Le llamaban Jeeg Robot (They Call Me Jeeg) - Gabriele Mainetti (2015)

Título original - Lo chiamavano Jeeg Robot

Año - 2015

Duración - 112 min.

País - Italia 

Dirección - Gabriele Mainetti

Guion - Nicola Guaglianone y Menotti, basado en una historia de Nicola Guaglianone

Música - Michele Braga, Gabriele Mainetti

Fotografía - Michele D'Attanasio

Montaje - Andrea Maguolo

Producción - Gabriele Mainetti

Productora - Goon Films, RAI, Ministero per i Beni e le Attività Culturali

Reparto - Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei, Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo, Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro

Género - Thriller, Drama, Fantástico / Superhéroes, Mafia

Gabriele Mainetti consiguió en 2015 estrenar el que sería su primer largometraje, tras cinco largos años buscando financiación en vano. El tono de la película no agradaba a los productores, por lo que tuvo que buscarse la vida para conseguir filmar este brillante drama social disfrazado de película de superheroes, que tiene en su tono realista, el desarrollo de sus personajes y el perfecto equilibrio entre drama, acción y ciertos toques de humor, sus mejores bazas. Me ha sorprendido gratamente.

Sinopsis - Enzo Ceccoti (Claudio Santamaría), un convicto, entra en contacto con una sustancia radioactiva. Tras el accidente descubre que tiene una fuerza sobrehumana, por lo que decide utilizar sus poderes para comenzar una carrera criminal. Todo cambia, no obstante, cuando conoce a Alessia (Ilenia Pastorelli), una chica que está convencida de que él es el héroe del manga Jeeg Steel.

El director - Gabriele Mainetti es un actor, guionista, director, compositor y productor italiano nacido el 7 de noviembre de 1976. Se graduó en Historia y Crítica de Cine en la Universidad de Roma. Asistió a cursos de dirección, dirección de fotografía, producción y escritura en la Tisch School of the Arts de Nueva York. Su formación como actor está vinculada a los talleres y cursos celebrados en Roma por Beatrice Bracco, Francesca De Sapio, Nicolaj Karpov y Michael Margotta. Comenzó su carrera en la industria del cine como actor de comedias menores y series de televisión.

Como director, debutó con bastante repercusión gracias a su primer cortometraje titulado Basette (2008), un homenaje a la serie manga creada e ilustrada por Monkey Punch y publicada por la revista japonesa Weekly Manga Action, Lupin III. En 2011 fundó la productora Goon Films, con la que dirigió el corto Tiger Boy (2012), un drama adolescente sobre pedofilia por el que fue galardonado con un Nastro d'argento, uno de los premios mas prestigiosos del cine italiano, aunque mediáticamente ha sido eclipsado en las últimas décadas por el David de Donatello. 

Su primer largometraje fue Le llamaban Jeeg Robot (2015), del que hoy nos ocupamos. En el se mezclan thriller, drama y cine fantástico para contarnos la historia de un delincuente que adquiere poderes tras entrar en contacto con una sustancia tóxica. Elogiado por público y crítica, ha ganado varios premios italianos de importancia, entre los que destacan los premios David di Donatello como Mejor Director Novel y Mejor Productor. Tras el dirigió Ningyo (2016), un cortometraje fantástico protagonizado por Alessandro Borghi y Aurora Ruffino.

El largometraje Freaks Out estaba programado para ser lanzado el 16 de diciembre de 2020, pero se retrasó a una fecha desconocida de 2021, debido a la pandemia por la COVID-19. Se trata de un drama ambientado en los años 40, durante la segunda guerra mundial, que cuenta entre su reparto con nombres como Claudio Santamaria, Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Giancarlo Martini, Giorgio Tirabassi o Max Mazzotta. Habrá que estar atentos para ver sus resultados.

La película - El cine de superheroes no es lo mio, de eso no tengo ninguna duda. Existen miles de compañeros, profesionales o no, capaces de redactar artículos a los que yo ni siquiera puedo acercarme, principalmente porque por lo general no suelo consumir este tipo de productos, no me llenan como debieran, por lo que prefiero dedicar mi tiempo a otro tipo de cine, tanto a verlo como a escribir sobre el. Cuestión de gustos, nada mas. Cuando un buen amigo, del que me fio bastante en cuanto a gustos, me recomendó insistentemente el visionado de esta Lo chiamavano Jeeg Robot, he de reconocer que fui bastante exceptico, por los motivos que les he descrito. Finalmente decidí darle una oportunidad, algo que ha resultado una experiencia bastante satisfactoria, ya que en este peculiar trabajo se aunan algunos géneros que consiguen crear una película que, ante todo, resulta extrañamente realista, algo que para películas así es poco menos que impensable.

Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta

Año - 1945

Duración - 100 min.

País - Italia 

Dirección - Roberto Rossellini

Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio

Música - Renzo Rossellini

Fotografía - Ubaldo Arata

Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti

Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini

Productora - Excelsa Films

Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo

Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El director - Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.

El bueno, el feo y el malo (Trilogía del dólar) - Sergio Leone (1966)

Título original - Il buono, il brutto, il cattivo 

Año - 1966

Duración - 161 min.

País - Italia 

Dirección - Sergio Leone

Guion - Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone

Música - Ennio Morricone

Fotografía - Tonino Delli Colli

Montaje - Eugenio Alabiso y Nino Baragli

Vestuario - Carlo Simi

Diseño de producción - Carlo Simi

Producción - Alberto Grimaldi

Productora - Co-production Italia-España-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Arturo González P.C, Constantin Film

Reparto - Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Rada Rassimov, Mario Brega, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Enzo Petito, Claudio Scarchilli, Al Mulock, John Bartha, Livio Lorenzon, Antonio Molino Rojo, Sandro Scarchilli, Chelo Alonso

Género - Western, Spaghetti Western, Guerra de Secesión, Película de culto

El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo en Italia y El bueno, el malo y el feo en Hispanoamérica) es la obra del realizador Sergio Leone que cierra la denominada Trilogía del dólar. Una película única que permite al realizador italiano dar un paso mas en su continuo aprendizaje ante la cámara y en la que destacan la fotografía del gran Tonino Delli Colli, el montaje de Eugenio Alabiso y Nino Baragli, la inconfundible banda sonora de Ennio Morricone y la interpretación de su trio protagonista, formado por Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach. Inolvidable e imprescindible.

Sinopsis - Durante la guerra civil norteamericana (1861-1865), El bueno (Clint Eastwood), apodado «Rubio» y el feo (Eli Wallach), alias «Tuco», sobreviven estafando de pueblo en pueblo. El malo (Lee Van Cleef), alias «Sentencia», se gana la vida como cazarrecompensas. El bueno y el feo unirán sus fuerzas a regañadientes, para poder encontrar un tesoro de 200.000 dólares en monedas de oro, de cuyo paradero tienen cada uno solo parte de la información, aunque el malo tiene conocimiento de su existencia e intentará también hacerse con el. 

El director - Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano nacido en Roma, el 3 de enero de 1929. Era hijo del director de cine Roberto Roberti (seudónimo de Vincenzo Leone) y la actriz de cine mudo Bice Waleran (Edvige Valcarenghi).

Comenzó a trabajar en el cine muy joven, siendo con 20 años asistente de dirección en la película Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica, 1948), lo que le permitió participar en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa, como Quo Vadis (Mervyn Le Roy, 1951), Helena de Troya (Robert Wise, 1955), Ben-Hur (William Wyler, 1959) o Historia de una monja (Fred Zinnemann, 1959), además de sustituir por enfermedad al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya (1959), aunque no apareció en los créditos. Su debut oficial fue El coloso de Rodas (1960) tras la que sustituiría a Robert Aldrich en Sodoma y Gomorra (1962). Aldrich fue una influencia clave para Leone, por películas como Vera Cruz (1954), donde este se comenzaba a desmarcar claramente de los westerns clásicos.

Su fama llegó con Por un puñado de dólares, con la que comenzaba la llamada Trilogía del dólar, que se completa con las posteriores La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). Además de crear el llamado Spaghetti western, subgénero muy utilizado en los años 60 y principios de los 70, dio a conocer al compositor Ennio Morricone, amigo desde la infancia del director, y a actores como Clint Eastwood, prácticamente desconocido en el cine hasta entonces, y Lee van Cleef. Tras ella filmó Hasta que llegó su hora (1968), con Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale, ¡Agáchate, maldito! (1971), con James Coburn y Rod Steiger, y la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América (1984), con Robert De Niro, James Woods y Elizabeth McGovern. En Europa fue un éxito, a pesar de sus 4 horas de duración, pero la Warner Bros recortó su metraje y alteró su montaje para el público estadounidense, eliminando sus característicos flashbacks, para lo que contrató a Zach Staenberg a espaldas de Leone, algo que enfrentó judicialmente a la productora y el director. Falleció en Roma, el 30 de abril de 1989, debido a problemas de corazón.

El crítico Ramón Freixas lo definió como "un moralista sin moral, un misógino feminista y un pacifista a tiros".

La película - Ríos de tinta corrieron desde que Sergio Leone decidió imprimir un nuevo sello a ese Western que solo habitaba en su cabeza, al que dio a luz con Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y concedió continuidad con La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965). Exceso de violencia gratuita, total desprecio por la diferencia entre el bien y el mal, sobreactuación de alguno de sus protagonistas, fueron algunos de los calificativos que su spaghetti western acaparó de los críticos mas puristas amantes del género, pero que sirvieron para crear obras únicas que perdurarán en la historia del cine, que continúan y continuarán haciendo las delicias de much@s de sus aficiona@s. El bueno, el feo y el malo no es mas que la confirmación de todo ello, en la que el realizador italiano consigue orquestar de manera magistral los jugosos ingredientes a los que tuvo acceso, cerrando con ella la inigualable Trilogía del dólar. 

La juventud (Youth) - Paolo Sorrentino (2015)

Título original - Youth - La giovinezza

Año - 2015

Duración - 118 min.

País - Italia

Dirección - Paolo Sorrentino

Guion - Paolo Sorrentino

Música - David Lang

Fotografía - Luca Bigazzi

Montaje - Cristiano Travaglioli

Vestuario - Carlo Poggioli

Dirección artística - Daniel Newton y Marion Schramm

Producción - Nicola Giuliano, Francesca Cima y Carlotta Calori

Productora - Co-production Italia-Suiza-Francia-Reino Unido; Indigo Film, Medusa Produzione, C-Films AG, Bis Films, Pathé, Number 9 Films

Reparto - Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Madalina Ghenea, Emilia Jones, Mark Kozelek, Anabel Kutay, Rebecca Calder, Ian Keir Attard, Roly Serrano

Género - Drama

Paolo Sorrentino escribe y dirige este espectáculo sensorial perfectamente orquestado llamado La giovinezza (Youth / La juventud en España). Sus peculiares personajes, sus brillantes diálogos y la capacidad que posee de plantear multitud de reflexiones y dilemas, lo hacen ser uno de los mejores trabajos que un servidor ha disfrutado recientemente. Cine que mas que entretener, que también, invita a utilizar nuestra mente para poder mantener joven el alma. Inolvidable.

Sinopsis - Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

El director - Paolo Sorrentino es un director y guionista de cine italiano nacido en Nápoles, el 31 de mayo de 1970. Junto con sus hermanos Marco y Daniela, sufrió la repentina pérdida de sus padres cuando tenía 17 años a causa de una fuga de gas. A esa edad comienza a estudiar economía y comercio, pero a los 25 años abandonó esos estudios para dedicarse al cine.

El cine de Sorrentino posee un estilo surrealista, barroco y existencialista que cuestiona constantemente el poder y la religión. El realizador rompe claramente las barreras del cine comercial, para contarnos las historias que quiere hacernos llegar con una sensibilidad estética que recuerda en algunos momentos al inolvidable Fellini.

Tras el cortometraje L'amore non ha confini (1998), su primer largometraje fue El hombre de más (2001), su primer trabajo junto al actor Toni Servillo, nominada a tres premios David de Donatello, incluidos los de mejor director y guionista. Tras el documental La primavera del 2002 (2002) y el curioso telefilm Sabato, domenica e lunedì (2004) que fusiona cine, televisión y teatro, dirigió Las consecuencias del amor (2004), protagonizada por Toni Servillo y Olivia Magnani, entre otros, con la que se alzó con los premios de la academia del cine italiano a Mejor película y dirección. Le siguieron El amigo de la familia (2006); Il divo (2008), que fue Premio del Jurado en Cannes; Un lugar donde quedarse (2011); La gran belleza (2013), con la que consiguió el Oscars, el Globo de Oro y el BAFTA como Mejor película de habla no inglesa; La juventud (2015), con la que se alzó con los premios como Mejor película, director y actor (Michael Caine), en los Premios del Cine Europeo; Loro 1 y 2 (2018), un biopic sobre el ex Primer ministro italiano y empresario Silvio Berlusconi, y Silvio (y los otros) (2018), en el que Toni Servillo da vida a Berlusconi. 

Sus próximos trabajos serán el drama ambientado en su Nápoles natal The Hand of God, donde aparecen nombres como Toni Servillo, Lino Musella, Lubomir Misak y Alfonso Perugini, y el drama Mob Girl, que nos cuenta la historia de Arlyne Brickman, una mujer que creció entre criminales y mafiosos en el Lower East Side de la ciudad de Nueva York. En su reparto destacan Jennifer Lawrence y Lucas Royalty. 

La película - Después de leer multitud de críticas sobre el trabajo que hoy nos ocupa, no puedo más qué resignarme e intentar llegar a entender el porqué no consigue llegar a un público más amplio, que consiga disfrutar de toda la riqueza y profundidad que el bueno de Sorrentino ha sido capaz de regalarnos de nuevo. Por un lado puedo llegar a asimilar qué a gran parte del público incluso le moleste la pomposidad con la que La juventud adorna su brillante continente, que no lleguen a entender como un trabajo que luce tal nombre, pueda estar interpretado por un grupo de adinerados burgueses en el ocaso de sus vidas, qué deambulan por un balneario de lujo, pero lo que me produce una enorme tristeza es comprobar cómo una gran cantidad de aficionados se quedan solo en eso, en el que para mí es un hermoso envoltorio, que el director utiliza como un mero vehículo con el que ahonda en multitud de temas trascendentales, que continúan rondando tu mente hasta mucho después de haberla finalizado.

La muerte tenía un precio (Trilogía del dólar) - Sergio Leone (1965)

Título original - Per qualche dollaro in più (For a Few Dollars More)

Año - 1965

Duración - 132 min.

País - Italia

Dirección - Sergio Leone

Guion - Sergio Leone y Luciano Vincenzoni

Música - Ennio Morricone

Fotografía - Massimo Dallamano

Montaje - Eugenio Alabiso, Adriana Novelli y Giorgio Serrallonga

Escenografía - Rafael Ferri Jorda

Vestuario - Carlo Simi

Producción - Alberto Grimaldi y Arturo González

Productora - Co-producción Italia-España-Alemania; Produzioni Europee Associati (PEA)

Reparto - Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Mara Krupp, Luigi Pistilli, Klaus Kinski, Joseph Egger, Panos Papadopulos, Benito Stefanelli, Roberto Camardiel, Aldo Sambrell, Luis Rodríguez, Tomás Blanco, Lorenzo Robledo, Dante Maggio, Sergio Mendizábal, Diana Rabito, Giovanni Tarallo, Mario Meniconi, Mario Brega

Género - Western, Spaghetti Western, Venganza, Película de culto

Tras la ráfaga de aire fresco que supuso Por un puñado de dólares, aun sin haberse llegado a estrenar en Estados Unidos, el realizador Sergio Leone se propuso continuar su, a la postre inolvidable, Trilogía del dólar, para la que volvió a contar con la maravillosa banda sonora del maestro Ennio Morricone y el inconfundible Clint Eastwood, añadiendo de forma mas que acertada la participación de Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Una delicia que te lleva en volandas de principio a fin.

Sinopsis - El Indio (Gian Maria Volonté) es un despiadado asesino que consigue escapar de prisión

con la ayuda de su temible banda. Joe (Clint Eastwood), un pistolero solitario al que algunos llaman Manco, decide ir a su caza para reclamar la jugosa recompensa que por el ofrecen, aunque no es el único, ya que el coronel Douglas Mortimer (Lee van Cleef), un ex oficial del ejercito metido a cazarrecompensas tiene el mismo objetivo. Ambos unirán sus fuerzas para conseguirlo, aunque en realidad los mueven motivos muy diferentes.

El director - Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano nacido en Roma, el 3 de enero de 1929. Era hijo del director de cine Roberto Roberti (seudónimo de Vincenzo Leone) y la actriz de cine mudo Bice Waleran (Edvige Valcarenghi).

Comenzó a trabajar en el cine muy joven, siendo con 20 años asistente de dirección en la película Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica, 1948), lo que le permitió participar en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa, como Quo Vadis (Mervyn Le Roy, 1951), Helena de Troya (Robert Wise, 1955), Ben-Hur (William Wyler, 1959) o Historia de una monja (Fred Zinnemann, 1959), además de sustituir por enfermedad al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya (1959), aunque no apareció en los créditos. Su debut oficial fue El coloso de Rodas (1960) tras la que sustituiría a Robert Aldrich en Sodoma y Gomorra (1962). Aldrich fue una influencia clave para Leone, por películas como Vera Cruz (1954), donde este se comenzaba a desmarcar claramente de los westerns clásicos.

Su fama llegó con Por un puñado de dólares, con la que comenzaba la llamada Trilogía del dólar, que se completa con las posteriores La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). Además de crear el llamado Spaghetti western, subgénero muy utilizado en los años 60 y principios de los 70, dio a conocer al compositor Ennio Morricone, amigo desde la infancia del director, y a actores como Clint Eastwood, prácticamente desconocido en el cine hasta entonces, y Lee van Cleef. Tras ella filmó Hasta que llegó su hora (1968), con Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale, ¡Agáchate, maldito! (1971), con James Coburn y Rod Steiger, y la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América (1984), con Robert De Niro, James Woods y Elizabeth McGovern. En Europa fue un éxito, a pesar de sus 4 horas de duración, pero la Warner Bros recortó su metraje y alteró su montaje para el público estadounidense, eliminando sus característicos flashbacks, para lo que contrató a Zach Staenberg a espaldas de Leone, algo que enfrentó judicialmente a la productora y el director. Falleció en Roma, el 30 de abril de 1989, debido a problemas de corazón.

El crítico Ramón Freixas lo definió como "un moralista sin moral, un misógino feminista y un pacifista a tiros".

La película - Cuentan que cuando Sergio Leone le propuso a Alberto Grimaldi (su nuevo productor) continuar con su trilogía tras el enorme éxito en la taquilla italiana de Por un puñado de dólares, este aceptó de buen grado con la condición de que Clint Eastwood continuara interpretando al "Hombre sin nombre". Este no estaba en condiciones de contestar, puesto que la primera película no se había estrenado en Estados Unidos y el ni la había visto. Al no estar aun traducida al inglés, Leone le mandó una copia en italiano, que Eastwood disfrutó en una proyección que realizó para un reducido grupo de amigos. Quedaron tan encantados que rápidamente dio el si quiero.

Una jornada particular (Una giornata particolare) - Ettore Scola (1977)

Título original - Una giornata particolare
Año - 1977
Duración - 105 min.
País - Italia
Director - Ettore Scola
Guión - Ruggero Maccari y Ettore Scola
Música - Armando Trovajoli
Fotografía - Pasqualino De Santis
Montaje - Raimondo Crociani
Producción - Carlo Ponti
Productora - Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti
Género - Drama
Reparto - Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny

El recientemente fallecido Ettore Scola dirigió y escribió el guión junto a Ruggero Maccari de este magnífico retrato de la sociedad italiana de los años 30, que utilizando la visita de Adolf Hitler a Italia y a dos personajes atrapados en sus propias vidas, nos ofrece una nueva oportunidad de disfrutar de un dúo difícilmente igualable, el formado por una Sophia Loren y un Marcello Mastroianni estelares. Una auténtica delicia para los amantes del buen cine y la mejor forma de recordar al magnífico realizador italiano.

Sinopsis: El 6 de mayo de 1938. Hitler visita Roma, por lo que el pueblo se vuelca en su recibimiento en una jornada declarada de fiesta nacional. En un gran bloque de pisos todos van al desfile en su honor, excepto la portera y un par de vecinos que jamás se han cruzado siquiera. Antonietta (Sophia Loren) no puede asistir al tener que hacerse cargo de las labores domésticas derivadas de su vida con su esposo y sus 6 hijos, pero al escaparse el ave que tienen como mascota, esta se apoyará cerca de la ventana de Gabriele (Marcello Mastroianni), un vecino no muy bien mirado en la comunidad a cuyo apartamento llamará para intentar recuperarla. Entre ellos se establecerá una curiosa relación que cambiará la monotonía del día para ambos.

El director: Ettore Scola fue un director de cine italiano nacido en Trevico, Avellino, Italia, el 10 de mayo de 1931. Representante de la llamada "commedia all'italiana", posee los títulos honoríficos de Caballero de la Gran Cruz de la Orden al Mérito de la República Italiana y Medalla de oro al beneficio de la cultura y del arte. De su extensa filmografía mencionaré varios títulos: Con su permiso, hablemos de mujeres (1964), El demonio de los celos (1970), La più bella serata della mia vita (1972), Una mujer y tres hombres (Nos habíamos amado tanto) (1974), Brutos, feos y malos (1976), ¡Que viva Italia! (1977), La terraza (1980), Entre el amor y la muerte (1981), La noche de Varennes (1982), Macarrones (1985), La familia (1987), ¿Qué hora es? (1989), Splendor (1989), Historia de un pobre hombre (1995), La cena (1998), Competencia desleal (2001), Gente de Roma (2003) o Qué extraño llamarse Federico (2013). Falleció el 19 de enero de 2016 en Roma, Italia.

La película: Cuando me enteré de la muerte de este magnífico realizador italiano decidí que la mejor forma de rendirle un pequeño tributo era elegir uno de sus trabajos y realizar una crítica sobre el. Ojeando su filmografía resulta realmente difícil decidirse por una, pero cuando Una jornada particular llegó a aparecer ante mis ojos, ya no pude cambiar mi elección. Puede que os resulte extraño que para uno de los representantes de la llamada "commedia all'italiana", género cinematográfico nacido en Italia a inicios de la década de los cincuenta y que se extendió hasta principios de la década de los ochenta, un servidor haya elegido un drama como exponente de su cine, pero la enorme calidad de la película y el enorme cariño con el que la recuerdo, han hecho de esta mi única posible elección.

Y es que en este maravilloso trabajo encuentro muchas similitudes a como se vivía en España en los primeros años de mi vida, no ya por el auge que el fascismo tenía en el pueblo, ya que Francisco Franco murió cuando yo solo tenía 4 años y mi país comenzaba a ver la luz tras mucho tiempo, sino por los múltiples detalles que se pueden apreciar en como se vivía en la Italia de entonces, muy similares a los de la España de principio de los 70. Como eran los hogares mas humildes, la influencia de la radio en la vida de la población, las vestimentas, los molinillos de café, las vajillas, etc. Un sinfín de detalles que hacen que este trabajo agite mi mente y abra puertas en mi memoria que permanecían cerradas hace tiempo.

Bellísima (Bellissima) - Luchino Visconti (1951)

Título original - Bellissima
Año - 1951
Duración - 108 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi D'Amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti
Música - Franco Mannino
Fotografía - Piero Portalupi
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Salvo D'Angelo
Productora - Film Bellissima
Género - Drama / Neorrealismo, Cine dentro del cine
Reparto - Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli, Alessandro Blasetti, Tecla Scarano

Luchino Visconti escribió el guión en 1951 -junto a Suso Cecchi D'Amico y Francesco Rosi- y dirigió Bellissima, película en la que brilla con luz propia la magnífica Anna Magnani, una de las mas grandes actrices italianas de todos los tiempos, tras la que el director realizaría un punto y seguido en su idilio con el Neorrealismo. Un retrato de la Italia del momento y del mundo del cine en particular, enfocado en la figura de una madre que sueña con ver triunfar a su hija.

Sinopsis: En los estudios de Cinecittà, el director Alessandro Blasetti (Alessandro Blasetti) está haciendo un casting para seleccionar a la niña que actuará en su nueva película. Entre las madres que han llevado a sus hijas está Maddalena Cecconi (Anna Magnani), una mujer de barrio que sueña con ver a su hija en el Olimpo de las grandes estrellas. Contra la voluntad de su marido, Maddalena no repara en medios para conseguir su objetivo: inscribe a María en un curso de baile y actuación, le paga fotógrafo y peluquera, le encarga vestidos a medida... Cualquier cosa por conseguir realizar su sueño.

El director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorrealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Rocco y sus hermanos (1960), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto. Falleció en Roma, el 17 de marzo de 1976.

La película: ¿Que no haría uno por un hijo o una hija? ¿Hasta donde estaría dispuesto a llegar para que el o ella viva de forma mejor a lo que uno lo ha hecho? ¿Hasta que punto tenemos derecho a enfocar y condicionar su vida por algo que quizás mas tarde sepamos que no era su deseo real? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras disfrutar de esta curiosa película, en la que el espléndido dúo formado por el realizador Luchino Visconti y la actriz Anna Magnani consiguen que nos metamos en la piel de una madre luchadora, de carácter y buen corazón, pero totalmente obsesionada con ver a su hija triunfar en el mundo del pujante cine italiano. Un suceso mucho mas común de lo que muchos podamos creer, que continua siendo habitual, y por desgracia lo seguirá siendo, aunque en los tiempos que corren los objetivos hayan variado bastante, algo que no cambia el problema y sus consecuencias.

A esto hay que añadir la situación económica y social de la mayoría de las familias de ese momento, donde la miseria campaba a sus anchas y los sueños casi siempre se quedaban en eso, simples sueños que acababan escapándose de las manos sin la mas mínima posibilidad de ser alcanzados. Es ese uno de los motivos por el que el Neorealismo impactó tanto en los espectadores de todo el mundo, porque mostraba la verdad sin tapujos frente a las gloriosas producciones estadounidenses, mucho mas preocupadas en crear mundos paralelos a los que transportarnos que en mostrar la realidad real de la época. Basta con echar un vistazo a los trabajos que optaron a los Oscars de ese año para comprobarlo, encontrando títulos como Un americano en París, Quo Vadis, Un lugar bajo el sol, Un tranvía llamado deseo, La reina de África o Muerte de un viajante, entre otros. Dos estilos totalmente opuestos igualmente disfrutables.

El capital humano - Paolo Virzì (2014)

Título original - Il capitale umano
Año - 2014
Duración - 109 min.
País - Italia
Director - Paolo Virzì
Guión - Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo, basándose en la novela de Stephen Amidon
Música - Carlo Virzì
Fotografía - Jérôme Alméras y Simon Beaufils
Montaje - Cecilia Zanuso
Producción - Marco Cohen, Alessandro Mascheroni - Rai Cinema
Productora - Coproducción Italia-Francia; Indiana Production Company
Género - Drama
Reparto - Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli

Paolo Virzì dirige y escribe el guión junto a Francesco Bruni y Francesco Piccolo, basándose en la novela homónima de Stephen Amidon, de este magnífico drama que, a través de un desgraciado accidente, realiza un eficiente retrato de la sociedad italiana actual y de lo poco que vale una vida en este loco mundo en el que vivimos. Un trabajo realmente completo donde destaca su peculiar montaje, la riqueza de su guión y las actuaciones de un elenco que raya a un nivel excelente. La película, que fue capaz de ganar el David di Donatello a la brillante La gran belleza, no debe ser pasada por alto.

Sinopsis: Una noche antes de navidad, un camarero que regresa a casa tras trabajar en una fiesta de una escuela privada es atropellado por un lujoso todoterreno que se da a la fuga. La película nos cuenta como este hecho cambiará la vida de dos familias muy diferentes: la de Giovanni Bernaschi (Fabrizio Gifuni), un millonario que ha amasado una fortuna enorme gracias a la especulación y a un atractivo fondo que atrae a inversores de todo el mundo y la de Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), un agente inmobiliario de clase media cuya empresa está al borde de la quiebra, que busca desesperadamente la forma de salir a flote.

El director: Paolo Virzì es un guionista y director italiano nacido en Livorno, el 4 de marzo de 1964. Debutó en 1994 con la comedia La bella vita, con la que ganó entre otros el premio David di Donatello a la Mejor ópera prima. En su filmografía, de un nivel alto bastante constante, destacaré varios títulos: Ferie d'agosto (Vacaciones de agosto) (1996), Los años dorados (1997), My Name Is Tanino (2002), Caterina se va a Roma (2003), Napoleón y yo (2006), Tutta la vita davanti (2008), La prima cosa bella (2010) o Todo el santo día (2012). Actualmente trabaja en la comedia dramática La pazza gioia (2016), en cuyo reparto aparecen nombres como Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti o Elena Lietti, entre otros.

La película: El capital humano, expresión que da título a la excelente película que hoy nos ocupa, se refiere en esta ocasión al termino utilizado por las aseguradoras para calcular el valor de una persona, la cifra que han de asumir a la hora de indemnizar a la familia de un fallecido, que es calculada por variables como la esperanza de vida de una persona, su potencial en ingresos, la cantidad y la calidad de sus lazos afectivos, etc. ¿la calidad de sus lazos afectivos? ¿como se calcula eso?... Frías cifras que dejan claro que en la cruel sociedad sin escrúpulos en la que vivimos, cada uno tiene un precio, siendo este en la mayoría de los casos realmente ridículo, sobre todo si perteneces a las clases mas humildes y no dispones de la ayuda de un buen bufete de abogados.

Una vez aclarado esto, Il capitale umano es, ante todo, un trabajo que consigue reflejar con gran acierto muchas de las carencias de la sociedad en la que vivimos, en la que los valores humanos han dado paso a los numéricos, dando su sentido real al dicho "tanto tienes, tanto vales". Estamos ante una de esas películas que se centran en un trágico suceso para mostrarnos todo lo que se mueve a su alrededor y como este afecta a las diferentes personas que algo tienen que ver con el, en este caso el atropello de una persona. Una de las características fundamentales de la película es la forma en la que está estructurado el guión escrito por Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo, que tras mostrarnos el suceso en si, nos cuenta lo ocurrido los meses antes desde varios puntos de vista diferentes.

Stromboli, tierra de Dios - Roberto Rossellini (1950)

Título original - Stromboli, terra di Dio
Año - 1950
Duración - 107 min.
País - Italia
Director - Roberto Rossellini
Guión - Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y Roberto Rossellini
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Otello Martelli
Montaje - Roland Gross y Alfred L. Werker
Producción - Roberto Rossellini
Productora - Coproducción Italia-Estados Unidos; Berit Films / Bero Productions / RKO Radio Pictures
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponzo, Roberto Onorati, Gaetano Famularo

Dicen que la actriz Ingrid Bergman envió una carta al realizador Roberto Rossellini expresándole la admiración por su obra y el deseo de trabajar con él. Tras ella llegó una fructífera y controvertida relación (ambos estaban casados) que ha pasado a la historia del cine, cuyo primer retoño, cinematográficamente hablando, fue esta Stromboli, tierra de Dios. Un trabajo que retrata la dureza de la posguerra, la soledad de muchos de sus supervivientes y como la desesperación lleva al ser humano a tomar decisiones que no siempre son las mas correctas. Un trabajo a camino entre la época neorealista del director italiano y la dirección que posteriormente tomaría su cine, que exige la comprensión del contexto histórico donde está rodada para ser justamente valorado.

Sinopsis: Karin (Ingrid Bergman) es una exiliada lituana en Italia que lucha por escapar y olvidar la soledad que se ha apoderado de su vida tras la guerra. Tras intentar emigrar a Argentina, siendo rechazada su solicitud por las autoridades, la desesperación la hace aceptar casarse con Antonio (Mario Vitale), un prisionero de guerra que conoce tan solo a través de una alambrada, que le habla de la isla donde vive y le ofrece una oportunidad de futuro. Pero tras llegar a Stromboli, la pequeña isla donde Antonio vive y trabaja como pescador, descubre que la vida en ella no es lo que imaginaba, encontrando una tierra inhóspita, dominada por un volcán y habitada por gentes muy diferentes a ella, que no se lo pondrán nada fácil.

El director: Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en Roma, Italia, el 8 de mayo de 1906, considerado como uno de los principales exponentes del neorrealismo italiano. Debutó con Un piloto regresa (1942), la primera de la llamada Trilogía Fascista, que se completa con La nave blanca (1942) y L'uomo dalla croce (1943). Tras ella llegó la Trilogía Neorrealista, formada por Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (Camarada) (1946) y Alemania, año cero (1948). Del resto de su filmografía, que abarca mas de 30 títulos entre cine y televisión, podemos destacar varias: Deseo (1946), El amor (1948), Francisco, juglar de Dios (1950), Europa '51 (1952), Nosotras las mujeres (1953), Dov'è la libertà...? (1954), Juana de Arco (1954), Ya no creo en el amor (1954), Te querré siempre (1954), El general de la Rovere (1959), Fugitivos en la noche (1960), Ro.Go.Pa.G. (Rogopag) (1963), La toma del poder por parte de Luis XIV (1966), Sócrates (1971) y Blaise Pascal (1972), las dos últimas realizadas para televisión.

La película: La oscura actualidad en el planeta está encabezada una vez mas por varios conflictos bélicos y la triste historia de los refugiados que estos han creado, entre los que está el de millones de sirios que luchan por huir de uno de ellos, además de la, como poco, bochornosa forma en la que esta está siendo tratada por medio mundo, y en especial por una Comunidad Económica Europea que parece haber tardado muy poco en olvidar su pasado reciente, repleto de sangrientas dictaduras y continuos conflictos que hicieron de Europa un lugar asolado por la miseria y necesitado de la ayuda internacional. Creo por tanto que estamos ante un momento inmejorable para poder comprender la película que hoy nos ocupa, una historia imposible de valorar con justicia si la sacamos del contexto en el que se desarrolla, uno que por desgracia se repite una y otra vez en la historia y que lamentablemente se seguirá repitiendo.

Digo esto porque, desde un primer momento, la forma de proceder de su principal protagonista puede parecer un tanto impulsiva y egoísta, sobre todo si no tenemos en cuenta las razones que tiene para comportarse como lo hace. La película no nos cuenta lo que ha sufrido hasta llegar a su comienzo, algo que con el paso de los años se antoja fundamental. Stromboli, tierra de Dios es un retrato de una huida hacia ninguna parte, de la desesperación y la soledad de una mujer atormentada por el inevitable rumbo que ha tomado su vida y de su lucha por mantener sus señas de identidad y volver a sentirse libre. Su guión, obra de Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y el propio Roberto Rossellini, intenta mostrar en la persona de Karin la lucha constante del ser humano por sobrevivir, algo que consigue con nota.

Rocco y sus hermanos - Luchino Visconti (1960)

Título original - Rocco e i suoi fratelli
Año - 1960
Duración - 170 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli, basándose en un relato de Giovanni Testori
Música - Nino Rota
Fotografía - Giuseppe Rotunno
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Goffredo Lombardo
Productora - Coproducción Italia-Francia
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinau, Claudia Cardinale, Spiros Focas, Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair

Luchino Visconti firmó con Rocco y sus hermanos su séptima película como realizador, llevando a la gran pantalla un guión que Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli realizaron sobre un relato de Giovanni Testori. 170 minutos que giran en torno a una familia de emigrantes y las duras condiciones que encuentran tras llegar a Milán en busca de una vida mejor, con un excelente trabajo de todo su reparto, la fotografía de Giuseppe Rotunno y la música del inolvidable Nino Rota. Un trabajo imprescindible que deberían haber visto ya, aunque he de confesar que los envidio si aún no lo han hecho y tienen intención de hacerlo.

Sinopsis: Rosaria Parondi (Katina Paxinou) y sus hijos Simone (Renato Salvatori), Rocco (Alain Delon), Ciro (Max Cartier) y Luca (Rocco Vidolazzi) abandonan su tierra natal en busca de una vida mejor, emigrando a una gran ciudad como Milán, donde Vincenzo (Spiros Focás), el mayor de los hermanos, trabaja de albañil y entrena para llegar a ser boxeador profesional. Su llegada y la progresiva adaptación de sus miembros no será sencilla, aunque cada uno intentará buscar un futuro mejor en una tierra muy diferente a la que dejaron atrás, pero a la que no tendrán mas remedio que acabar adaptándose.

El director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorrealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Rocco y sus hermanos (1960), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto.

La película: En la película que hoy nos ocupa, encontramos varias de las constantes de su cine, como la importancia de la familia o las duras condiciones que soportan las clases mas desfavorecidas, por poner algunos ejemplos. En principio puede que su extenso metraje cree ciertas dudas en los mas escépticos, pero puedo asegurarles que una vez conocidos sus personajes e introducidos en su historia, resulta realmente difícil abandonar su visionado, haciéndose mucho mas corta de lo que su duración real transmite. Lógicamente, si no has visto demasiado cine italiano, necesitarás un breve periodo de adaptación a sus característicos diálogos, sobre todo a la rapidez que tienen los mismos en ciertos momentos (la madre es el mejor de los ejemplos), pero es algo que haréis casi sin enteraros y la recompensa tras ello bien merece la pena.

Rocco y sus hermanos encierra dentro de si un excelente drama social en el que se muestra la lucha por una vida mejor de los que poco o nada tienen, un melodrama realmente brillante donde se aprecia la riqueza que el mundo de las artes escénicas sembraron en el director y en el que encontramos ciertas similitudes con algunas tragedias griegas, pero sobre todo encontramos en el un auténtico y genuino alegato en favor de la familia, esa institución a la que muchos y muchas prestan escasa atención, pero que debería de ser uno de los pilares fundamentales de nuestras vidas, el mayor de los motivos para seguir adelante y continuar la lucha.