Elling - Petter Naess (2001)

Título original - Elling
Año - 2001
Duración - 90 min.
País - Noruega
Director - Petter Naess
Guión - Axel Hellstenius, basado en la novela de Ingvar Ambjørnsen
Música - Lars Lillo Stenberg
Fotografía - Svein Krøvel
Montaje - Inge-Lise Langfeldt
Producción - Dag Alveberg
Reparto - Sven Nordin, Per Christian Ellefsen, Marit Pia Jacobsen, Jorgen Langhelle, Per Christensen
Productora - Film OG TV Produksion / Nordisk Film / Audiovisuelt Produksionfond
Género - Comedia, Drama

Petter Naess fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Axel Hellstenius escribió adaptando la novela Brødre i blodet (Hermanos de sangre) de Ingvar Ambjørnsen. Un magnífico trabajo basado en su enorme sencillez, la perfecta construcción de sus personajes y el enorme oficio del que hacen gala dos magníficos actores que hasta ahora eran desconocidos para mi: Sven Nordin y Per Christian Ellefsen. Una comedia que te hará reír y sufrir junto a sus personajes, con el suficiente tacto y buen gusto como para que acabes respetándolos y queriéndolos, pero nunca riéndote de ellos. Brillante.

Sinopsis: Elling (Per Christian Ellefsen) y Kjell Bjarne (Sven Nordin) son compañeros de habitación en la institución mental donde están internados desde hace algún tiempo. Son dos personajes totalmente diferentes, pero parece que se llevan y se compenetran bastante bien, hecho por el cual la asistencia social noruega decide concederles un apartamento y tutelarlos mientras se acostumbran a su nuevo estatus, vivir en libertad. Pero para dos personas acostumbradas a las normas y la seguridad que les da la institución, no será nada fácil realizar tareas sencillas que para cualquiera son cotidianas, pero para ellos suponen todo un reto.

El director: Petter Naess es un actor y director de cine noruego nacido en Oslo, el 14 de marzo de 1960. Comenzó como actor de teatro en 1985, ejerciendo como tal también en cine y televisión. En el teatro comenzó a escribir guiones y a dirigir sus propias obras trabajando en el Oslo Nye Teater desde 1997, entre las que destaca la exitosa Elling and Kjell Bjarne, que posteriormente dio lugar a la película que hoy nos ocupa. Debutó en el cine con la comedia dramática Absolute Hangover (1999), tras la que dirigió Elling (2001). Prosiguió su carrera en el cine noruego dirigiendo el drama Just Bea (2004) y la comedia dramática Elsk meg i morgen (2005), tras las que dirigió su primer y único trabajo hasta la fecha con bandera estadounidense, Crazy in Love (Locos de amor) (2005). Tras dirigir el drama sueco Leaps and Bounds (2007) regresó al cine de su país, donde ha dirigido la comedia romántica Gone with the Woman (2007), el drama Shameless (2010) y el drama bélico Perdidos en la nieve (2012), su último trabajo hasta la fecha.

La película: Ante todo, por si alguno de ustedes se habían hecho una idea equivocada, aclarar que estamos ante un producto muy diferente a la mayoría de los trabajos que en tono de comedia se suelen hacer sobre temas similares a la que trata Elling. Además hay que dejar claro que hablamos de una comedia dramática a la europea, que poco o nada suele tener que ver con las que nos llegan de Estados Unidos, por lo que no esperemos que consiga sacarnos excesivas carcajadas. Por el contrario consigue que, sin necesidad de ridiculizar a sus protagonistas ni adjudicarles conductas poco realistas, asistamos a su odisea con media sonrisa en la cara. Acabas empatizando con ellos, cogiéndoles cariño, algo que para algunos es sinónimo de búsqueda de sentimentalismo fácil, pero que yo no comparto. Para mi es la consecuencia lógica de una excelente construcción de sus personajes y dos magníficas interpretaciones.

La heroicidad no es un concepto que suela ir unido a la fama, el reconocimiento o la admiración por parte de los demás. Muy alejados de los ojos de la mayoría de las personas existen seres que luchan a diario contra la adversidad, con la simple meta de llevar lo que la sociedad denomina "una vida normal", haciendo frente a las dificultades que tienen para hacer cosas que a nosotros nos parecen sencillas o habituales y aguantando además la poca consideración y comprensión de la mayoría de sus semejantes, muy dados a señalar y segregar a cualquiera por el simple hecho de ser diferentes. Héroes de a diario, de los que pocos hablan, cuyas hazañas rara vez salen en los libros de aventuras, pero que en este hermoso trabajo son, aunque sea por una sola vez y si quieren sin que sirva de precedente, los principales protagonistas.

El hombre elefante (The Elephant Man) - David Lynch (1980)

Título original - The Elephant Man
Año - 1980
Duración - 125 min.
País - Estados Unidos
Director - David Lynch
Guión - David Lynch, Eric Bergren, Christopher De Vore
Música - John Morris
Fotografía - Freddie Francis
Montaje - Anne V. Coates
Producción - Jonathan Sanger, Stuart Cornfeld y Mel Brooks
Productora - Paramount Pictures. Productor: Mel Brooks
Género - Drama / Biográfica,  Película de culto
Reparto - Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones, Dexter Fletcher

The Elephant Man (El hombre elefante) es el nombre del tercer largometraje de David Lynch, estrenado tres años después de Cabeza borradora (Eraserhead), en 1980. Con un guión escrito por el propio Lynch, junto a Eric Bergren y Christopher De Vore, la fotografía de Freddie Francis y la banda sonora de John Morris, estamos ante uno de sus trabajos mas valorados por crítica y público, en el que realiza un complejo y completo retrato de las miserias del ser humano. Una obra imprescindible que no abandona jamás la mente de quien la ha disfrutado. Mención especial al trabajo de Anthony Hopkins y John Hurt, que dan vida a doctor y paciente.

Sinopsis: A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves (Anthony Hopkins) descubre en un circo a un hombre llamado John Merrick (John Hurt). Se trata de un ciudadano británico con la cabeza monstruosamente deformada, que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento al ser exhibido diariamente como una atracción de feria.

El director: David Lynch es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense nacido en Missoula, Montana, el 20 de enero de 1946. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario. Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, de la que os hablamos en este artículo, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio web, de pago. Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló Inland Empire y su estreno se produjo en 2006. En 2007 estrenó More Things That Happened, que incluye episodios que se desecharon en Inland Empire para no alargar demasiado el metraje.

La película: Para los que vemos y vivimos el cine como algo mas que un entretenimiento, mas concretamente para los que lo consideramos como un arte, resulta realmente satisfactorio encontrar un trabajo como al que dedicamos esta reseña, capaz de colmar todas las expectativas y renovar ese amor incondicional por el cine que nos mueve. La primera vez que la vi fue en el 1983, cuando tenía solo 12 años, que por cierto, nada tienen que ver con los 12 años de un chaval de hoy día. No les voy a mentir, me gustó bastante, pero no fui capaz de encontrar en ella todo lo que encontré en visionados posteriores, siendo el que realicé en el día de ayer el mas satisfactorio. Quizás sean los años, que te hacen observar las cosas desde la experiencia, pero lo que es seguro es que estamos ante uno de esos trabajos que yo recomiendo ver a todo el mundo, de esos que dejan una huella que difícilmente se borra.

The Elephant Man (El hombre elefante en España) es ante todo un excelente retrato de la naturaleza del ser humano, de sus muchas miserias y sus contadas virtudes, por lo que, a poco que tengas un mínimo de conciencia y algo de la tan mal llamada humanidad, te dejará un sabor de boca un tanto amargo, aunque solo se limite a mostrarnos algo que podemos comprobar a diario. No podemos evitarlo, somos así, nos aterra lo desconocido, lo extraño, lo diferente, hasta tal punto que en la mayoría de las ocasiones preferimos inventar una continuación a afrontar un seguro final. El mejor ejemplo de esto es como afrontamos la muerte, algo de lo que tenemos conciencia desde muy jóvenes, pero que preferimos enmascarar tras invenciones como la reencarnación, el paraíso y mil cosas similares mas que nos permitan alimentar la esperanza de que no existe un final, solo un punto y seguido.

Siempre Alice - Richard Glatzer y Wash Westmoreland (2014)

Título original - Still Alice
Año - 2014
Duración - 101 min.
País - Estados Unidos
Director - Richard Glatzer y Wash Westmoreland
Guión - Richard Glatzer y Wash Westmoreland, basándose en la novela de Lisa Genova
Música - Ilan Eshkeri
Fotografía - Denis Lenoir
Montaje - Nicolas Chaudeurge
Producción - James Brown, Pamela Koffler y Lex Lutzus
Productora - Backup Media / Big Indie Pictures / Killer Films
Género - Drama, Cine independiente
Reparto - Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth, Hunter Parrish, Erin Darke, Shane McRae, Victoria Cartagena, Stephen Kunken, Eha Urbsalu, Cali T. Rossen, Kristin Macomber, Cat Lynch, José Báez, Jamie Lee Petronis

Richard Glatzer y Wash Westmoreland escribieron el guión sobre la novela de Lisa Genova y dirigieron este magnífico retrato de una de las enfermedades mas duras que se conocen, tanto para los pacientes, como para sus familias, la enfermedad de Alzheimer de inicio temprano. Lamentablemente, Glatzer la dirigió después de ser diagnosticado en 2011 de otra enfermedad degenerativa, el ALS, que acabó llevándoselo en marzo de este mismo año. Mención especial a Julianne Moore, para la que me faltan calificativos con los que describir su brillante trabajo, en un papel por el que ganó el Óscar a la mejor actriz, además de otros nueve de los mas prestigiosos premios cinematográficos.

Sinopsis: Alice Howland (Julianne Moore) lo tiene casi todo en la vida. Está felizmente casada con un hombre de éxito (Alec Baldwin), tiene tres hijos adultos con la vida mas o menos encarrilada (Kristen Stewart, Kate Bosworth y Hunter Parrish) y es profesora de psicología cognitiva en Harvard, además de una experta lingüista de fama mundial. Pero su vida está a punto de cambiar por completo, ya que comienza a olvidar pequeños detalles a los que no da excesiva importancia, hasta que comienza a sentirse desorientada en ciertos momentos y a sufrir lapsus de memoria cada vez mas grandes y frecuentes, por lo que acudirá a una clínica, donde se le diagnostica la enfermedad de Alzheimer de inicio temprano, una dura batalla a la que intentará plantar cara.

La película: He de reconocer que me ha costado la misma vida ver esta magnífica película, algo que no tiene nada que ver con su calidad, sino con el tema que trata, ya que es una enfermedad que ha tocado muy de cerca a mi familia hace no mucho tiempo, por lo que me parecía un mundo conseguir reunir las fuerzas necesarias para hacerlo. He esperado un tiempo prudencial y un día en el que me sentía bien de ánimos he acabado por hacerlo, algo de lo que no solo no me arrepiento, sino que recomiendo hacerlo a cualquier aficionado al cine que no sea excesivamente vulnerable a estos temas.

Y quiero comenzar dejando claro que estamos ante un trabajo perfectamente rodado, que en ningún momento busca la lágrima fácil o abusa de la evidente dureza de lo que nos está contando, sino que por el contrario intenta hacerlo de la forma menos traumatizante posible, exponiendo la vida de nuestros protagonistas y como esta cambia radicalmente de la noche a la mañana. Pero claro, la dureza de lo que nos muestra es innegable, por lo que aún así, resulta un trabajo nada fácil de ver y asimilar, mucho menos si como es mi caso, habéis visto pasar de cerca el monstruo al que retrata.

Y es que en el trabajo de Richard Glatzer y Wash Westmoreland, primero escribiendo el guión en el que adaptan la novela homónima de Lisa Genova, y después en la delicada y cuidada dirección, se nota que lo que cuentan les toca muy, muy de cerca, ya que Glatzer padecía ELA, una enfermedad degenerativa que en vez de a la memoria, afecta al aparato motor humano. Ambos estaban sumidos en una crisis creativa mas que lógica cuando llegó a sus manos la novela, pero decidieron crear el guión y realizarla, a pesar de la evidentes trabas que tenían ante si para hacerlo.

El milagro de Anna Sullivan - Arthur Penn (1962)

Título original - The Miracle Worker
Año - 1962
Duración - 107 min.
País - Estados Unidos
Director - Arthur Penn
Guión - William Gibson basado en la obra de teatro de la propia William Gibson
Música - Laurence Rosenthal
Fotografía - Ernesto Caparros
Montaje - Aram Avakian
Producción - Fred Coe
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer
Género - Drama
Reparto - Anne Bancroft, Patty Duke, Andrew Prine, Inga Swenson, Victor Jory, Jack Hollander

Bajo la magistral dirección de Arthur Penn, un excelente guión que William Gibson escribió sobre su propia novela, la efectiva fotografía de Ernesto Caparros y la música de Laurence Rosenthal, vio la luz El milagro de Anna Sullivan, una película que optó a cinco Oscars, llevándose los premios de la Academia a la mejor actriz (Anne Bancroft) y a la mejor actriz de reparto (Patty Duke). Un excelente trabajo que merece la pena disfrutar y que quizás consiga abrir los ojos a mas de uno, al menos en lo que a la educación que damos en casa se refiere.

Sinopsis: Helen (Patty Duke) vive una existencia totalmente ajena a la de las personas que la rodean. Siendo aún un bebe, una extraña enfermedad la dejó sorda y muda, lo que unido a la forma en la que ha sido educada, sin el menor rastro de disciplina, la han convertido en una persona con la que es prácticamente imposible comunicarse y que no sigue las mínimas normas de comportamiento exigibles. Al ir creciendo, su madre va perdiendo poco a poco el escaso control que tenía sobre ella, por lo que acuden a un centro que envía a Anna Sullivan (Anne Bancroft), para intentar reconducir el comportamiento de Helen, algo que no resultará una tarea sencilla.

El director: Arthur Hiller Penn fue un director y productor estadounidense nacido en Filadelfia, Pensilvania, el 27 de septiembre de 1922. Atraído por el mundo de la interpretación desde muy joven, Penn se dedicó al teatro, actividad que continuó cuando estuvo sirviendo en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. En la década de 1950, realizó una serie de dramas para la televisión, debutando en la gran pantalla con el western El zurdo (1958). El film supone una interpretación libre y desmitificadora del director sobre la figura de Billy el Niño, convirtiéndolo en un excelente retrato psicológico de un joven criminal (interpretado por Paul Newman).

Tras El milagro de Ana Sullivan (1962), en 1965 dirigiría Acosado con Warren Beatty como protagonista, una parábola sobre el Macartismo disfrazada con humor negro, y en 1966, una de sus grandes obras maestras, La jauría humana, con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford en los papeles protagonista, otro extraordinario retrato social, que, sin embargo, fue uno de sus mayores fracasos de taquilla, pese al magnífico guion escrito por Lillian Hellman. Penn volvería a coincidir con Warren Beatty en 1967, con la magistral Bonnie and Clyde, con la actuación de Faye Dunaway. Con ella estuvo nominado al Oscar por segunda ocasión aunque con la misma suerte. Sus siguientes títulos fueron El restaurante de Alicia (1969), film basado en una de las satíricas canciones del folclorista estadounidense Arlo Guthrie, que permanece como una cinta de culto para algunos sectores de la crítica y el western revisionista Pequeño gran hombre (1970), con Dustin Hoffman y Faye Dunaway. Pequeño gran hombre ha sido la película más cara que realizó Penn y uno de los mejores ejemplos de los westerns de calidad que se realizaron después de 1970. En esa década dirigió La noche se mueve (1975) con Gene Hackman y Melanie Griffith, además de Missouri (1976), con Marlon Brando, y Jack Nicholson.

En los años 80 inició su declive en el mundo del cine dirigiendo trabajos como Georgia (1981), Target (agente doble en Berlín) con Gene Hackman y Matt Dillon (1985) y Muerte en invierno (1987). Tras ellos dirigió sus pasos a la televisión, donde realizó trabajos como el telefilm El Retrato (1993), con Gregory Peck y Lauren Bacall, y la producción de la serie Ley y Orden. Falleció el 28 de septiembre de 2010, un día después de cumplir 88 años.

La película: Resulta realmente reconfortante volver a revisar trabajos como el que hoy nos ocupa, aún más teniendo en cuenta que, a pesar del tiempo que ya tiene, sigue manteniendo toda su vigencia, estando de hecho de rabiosa actualidad en nuestro país en los tiempos que corren. Digo esto porque la historia que este nos cuenta no es más que la escusa perfecta para poner sobre la mesa un tema que por mucho tiempo que pase, seguirá siendo un tema de debate, la educación.