La evasión (Le trou) - Jacques Becker (1960)

Título original - Le trou
Año - 1960
Duración - 113 min.
País - Francia
Director - Jacques Becker
Guión - Jose Giovanni, Jacques Becker, Jean Aurel, basado en la novela The Break, de Jose Giovanni
Música - Philippe Arthuys
Fotografía - Ghislain Cloquet
Montaje - Marguerite Renoir y Geneviève Vaury
Producción - Georges Charlot, Jean Mottet y Serge Silberman
Productora - Coproducción Francia-Italia; Filmsonor / Play Art / Titanus
Género - Drama | Drama carcelario. Basado en hechos reales
Reparto - Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Kéraudy, Raymond Meunier, André Bervil

Jacques Becker dirigió este magnífico drama carcelario que fue estrenado en 1960, en el Festival de Cannes. Con un guión escrito por él mismo junto a Jean Aurel y Jose Giovanni, autor de la novela en la que se basa llamada The Break, un estilo cuasi documental y un grupo de actores poco o nada conocidos, entre los que se encuentra Roland Darbant, uno de los integrantes reales de la fuga, estamos ante uno de los trabajos sobre la vida en prisión mas reales que un servidor ha podido disfrutar. Una nueva oportunidad de comprobar que se puede hacer cine de enorme calidad sin disponer de grandes medios. Imprescindible.

Sinopsis: Francia, 1947. Gaspard Claude (Marc Michel) es un recluso que está en prisión provisional a la espera de juicio, acusado del intento de asesinato de su mujer, aunque jura y perjura que es inocente. Por motivos de unas obras que se van a realizar en el centro, es trasladado a una nueva celda donde tendrá que convivir con cuatro reclusos desconocidos para el, a los que les esperan grandes condenas. Tras las lógicas reticencias iniciales, estos deciden comunicarle que planean fugarse de la prisión, por lo que le ofrecen la posibilidad de acompañarlos si contribuye con los laboriosos trabajos necesarios para la huida.

El director: Jacques Becker fue un director de cine francés nacido en París, el 15 de septiembre de 1906. Casado con la actriz Françoise Fabian y padre del también director Jean Becker, participó en 1936 en el documental La vida es nuestra, junto a directores como Jean Renoir (del que fue ayudante de dirección durante los años 30) o Jacques B. Brunius, entre otros. Debutó en 1942 con el drama policíaco Dernier atout, tras el que dirigió el drama Goupi mains rouges (1943), el drama romántico Falbalas (1945) y las comedias dramáticas Se escapó la suerte (1947) y Cita en julio (1949). Ya en los años 50 dirigió la comedia Édouard et Caroline (1951), el drama Calle de la Estrapada (La mudanza de Françoise) (1952), el excelente drama romántico París, bajos fondos (1952), la comedia dramática Alí Babá y los cuarenta ladrones (1954), el excelente thriller No toquéis la pasta (1954), del que os hablamos en este artículo, la cinta de intriga Las aventuras de Arsenio Lupin (1957) y el drama Los amantes de Montparnasse (1958). La evasión fue su última película, la mejor de su filmografía para muchos, tras la que, solo dos semanas después de finalizar el rodaje y sin haber sido aún estrenada, falleció en su París natal el 21 de febrero de 1960.

La película: Antes de ver este magnífico trabajo, conocía algo de la obra de Jacques Becker por haber disfrutado París, bajos fondos (1952) y No toquéis la pasta (1954), de la que ya os hablamos aquí, pero hace poco en una reunión familiar me recomendó mi hermano Jose Antonio este título, con tal efusividad que su nombre quedó rondándome la cabeza, hasta que hace unos días conseguí dar con ella. He de decir tras disfrutarla que, no solo no me ha defraudado, sino que ha incluso superado mis expectativas iniciales, sobre todo por ser uno de esos trabajos que, con un ajustadísimo presupuesto y un magnífico guión, es capaz de agarrar al espectador y no soltarlo hasta su finalización, siendo a la vez tan sencillo y disciplinado como efectivo y perdurable en la memoria. Una maravilla que todo amante de este arte debería ver.

Su premisa es bastante sencilla, comenzando por mostrarnos el traslado de Gaspard Claude (Marc Michel) a su nueva celda y la acogida que recibe por parte de sus compañeros, mostrándonos los principales rasgos de cada uno de ellos, pero sin llegar a profundizar en exceso. Pero cuando llega la escena en la que da comienzo la fuga, escena que parecerá un tanto exagerada para algunos, Jacques Becker nos confirma que no necesitaba hacer mas que un boceto de sus protagonistas, ya que la auténtica protagonista de esta película es ella, la propia fuga ideada por estos, con sus preparativos, sus contratiempos y su lento pero inexorable avance, al mismo ritmo en que crece la tensión y el público es casi partícipe de ella. En dicho camino llegaremos a conocer mejor a sus protagonistas y a la relación existente entre todos ellos.

El manantial de la doncella (The Virgin Spring) - Ingmar Bergman (1960)

Título original - Jungfrukällan (The Virgin Spring)

Año - 1960

Duración - 88 min.

País - Suecia 

Dirección - Ingmar Bergman

Guion - Ulla Isaksson

Música - Erik Nordgren

Fotografía - Sven Nykvist 

Montaje - Oscar Rosander

Vestuario - Marik Vos-Lundh

Diseño de producción - P.A. Lundgren

Producción - Ingmar Bergman y Allan Ekelund

Productora - Svensk Filmindustri (SF)

Reparto - Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgitta Pettersson, Axel Düberg, Allan Edwall, Tor Isedal

Género - Drama / Siglo XIV, Edad Media, Abusos sexuales, Venganza

El manantial de la doncella es el nombre de la película que permitió al realizador sueco Ingmar Bergman alzarse con su primer Óscar a la mejor película de habla no inglesa, además del Globo de Oro. Con un guion de Ulla Isaksson, que adapta una antigua leyenda nórdica, la excelente fotografía de Sven Nykvist y el magnífico trabajo de todo su reparto, estamos ante uno de esos trabajos que suelen dejar una profunda huella en el espectador que decida adentrarse en su aparente sencillez. Cine de autor no válido para todos los paladares, de una factura intachable y una profundidad y riqueza poco comunes en el cine de hoy día. Cine con aroma a teatro.

Sinopsis - Suecia, siglo XIV. Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre (Max von Sydow) envía a su hija Karin (Birgitta Pettersson) en compañía de Ingrid (Gunnel Lindblom), una muchacha que odia a Karin en secreto. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y abandona a la princesa, pero la muchacha prosigue su camino y se encuentra con unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida.

El director - Hablar de Ingmar Bergman es hablar de uno de esos genios admirados e incomprendidos a partes iguales. Su trabajo, inconfundible y con señas propias de identidad, perdura en el tiempo como perduran las obras de aquellos que son capaces de dejar su impronta en todo lo que crean, realizando trabajos que a nadie dejan indiferentes.

Hijo de un pastor luterano, creció bajo una educación "basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios", como el mismo indica en sus memorias, "Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba". Esto condicionó su vida y, por supuesto, su obra, trasladando en muchas ocasiones sus experiencias y las consecuencias que en el tuvieron. La muestra mas clara de ello es Fanny y Alexander, su último trabajo, en el que Alexander es un niño de 10 años que representa al propio director. Con ella ganaría el Óscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, poniendo un broche de oro a una magistral carrera y dedicándose a su amado teatro.

Toda su obra merece ser disfrutada, pero os dejo algunos títulos que podría destacar, siempre desde mi humilde punto de vista: El séptimo sello (1956), Fresas salvajes (1957), El rostro (1958), El manantial de la doncella (1959), Persona (1966), La vergüenza (1968) y La hora del lobo (1968), de la que os hablamos en este artículo, además de la ya mencionada Fanny y Alexander (1982), unos cuantos ejemplos dentro de una jugosa filmografía que bien merece ser tenida en cuenta a la hora de valorar a los mejores directores que ha dado el séptimo arte, entre los que seguro se encuentra Ingmar Bergman.

El director falleció a los 89 años, el 30 de julio de 2007, en la isla de Fårö, donde se había retirado. Un nefasto día para el mundo del cine, ya que fue una jornada en la que falleció también el cineasta italiano Michelangelo Antonioni. Se nos fueron dos de los mas grandes en un solo día.

La película - El realizador Ingmar Bergman ganó con El manantial de la doncella el primero de los tres Óscar a la mejor película de habla no inglesa (junto a Como en un espejo y Fanny y Alexander), igualando a Vittorio De Sica (El limpiabotas, Ladrón de bicicletas y Ayer, hoy y mañana) y solo por detrás de Federico Fellini (La strada, Las noches de Cabiria, 8½ y Amarcord). Un logro que, como pueden comprobar, está solo al alcance de un selecto grupo de realizadores que suelen integrar las listas de los mejores realizadores de la historia de cualquier medio de comunicación, crítico especializado o aficionado al cine. Tal como os he comentado anteriormente, en esta obra podemos comprobar de primera mano como su infancia gravó a fuego en el director muchos de los temas de los que esta toca, que son recurrentes en el cine que realizaba, sobre todo en esta segunda etapa del director, en la que la religión y la aparente ausencia o inacción de Dios suelen estar siempre presentes.

Pinceladas de clásicos del terror: Psicosis (Psycho) - Alfred Hitchcock (1960)

Título original - Psycho

Año - 1960

Duración - 109 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Alfred Hitchcock

Guion - Joseph Stefano, basado en la novela de Robert Bloch

Música - Bernard Herrmann

Fotografía - John L. Russell

Montaje - George Tomasini

Escenografía - George Milo

Vestuario - Rita Riggs

Producción - Alfred Hitchcock

Productora - Paramount Pictures

Reparto - Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock

Género - Terror, Intriga, Thriller, Película de culto

Tras la negativa de Paramount, cuyo contrato garantizaba otra película de Hitchcock, a producir Psicosis, por considerar la historia demasiado repugnante e imposible para una película, Alfred Hitchcock no tuvo mas remedio que recurrir a la productora Shamley Productions, que el mismo había creado para producir la serie televisiva Alfred Hitchcock Presents. Lo que no imaginaban los estudios es que estaban ante una obra que revolucionaría el nivel de aceptación de la violencia y la sexualidad en las películas, marcando un antes y un después en la historia del séptimo arte. Una indiscutible obra maestra. 

Sinopsis - Tras hacer algo impropio de ella, Marion Crane (Janet Leigh) huye de la ciudad con una buena cantidad de dinero que no le pertenece, soñando con que su novio Sam Loomis (John Gavin) pueda pagar sus deudas y así poder casarse. Tras cambiar su coche por otro con matrícula de California, prosigue su viaje hacia Fairvale, pero la sorprende una fuerte tormenta. Marion no puede ver claramente la carretera debido a la lluvia y acaba llegando al Motel Bates, donde decide alquilar una habitación para pasar la noche. Allí conoce a Norman Bates (Anthony Perkins), el propietario del solitario establecimiento. 

El director - Alfred Joseph Hitchcock fue un director de cine, productor y guionista británico nacido en Londres, 13 de agosto de 1899. Pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico, tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939.

A lo largo de una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo cinematográfico distintivo y muy reconocible.​ Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyerismo,​ empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico. Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio.​ Muchos de sus filmes presentan giros argumentales en el desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos (Macguffin, como los llamó el propio director) que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.

Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas, entre la que podemos destacar Con la muerte en los talones (1959), Vértigo (De entre los muertos) (1958), Rebeca (1940), La ventana indiscreta (1954), Crimen perfecto (1954), Encadenados (1946), La soga (1948), Extraños en un tren (1951) o Los pájaros (1963), además de la que hoy nos ocupa. Falleció en CBE Los Ángeles, el 29 de abril de 1980.

La película - ¿Qué se puede decir o escribir de una película como Psicosis que no se haya dicho o escrito ya? No seré yo el que intente convencer a nadie para que la vea o no, para que disfrute de su inigualable atmósfera, de su minucioso e impactante retrato del icónico Norman Bates y de la curiosa forma en la que el maestro Alfred Hitchcock tuvo la capacidad de cambiar cómo veíamos y sentíamos el terror. Para ello ya tienen cientos y cientos de artículos de personas con mucho más conocimiento y capacidad qué un servidor para hacerlo, por lo que en lugar de dedicarme a alabar una obra de las que para mí han marcado un antes y un después en la historia del séptimo arte, prefiero limitarme a comentar qué supuso en su momento, por que ha pasado a la historia y la dificultad que tuvo el maestro para lograr los resultados por casi todos conocidos.

Rocco y sus hermanos - Luchino Visconti (1960)

Título original - Rocco e i suoi fratelli
Año - 1960
Duración - 170 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli, basándose en un relato de Giovanni Testori
Música - Nino Rota
Fotografía - Giuseppe Rotunno
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Goffredo Lombardo
Productora - Coproducción Italia-Francia
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinau, Claudia Cardinale, Spiros Focas, Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair

Luchino Visconti firmó con Rocco y sus hermanos su séptima película como realizador, llevando a la gran pantalla un guión que Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli realizaron sobre un relato de Giovanni Testori. 170 minutos que giran en torno a una familia de emigrantes y las duras condiciones que encuentran tras llegar a Milán en busca de una vida mejor, con un excelente trabajo de todo su reparto, la fotografía de Giuseppe Rotunno y la música del inolvidable Nino Rota. Un trabajo imprescindible que deberían haber visto ya, aunque he de confesar que los envidio si aún no lo han hecho y tienen intención de hacerlo.

Sinopsis: Rosaria Parondi (Katina Paxinou) y sus hijos Simone (Renato Salvatori), Rocco (Alain Delon), Ciro (Max Cartier) y Luca (Rocco Vidolazzi) abandonan su tierra natal en busca de una vida mejor, emigrando a una gran ciudad como Milán, donde Vincenzo (Spiros Focás), el mayor de los hermanos, trabaja de albañil y entrena para llegar a ser boxeador profesional. Su llegada y la progresiva adaptación de sus miembros no será sencilla, aunque cada uno intentará buscar un futuro mejor en una tierra muy diferente a la que dejaron atrás, pero a la que no tendrán mas remedio que acabar adaptándose.

El director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorrealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Rocco y sus hermanos (1960), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto.

La película: En la película que hoy nos ocupa, encontramos varias de las constantes de su cine, como la importancia de la familia o las duras condiciones que soportan las clases mas desfavorecidas, por poner algunos ejemplos. En principio puede que su extenso metraje cree ciertas dudas en los mas escépticos, pero puedo asegurarles que una vez conocidos sus personajes e introducidos en su historia, resulta realmente difícil abandonar su visionado, haciéndose mucho mas corta de lo que su duración real transmite. Lógicamente, si no has visto demasiado cine italiano, necesitarás un breve periodo de adaptación a sus característicos diálogos, sobre todo a la rapidez que tienen los mismos en ciertos momentos (la madre es el mejor de los ejemplos), pero es algo que haréis casi sin enteraros y la recompensa tras ello bien merece la pena.

Rocco y sus hermanos encierra dentro de si un excelente drama social en el que se muestra la lucha por una vida mejor de los que poco o nada tienen, un melodrama realmente brillante donde se aprecia la riqueza que el mundo de las artes escénicas sembraron en el director y en el que encontramos ciertas similitudes con algunas tragedias griegas, pero sobre todo encontramos en el un auténtico y genuino alegato en favor de la familia, esa institución a la que muchos y muchas prestan escasa atención, pero que debería de ser uno de los pilares fundamentales de nuestras vidas, el mayor de los motivos para seguir adelante y continuar la lucha.

Al final de la escapada (À bout de souffle) - Jean-Luc Godard (1960)

Título original - À bout de souffle
Año - 1960
Duración - 89 min.
País - Francia
Director - Jean-Luc Godard
Guión - Jean-Luc Godard, basado en un argumento de François Truffaut
Música - Martial Solal
Fotografía - Raoul Coutard
Montaje - Cécile Decugis
Producción - Georges de Beauregard
Productora - Impéria Films / Société Nouvelle de Cinema
Género - Drama, Romance, Nouvelle vague
Reparto - Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville, Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard creó el guión sobre un argumento de François Truffaut y dirigió esta genuina obra que ha pasado a la historia del celuloide como el punto de partida de todo un movimiento que tiró por tierra los cánones que en el cine francés eran utilizados hasta la fecha, la Nouvelle vague. Un trabajo imprescindible para los amantes de este arte, y necesario para entender el cine de francés que se hizo a continuación, aunque un tanto brusco si no tenemos en cuenta su repercusión. Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg ponen el resto, en dos papeles inolvidables.

Sinopsis: Michel (Jean-Paul Belmondo) es un delincuente que, tras robar un coche en Marsella, emprende viaje a París para cobrar un dinero que se le adeuda. Todo se complica cuando se salta un control policial y tras una persecución acaba matando a un motorista que lo persigue. Ya en la ciudad, va a ver a su amiga Patricia (Jean Seberg), una estadounidense que sobrevive vendiendo el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos y sueña con matricularse en la universidad y llegar a ser escritora. Michel intenta convencerla para que vuelva a acostarse con el y lo acompañe a Roma, pero ella no parece muy convencida, a pesar de desconocer que es perseguido por la policía.

La película: He de comenzar diciendo que me resulta extremadamente difícil imaginar a un espectador joven disfrutando de una obra como esta, algo que no seré yo quien le eche en cara, ya que me parece incluso comprensible. Y es que À bout de souffle no es mas que el primer escalón del sueño de un grupo de directores hastiados con el cine que se realizaba en la época, y como casi todos los primeros pasos en una revolución de este tipo, deja bastante que desear en muchos aspectos. Es por tanto justo admitir que si no fuese por la enorme repercusión que tuvo este trabajo y por la indudable brillantez de la presencia de Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, su nota sería bastante menor.

Se que solo por este primer párrafo, ya habré hecho enfadar a mas de un cinéfilo, si es que alguno se digna a leer mi humilde opinión sobre el tema, pero no soy persona de dejarme llevar por modismos o corrientes de opinión, por lo que escribo solamente lo que opino, para bien o para mal. Pero no quiero que toméis mis palabras como definitivas, ni penséis que yo creo saber  mas que nadie, ya que mi consejo es que la veáis para poder formaros vuestra propia opinión, algo que si sois de los que amáis este arte, debéis hacer si o si.

Y es que resulta curioso ver como somos los seres humanos y como es esta vida en general, algo que mientras veía la película rondaba por mi cabeza. En concreto, hay una escena en la que nuestros protagonistas van hablando por la calle y se ve a los viandantes volver la cabeza descaradamente para ver que es lo que se está filmando, algo que si ocurre en cualquier otro trabajo de cualquier otro realizador, recibiría tal cantidad de descalificaciones por parte de crítica y público que le sería difícil poder volver a dirigir un simple anuncio de televisión. Pero claro, lo que para algunos es un despropósito tras otro, para otros es la forma original de romper con las reglas, algo que arrastra seguidores, e incluso fanáticos, de una forma brutal.

La herencia del viento - Stanley Kramer (1960)

* Título original - Inherit the Wind
* Año - 1960
* Duración - 127 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Stanley Kramer
* Guión - Harold Jacob Smith y Ned Young adaptando una obra de teatro de Jerome Lawrence y Robert E. Lee
* Música - Ernest Gold
* Fotografía - Ernest Laszlo
* Montaje - Frederic Knudtson
* Producción - Stanley Kramer
* Productora - United Artists / Stanley Kramer Productions
* Género - Drama
* Reparto - Spencer Tracy, Fredric March, Gene Kelly, Dick York, Claude Akins, Florence Eldridge, Donna Anderson, Noah Berry Jr., Harry Morgan

El siempre comprometido Stanley Kramer produjo y dirigió esta adaptación de la obra de teatro 'Inherit the Wind' de Jerome Lawrence y Robert E. Lee. Un aparente duelo entre los defensores de la iglesia y los de la ciencia, que en realidad es un alegato a favor del libre pensamiento y en contra todo tipo de fanatismo. Un drama judicial con grandes interpretaciones donde los diálogos son el verdadero protagonista.

Sinopsis: Un joven profesor (Dick York) es detenido delante de sus alumnos por enseñar en clase la teoría de la evolución de Charles Darwin, algo impensable en un estado en el que la palabra de Dios es la única teoría admitida sobre el origen humano según sus leyes. El líder ultraconservador Matthew Harrison Brady (Fredric March) se ofrrecerá rapidamente para ejercer la acusación, mientras que el abogado defensor Henry Drummond (Spencer Tracy) será contratado por un periódico sensacionalista para ejercer su defensa.

El director: Stanley Kramer creció respirando cine por los cuatro costados. Su tío, Earl Kramer, trabajó en la distribución de películas en la Universal Pictures y su madre era secretaria de la Paramount Pictures. Tenía pensado estudiar derecho cuando se le ofreció trabajo en el departamento de elaboración de guiones de la 20th Century Fox. Comenzó como ayudante de producción, hasta que después de la guerra creó una productora independiente llamada Screen Plays Inc., con la que produjo varios trabajos como 'So This Is New York' (1948), 'El ídolo de barro' (1949), protagonizada por Kirk Douglas o 'Cyrano de Bergerac' (1950).

Su último trabajo independiente de la época fue la magistral 'Solo ante el peligro' (1952), un western dirigido por Fred Zinnemann que recibió 4 Oscars. Poco antes comenzó a trabajar de productor con Columbia Pictures, una etapa con mas pena que gloria donde solo destacó su ultimo trabajo, 'El motín del Caine' (1954). Fue entonces cuando crea una nueva productora y comienza a producir y dirigir el mismo, dejándonos títulos como 'No serás un extraño' (1955), 'Orgullo y pasión' (1957), 'Fugitivos' (1958), 'La hora final' (1959), ¿Vencedores o vencidos? (1961), 'El mundo está loco, loco, loco' (1963), 'Adivina quién viene esta noche' (1967) o 'El secreto de Santa Victoria' (1969), entre otras.

En los últimos años en activo nos dejó varios trabajos: 'Bendice a los animales y a los niños' (1971), 'Oklahoma, año 10' (1973), 'De presidio a primera página' (1977) y 'Más allá del amor' (1979), su último trabajo. Aunque Kramer era conocido en todo Hollywood por sus ideas liberales, nunca fue incluido en la lista negra, por motivos que desconozco. Existe una biografía suya escrita por el mismo y titulada 'A Mad Mad Mad Mad World: A Life in Hollywood'. Falleció el 19 de febrero de 2001 en Los Ángeles.

La película: Antes de nada quiero advertir a los que no hayan visto este trabajo que es lo que ofrece 'La herencia del viento' y que no. Estamos ante un drama judicial con todas las letras, basándose en su totalidad en un juicio a un profesor por intentar enseñar la teoría de la evolución. Su duración es de dos horas largas y carece de todo lo que no tenga que ver con los diálogos, con el don de la palabra. Me refiero a que no estamos ante un caso de asesinato, ni encontrarás discusiones subidas de tono tipo debate de reality show. Como dice una canción de Amaral, "tan solo palabras", así que si no eres de los que gustan de un buen debate a la antigua usanza, en el que se intenta convencer a los oyentes con argumentos de todo tipo, busca en otro sitio porque te aburrirás de lo lindo.