novela The Little Girl Who Lives Down the Lane. Una peculiar película, que puede parecer un tanto lastrada en la actualidad por ese aire setentero inconfundible, pero que merece la pena disfrutar por su originalidad, la intriga que nos acompaña en todo momento y la posibilidad de ver uno de los primeros papeles principales de la excelente Jodie Foster. Terror psicológico del que se hacía antes, sin necesidad de excesos de sangre ni escenas estridentes, pero con una fuerza y una capacidad de desasosiego dignas de estudio. Muy interesante.

Sinopsis: Rynn Jacobs (Jodie Foster) es una joven que vive en una casa apartada de la costa, con un padre que apenas sale de su estudio, en el que trabaja escribiendo poesía y al que nadie ve hace mucho tiempo. Es independiente y muy inteligente, por lo que se ha acostumbrado a vivir prácticamente sola. Durante la noche de Halloween, justo el día en el que cumple trece años, recibe inesperadamente la visita de Frank Hallet (Martin Sheen), un joven padre de familia que tiene en el pueblo fama de pervertido, y al poco tiempo la de la señora Hallet (Alexis Smith), madre de Frank y propietaria de la casa donde viven, que se la tiene alquilada por tres años, amenazando así la tranquilidad y la soledad en la que Rynn se ha acostumbrado a vivir...

El director: Nicolas Gessner es un director de cine de origen húngaro, que ha realizado la mayor parte de su carrera en Francia. Desde 1965, cuando debutó con la comedia romántica Mil millones en un billar, hasta 1989 en el que dirigió su último trabajo titulado Noches de Tennessee, es responsable de tan solo siete títulos, entre los que se pueden destacar ¿Cuál de las trece? (1969), con Sharon Tate, Vittorio Gassman, Orson Welles y Vittorio De Sica entre su reparto, y Alguien detrás de la puerta (1971), con Charles Bronson, Anthony Perkins y Jill Ireland, aunque ninguna de las dos son precisamente una maravilla. La muchacha del sendero es, sin lugar a dudas, su mejor trabajo.

La película: Resulta cuanto menos curioso, comprobar lo mal que ha envejecido en general el cine de los años 60 y 70. Los motivos son diversos, pero tiene mucho que ver con el vestuario que se utilizaba, con esos colores apagados que tan mal le vienen a muchos títulos de la época y con el enorme progreso que ha dado nuestra forma de vida y nuestra moralidad, todo hay que decirlo. Este caso no es ninguna excepción, pero a pesar de todos los pesares, sigue manteniendo un encanto indiscutible, además de proporcionar un buen rato de cine a los aficionados de la intriga y la originalidad. Por lo tanto, tras un breve periodo de adaptación del espectador, estamos ante un trabajo que realmente merece la pena ver y que, lógicamente, no deberían dejar pasar por alto.

The Little Girl Who Lives Down the Lane tiene como uno de sus principales virtudes su magnífico guión, escrito por Laird Koenig, que adapta la novela del mismo nombre de Laird Koenig. Su calidad es indiscutible, tanto en su ritmo, intencionadamente tranquilo y sereno, e inevitablemente desconcertante, como en su forma de estar estructurado, agregando poco a poco a personajes interesantes que siempre suman a la historia, hasta llegar a su final, excelentemente escrito y rodado. En el se imponen los diálogos a las imágenes en casi todo momento, resultando este otro de sus puntos fuertes, ya que hay pocos en la cinta que puedan parecer inútiles o de relleno.

Dark Places (Lugares oscuros) - Gilles Paquet-Brenner (2015)

Título original - Dark Places
Año - 2015
Duración - 113 min.
País - Reino Unido
Director - Gilles Paquet-Brenner
Guión - Gilles Paquet-Brenner (Novela: Gillian Flynn)
Música - Gregory Tripi
Fotografía - Barry Ackroyd
Montaje - Douglas Crise y Billy Fox
Producción - Stéphane Marsil, Prince Azim, Matthew Rhodes, Cathy Schulman y Charlize Theron
Productora - Coproducción Reino Unido-Francia-USA; Exclusive Media Group / Mandalay Vision / Cuatro Plus Films
Género - Thriller, Intriga, Drama
Reparto - Charlize Theron, Nicholas Hoult, Chloë Grace Moretz, Christina Hendricks, Tye Sheridan, Corey Stoll, Drea de Matteo, Azure Parsons, Andrea Roth, Dora Madison Burge, Sterling Jerins, Laura Cayouette, Shannon Kook, Glenn Morshower, Addy Miller
Web oficial - http://darkplacesmovie.com/

Gilles Paquet-Brenner se lo guisa y se lo come, como dicen por aquí, escribiendo el guión y dirigiendo este Thriller de intriga que es el ejemplo perfecto de como una buena idea no sirve de mucho si quien la plasma en el guión y quien la dirigen (en este caso la misma persona) no llegan a hacerlo con un mínimo de coherencia. Un trabajo que se sigue con atención, con un buen reparto, muy poco aprovechado en muchos casos, y que comete uno de los peores pecados que puede cometer una película, no resultar casi nunca creíble. Imposible evitar la comparación con Perdida (Lone girl), otra novela de Gillian Flynn mucho mejor adaptada.

Sinopsis: Libby Day (Charlize Theron) sobrevivió cuando era niña a la matanza de su familia, testificando después en contra de su hermano Ben (Tye Sheridan), al que señaló como responsable de los hechos, por lo que fue encerrado de por vida. Pasados 25 años, y sin que ella haya sido capaz de dejar atrás tan terribles hechos, recibe la visita de Lyle (Nicholas Hoult), el representante de un grupo de personas obsesionados con crímenes y criminales sangrientos, que se reúnen en un peculiar local. Lyle ofrece algo de dinero a Libby para que asista a una de sus reuniones y conteste a las preguntas de los miembros, algo a lo que ella tendrá que acceder, aún sin querer hacerlo, por la grave situación económica que atraviesa. Pero una vez allí descubrirá que la intención del grupo es reabrir el caso de su hermano, al que creen inocente.

El director: El director y guionista francés Gilles Paquet-Brenner ha dirigido dos cortometrajes (13 Minutos en la vida de Josh y Anna y Le Marquis) y siete largometrajes, de los que ha sido también autor de sus guiones. Debutó en 2001 con Las cosas bellas, interpretada por la brillante Marion Cotillard. Tras ella llegaron Gomez y Tavarès (2003), Gomez y Tavarès, la suite (2007), UV (2007) y Walled In (2009), de las que no puedo opinar por no haberlas visto. En 2010 dirigió su último trabajo anterir al que hoy nos ocupa, la excelente La llave de Sarah, un drama sobre el holocausto interpretado por Kristin Scott Thomas, Mélusine Mayance y Niels Arestrup, entre otros, que merece la pena y mucho.

La película: He de comenzar aclarando que no he leído la novela Dark Places, escrita por Gillian Flynn en 2009, por lo que no voy a valorar si la adaptación es buena o no, al igual que tampoco podré valorar si ciertas características del guión y la película son heredadas del libro o no. Lo que si que me ha quedado claro es que hay ciertos aspectos en la película realmente difíciles de creer, aún a sabiendas de que es ficción, siendo un enorme error reproducirlos en esta si estaban en la novela, error que es mucho mayor si no lo estaban y han sido ideados por el guionista. De cualquiera de las formas, he de decir que es una verdadera lástima, porque obviando estos detalles y con un poco mas de atino, estaríamos ante un trabajo que hubiese alcanzado un 7 o un 8 fácilmente.

Y es que hay que decir que estamos ante un trabajo que no me ha aburrido en ningún momento, en el que la intriga está dosificada de forma correcta, al igual que su ritmo, en un constante in crescendo que hace que se disfrute con atención, pero regular comenzada y mucho peor terminada. Por ello, su comienzo te hace albergar esperanzas de que puede tratarse de una buena película, algo de lo que dudas en cuanto asistes a los motivos por los que nuestra protagonista llega a desear revivir todo lo que ocurrió. Una vez se pone a ello, viene la mejor parte de este trabajo, la mas regular y donde la película consigue no suspender, haciendo que casi olvides el delirio inicial y asistas a su desarrollo de forma optima.

Black Sea (Mar tenebroso) - Kevin Macdonald (2014)

Título original - Black Sea
Año - 2014
Duración - 115 min.
País - Reino Unido
Director - Kevin Macdonald
Guión - Dennis Kelly
Música - Ilan Eshkeri
Fotografía - Christopher Ross
Montaje - Justine Wright
Producción - Kevin Macdonald y Charles Steel
Productora - Cowboy Films / Etalon Film / Film4
Género - Aventuras, Thriller
Reparto - Jude Law, Scoot McNairy, Ben Mendelsohn, David Threlfall, Konstantin Khabenskiy, Sergey Puskepalis, Michael Smiley, Grigory Dobrygin, Sergey Veksler, Sergey Kolesnikov

Kevin Macdonald es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión firmado por Dennis Kelly. Con un convincente reparto encabezado por Jude Law, estamos ante un trabajo un tanto atípico, que a pesar de recoger algunas ideas de otros muchos, es capaz de mantenerte pegado a la pantalla en un producto final con identidad propia. No esperen excesivos alardes visuales ni de efectos especiales, pero a cambio podrán disfrutar de una película con una atmósfera claustrofóbica donde la tensión y la intriga tienen dos de los papeles principales. Mucho mejor de lo que esperaba en un principio, recomendable sin duda alguna.

Sinopsis: El capitán Robinson (Jude Law) no atraviesa por su mejor momento. Recientemente divorciado y sin haber podido disfrutar apenas de su hijo, recibe la noticia de que la empresa para la que trabaja ha decidido despedirlo, dándole una ridícula indemnización. Pero tomando unas copas con sus antiguos compañeros Blackie (Konstantin Khabensky) y Kurston (Daniel Ryan), el último los informa de una forma de conseguir una gran cantidad de dinero de forma rápida, pero muy peligrosa, abordando un antiguo submarino alemán que se hundió frente a las costas de Georgia cargado de oro, por lo que intentaran conseguir la financiación necesaria para adquirir un antiguo submarino ruso y reclutar una tripulación mitad británica, mitad rusa, que le permita intentar acceder al preciado cargamento.

El director: En las dos décadas que dura la carrera del director escocés Kevin Macdonald, este ha intercalado la realización de documentales y ficción. Entre los primeros podemos disfrutar de El Goliat de Chaplin (1996), Howard Hawks, un artísta americano (1997), Un día de septiembre (1999), My Enemy’s Enemy (2007), La vida en un día (2011) o Marley (2012), todos ellos altamente recomendables. Entre sus trabajos de ficción tenemos la maravillosa El último rey de Escocia (2006), interpretada por el excelente Forest Whitaker, la brillante La sombra del poder (2009), con un reparto de lujo donde encontramos a nombres como Russell Crowe, Ben Affleck o Rachel McAdams, además de las mas modestas La legión del águila (2011) y Mi vida ahora (2013).

La película: La formula consistente en contarnos las andanzas de un grupo de hombres a bordo de un submarino, nos ha dejado a lo largo de la historia del cine un buen puñado de títulos que, con una mayor o menor calidad, suelen asegurarnos un buen rato de cine. Entre los nombres que me vienen a la mente están Marea roja (1995), U-571 (2000), Abyss (1989), Das Boot. El submarino (1981), Marea roja (1995), K-19: The Widowmaker (2002) o La caza del Octubre rojo (1990), aunque la lista sería mucho mas amplia. Entre sus principales características suele estar la claustrofóbica atmósfera que se respira en ellas, ya sea un título de aventuras, acción, bélico o un thriller.

En el caso que hoy nos ocupa, he de confesar que no las tenía todas conmigo antes de verla, e incluso he de decir que en su comienzo me daba mala espina, pero ha sido simplemente una ilusión, ya que en cuanto nuestros protagonistas le echan valor y se meten en el maltrecho submarino, la película despega dejando atrás gran parte de mis temores, hasta conseguir envolverte y llevarte en volandas hasta su acertado final. Su guión, obra del guionista y productor Dennis Kelly (Pulling, Spooks, Utopía), un profesional ligado normalmente al medio televisivo que escribe aquí su primer guión para la gran pantalla, con bastante buen resultado, todo hay que decirlo.

Mad Max: Furia en la carretera - George Miller (2015)

Título original - Mad Max: Fury Road
Año - 2015
Duración - 120 min.
País - Australia
Director - George Miller
Guión - Nick Lathouris, Brendan McCarthy y George Miller
Música - Junkie XL
Fotografía - John Seale
Montaje - Margaret Sixel
Producción - Doug Mitchell, George Miller y P.J. Voeten
Productora - Coproducción Australia-USA; Kennedy Miller Productions / Icon Productions
Género - Ciencia ficción. Acción | Futuro postapocalíptico. Western futurista. 3-D. Secuela
Reparto - Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Angus Sampson, Zoë Kravitz, Rosie Huntington-Whiteley, Nathan Jones, Riley Keough, Abbey Lee, Courtney Eaton, Josh Helman, Megan Gale, Melissa Jaffer, Stephen Dunlevy
Web oficial - http://www.madmaxmovie.com/

Mad Max: Furia en la carretera es el nombre que en España se le ha dado a la resurrección de la memorable saga que en los años 80 dirigió George Miller y protagonizó Mel Gibson. El propio Miller se hace cargo del guión junto a Nick Lathouris y Brendan McCarthy, además de continuar con la dirección, en un trabajo donde Tom Hardy sustituye a Gibson, muy bien acompañado por Charlize Theron. Adrenalina en estado puro en una persecución de dos horas de duración, adaptada hábilmente a lo que el público de hoy día demanda. En los pocos respiros que da al espectador es donde mas se notan sus evidentes carencias.

Sinopsis: Max (Tom Hardy) es un solitario superviviente en un mundo postapocalíptico que es capturado por los War Boys, el ejército de Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne), un tirano que domina la ciudadela donde habita gracias a su control sobre el agua. Allí los días de Max están contados, tras el descubrimiento de su condición de donante de sangre universal, pero todo cambiará cuando Imperator Furiosa (Charlize Theron), una de las integrantes del cruel ejercito, aproveche un viaje rutinario para darse a la fuga a bordo de un potente camión fuertemente blindado, llevando consigo a las cinco esposas de Inmortal Joe, esclavizadas con el único fin de procrear. La inmediata persecución del preciado cargamento dará a Max la oportunidad de poder sobrevivir.

El director: La carrera del productor, director y guionista australiano George Miller combina algunos trabajos que han pasado a formar parte de la historia del cine, como la trilogía Mad Max, Las brujas de Eastwick o El aceite de la vida, con periodos en los que apenas ha trabajado o lo ha hecho como guionista o productor. En los últimos 20 años solo ha ejercido como realizador en trabajos dirigidos al público infantil, realizando Babe, el cerdito valiente, Happy Feet y sus respectivas secuelas. Curiosamente han sido estas las que mayor éxito le han proporcionado, al menos en cuanto a palmarés se refiere, ya que exceptuando su nominación al Oscar como Mejor guion original por El aceite de la vida, las otras tres han sido a mejor guión y película por Babe y su única estatuilla ganada, la de Mejor película de animación por Happy Feet.

La película: Y que mejor forma de volver a la ficción para adultos que revitalizar la trilogía que lo hizo destacar como nunca en su carrera, aprovechando los enormes avances que la tecnología ha dado al cine desde aquel lejano 1979 en que estrenara la original Mad Max, que tan bien le vienen a un trabajo de estas características. El resultado es un espectáculo visual digno de elogio, en el que el espectador goza de pocos momentos de respiro mientras asiste a una persecución como pocas pueden verse en una pantalla de cine, que ha dado y dará mucho que hablar. Pero claro, aunque simplemente eso sea suficiente para hacer que gran parte del público pase un rato en grande, tras acabar su visionado conviene hacerse ciertas preguntas cuyas respuestas puede que nos hagan cambiar algo nuestra opinión.

La primera de esas preguntas que vienen a mi mente es la opinión que tendría de su guión, en el supuesto caso de haberlo leído antes de ver la película, porque la verdad es que dudo y mucho de que pudiera ser positiva. La historia es bastante simple, rozando el absurdo en muchos momentos, pero es algo que tras el derroche de adrenalina puede quedar en un segundo plano, al menos para muchos aficionados. Pero lo que peor sabor de boca me ha dejado del libreto obra de Nick Lathouris, Brendan McCarthy y George Miller, es la falta de alma que desprende en su conjunto, precisamente una de las grandes bazas de su película original y lo que consiguió convertirla en una película de culto.

Pinceladas de clásicos del terror: El ladrón de cadáveres - Robert Wise (1945)

Título original - The Body Snatcher
Año - 1945
Duración - 79 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Wise
Guión - Philip MacDonald y Val Lewton, basándose en el cuento de Robert Louis Stevenson
Música - Roy Webb
Fotografía - Robert De Grasse
Montaje - J.R. Whittredge
Producción - Jack J. Gross y Val Lewton
Productora - RKO. Productor: Val Lewton
Género - Terror, Thriller, Película de culto
Reparto - Boris Karloff, Bela Lugosi, Henry Daniell, Edith Atwater, Russell Wade, Rita Corday, Sharyn Moffett, Donna Lee

Robert Wise sería el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Philip MacDonald y Val Lewton realizaron, adaptando el cuento homónimo de Robert Louis Stevenson. Un trabajo que, a pesar de su bajo presupuesto, os mantendrá casi hora y media con los ojos clavados en la pantalla y que sería la última oportunidad de ver juntos a Boris Karloff y Bela Lugosi, de las ocho ocasiones en que compartieron cartel. No es de extrañar que haya alcanzado el estatus de película de culto, ya que no se puede dar mas por menos. Ineludible.

Sinopsis: Donald Fettes (Russell Wade) es uno de los estudiantes que asisten a la escuela de medicina del afamado doctor MacFarlane (Henry Daniell), aunque teme que tendrá que abandonar sus estudios ante su delicada situación económica. Al enterarse de ello su mentor, le ofrece trabajo como su ayudante, que incluye un pequeño sueldo y hospedaje en su propia casa, pero lo que en principio es un alivio para Donald, se convertirá en preocupación tras conocer a John Gray (Boris Karloff), un siniestro cochero que realiza negocios con MacFarlane, proporcionándole a cambio de cierto dinero cadáveres de personas recientemente fallecidas, procedentes de las tumbas del cementerio de Edimburgo, que después son utilizados por el profesor y sus alumnos para sus clases.

El director: Robert Wise fue un montador, productor y director de cine estadounidense cuya carrera se extendió durante 57 años, en los que pudo abordar todo tipo de géneros. Para que os hagáis una idea de la importancia de este inolvidable realizador, señalar que fue responsable del montaje de Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941), por el que fue candidato al Oscar, participando al año siguiente en el montaje de 'El cuarto mandamiento' (1942), del mismo director. Como director realizó mas de 40 películas, dejándonos títulos como Born to Kill (Nacido para matar) (1947), Nadie puede vencerme (1949), La casa de la colina (1951), Ultimátum a la Tierra (1951), La ciudad cautiva (1952), Marcado por el odio (1956), Torpedo (1958), ¡Quiero vivir! (1958), West Side Story (1961), Sonrisas y lágrimas (1965), El Yangtsé en llamas (1966), La amenaza de Andrómeda (1971) o Star Trek, la película (1979). ¿A ver quien da mas?

La película: El ladrón de cadáveres supuso la cuarta película del realizador como director, que había debutado tan solo un año antes con el drama bélico Mademoiselle Fifi. He de confesar que no tenía conocimiento de la existencia de este título hasta hace relativamente poco tiempo, por lo que cuando llegó a mis manos una copia de la misma, no albergaba excesivas expectativas sobre ella, ya que siendo un admirador del cine clásico de terror desde que tengo uso de razón y veo cine, creía haber visto casi todas las mas memorables. Craso error, ya que tras disfrutarla puedo asegurar que es una de las obras mas completas que recuerdo dentro del género, algo que alcanza aún mayor dimensión si tenemos en cuenta que estamos hablando de un trabajo de serie B, cuyo presupuesto fue bastante ridículo.

La experiencia nos dice que las adaptaciones de grandes o afamados títulos literarios, suelen venir de la mano de las críticas negativas de gran parte de los que las ven tras haber disfrutado del libro en cuestión. En el caso que hoy nos ocupa, el guión es obra de Philip MacDonald y Val Lewton, aunque hay que decir que en vez de adaptar el cuento homónimo del brillante Robert Louis Stevenson, tan solo se basan en el, que no es lo mismo, ni mucho menos. Esto, que en principio puede resultar algo arriesgado, aquí se revela como todo un acierto, del que podemos decir sin temor a equivocarnos que le da al magnífico relato un aire dramático que le viene muy bien al resultado final.

Fuerza bruta - Jules Dassin (1947)

Título original - Brute Force
Año - 1947
Duración - 98 min.
País - Estados Unidos
Director - Jules Dassin
Guión - Richard Brooks, basado en la historia original de Robert Patterson
Música - Miklós Rózsa
Fotografía - William H. Daniels
Montaje - Edward Curtiss
Producción - Mark Hellinger
Productora - Universal International Pictures
Género - Drama | Drama carcelario
Reparto - Burt Lancaster, Hume Cronyn, Charles Bickford, Sam Levene, Howard Duff, Yvonne De Carlo, Art Smith, Jeff Corey, Ella Raines, Anita Colby, John Hoyt, Jack Overman, Ann Blyth, Roman Bohnen, Vince Barnett, Richard Gaines, Frank Puglia

Jules Dassin comenzó a demostrar su valía real con este drama carcelario en el que Richard Brooks adapta una historia de Robert Patterson. Un trabajo en el que destaca la opresiva fotografía de William H. Daniels, el buen hacer del realizador y el magnífico trabajo de casi todo su reparto, encabezado por un Burt Lancaster que comenzaba a brillar tras su magnífico estreno en Forajidos (Robert Siodmak,1946). Un film que denuncia el abuso de poder y las deficiencias del sistema penitenciario, que serviría mas tarde de espejo a otros muchos similares.

Sinopsis: El alcaide A. J. Barden (Roman Bohnen) lleva años dirigiendo la penitenciaría de Westgate, aunque su carácter, debilitado por los años, solo le permite permanecer en su despacho ajeno a la realidad de los reclusos, que viven oprimidos brutalmente. Gran parte de culpa la tiene el capitán Munsey (Hume Cronyn), un hombre sin escrúpulos que es quien realmente dirige la prisión a su antojo, no dudando en utilizar los métodos mas crueles para conseguir sus propósitos. Pero tras varios incidentes ocurridos en la prisión, y ante la amenaza de la supresión de los escasos privilegios que tienen los presos, un grupo de ellos encabezados por Joe Collins (Burt Lancaster), comienza a trazar un plan para fugarse.

La película: El enorme talento del realizador Jules Dassin nos dejó durante su carrera un puñado de excelentes películas entre las que destacan, además de la que hoy nos ocupa, La ciudad desnuda (1948) y Mercado de ladrones (1949), momento en el que, debido a la caza de brujas, fue obligado a trasladarse a Europa, donde nos dejó algunos de sus mejores títulos, como Noche en la ciudad (1950), Rififi (1955), de la que os hablamos en este artículo, El que debe morir (1957), Nunca en domingo (1960) o Fedra (1962), entre otros. Tras varios trabajos a principio de los 40, entre los que podemos destacar Reunión en Francia (1942) y El fantasma de Canterville (1944), en 1947 estrenó Fuerza bruta, su primer trabajo de alto nivel.

Para disfrutar la película plenamente, hemos de intentar entender lo que el realizador quiere mostrarnos en ella, además de no compararla injustamente con otras realizadas mucho después, que si bien pueden parecernos mas realistas en varios sentidos, sobre todo en como retrata a los reclusos, no tendrían ya el estrecho corsé que la censura utilizaba en esta época, algo con lo que el realizador no tuvo mas remedio que lidiar en gran parte de su carrera. Por ello, hay que valorar la valentía de realizar un trabajo de este tipo en su época, algo para lo que estoy seguro encontraría todo tipo de trabas, ya que en el los presos son retratados como las víctimas, tanto del sistema penitenciario, que los mantiene hacinados en celdas minúsculas, como por los encargados de hacer cumplir la ley en la prisión, retratados en la figura del capitán Munsey, al que da vida el actor Hume Cronyn.

Y es que Brute Force nos muestra el espíritu indomable del ser humano, su necesidad de libertad, sea o no culpable, sea o no posible alcanzarla, y la forma en la que la adversidad actúa de catalizador para que florezca la unión entre personas que, en condiciones normales, pasarían inadvertidas entre si. Su guión, escrito por Richard Brooks plasmando un argumento de Robert Patterson, posee una fuerza y un interés indiscutibles, aunque lamentablemente también flojea en algunos aspectos, como el insuficiente desarrollo de alguno de sus personajes o la falta de complejidad en ciertos momentos durante el transcurso de su trama principal. Aún así, resulta sumamente interesante y adictivo.

El cazador (The Deer Hunter) - Michael Cimino (1978)

Título original - The Deer Hunter
Año - 1978
Duración - 183 min.
País - Estados Unidos
Director - Michael Cimino
Guión - Deric Washburn, basándose en la historia del propio Deric Washburne y Michael Cimino
Música - Stanley Myers
Fotografía - Vilmos Zsigmond
Montaje - Peter Zinner
Producción - Michael Cimino, Michael Deeley, John Peverall y Barry Spikings
Productora - EMI Films
Género - Drama, Bélico
Reparto - Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, John Savage, John Cazale, George Dzundza, Chuck Aspegren, Amy Wright, Joe Grifasi, Rutanya Alda

Michael Cimino fue el encargado en 1978 de llevar a la gran pantalla el guión de Deric Washburn, inspirado en la novela Three Comrades de José María Remarque. Tres horas que constituyen una de las primeras películas filmadas sobre la guerra de Vietnam en la que sus responsables no toman partido por ninguno de los bandos, mostrándonos la vida de un grupo de amigos antes, durante y después de su participación en el conflicto. Un extraordinario alegato anti-belicista en el que destaca la destreza de su director, la banda sonora de Stanley Myers y el trabajo de su excelente reparto, encabezado por un Robert De Niro colosal. Simplemente imprescindible.

Sinopsis: Michael (Robert De Niro), Nick (Christopher Walken) y Steven (John Savage) son tres obreros de una planta siderúrgica que han de alterar su ritmo de vida tras ser llamados a filas durante la guerra de Vietnam. La película nos muestra sus vivencias durante los días anteriores de la partida, en los que vivirán al límite sin saber cual será allí su suerte, su participación en el conflicto, en la que llegarán a ser capturados por el Vietcong, que mantienen a los presos en condiciones infrahumanas, utilizándolos a su antojo por el simple hecho de entretenerse, y las consecuencias físicas, y sobre todo psicológicas, con las que deberán aprender a convivir tras sobrevivir a tal infierno.

La película: Michael Cimino es un director que, desgraciadamente para el, ha pasado a la historia de este arte por dos hechos totalmente contrapuestos: la realización de la película que hoy nos ocupa, una de las mejores y mas completas obras que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar, y por la consecuencias de sus excentricidades en el rodaje de La puerta del cielo (1980), trabajo en el que se sobrepasó sobradamente el presupuesto asignado, llevando casi a la quiebra a la United Artists, que le había dado carta blanca para el proyecto y que acabó siendo vendida posteriormente. Su escueta filmografía solo consta de seis títulos debido a ello, siendo los tres posteriores a los mencionados financiados de forma independiente.

The Deer Hunter posee todo lo que un buen aficionado al cine sueña con ver en una película, resultando realmente difícil encontrar un apartado en el que poder achacarle algún detalle que desentone en exceso, algún fallo que invite a no verla. De hecho, tan solo su extenso metraje puede suponer un hándicap a la hora de visualizarla, aunque yo después de haberla visto ya en tres ocasiones, no le cortaría un solo plano. Merece la pena dejarse llevar por la forma en la que el realizador da a conocer a los personajes, desarrollándolos sobradamente para que en el momento en que estos se encuentren en dificultades, el espectador sea participe de su sufrimiento de forma muy real, ya que conoce sobradamente como es cada uno de ellos.

Su guión fue escrito por Deric Washburn, que adapta una historia barruntada por el mismo junto all realizador, Quinn K. Redeker y Louis Garfinkle, inspirada a su vez en la novela Three Comrades (José María Remarque, 1937). Entre sus principales características hay que destacar su correcto ritmo, el desarrollo de los personajes, su total neutralidad a la hora de mostrar el conflicto, a pesar de la forma en la que enseña como son tratados los prisioneros por parte del Vietcong, y la enorme cantidad de escenas memorables que, junto a la maestría que demuestra Cimino a la hora de filmarlas, dan como resultado un trabajo de esos que resulta casi imposible olvidar.

Katyn - Andrzej Wajda (2007)

Título original - Katyn
Año - 2007
Duración - 115 min.
País - Polonia
Director - Andrzej Wajda
Guión - Andrzej Wajda, Andrzej Mularczyk
Música - Krzysztof Penderecki
Fotografía - Pawel Edelman
Montaje - Milenia Fiedler y Rafał Listopad
Producción - Michał Kwieciński
Productora - Akson Studio
Género - Drama
Reparto - Andrzej Chyra, Magdalena Cielecka, Artur Zmijewski, Danuta Stenka, Maja Komorowska, Wladyslaw Kowalski, Pawel Malaszynski, Stanislawa Celinska, Marek Kondrat, Krzysztof Kolberger, Krzysztof Globisz
Web oficial - http://karmafilms.es/katyn/

Andrzej Wajda, hijo de una de las víctimas de una atrocidad desconocida por muchos, escribió el guión junto a Andrzej Mularczyk y dirigió este durísimo homenaje a las victimas de otro vergonzoso episodio de la historia ocurrido tras la invasión de Polonia en 1939 por parte del Ejercito rojo y el alemán. Lógicamente, estamos ante un drama focalizado en el padecimiento de las víctimas y sus familias, por lo que si estas buscando cine bélico, te recomiendo que mires en otra dirección. La historia hay que conocerla para intentar evitar que vuelva a repetirse, algo que se me antoja difícil, ya que somos criaturas que tropiezan en la misma piedra una y otra vez...

Sinopsis: La película nos cuenta la historia de varias familias durante la invasión que en 1939 realizaron tropas nazis y del Ejercito rojo en Polonia, que mas tarde dio lugar a la masacre de Katyń, también conocida como la masacre del bosque de Katyn, que consistió en el asesinato en masa de oficiales del ejército, policías, intelectuales y otros civiles polacos llevada a cabo por el Comisariado del Pueblo para Asuntos Internos (NKVD), nombre de la policía secreta soviética dirigida por Lavrenti Beria, entre abril y mayo de 1940. La Unión Soviética negó siempre las acusaciones, señalando como responsables al ejercito alemán, hasta que en 1990 el gobierno de Borís Yeltsin reconoció que el NKVD fue el autor de la matanza y su encubrimiento, entregando además los documentos desclasificados.

La película: Desde 1955 en que debutara con Generación, el director de cine polaco Andrzej Wajda nos ha dejado cerca de 40 trabajos, de los que yo me quedo con algunos títulos que hay que ver, como Kanal (1957), Cenizas y diamantes (1958), Los brujos inocentes (1960), Cenizas (1965), El bosque de abedules (1970), La tierra de la gran promesa (1975), El director de orquesta (1980) y Crónica de los accidentes amorosos (1986), aunque he de decir que me quedan bastantes por disfrutar, que lógicamente no puedo valorar aún. El realizador tiene la cualidad de dibujar la historia de su país de forma que el espectador se conmueva, a la vez que se informe, por lo que ha logrado convertirse en una eminencia en su patria, además de un director de referencia en el mundo entero.

En el caso que hoy nos ocupa, el director muestra la eliminación sistemática que el gobierno soviético realizó con todo aquel que creía peligroso para sus intereses, casi todos ellos perteneciente a las mas altas esferas de cada campo, entre las que por supuesto están incluidos los oficiales de su ejercito. Pero el realizador no solo da a conocer dichos hechos, sino que también intenta mostrar la forma en que los soviéticos se aprovecharon de las actividades alemanas contra el pueblo judío, para intentar mostrarlos como los culpables de la matanza, ya que mientras ellos entraron en Polonia por el Este, los nazis lo hicieron por el Oeste.

No estamos ante un trabajo fácil de ver, mucho menos de asimilar, ya que el realizador utiliza imágenes de archivo para mostrar en toda su crudeza las evidencias del genocidio, por lo que estamos ante un trabajo enormemente dramático, muy alejado de muchos de los que nos muestran actos cometidos en la segunda guerra mundial. Y como es lógico, mas aún sabiendo que el propio director es hijo de una de las victimas, en la película no se muestra una sola escena bélica, centrándose sola y exclusivamente en las consecuencias del conflicto y no en como este se desarrolló. Esto hace que el tono general de la cinta sea bastante crudo, dejando al espectador con un nudo en la garganta y una sensación de desasosiego difícil de eliminar.

Ensayo de un crimen - Luis Buñuel (1955)

Título original - Ensayo de un crimen
Año - 1955
Duración - 91 min.
País - México
Director - Luis Buñuel
Guión - Luis Buñuel, Eduardo Ugarte (Novela: Rodolfo Usigli)
Música - Jorge Pérez
Fotografía - Agustín Jiménez
Montaje - Jorge Bustos y Pablo Gómez
Producción - Alfonso Patiño Gómez
Productora - Alianza Cinematográfica
Género - Drama, Comedia
Reparto - Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma

Luis Buñuel escribió el guión junto a Eduardo Ugarte, basándose en la novela homónima de Rodolfo Usigli, y dirigió este trabajo difícilmente clasificable, donde drama y comedia negra parecen ir de la mano para contarnos la historia de un curioso personaje, el señor Archibaldo de la Cruz, al que da vida el actor Ernesto Alonso, realizando un trabajo magnífico. Está considerada como una de sus películas mas personales, caracterizándose por esconder tras su sencilla narrativa, toda una crítica a la sociedad burguesa, la justicia y a tocar multitud de temas mas que el maestro quiso reflejar en ella con sutileza. La obra de un adelantado a su tiempo y uno de los mejores realizadores que ha dado este país.

Sinopsis: Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) vive estigmatizado desde niño por la muerte de su institutriz (Leonor Llausás), de la que se cree culpable al haberla deseado mientras jugaba con una peculiar caja de música que le regaló su madre. Desde entonces vive luchando constantemente con el deseo de asesinar a todas las mujeres que pasan por su vida, aunque aún sin llegar a cometer ninguno de ellos, se cree culpable de sus muertes, ya que tras desearlo todas acaban falleciendo. Desesperado por la situación, decide confesar sus delitos ante un juez (Armando Velasco), al que contará su angustiosa vida desde la muerte de su institutriz, para así poner fin a su interminable agonía.

La película: Ensayo de un crimen supuso la última película de las 14 que el realizador Luis Buñuel realizó en México de forma consecutiva, entre 1947, año en que que rodó Gran casino, hasta 1955, en el que presentó la que hoy nos ocupa. Mas tarde volvería a rodar en cuatro ocasiones mas allí, pero ya intercaladas entre su trabajo en España, y sobre todo, en Francia. No voy a entrar a valorar el porqué de tal exilio, pero lo que si queda claro es que sus ideas políticas y las dificultades que la censura franquista ponían para filmar en nuestro país, mucho mas si tenemos en cuenta el tipo de cine que le gustaba hacer al realizador, fueron motivos mas que suficientes para ello, aunque no se si serían los únicos.

Estamos ante el trabajo con el que normalmente aconsejo empezar a ver el cine de Buñuel, no porque sea representativo del resto de su obra, ya que resulta bastante atípica y personal, sino porque me parece un film muy ameno de ver, con un ritmo que no da tregua al espectador y un sentido del humor que deja algo descolocado a quien no lo espera. Comienzas a verla y te preguntas que tendrá de especial esta obra, ya que te parece estar viendo cualquier película común de la época, pero en cuanto un lamentable accidente priva a nuestro protagonista de la compañía de su institutriz, y compruebas la forma en la que el director lo plasma en la pantalla, descubrimos que estamos ante algo muy diferente a lo que imaginábamos, consiguiendo engatusarte irremediablemente hasta su ¿extraño? final.

El guión, obra del propio Buñuel y Eduardo Ugarte, resulta realmente brillante, tanto en su acertado ritmo, como en la descripción de personajes, la forma en la que nos lleva de un género a otro en un instante o la enorme riqueza que esconde tras su sencilla narrativa. Es de esos libretos que entrega el protagonismo a un solo personaje, siendo este digno de estudio: un elegante y educado caballero que siempre hace gala de una amplia sonrisa y que en su soledad se corroe lentamente luchando contra los mas básicos instintos que regresan a el cada vez que recuerda la muerte de la que fue su institutriz.

Otra Tierra - Mike Cahill (2011)

Título original - Another Earth
Año - 2011
Duración - 92 min.
País - Estados Unidos
Director - Mike Cahill
Guión - Mike Cahill, Brit Marling
Música - Fall On Your Sword
Fotografía - Mike Cahill
Montaje - Mike Cahill
Producción - Mike Cahill, Hunter Gray, Brit Marling y Nicholas Shumaker
Productora - Fox Searchlight Pictures / Artists Public Domain
Género - Ciencia ficción, Drama, Romance
Reparto - Brit Marling, William Mapother, Jordan Baker, Flint Beverage, Robin Taylor, Kumar Pallana
Web oficial - http://www.anotherearth.com/

Mike Cahill ejerce de co-guionista, responsable de la fotografía, del montaje, co-produce y dirige este curioso trabajo en el que van de la mano ciencia ficción, drama, e incluso romance. Su nombre es Otra tierra y nos cuenta una historia de culpa, remordimiento e intento de remisión, con la extraña aparición en el firmamento de un planeta gemelo al nuestro como inolvidable escenario. Gustará mas o menos, según los gustos del espectador, pero de lo que no se le puede acusar es de falta de originalidad. Mención especial a la brillante actuación de Brit Marling, que consigue robar protagonismo al extraño planeta.

Sinopsis: John Burroughs (William Mapother) y Rhoda Williams (Brit Marling) son dos personas totalmente diferentes que ni se conocen, ni parecen tener nada en común. El es un compositor de éxito felizmente casado que espera el nacimiento de su segundo hijo, mientras que ella es una chica inocente y extrovertida que sueña con viajar a las estrellas. Pero el destino ha decidido unir sus vidas y cambiarlas por completo en un instante, justo el mismo día en que un extraño planeta idéntico a la tierra aparece en el cielo. Mientras que el mundo se pregunta que significa y que consecuencias tendrá la aparición de Tierra 2, ambos tendrán que luchar por acostumbrarse al giro que dará su vida e intentar seguir adelante.

La película: No hace demasiado tiempo os hablábamos en esta entrada de Orígenes (2014), la última película de Mike Cahill, cuya filmografía se completa con el documental Boxers and Ballerinas, dirigida junto a Brit Marling en 2004. En aquella ocasión utilizaba una mezcla similar a la que usó con Otra tierra, mezclando ciencia ficción y drama con unos toques de romanticismo, aunque en mi modesta opinión, la película que hoy nos ocupa me ha parecido un pelín por encima de Orígenes en general, pero sobre todo en la forma en la que están mezclados dichos ingredientes, haciendo que la parte dramática se imponga a cualquier otra.

Por lo tanto, yo describiría Otra Tierra como un drama ambientado en una historia de ciencia ficción, que dejará mejor sabor de boca a los amantes de todo tipo de géneros que a los incondicionales de la ciencia ficción, que aunque tienen una nueva oportunidad de ver un título que se acerca a lo que mas aman, no creo que se sientan plenamente satisfechos con la mezcla realizada, al menos en un alto número. Aunque no quiero con esto decir que estemos ante un trabajo que no explore dicho género, lanzándonos multitud de preguntas de esas que el ser humano se ha hecho, se hace y se hará constantemente, pero si quiero que tengáis una idea aproximada de como es esta película, así evitarán hacerse una idea equivocada, con la consiguiente decepción posterior.

Su guión, escrito por el propio Mike Cahill junto a Brit Marling, posee una fuerza innata que el realizador es capaz de plasmar en la pantalla con bastante acierto. Su ritmo nunca es excesivo, transportándonos a través de la historia de forma plácida y muy efectiva. Posee la capacidad de intrigar al espectador a la vez que cuenta la dura historia de nuestros protagonistas, demasiado estigmatizados por los hechos que marcaron su vida como para dar al fenómeno de la aparición del planeta gemelo tanta importancia como le dan la mayoría de los mortales, todo un acierto en mi opinión, ya que enriquece la historia de forma evidente. No me extenderé mas para que no os enteréis de mas de la cuenta, porque creo que cuanto menos sepáis de ella, mejor será la experiencia. Quizás sea su final lo que me parezca mejorable, pero es algo que tendréis que juzgar vosotros.

Princesa (Han Gong-Ju) - Lee Su-jin (2013)

Título original - Han Gong-Ju
Año - 2013
Duración - 112 min.
País - Corea del Sur
Director - Lee Su-jin
Guión - Lee Su-jin
Música - Kim Tae-Sung
Fotografía - Hong Jae-Sik
Montaje - Hyun-sook Choi
Producción - Jung Hwan Kim y Su-jin Lee
Género - Drama
Reparto - Chun Woo-Hee, Jung In-Sun, Kim So-Young, Lee Young-Ran, KimChoi Yong-Joon
Web oficial - http://www.m3estudio.com/#!han-gong-ju/c24vw

Princesa (Han Gong-Ju) es la magnífica opera prima del realizador sur coreano Lee Su-jin. Un trabajo de esos que pasan de puntillas por unas pocas salas de cine, capaz de dejarte un pellizco en el estómago y varios días recordando y ordenando los detalles de la dura historia que nos cuenta. Cine que exige un compromiso y un esfuerzo del espectador, pero que a cambio lo invita a vivir una experiencia de las que no se olvidan fácilmente, mostrando temas nada sencillos de tratar con una delicadeza digna de elogio.

Sinopsis: Han Gong-ju (Chun Woo-hee) es una joven e inocente estudiante que se ve obligada a cambiar de aires tras ser señalada como la responsable de un misterioso incidente que altera las vidas de multitud de familias cercanas a ella. Con la ayuda de uno de sus profesores, la joven se muda a un pequeño pueblo y cambia de colegio, en un intento por dejar atrás su pasado y superar las evidentes secuelas que han cambiado radicalmente su vida, haciendo poco a poco nuevas amistades y refugiándose en la música y la natación, aunque la tarea no será una empresa fácil, ya que hay hechos que te persiguen para siempre.

La película: Increíble sorpresa la que me he llevado con el primer trabajo del realizador Lee Su-jin, un film de esos que uno no entiende como han tenido tan poca repercusión, al menos en nuestro país, sobre todo comparándolo con la multitud de insultos a la inteligencia de los aficionados que pueblan las salas de nuestros maltrechos cines. Aunque eso si, he de avisarles de que no estamos ante una película nada fácil de ver, y mucho menos de digerir, tanto por los delicados temas que trata, como por la forma en la que está llevada a la pantalla. Conozco cientos de aficionados que me dirán que no quieren ver algo así, a pesar de la extraordinaria delicadeza que su director utiliza para contarla, pero creo que realmente merece la pena ver un trabajo diferente a casi todo lo que hayáis visto hasta la fecha, augurando un prometedor futuro a su realizador.

Princesa (Han Gong-Ju) es un enrevesado puzzle al que hemos de enfrentarnos solos, recopilando poco a poco la información que nos va llegando, para poder sacar nuestras propias conclusiones. Comienza con una especie de reunión, consejo escolar o algo similar, donde se le hacen preguntas a nuestra protagonista, a la que seguidamente veremos mudarse con la ayuda de uno de sus profesores, sin saber el motivo que la lleva a ello. La historia prosigue en tiempo real, mientras se nos muestran diversos flashbacks desordenados que nos irán mostrando la información que antes mencioné, con la que poco a poco debemos ir haciéndonos una idea de la situación.

Por ello puede parecer un tanto confusa en un principio, pero mi consejo es que tengáis paciencia y no queráis saber demasiado antes de tiempo, ya que demasiada información alteraría la experiencia, siempre para mal. Lógicamente, una de las cosas a destacar es el montaje de la película, que es obra de Hyun-sook Choi, un apartado que, si normalmente tiene gran importancia, aquí se convierte en una de las señas de identidad de la película, siendo parte fundamental en el excelente resultado final.

El guión es obra de Lee Su-jin y posee una extraña mezcla de dureza, complejidad y belleza muy destacables. No es un trabajo de demasiados diálogos, aunque los tiene y no precisamente intrascendentes, aunque tampoco resultan excesivamente complejos, teniendo las imágenes una gran importancia en la historia, ya que muestran gran parte de la información. Parte de culpa la tiene la situación de nuestra protagonista, una joven tímida y traumatizada, que ha de adaptarse a mitad de curso a un nuevo hogar, una nueva escuela, nuevos compañeros, etc. Su riqueza reside en la variedad de temas que trata y la dureza de muchos de estos, aunque también en la forma en la que los aborda, rebosante de sutilidad y con sumo cuidado en cada momento para que la experiencia sea lo menos traumática posible.