Regresión - Alejandro Amenábar (2015)

Título original - Regression
Año - 2015
Duración - 106 min.
País - España
Director - Alejandro Amenábar
Guión - Alejandro Amenábar
Música - Roque Baños
Fotografía - Daniel Aranyó
Montaje - Carolina Martínez Urbina
Producción - Alejandro Amenábar, Fernando Bovaira y Christina Piovesan
Productora - Coproducción España-Canadá; MOD / Himenóptero / First Generation Films / Telecinco Cinema
Género - Intriga, Thriller, Terror
Reparto - Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Aaron Ashmore, Devon Bostick, Dale Dickey, Aaron Abrams, Adam Butcher, David Dencik, Kristian Bruun, Matija Matovic Mondi, Janet Porter, Goran Stjepanovic

Alejandro Amenábar escribe y dirige el que es su sexto largometraje tras seis largos años de espera, titulado Regresión. Un thriller de una factura irregular y un guión bastante flojo, que consigue mantener la atención y el desasosiego del espectador a ratos, pero que no se destaca precisamente por dejar huella, algo a lo que el realizador hispano-chileno no nos tiene acostumbrados. En su reparto destaca el trabajo de Ethan Hawke, que lleva el peso del film de principio a fin como buenamente puede, acompañado por una Emma Watson que personalmente no acaba de convencerme. Muy por debajo del nivel habitual del realizador.

Sinopsis: La joven Angela (Emma Watson) permanece a salvo en una parroquia tras escapar de casa y acusar a su padre, John Gray (David Dencik), de crímenes de los que no se atreve ni a hablar. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) se hace cargo de la investigación, pero tras la inesperada confesión del padre, que además afirma no recordar lo sucedido, el prestigioso psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorporará a la investigación para intentar ayudar a John a recordar lo sucedido, mediante una técnica llamada Regresión, con la que pretende que afloren sus recuerdos reprimidos.

El director: Alejandro Fernando Amenábar Cantos es un director de cine, guionista y compositor hispano-chileno nacido en Santiago de Chile, el 31 de marzo de 1972. Compositor de las bandas sonoras de sus propios trabajos y de otros como La lengua de las mariposas, dirigida por José Luis Cuerda y Nadie conoce a nadie, dirigida por Mateo Gil, realizó cuatro cortometrajes entre 1991 y 1995, que tendrían mucho que decir en su obra posterior. Su primer largometraje fue la Tesis (1996), por la que obtuvo siete premios Goya, incluidos el de mejor película y mejor director novel. Con Abre los ojos (1997) consiguió un notable éxito de crítica en festivales internacionales como los de Berlín o Tokio. Tom Cruise adquirió los derechos de adaptación, produjo y protagonizó su remake, titulado Vanilla Sky (2001). Con Los otros (2001), protagonizada por Nicole Kidman, consiguió ocho premios Goya, incluidos el de mejor película y mejor director, además de ser candidata al Premio de la Academia de Cine Europeo a la mejor película. Los éxitos continuaron con Mar adentro (2004), protagonizada por Javier Bardem, con la que ganó 14 Goyas, incluidos el de mejor película y mejor director, y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Por último realizó Ágora (2009), con la que ganó 7 Premios Goya. Con un presupuesto de 50 millones de euros, es la película española más cara de la historia.

La película: Ganas, muchas ganas había por ver que era lo que en esta ocasión era capaz de regalarnos el bueno de Alejandro Amenábar. Tras seis años desde el estreno de su último trabajo, los aficionados se preguntaban como conseguiría sorprendernos en esta ocasión, expectativas que incluso llegaron a crecer cuando se supo que tras dos magníficos dramas podía volver a crear un trabajo en sintonía con los primeros de su filmografía, donde el thriller y el terror estaban siempre presentes. El resultado me ha decepcionado bastante, algo que me veía venir al ir conociendo detalles de la que por entonces sería su próxima película, pero que no imaginaba que llegase a ser tan radical como ha sido.

Estamos de acuerdo en que resulta extremadamente difícil mantener el nivel al que el brillante realizador nos tiene acostumbrados, que un trabajo te pueda gustar mas o menos, según el gusto de cada espectador, pero lo que no se puede negar es que este trabajo baja en varios puntos en casi todos los apartados con respecto al resto de su filmografía. Para comenzar, su guión dista mucho de llegar al aprobado. Sus diálogos son torpes e insulsos en muchas ocasiones, ciertas situaciones que describe resultan rocambolescas y sus personajes no acaban de calar en el espectador. Para colmo, tiene lo peor que puede tener un guión basado en hechos reales, que en ningún momento parece algo real.

Taxi Teherán - Jafar Panahi (2015)

Título original - Taxi
Año - 2015
Duración - 82 min.
País - Irán
Director - Jafar Panahi
Guión - Jafar Panahi
Fotografía - Jafar Panahi
Montaje - Jafar Panahi
Producción - Jafar Panahi
Reparto - Jafar Panahi junto a un grupo de actores y actrices no profesionales
Productora - Jafar Panahi Film Productions
Género - Documental, Drama (Falso documental)

Varios años han pasado ya desde que al bueno de Jafar Panahi se le prohibiera hacer cine y salir de su Irán natal, pero como el mismo dice “Soy un cineasta. No sé hacer otra cosa más que hacer películas. Nada puede impedírmelo. Y cuanto más me han empujado a los rincones más alejados, más he conectado con mi interior. El cine como arte se ha convertido en mi principal preocupación. Y seguiré haciendo películas para sentirme vivo”. Desde entonces ha realizado Esto no es una película (2011), Telón cerrado (2013) y la que hoy nos ocupa, trabajos que engrandecen a este arte y lo convierten en una ventana a un país totalmente desconocido para la mayoría de los occidentales. Si como él amas el cine, deberías disfrutarla.

Sinopsis: En esta ocasión Jafar Panahi se coloca a los mandos de un Taxi en la ciudad de Teherán, por el que irán pasando personajes característicos que representan a la población de su país, hombres y mujeres de todo tipo y diferentes niveles sociales que contribuyen a que podamos formarnos una idea de como es la sociedad en la que viven. Un canto a la libertad a través de una película en la que se omite el nombre de los componentes de su reparto para salvaguardar su seguridad.

El director: Jafar Panahi es un director de cine nacido en Mianeh, Irán, el 11 de julio de 1960. Considerado como uno de los más influyentes de la llamada nueva ola iraní, tenía solo diez años cuando escribió su primer libro, con el que ganó un concurso literario, mientras que comenzaba a interesarse por el cine, rodando un par de películas en 8 mm. Tras ello se dedicó a la fotografía y rodó un documental sobre sus experiencias durante la guerra de Irán-Iraq (1980-88), durante la que realizó el servicio militar.

Tras estudiar dirección en la Facultad de Cine y Televisión de la Universidad de Teherán, comenzó rodando varias películas para televisión y trabajó como ayudante del director Abbas Kiarostami en la película A través de los olivos (1994). El primer largometraje de Jafar Panahi como director fue El globo blanco (1995) que ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes. El segundo, El espejo (Ayneh) (1997) fue premiado con el Leopardo de Oro en el Festival Internacional de Cine de Locarno. Tras ella dirigió El círculo (Dayereh) (2000), con la que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y el premio de la FIPRESCI en el Festival Internacional de cine de San Sebastián.

Con Sangre y oro (2003) se alzó con la Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid y el premio del jurado de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes; con Offside (Fuera de juego) (2005) ganó el Oso de Plata en el Festival de cine de Berlín. El mismo año que realizó el cortometraje The Accordion (2010), pasó 88 días en la cárcel hasta que la presión internacional logró su liberación, aunque esta no pudo evitar la condena de 20 años de inhabilitación para hacer cine, dar entrevistas o salir de Irán. Su delito, “actuar contra la seguridad nacional y hacer propaganda contra el Estado”. A pesar de todo, Jafar Panahi continua luchando por la libertad de su pueblo y denunciando las condiciones en la que vive, sobre todo por los de las mujeres, protagonistas habituales de su trabajo, de la mejor manera que sabe, haciendo cine que se estrena fuera de su país y es visto dentro de el en copias piratas.

Bone Tomahawk - S. Craig Zahler (2015)

Título original - Bone Tomahawk
Año - 2015
Duración - 133 min.
País - Estados Unidos
Director - S. Craig Zahler
Guión - S. Craig Zahler
Música - Jeff Herriott y S. Craig Zahler
Fotografía - Benji Bakshi
Montaje - Greg D'Auria y Fred Raskin
Producción - Jack Heller y Dallas Sonnier
Productora - Caliber Media Company / The Fyzz Facility / Realmbuilder Productions
Género - Western, Aventuras, Terror
Reparto - Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons, Richard Jenkins, Sean Young, David Arquette, Kathryn Morris, Sid Haig, Geno Segers, Michael Paré, Jamie Hector

S. Craig Zahler escribe el guión y dirige esta agradable sorpresa que me ha hecho pasar dos horas largas de buen cine. Un producto tremendamente original, en el que se combinan con acierto varios géneros que en principio pueden parecer muy distantes entre si, pero que en las manos del polifacético realizador estadounidense, que por cierto debuta en la dirección, parecen estar hechos para coexistir. La presencia del genial Kurt Russell, bien arropado por Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons y Richard Jenkin, ponen el resto para hacer de este un producto muy recomendable que no deberían perderse.

Sinopsis: Bright Hope es un pequeño pueblo al que una noche llega un forastero llamado Purvis (David Arquette) que llama la atención del Sheriff Franklin Hunt (Kurt Russell) y de uno de sus ayudantes Chicory (Richard Jenkins). Al tratar de arrestarlo en la cantina, Purvis resulta herido, por lo que es trasladado a una celda, donde pasará la noche junto a Samantha O'Dwyer (Lili Simmons), que se encargará de sacarle la bala y Nick (Evan Jonigkeit), otro de los ayudantes del sheriff. Al amanecer, la oficina del sheriff aparece desierta, por lo que este, junto a un pequeño grupo de hombres, tendrán que salir en busca de la mujer y el ayudante, con la única pista de una flecha que encuentran clavada junto a la celda.

El director: S. Craig Zahler es un escritor, guionista, compositor, músico, director y director de fotografía estadounidense nacido en Miami, Florida, el 23 de enero de 1973. Estamos ante un artista realmente polifacético, como escritor de novelas de gran éxito en varios géneros distintos, incluyendo del oeste, criminales y de ciencia ficción; como músico actúa como batería, letrista y cantante en la banda Realmbuilder, etc. En el mundo del cine ha ejercido de guionista en The Incident (2011) y en la que hoy nos ocupa; como director de fotografía ha trabajado en el corto Warsaw Story (1996) y los largometrajes August Roads (1995) y Lucia's Dream (1997). En Bone Tomahawk debuta como director, además de escribir su guión, por lo que habrá que seguir de cerca sus pasos, dado el excelente resultado aquí conseguido.

La película: En 1999, la realizadora Antonia Bird sorprendía al gran público al estrenar Ravenous, de la que os hablamos en este enlace. Se trata de un trabajo que mezcla acertadamente western y terror, algo nunca visto hasta la fecha, al menos por un servidor, que la realizadora utilizó para entregarnos una película de esas que dejan huella por largo tiempo. Bone Tomahawk poco tiene que ver con ella, aunque si que hay que decir que utiliza una mezcla de géneros similar, obteniendo resultado incluso mejores que su antecesora. El otro nexo de unión entre ambas es el motivo por el que el espectador intentará agarrarse a su butaca con todas sus fuerzas, el canibalismo.

Bone Tomahawk es un trabajo impactante desde su primera escena, que sirve como pequeño avance de lo que mas tarde nos espera. Tras ella asistimos a un periodo en el que conoceremos a sus principales personajes, excelentemente desarrollados con unas pocas pinceladas que nos harán ver quien y como es cada uno de ellos, introduciéndonos en la historia poco a poco. Este es uno de los puntos fuertes del guión escrito por S. Craig Zahler, que utiliza su amplia experiencia como escritor para firmar un libreto realmente completo, capaz de llevarnos por la historia que cuenta con una suavidad digna de elogio, apoyándose en sus magníficos personajes y en una apariencia de lo mas real, pocas veces vista en un western.

Frances - Graeme Clifford (1982)

Título original - Frances
Año - 1982
Duración - 134 min.
País - Estados Unidos
Director - Graeme Clifford
Guión - Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore
Música - John Barry
Fotografía - Laszlo Kovacs
Montaje - John Wright
Producción - Jonathan Sanger
Productora - Universal Pictures / Brooksfilms / EMI Films
Género - Drama
Reparto - Jessica Lange, Sam Shepard, Kim Stanley, Bart Burns, Jeffrey DeMunn, James Karen, Christopher Pennock, Kevin Costner, Anjelica Huston

Graeme Clifford fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore, en el que se nos cuenta gran parte de la vida de la desdichada actriz Frances Farmer. Un trabajo que merece la pena ser visto y refleja con incierta similitud a la realidad la vida de la artista, ya que sus creadores se toman alguna que otra licencia. En la película destaca el enorme dramatismo que desprende la historia y el magnífico trabajo de una Jessica Lange que borda su papel como "La chica mala de Seattle Oeste", por el que sería nominada a un Óscar.

Sinopsis: Frances Elena Farmer (Jessica Lange) es una adolescente rebelde con un enorme talento que vive en Seattle junto a sus padres. Tras ganar un viaje a la Unión Soviética por un controvertido ensayo llamado Dios Muere, su imagen en la comunidad deja mucho que desear, aunque esto no consigue hacerla desistir. Decidida a convertirse en actriz, se traslada a Hollywood donde rápidamente comienza a trabajar en la industria cinematográfica, pero su difícil carácter para la época en la que vivió y el poco interés que en ella despertaban los papeles para los que era elegida, la hacen mudarse a Nueva York para continuar haciendo teatro en el Group Theatre, de la mano del escritor Clifford Odets (Jeffrey DeMunn). Allí comenzará su progresivo declive, que acabará convirtiendo su vida en un auténtico calvario.

El director: Graeme Clifford es un director de cine australiano nacido en Sydney, Australia, en 1942. Después de trabajar varios años como editor, su carrera como director ha transcurrido principalmente en televisión, habiendo dirigido solo cuatro películas de cine: Burke & Wills (1985), con Jack Thompson y Nigel Havers como protagonistas, Al filo del abismo (1988), con nombres como Christian Slater, Steven Bauer o Richard Herd en su reparto y Ruby Cairo (1992), con la participación de Andie MacDowell, Liam Neeson y Viggo Mortensen, entre otros, además de la que hoy nos ocupa, su mejor película para mi. En televisión ha participado en multitud de series y telefilms como Los nuevos vengadores (1976), Cuentos de las estrellas (1982), El último Don I (1997) y II (1998), El último testigo (1999), Los Thornton (2003), El secreto del sótano (2004) o El guión de mi vida (2007), entre otras.

La película: La vida de la actriz Frances Farmer es una de las que mas páginas se han escrito en la historia del cine, ya que llama enormemente la atención como alguien que podía haberlo tenido todo pasó a tocar fondo de la noche a la mañana, algo que en la época fue noticia durante mucho tiempo y ocupó multitud de portadas. Con el paso del tiempo, por razones que ahora explicaré, dicha historia ha sufrido la inclusión de ciertos detalles que jamás han podido ser corroborar, pero que han pasado a formar parte de la leyenda de esta desdichada actriz de forma inexorable. Algunos de esos detalles fueron incluidos en este trabajo, por lo que hemos de verlo como lo que es, un producto de ficción basado en la vida de Frances y no un documental biográfico, que distan mucho de ser lo mismo.

Con esto no quiero decir que estemos ante una mala película o que no merezca la pena disfrutarla, algo que yo les animo a que hagan, ya que merece la pena sin ningún género de dudas, sino que hemos de tener en cuenta que ciertos aspectos están un tanto dramatizados para que el resultado final diese mas juego. Pero para ser justos, esto no es algo que comenzara a la hora de hacer este trabajo, ya que en la autobiografía que escribió la propia actriz junto a Lois Kibbee, titulada Will There Really Be A Morning, que fue publicada dos años después de su muerte, ya se exageraron ciertos aspectos de la vida de la actriz para hacerla mas comercial, como confirmaron posteriormente la propia Lois Kibbee, coautora de las memorias y Jean Ratcliffe, ambas amigas de la actriz.

Primeras imágenes de 'Oro', el nuevo proyecto de Díaz Yanes

El nuevo trabajo de Agustín Díaz Yanes estará basado en un relato corto del novelista de gran éxito de ventas Arturo Pérez-Reverte. El equipo de la película ya está embarcado en el rodaje de esta aventura de época inspirada en la expedición de los conquistadores españoles del siglo XVI Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, que sigue su épica expedición por la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se cree, está hecha completamente de oro. El rodaje, que actualmente se encuentra en Canarias, transcurrirá también entre Andalucía, Panamá y Madrid.

El extraordinario reparto de Oro está formado por Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Oscar Jaenada, José Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrudix, Diego París, Ana Castillo, Juan Carlos Aduviri y la colaboración especial de Juan Diego.

Oro reúne al director ganador de dos Goyas Díaz Yanes (guión original y dirección novel por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto) con el autor superventas Pérez-Reverte, cuya obra se ha traducido a más de 40 idiomas y ha vendido más de 15 millones de ejemplares. Yanes y Reverte colaboraron por última vez en el gran éxito de taquilla  Alatriste, protagonizado por Viggo Mortensen.

La película es una producción de Apache Films, Atresmedia Cine, Telefónica Studios y Sony Pictures España. Sony Pictures además se encargará de su distribución en España, Latinoamérica y los Estados Unidos.

Happy Valley - Euros Lyn, Tim Fywell y Sally Wainwright (2014)

Título original - Happy Valley
Año - 2014
Duración - 58 min.
País - Reino Unido
Director - Euros Lyn, Tim Fywell y Sally Wainwright
Guión - Sally Wainwright
Música - Ben Foster
Fotografía - Ivan Strasburg
Montaje - Richard Cox, Jamie Pearson y Emma Oxley
Producción - Karen Lewis
Productora - BBC One / Red Production Company
Género - Serie de TV, Drama
Reparto - Sarah Lancashire, Steve Pemberton, Siobhan Finneran, Shane Zaza, James Norton, Joe Armstrong, Rhys Connah, George Costigan, Charlie Murphy, Adam Long
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b042r1dj

Euros Lyn, Tim Fywell y Sally Wainwright son los directores encargados de llevar a la pequeña pantalla el guión de Sally Wainwright para BBC One. Un excelente drama policíaco que se acerca con objetividad a la vida en un pequeño valle de Yorkshire, centrando su atención en la sargento Catherine (Sarah Lancashire), de la que se muestra con gran acierto su vida personal y profesional, para crear una serie muy completa, adictiva y creíble. Un producto televisivo de enorme calidad, como nos tienen bien acostumbrados los británicos, que añade el drama humano a la intriga policial. Sencilla y brillante a partes iguales.

Sinopsis: Catherine (Sarah Lancashire) es una veterana sargento de policía que dirige a un pequeño grupo de agentes en un valle de West Yorkshire. Separada de su ex marido Richard Cawood (Derek Riddell), del que se divorció tras el suicidio de su hija, que fue incapaz de superar un abuso sexual, convive con su hermana Clare (Siobhan Finneran) y su nieto Ryan (Rhys Connah), fruto de la violación de su hija. Desgraciadamente, en el momento que Catherine parece volver a estabilizar su vida, recibe la noticia de la puesta en libertad de Tommy Lee Royce (James Norton), al que considera responsable de la agresión a su hija, aunque nunca lo pudo probar, por lo que los fantasmas del pasado vuelven a atormentarla de nuevo.

Los directores: Euros Lyn nació en 1971 en Gales. Es un director y productor de televisión que ha participado en series como Casualty, La chica del bus, Doctor Who, Torchwood, Sherlock, Black Mirror o Daredevil, entre otras. Tim Fywell es un director de cine y televisión nacido en 1951 en Fulham, Londres. Ha participado en multitud de productos como Volver al pasado, Cracker, Norma Jean y Marilyn, Madame Bovary, Mistresses o Caso cerrado, entre otros. Por último, Sally Wainwright es una guionista de televisión y autora teatral nacida en Huddersfield, Yorkshire, en 1964. Ha debutado como directora en Happy Valley, pero anteriormente participó como guionista  en  productos como Revelations, Coronation Street, Playing the Field, La chica del bus o Unforgiven, entre otros.

La serie: Creo que basta con mirar las diferentes portadas de esta magnífica serie para saber que estamos ante un producto que dista mucho de ser una serie policíaca convencional, principalmente porque aquí no encontraremos superpolicías que son capaces de sobrevivir a casi todo, rebuscadas intrigas que busquen sorprender al espectador por encima de todo o mentes criminales inalcanzables. La principal característica de Happy Valley es la cercanía que en ella se respira a lo que es la realidad actual, al menos en el continente europeo, además de centrar su historia en la parte dramática casi mas que en la policial, aunque sin dejar esta segunda de lado en ningún momento. Sus personajes son muy parecidos a algunas de las personas que seguro conoceréis, con sus virtudes y sus defectos, sus aciertos y sus fallos, su eterna condición de seres humanos, por encima de todo.

Es quizás por todo ello por lo que uno comienza a verla un tanto a la expectativa, conociendo poco a poco a unos personajes que parecen demasiado comunes para resultar interesantes y sin saber si la cosa va a derivar hacia algo parecido a un telefilm de baja calidad, cuya principal virtud es empujar al espectador a conciliar el sueño a mediodía. Dicha sensación tarda muy poco en desaparecer, menos de lo que dura un capítulo, para después descubrir que el producto coge forma poco a poco y gana en interés a una velocidad elevada. Su principal protagonista es el mejor ejemplo de ello, una mujer madura con un pasado tormentoso que lucha por recuperar la normalidad en su vida mientras recorre las calles luchando contra la escoria habitual que rompe la tranquilidad de estas. Tan común en un principio, que sorprende mas y mas a la vez que va aumentando el interés del espectador.

Los III Premios de Cine “Blogos de Oro” 2016 eligen lo mejor del año

Más de 200 medios digitales entre blogueros, podcasters y youtubers elegirán libremente lo mejor del año en cine. La ceremonia online tendrá lugar el próximo domingo 20 de marzo a partir de las 17:00. Las nominaciones se darán a conocer el 9 de marzo a las 11:00. A diferencia de otros premios cinematográficos los #BlogosDeOro tienen una entrega de premios que se desarrolla en #Twitter sin presencia física de sus participantes.

La tercera edición de los “Blogos De Oro”, organizados por la "Asocación Premios de Cine Blogos de Oro", se celebrará el domingo 20 de Marzo a las 17:00 aunque previamente el 9 de marzo se darán a conocer sus nominaciones. A diferencia de otros premios cinematográficos la gala de los “Blogos De Oro”, es totalmente online y se celebra cada año en el hashtag de Twitter #BlogosDeOro, y donde cualquier usuario de Twitter puede participar comentando la gala o interactuando con los presentadores y medios participantes. Durante la gala se entregan virtualmente los diferentes premios.

En la primera edición los premios contaron con Daniel Sánchez Arévalo como maestro de ceremonias, y en la pasada edición con el director Álex de la Iglesia. Este año varios cineastas españoles también participarán en una gala virtual a la que todo el mundo está invitado. En la ceremonia pasada los premios congregaron la participación de más de 120 webs y blogs de cine, que eligieron lo mejor del 2014, y el HT#BlogosDeOro fue trending topic número uno durante la tarde en la que se celebraron los premios. Este año con la incorporación de youtubers y podcasters el jurado se ha incrementado notoriamente dando paso a la legalización de la asociación que pasa a denominarse: "Asociación Premios de Cine Blogos de Oro".

En esta edición los “Blogos De Oro” darán un paso más, premiando a las películas “verdaderamente independientes”, con apoyo en su difusión y con su estreno o reestreno en salas de cine. Se trata de dos premios muy especiales, fruto de la colaboración con la iniciativa Baratometrajes 2.0 y la distribuidora #ConUnPack, a los que optarán los largometrajes españoles independientes del año presentados en la categoría. En esta primera edición han sido 15 los largometrajes entre documentales y ficción presentados por sus productores.

Los “Blogos De Oro” cuentan como patrocinador Fco. Javier Gutiérrez oficial con Estrella Damm, y la colaboración de Cinesa, , Filmin, LEGO Tinkle y la distribuidora #ConUnPack.

En la dirección blogosdeoro.com tenéis toda la información relativa a los premios con las bases, el palmarés, resúmenes de galas, lista de blogs jurado, actividades, etc. La suerte está echada

Historia de un oso - Gabriel Osorio Vargas (2014)

Título original - Historia de un oso (Bear Story)
Año - 2014
Duración - 11 min.
País - Chile
Director - Gabriel Osorio Vargas
Guión - Daniel Castro, Gabriel Osorio Vargas
Fotografía - Animation
Montaje - Patricio Escala
Producción - Patricio Escala
Reparto - Animation
Productora - Punkrobot Studio / Punkrobot Animation Studio
Género - Animación, Drama, Cortometraje

Historia de un oso (Bear Story) es un cortometraje animado de 2014, dirigido por Gabriel Osorio Vargas, escrito por Daniel Castro junto al realizador y producido por Patricio Escala, que se encarga también del montaje. Acaba de recibir el preciado galardón en la categoría de Mejor cortometraje animado en la 88.ª edición de los Premios Óscar, siendo la primera y única producción chilena en obtener uno, la segunda en ser nominada, tras el largometraje No,5 y la única latinoamericana en ser nominada en la historia de la categoría.

Sus creadores utilizan la historia de un solitario oso que recorre a diario la ciudad con un teatro de marionetas, con el que cuenta la historia de su familia hasta el fatal día en que fueron separados de el por los dueños de un circo para realizar una llamada de atención a la vida destrozada de tantos y tantos presos políticos que tienen que abandonar su hogar y sus seres queridos para poder sobrevivir.

Concretamente, está inspirado en la historia del abuelo del director, Leopoldo Osorio, quien tras el golpe de Estado de 1973 fue encarcelado durante dos años, tras los que no tuvo mas remedio que viajar a México y posteriormente refugiarse en el Reino Unido, donde acabó formando una nueva familia. Queda claro por lo tanto que no estamos ante un trabajo para niños, principalmente por la tristeza que destila tras su magnífico acabado. Para su realización se han utilizado 4 clases de animación: por ordenador, 2D, 3D y stop motion.
Solo nos queda felicitar desde aquí a los premiados y al pueblo chileno en general, por conseguir algo nunca visto en su país, un Óscar de la academia.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube

Arsénico por compasión - Frank Capra (1944)

Título original - Arsenic and Old Lace
Año - 1944
Duración - 118 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Capra
Guión - Julius J. Epstein y Philip G. Epstein, basado en la obra de teatro homónima de Joseph Kesselring
Música - Max Steiner
Fotografía - Sol Polito
Montaje - Daniel Mandell
Producción - Frank Capra y Jack L. Warner
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Comedia
Reparto - Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson, Edward Everett Horton

Julius J. Epstein y Philip G. Epstein adaptaron la obra de teatro homónima de Joseph Kesselring, Sol Polito se encargó de la fotografía, Max Steiner de la banda sonora y Frank Capra de la soberbia dirección de un reparto para el recuerdo, encabezado por un brillante Cary Grant. El resultado es Arsenic and Old Lace (Arsénico por compasión en España), una maravillosa comedia negra de la que el propio Grant comentó en mas de una ocasión que fue el papel donde más disfrutó. Y si el disfrutó, no veo motivo para que no lo hagan ustedes. Una delicia que conserva su frescura a pesar de tener ya mas de 70 años.

Sinopsis: Mortimer Brewster (Cary Grant) es un periodista famoso y controvertido por sus artículos en contra del matrimonio, que tras luchar con todas sus fuerzas cae enamorado de la hermosa Elaine Harper (Priscilla Lane), con la que se casa en secreto. Antes de partir de luna de miel decide visitar a sus adorables tías Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair), con las que vive el hermano de Mortimer, Teddy (John Alexander), un simpático pero molesto enfermo mental que cree que es Theodore Roosevelt, para contarles la buena nueva. Lo que no imagina es que durante la visita descubrirá que las encantadoras viejecitas tienen una manera muy peculiar de practicar la caridad.

El director: Frank Capra fue un director de cine estadounidense de origen italiano nacido en Bisacquino, Sicilia, el 18 de mayo de 1897, ganador de tres premios Óscar como Mejor Director. Capra comenzó su carrera en el cine mudo, destacando como director y guionista de comedias protagonizadas por Harry Langdon y sus chicos. Destacaremos varios títulos de su magnífica filmografía: La mujer milagro (1931), La jaula de oro (1931), La amargura del general Yen (1933), Dama por un día (1933), Sucedió una noche (1934), El secreto de vivir (1936), Vive como quieras (1938), Caballero sin espada (1939), Juan Nadie (1941), Qué bello es vivir (1946), El estado de la Unión (1948), de la que os hablamos en este artículo, Aquí viene el novio (1951) o Un gángster para un milagro (1961), aunque me dejo muchas y muy buenas en el tintero. Frank Capra murió en La Quinta (California), a la edad de 94 años.

La película: Esta es una de esas ocasiones en la historia de este arte en las que parecen confabularse todos los astros del universo para que la cosa acabe como hoy día la conocemos, pudiendo haber sido muy, muy diferente. Para empezar hay que comentar que el realizador Frank Capra pensó en un inicio en Bob Hope para el papel de Mortimer Brewster, pero este no se pudo liberar de su contrato con la Paramount. Tras ello lo intentó con idéntica suerte con Jack Benny y Ronald Reagan, antes de decidirse por Cary Grant. Bendita providencia. Josephine Hull, Jean Adair (las hermanas Brewster) y John Alexander (Teddy Roosevelt), repitieron los papeles que tenían en la obra teatral, pero Boris Karloff, que en la obra de teatro interpretaba a Jonathan Brewster siendo uno de los grandes reclamos de esta, no consiguió el permiso necesario para interpretarlo en las 8 semanas que duró el rodaje, por lo que fue sustituido por Raymond Massey.

De lo que no les debe caber ninguna duda es de que el resultado final es difícilmente mejorable, ya que estamos ante una de las grandes comedias de todos los tiempos, una de esas a las que los años la hacen variar a los ojos de los espectadores que la presencian, pero que a la vez tienen la capacidad de conservar su frescura y su vigencia, por lo que continúa haciendo las delicias de quien decide dedicarle las casi 2 horas que dura. Cierto es que a día de hoy con los adelantos que tenemos y el constante bombardeo en cine y televisión, pocas cosas hay que uno no haya visto anteriormente, pero igualmente cierto es que con tener los ingredientes y la receta de un gran plato no es suficiente para saber prepararlo de forma ideal, por lo que creo que hay que disfrutar con doble admiración, ya que tiene mas de 70 años ya.