Retorno al pasado (Out of the Past) - Jacques Tourneur (1947)

Título original - Out of the Past

Año - 1947

Duración - 97 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Jacques Tourneur

Guion - Daniel Mainwaring, que adapta su propia novela de 1946 Build My Gallows High

Música - Roy Webb

Fotografía - Nicholas Musuraca

Montaje - Samuel E. Beetley

Vestuario - Edward Stevenson

Producción - Warren Duff

Productora - RKO Radio Pictures

Reparto - Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming, Richard Webb, Steve Brodie, Virginia Huston, Paul Valentine, Ken Niles, Dickie Moore

Género - Cine negro, Intriga / Crimen, Película de culto

Jacques Tourneur fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guion con el que Daniel Mainwaring adaptó su novela Build My Gallows High, de 1946. Un trabajo inolvidable que ocupa un lugar de honor entre los mejores del film noir, donde destacan la fotografía de Nicholas Musuraca, el montaje de Samuel E. Beetley, la banda sonora de Roy Webb y el magnífico trabajo de Robert Mitchum, Kirk Douglas, Rhonda Fleming o Richard Webb, pero sobre todo el de Jane Greer, como una de las mejores femmes fatales que un servidor recuerda. Imprescindible.

Sinopsis - Jeff Bailey (Robert Mitchum), un antiguo detective, posee una gasolinera en un pequeño pueblo, donde lleva una vida tranquila y sencilla. Sus amores son la pesca y una joven con la que quiere casarse. Inesperadamente, recibe la visita de un viejo conocido que le anuncia que el jefe quiere verlo. Bailey se ve entonces obligado a contarle a su novia su turbio pasado.

El director - Jacques Tourneur fue un director de cine franco-estadounidense nacido en París, el 12 de noviembre de 1904. Comenzó una carrera en el cine mientras todavía asistía a la escuela secundaria como extra y más tarde como empleado de guiones en varias películas mudas. De joven, se fue a vivir a Nueva York y más tarde se trasladó a Hollywood, siempre junto a su padre, el también director Maurice Tourneur. Tanto Maurice como Jacques regresaron a Francia después de que su padre trabajara en la película The Mysterious Island en 1925.

Fue uno de esos directores atípicos dentro del mundo del cine, al que este le debe mucho mas de lo que la mayoría pueda imaginar.  Se hizo un nombre en el cine tras la realización de tres películas de terror, junto con el productor Val Lewton en RKO Pictures, durante los años 40: La mujer pantera (1942), que ya comentamos en esta entrada, Yo anduve con un zombie (1943), de la que os hablamos en este artículo, y El hombre leopardo (1943). Os recomiendo el visionado de cualquiera de ellas, descubriréis un director con un talento excepcional.

A partir de ahí experimentó en casi todos los géneros cinematográficos, realizando intriga, drama, cine bélico, western, cine negro, aventuras, romántico... con mayor o menor éxito de crítica o público, pero con una calidad incuestionable en su trabajo. Algunos ejemplos: Días de gloria (1944), Retorno al pasado (1947), El halcón y la flecha (1950) o La mujer pirata (1951). La lista es interminable, ya que era capaz de realizar una o mas películas al año. 

No fue hasta 1957, cuando regresó al género del terror realizando La noche del demonio, una cinta de serie B en la que mezcla terror, fantasía e intriga para adentrarse en el mundo de las sectas. Sería esta su última aportación al género y resulta igualmente recomendable que las anteriormente señaladas. Aún le quedó tiempo para rodar algunos capítulos de series como La dimensión desconocida, Aventuras en el paraíso o Bonanza antes de retirarse de la dirección a finales de los años 60. Siempre destacó por su increíble habilidad para sacar un enorme partido a los bajos presupuestos con lo que contaba. Falleció en Bergerac, Francia, el 19 de diciembre de 1977.

La película - Poco después de finalizar la segunda guerra mundial, la RKO Pictures decidió apartarse un poco de la serie B que casi siempre la caracterizaba y entregar un presupuesto algo mas holgado a un Jacques Tourneur que les había demostrado en varias ocasiones de lo que era capaz de hacer tras las cámaras, aun sin disponer de el. El cine negro estaba en pleno auge y el realizador de origen parisino ideó un producto capaz de, no solo utilizar sus principales características, sino de enriquecerlas, complementarlas y dejar su impronta en el género con este completísimo e inolvidable trabajo del que hoy os he querido hablar. Los años pasan ante nuestros ojos, pero trabajos como Out of the Past consiguen mantener gran parte de su fuerza y su vigor, manteniendo al espectador inmóvil ante tal derroche de talento, como ya quisieran conseguir multitud de trabajos actuales.

Comanchería (Hell or High Water) - David Mackenzie (2016)

Título original - Hell or High Water

Año - 2016

Duración - 102 min.

País - Estados Unidos

Dirección - David Mackenzie

Guion - Taylor Sheridan

Música - Nick Cave y Warren Ellis

Fotografía - Giles Nuttgens

Montaje - Jake Roberts

Producción - Sidney Kimmel, Peter Berg, Carla Hacken, Julie Yorn, Gigi Pritzker, Rachel Shane y Braden Aftergood

Productora - CBS Films, Sidney Kimmel, Odd Lot Entertainment, Film 44, LBI Entertainment

Reparto - Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey, Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez, Amber Midthunder, Dylan Kenin, Alma Sisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales, Terry Dale Parks, Debrianna Mansini, John-Paul Howard

Género - Thriller, Western, Drama, Acción / Robos & Atracos, Crimen, Policíaca, Buddy Film, Cine independiente, Familia, Crisis económica 2008

David Mackenzie fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Taylor Sheridan, titulado Hell or High Water. Una mezcla de drama y thriller, en un homenaje al western que esconde una profunda crítica social. Destacar la fotografía de Giles Nuttgens, la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis, y la interpretación de su cuarteto protagonista, en un trabajo en el que existe violencia, pero no es precisamente la protagonista, y el que la atmósfera fatalista sustituye a la épica. Una película con alma propia que merece la pena disfrutar.

Sinopsis - Toby (Chris Pine), un joven padre divorciado, y su impulsivo hermano Tanner (Ben Foster), un expresidiario recién salido de la cárcel, se dirigen al Oeste de Texas para realizar una serie de robos en unas pocas sucursales bancarias. El objetivo de Toby es intentar poder conseguir el dinero suficiente como para poder salvar la granja familiar, que está en peligro. Nada más cometer el primer robo, un veterano Ranger de Texas (Jeff Bridges) y su compañero (Gil Birmingham) irán tras la pista de los hermanos.

El director - David Mackenzie es un director de cine escocés nacido en Corbridge, el 10 de mayo de 1966, cofundador de Sigma Films. Después de estudiar en Duncan de Jordanstone Universidad de Arte y Diseño en Dundee, Mackenzie empezó a dirigir cortos: Diamantes Sucios (1994), Sol de California (1997), Voltereta (1999) y Marcie Dote (2000).

Su primer largometraje fue The Last Great Wilderness (2002), protagonizado por su hermano Alastair Mackenzie. Tras el dirigió Young Adam (2003), un thriller protagonizado por Ewan McGregor y Tilda Swinton. Su siguiente trabajo fue Obsesión (2015), un grama protagonizado por Natasha Richardson y Ian McKellen, tras el que llegaron Hallam Foe (2007), un drama romántico con Jamie Bell, Sophia Myles y Ciarán Hinds entre su reparto; el prescindible drama erótico American Playboy (Spread) (2009), con Ashton Kutcher y Anne Heche, la comedia romántica Rock'n Love (You Instead) (2011), con Luke Treadaway y Natalia Tena, y el drama romántico Perfect Sense (2011), con Ewan McGregor, Eva Green y Connie Nielsen.

Su siguiente trabajo fue el drama carcelario Convicto (Starred Up) (2013), con Jack O'Connell y Ben Mendelsohn. Tras ella dirigió su mejor película, una mezcla de thriller y western llamado Comanchería (2016), interpretado por Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster y Gil Birmingham. Tras dirigir varios episodios de la magnífica serie Damnation (2017), dirigió el drama de aventuras El rey proscrito (2018), con Chris Pine, Aaron Taylor-Johnson, Billy Howle y Florence Pugh. Su último trabajo ha sido el cortometraje Hecho en casa: Ferosa (2020), que dio lugar a la miniserie Hecho en casa (2020), una colección de 17 cortometrajes rodados en casas de varias ciudades del mundo durante la pandemia del COVID-19. 

La película - Pasan los años inexorables y el aroma a western continua ocupando un lugar destacado entre las preferencias de muchos aficionados al cine, a pesar de haber tenido que sobrevivir a momentos en los que parecía más cercano a su defunción que a un nuevo periodo de gloria. Quizás fruto de ello, el conocido como western crepuscular se ha ido haciendo un hueco entre los nostálgicos de ese género que tan buenos momentos nos ha regalado, dejándonos de vez en cuando un trabajo como el que hoy nos disponemos a comentar, en el que aún podemos encontrar algunas de esas peculiaridades tan difíciles de encontrar en otros géneros. Comanchería (Hell or High Water) es una magnífica opción de disfrutar de todos estos alicientes en una historia que transcurre prácticamente en la actualidad.

Las diabólicas (Les diaboliques) - H.G. Clouzot (1955)

Título original - Les diaboliques
Año - 1955
Duración - 114 min.
País - Francia
Director - H.G. Clouzot
Guión - H.G. Clouzot, Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, basado en la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejec
Música - Georges Van Parys
Fotografía - Armand Thirard
Montaje - Carol Littleton
Producción - H.G. Clouzot y Marvin Worth
Productora - Vera Films
Género - Intriga, Thriller
Reparto - Simone Signoret, Véra Clouzot, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Thérèse Dorny, Georges Chamarat, Michel Serrault

Henri Georges Clouzot (en adelante H.G. Clouzot) fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por el mismo junto a Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, en el que adapta la novela Celle qui n'était plus de Pierre Boileau y Thomas Narcejec. Un excelente thriller psicológico filmado con pulso firme, en el que destaca la magnífica fotografía de Armand Thirard y la actuación de su trío protagonista: Paul Meurisse y sobre todo Simone Signoret y Véra Clouzot. Ocupa un lugar de privilegio en mi lista de las mejores películas francesas de todos los tiempos.

Sinopsis: Michel Delassalle (Paul Meurisse) es el director de un modesto internado en el que convive con Christina (Véra Clouzot), su sufrida esposa y dueña legítima del centro y Nicole Horner (Simone Signoret), una maestra con la que mantiene una relación a los ojos de su esposa. Entre ambas mujeres, antaño rivales por el amor de Michel, ha nacido una relación de amistad que, ante la insoportable situación, las hace decidir que han de hacer algo para no seguir aguantando los constantes maltratos y faltas de respeto que ambas sufren del arrogante y violento sujeto.

El director: H.G. Clouzot fue un director, guionista y productor de cine francés nacido en Niort, el 20 de noviembre de 1907. Con un cine a camino entre el cine clásico francés y la Nouvelle Vague, no fue un revolucionario del lenguaje cinematográfico, pero sí creó atmósferas opresivas y sórdidas en las que se movían sus personajes, habitualmente de instintos primarios y dudosa moral. Entre su filmografía podemos destacar varios títulos: El asesino vive en la 21 (1942), El Cuervo (1943), En legítima defensa (1947), Manon (1949), El salario del miedo (1953), de la que os hablamos en este artículo, Las Diabólicas (1955), El Misterio Picasso (1956), Los Espías (1957) o La Vérité (1960).

La película: El cine francés sigue siendo un gran desconocido para muchos aficionados al cine, que tras alguna que otra mala experiencia (como te toque una mala película echate a temblar) suelen ser muy rehaceos a repetir por temor a la enfermedad del sueño, pero en su rica historia podemos encontrar trabajos de una calidad difícilmente mejorable, trabajos como por ejemplo este al que hoy nos dedicamos. Se cuenta que el maestro Hichcock le tenía echado el ojo a la excelente novela de de Pierre Boileau y Thomas Narcejec, autores entre otras de la que dio lugar a la magistral Vértigo, pero el realizador H.G. Clouzot se le adelantó, comprando sus derechos, antes incluso de haber concluido el rodaje de El salario del miedo (1953). La verdad es que no me extraña, porque la historia le venía que ni pintada al bueno de Alfred y su maravillosa forma de ver el cine, pero me atrevería a afirmar sin temor a equivocarme, que el trabajo realizado por Clouzot hubiera sido firmado con gusto por el propio Hichcock, que ya es decir.

Lo cierto es que estamos ante una película que debería visionar detenidamente cualquier realizador actual que tuviese la intención de rodar un thriller, género muy utilizado en la actualidad, pero que en muchas ocasiones es realizado sin tener en cuenta las cualidades principales que ha de tener un trabajo del género: captar y mantener la atención del espectador, grandes dosis de suspense, la utilización de algunos giros en el guión capaces de sorprender, pero a la vez ser resultar creíbles y crear la atmósfera adecuada para ambientar correctamente la historia que se nos muestra. H.G. Clouzot lo consigue aquí con nota, firmando un trabajo realmente completo y muy brillante, que pasa ante nuestros ojos tan rápido como un tren de alta velocidad, señal de que nos ha enganchado desde un primer momento y no nos ha dejado ni un segundo de respiro.

Tarde para la ira - Raúl Arévalo (2016)

Título original - Tarde para la ira

Año - 2016

Duración - 89 min.

País - España 

Dirección - Raúl Arévalo

Guion - Raúl Arévalo, David Pulido

Música - Lucio Godoy y Vanessa Garde

Fotografía - Arnau Valls Colomer

Montaje - Ángel Hernández Zoido

Producción - Beatriz Bodegas y Sergio Díaz

Productora - La Canica Films, TVE

Reparto - Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez, Font García, Pilar Gómez, Chani Martín, Paco Benjumea, Berta Hernández, Alfonso Blanco, Ramiro Alonso, Inma Sancho, Chema Adeva, Juan Vinuesa, Chema del Barco

Género - Thriller / Venganza, Crimen

Raúl Arévalo escribe junto a David Pulido y dirige la película que supone su debut como director, llamada Tarde para la ira. Un thriller con aroma a western urbano con una factura impecable, en el que destaca la fotografía de Arnau Valls Colomer, el montaje de Ángel Hernández Zoido, la banda sonora de Lucio Godoy y Vanessa Garde, y las actuaciones de su trio protagonista, formado por Antonio de la Torre, Luis Callejo y Ruth Díaz. Cine de muchísimos quilates que merece la pena disfrutar y que poco o nada tiene que envidiar a productos similares con mucho mas presupuesto, ya sean españoles o no. Imprescindible. 

Sinopsis - Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco a una joyería. Era el conductor, y el único detenido por el robo. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su novia Ana y su hijo, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José.

El director - Raúl Arévalo Zorzo es un actor y director español nacido en Móstoles, Madrid, el 22 de noviembre de 1979. Comenzó su carrera como actor en la serie Compañeros, donde interpretó el papel de Carlos durante dos temporadas entre 2001 y 2002. Fue una oportunidad que le llegó cuando todavía no había terminado sus estudios de interpretación en la conocida escuela de Cristina Rota. Al año siguiente rueda su primera película a las órdenes de Joaquín Oristrell, Los abajo firmantes, junto a Javier Cámara, Fernando Guillén y Juan Diego Botto entre otros.

Su siguiente trabajo sería Cosas que hacen que la vida valga la pena (2004), de Manuel Gómez Pereira, junto a Ana Belén y José Sacristán. Entre 2003 y 2005 hizo personajes en episodios de varias series de éxito como Hospital Central, Cuéntame cómo pasó, Aída o Motivos personales. Iñaki Martikorena le dirigiría en 2005 en el cortometraje La luz de la primera estrella (2005), donde compartía protagonismo con la actriz Marta Aledo. En 2006 interpreta a Israel en la exitosa ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo, AzulOscuroCasiNegro, junto a Quim Gutiérrez, Marta Etura y Antonio de la Torre, entre otros, por la que ganó el Premio de la Unión de Actores al mejor actor revelación. Antonio Banderas lo eligió para ser uno de los protagonistas de su segunda película como director, El camino de los ingleses (2006), al lado de Fran Perea, Félix Gómez y Alberto Amarilla, entre otros.

Le siguió ¿Por qué se frotan las patitas? (Álvaro Begines, 2007), con Lola Herrera, Carlos Álvarez-Novoa y Antonio Dechent. También volvería a trabajar con Daniel Sánchez Arévalo, esta vez en un corto titulado Traumalogía, junto a Natalia Mateo, Jorge Monje, Héctor Colomé, Estíbaliz Gabilondo y Antonio de la Torre. Interviene en Siete mesas de billar francés (Gracia Querejeta, 2007), protagonizada por Maribel Verdú y Blanca Portillo, entre otros, y en Tocar el cielo (2007), de Marcos Carnevale, junto a Chete Lera y Verónica Echegui. Al año siguiente participa en 8 citas (Peris Romano y Rodrigo Sorogoyen, 2008), con Fernando Tejero, José Luis García Pérez, Adriana Ozores y Belén Rueda, y Los girasoles ciegos (José Luis Cuerda, 2008), junto a Maribel Verdú.

Su siguiente trabajo es Primos (Daniel Sánchez Arévalo, 2011), junto a Quim Gutiérrez y Adrián Lastra. De 2012 a 2014  participa en las series Con el culo al aire y Promoción fantasma. También ha participado en la magnífica La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014), junto a Javier Gutiérrez, Nerea Barros y Antonio de la Torre, y en Cien años de perdón (Daniel Calparsoro, 2016), junto a otros actores como Rodrigo de la Serna, José Coronado, Luis Tosar y Patricia Vico. Le siguió . Tras aparecer en 2016 en la serie La embajada, presentó su ópera prima cómo director Tarde para la Ira, en la Mostra de Venecia de 2016,​ protagonizada por Antonio de la Torre, ganando el Goya 2017 a Mejor Película y el de Mejor Director Novel. Coprotagoniza  la serie Antidisturbios (Rodrigo Sorogoyen, 2020). Sus últimos trabajos como actor han sido El lodo (2021), dirigida por Iñaki Sánchez Arrieta, junto a Paz Vega y Roberto Álamo, y Donde caben dos (2021), dirigida por Paco Caballero, con Ernesto Alterio, Luis Callejo y Anna Castillo.

La película - A día de hoy, son ya muy pocos los directores que siguen negándose a ser dominados por la tecnología digital y continúan utilizando el celuloide para filmar sus películas. El mundo del cine, como la vida en general, ha evolucionado a la par que lo hace la tecnología, simplificando y mejorando la calidad del trabajo, aunque perdiendo a la vez gran parte del romanticismo y el encanto que tenían los rodajes. Cuando Raúl Arévalo ideó y escribió junto a David Pulido el trabajo que hoy nos ocupa, supo que a lo que deseaba mostrar en pantalla le vendría de perlas esa estética tan particular que te da el celuloide, sobre todo si utilizas para rodar 16 mm y posteriormente se pasa a 35 mm, para su exhibición en salas de cine. La decisión no ha podido ser mas acertada, ya que con ella aumenta de forma increíble la autenticidad de una película que, ya de por si, derrocha naturalidad por los cuatro costados.

El amigo americano (The American Friend) - Wim Wenders (1977)

Título original - Der Amerikanische Freund (The American Friend)

Año - 1977

Duración - 121 min.

País - Alemania del Oeste (RFA)  

Dirección - Wim Wenders

Guion - Wim Wenders, basado en la novela El juego de Ripley, de Patricia Highsmith

Música - Jürgen Knieper

Fotografía - Robby Müller

Montaje - Peter Przygodda

Maquillaje - Evelyn Döhring y Hannelore Uhrmacher

Vestuario - Isolde Nist

Producción - Wim Wenders

Productora - Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia; Road Movies Filmproduktion, Les Films du Losange, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bavaria Film, Filmverlag der Autoren, Wim Wenders Productions

Reparto - Bruno Ganz, Dennis Hopper, Lisa Kreuzer, Gérard Blain, Andreas Dedecke, David Blue, Stefan Lennert, Rudolf Schündler, Heinz Joachim Klein, Rosemarie Heinikel, Nicholas Ray, Samuel Fuller, Lou Castel, Daniel Schmid, Sandy Whitelaw, Jean Eustache

Género - Thriller, Drama / Crimen, Neo-noir, Road Movie, Película de culto

Wim Wenders escribe, adaptando la novela El juego de Ripley de Patricia Highsmith, y dirige su particular homenaje al cine negro estadounidense, llamado El amigo americano. Con una mezcla de neo-noir y road movie, la eficaz fotografía de Robby Müller y el excelente trabajo de todo su reparto, con Bruno Ganz y Dennis Hopper a la cabeza, estamos ante uno de esos trabajos que tienen alma propia y unas señas de identidad bien definidas, que no suele dejar indiferente a ningún espectador. 

Sinopsis - El marchante americano Tom Ripley (Dennis Hopper) intenta poner a prueba la integridad de Jonatham Zimmermann (Bruno Ganz), un humilde fabricante de marcos que padece una enfermedad terminal. Ripley le presenta a un gánster que le ofrece mucho dinero a cambio de que trabaje para él como asesino a sueldo. En un principio rechaza la oferta, pero, al pensar en el precario futuro que espera a su mujer y a su hijo después de su muerte, comienza a replanteárselo.

El director - Wim Wenders es un guionista, productor, actor y director de cine alemán que ha realizado parte de su obra en los Estados Unidos. Nació en Düsseldorf, el 14 de agosto de 1945. Estudió parcialmente medicina y filosofía en la universidad de Brisgovia (estuvo a punto de convertirse en sacerdote), tras lo que estudió fotografía. En 1967 comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Múnich, que se abría ese mismo año.

De 1967 a 1970, Wenders frecuentó la Hochschule für Film und Fernsehen en Múnich, y ya en 1967 realizó su primer corto, Escenario. Al año siguiente hizo otros tres: El mismo jugador dispara de nuevo, Klappenfilm, dirigido junto a Gerhard Theuring y Victor I. Ese mismo año comienza a colaborar como crítico en Filmkrit y Suddeutsche Zeitung. Su primer largometraje fue Summer in the City (1970), tras el que rodó El miedo del portero ante el penalti (1972), sobre una novela de Peter Handke, con el que trabajará una y otra vez. Desde entonces hará una película al año.

Afianza su imagen con los siguientes tres trabajos: Alicia en las ciudades (1974), Falso movimiento (1975) y En el curso del tiempo (1975), pero es con El amigo americano (1977), basada en la novela El juego de Ripley de Patricia Highsmith, con la que es conocido internacionalmente, tras lo que se traslada parcialmente a los Estados Unidos, encadenando títulos experimentales como Relámpago sobre el agua (1980), El hombre de Chinatown (1982) y El estado de las cosas (1982) con historias intimistas como Paris, Texas (1984), El cielo sobre Berlín (1987) o su secuela ¡Tan lejos, tan cerca! (1993).

En su actividad mas reciente destacan sus documentales Buena Vista Social Club (1999), Martin Scorsese presenta the Blues - The Soul of a Man (2003), Invisibles (2007), Pina (2011) o La sal de la Tierra (2014). En cuanto a trabajos de ficción, su nivel no es el que era antaño, destacando entre ellos Tierra de abundancia (2004), 8 (Ocho) (2008),, Todo saldrá bien (2015), Los hermosos días de Aranjuez (2016), Inmersión (2017) y el documental El Papa Francisco, un hombre de palabra (2018), siendo este último el único de ellos que consigue un aprobado (6.4) en la web Filmaffinity.

La película - Tal como cuenta el propio Wim Wenders en unos comentarios que realiza junto a Dennis Hopper, incluidos en el DVD de la película, el realizador germano tenía mucho interés en trasladar a la gran pantalla una novela de la famosa novelista estadounidense Patricia Highsmith, titulada El grito de la lechuza. Lamentablemente, los derechos no estaban disponibles, algo que le ocurrió una y otra vez al intentarlo con otros títulos de la misma escritora, cuyos derechos habían sido ya vendidos. Por fortuna, Patricia Highsnith fue informada por su editor del interés del director alemán en su obra, por lo que tras entrevistarse en Suiza con el realizador, la escritora le enseñó el manuscrito de su recién finalizada novela, titulada El juego de Ripley. La adaptación de dicha novela dio lugar a la película que hoy comentamos, El amigo americano, título elegido para reemplazar al de la novela, que no convencía a Wenders, escogido por la relación entre Ripley y Jonathan en la historia que esta nos cuenta.

1922 - Zak Hilditch (2017)

Título original - 1922

Año - 2017

Duración - 101 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Zak Hilditch

Guion - Zak Hilditch, que adapta la novela corta de Stephen King

Música - Mike Patton

Fotografía - Ben Richardson

Montaje - Merlin Eden

Vestuario - Claudia Da Ponte

Producción - Ross M. Dinerstein

Productora - Lighthouse Pictures, Campfire. Distribuidora: Netflix

Reparto - Thomas Jane, Molly Parker, Neal McDonough, Brian d'Arcy James, Dylan Schmid, Kaitlyn Bernard, Bruce Blain, Bob Frazer, Graeme Duffy, Patrick Keating, Spencer Brown, Danielle Klaudt, Tanya Champoux, Eric Keenleyside, Peter New, Peter Hall, Michael Bean, Mark Acheson, Bart Anderson

Género - Terror, Drama / Drama psicológico, Crimen, Años 20, Roedores

El realizador Zak Hilditch adapta la novela corta homónima de Stephen King y dirige 1922, un excelente trabajo totalmente fiel al texto original, ambientado en los inicios del siglo XX en la américa profunda sureña. Con la magnífica fotografía de Ben Richardson, la apropiada banda sonora de Mike Patton y un magnífico Thomas Jane al frente de su reparto, estamos ante un excelente drama psicológico que, sin embargo, no colmará las necesidades de los fans del género del terror, a pesar de que sea este en el que está colocada. Recomendable si sabes a lo que te enfrentas, decepcionante si lo que deseas es pasar miedo.

Sinopsis - En el año 1922, Wilfred "Wilf" James (Thomas Jane) es un agricultor que vive en Hemingford Home, Nebraska, con su esposa, Arlette (Molly Parker) y su hijo de 14 años Henry (Dylan Schmid). Wilf y Arlette no se ponen de acuerdo sobre si deben vender las tierras que Arlette heredó recientemente. Arlette quiere venderlas completamente y mudarse a Omaha para abrir una tienda de ropa. Wilf, desprecia la vida de la ciudad y desea conservarlas, ya que piensa que el orgullo de un hombre es su tierra y se las dejará algún dia a Henry. Arlette piensa entonces en el divorcio, e insiste en que Henry se irá con ella, algo que Wilf no piensa consentir.

El director - Zak Hilditch es un director y guionista australiano. Se graduó dela Universidad de Curtin, en Perth, Australia Occidental.

Debutó escribiendo y dirigiendo Waiting for Naval Base Lilly (2003), interpretada por Laura Henderson y Tony Nicholls, tras la que escribió, junto a Steve McCall, y dirigió The Actress (2005), una comedia con nombres como Caitlin Higgins, Matt Hardie, Laura Henderson, Jodie Passmore y Jane Pyper. Su siguiente trabajo fue Plum Role (2007), un drama que también escribió, protagonizado por Matt Hardie, Laura Henderson, Luke Jago, Adam McGurk y Tom Stokes, entre otros.

Tras dirigir tres episodios de la miniserie Henry & Aaron's 7 Steps to Superstardom (2011), volvió a escribir y dirigir el cortometraje Transmission (2012). Se trata de un drama ambientado en un futuro postapocalíptico, en el que un padre y su hija tratan de llegar a una zona de seguridad libre de virus, después de que una pandemia haya acabado con el 90% de la población de su ciudad. Está protagonizado por Angourie Rice, Wayne Davies y Ben Sutton. Seguidamente escribió y dirigió el largometraje Las últimas horas (2014), un thriller sobre el último día de vida en la tierra por la que el actor Nathan Phillips se alzó en el Festival de Sitges con el premio como mejor actor. Lo acompañan Jessica De Gouw, Sarah Snook, David Field y Angourie Rice. Su siguiente trabajo fue 1922 (2017), una adaptación satisfactoria de la novela corta homónima de Stephen King, interpretada por Thomas Jane, Molly Parker, Neal McDonough, Brian d'Arcy James y Dylan Schmid, entre otros. Su último trabajo ha sido la evitable Serpiente de cascabel (2019), donde mezcla thriller e intriga para contarnos la historia de una mujer  que acepta la ayuda de una misteriosa mujer después de que su hija sea mordida por una serpiente de cascabel, algo que no será gratuito. En ella aparecen nombres como Carmen Ejogo, Theo Rossi, Emma Greenwell, Apollina Pratt y Joy Jacobson.

La película - Quienes hayan realizado un buen repaso a la bibliografía de Stephen King, sabrá que es uno de los novelistas de terror de los que mas adaptaciones al cine se han realizado en la historia, aunque de igual forma habrán podido comprobar que no siempre se consigue plasmar con eficacia el espíritu de sus relatos en la pantalla. La empresa no suele ser nada sencilla, ya que conseguir mostrar en imágenes lo que ronda por la imaginación y la mente de cada lector, suele ser complicado, pero si además se trata de relatos donde la fantasía, lo sobrenatural y lo desconocido son los protagonistas, llegar a satisfacer a una gran mayoría de los fans resulta muy complicado. Desde la pionera Carrie, dirigida por Brian De Palma (1976), destacan nombres como El resplandor (1980), Creepshow (1982), Cujo (1983), Christine (1983), Los chicos del maíz (1984), Misery (1990), La mitad oscura (1993), La tienda (1993), Cadena perpetua (1994), Eclipse total (Dolores Claiborne) (1995), La milla verde (1999), Corazones en Atlántida (2001), La ventana secreta (2004), 1408 (2007), La niebla (2007), o las mas recientes It (2017), El juego de Gerald (2017), It. Capítulo 2 (2019) Doctor Sueño (2019), Cementerio de animales (2019) y las miniseries El visitante (2020) y The Stand (2020).

Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016)

Título original - Que Dios nos perdone

Año - 2016

Duración - 125 min.

País - España 

Dirección - Rodrigo Sorogoyen

Guion - Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña

Música - Olivier Arson

Fotografía - Álex de Pablo

Montaje - Alberto del Campo y Fernando Franco

Producción - Mercedes Gamero, Gerardo Herrero, Mikel Lejarza

Productora - Tornasol Films, Atresmedia Cine, Mistery Producciones AIE, Hernández y Fernández P.C

Reparto - Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, Raúl Prieto, María de Nati, María Ballesteros, José Luis García Pérez, Mónica López, Rocío Muñoz-Cobo, Teresa Lozano, Francisco Nortes, Andrés Gertrudix, Jesús Caba, Alfonso Bassave, Raquel Pérez, Javier Tolosa, Josean Bengoetxea, Aitor Calderón

Género - Thriller, Drama / Policíaco, Asesinos en serie, Crimen, Neo-noir

Disponibilidad - Netflix, Amazon Prime Video y HBO

Rodrigo Sorogoyen escribe junto a Isabel Peña y dirige Que Dios nos perdone, un magnífico thriller con inconfundible aroma a cine negro, que hará igualmente las delicias de los aficionados al policiaco de calidad. Con la magnífica fotografía de Álex de Pablo, la propicia banda sonora de Olivier Arson y el homogeneo trabajo de su reparto, con Antonio de la Torre y Roberto Álamo a la cabeza, estamos ante uno de esos trabajos que agarran al espectador desde el primer instante y ya no lo sueltan hasta su conclusión. Tan efectiva como realista.

Sinopsis - Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre) deben encontrar al que parece ser un asesino en serie cuanto antes y sin hacer ruido. Esta caza contrarreloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

El director - Rodrigo Sorogoyen es un director de cine, realizador y guionista español, nacido en Madrid, el 16 de septiembre de 1981. Es nieto y sobrino de los directores de cine Antonio del Amo y José Luis Madrid.​ Se licenció en Historia por la Universidad Complutense de Madrid. En 2001, estudió Guion Cinematográfico en la Escuela de Cine Septima Ars de Madrid. En 2004, se matriculó en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid (ECAM) y comenzó sus primeros trabajos como guionista en conocidas series de ficción.

En 2008 codirigió la película 8 citas, en colaboración con Peris Romano. La cinta, rodada en Madrid, es una comedia romántica a través de ocho historias, con Fernando Tejero, Belén Rueda, Verónica Echegui, Jordi Vilches, Raúl Arévalo, Ana Wagener, Miguel Ángel Solá o Arturo Valls. En 2010, junto a tres compañeros de la ECAM, fundó la productora Caballo Films. Ha dirigido una veintena de telefilmes para series como Impares (2008), La pecera de Eva (2010), Vida loca (2011) o Frágiles (2013). En 2013 se estrenó Stockholm, su primer trabajo en solitario, con guion escrito junto a Isabel Peña. Financiada por crowdfunding, la cinta fue galardonada con tres Biznagas de Plata en el Festival de Cine de Málaga. Además obtuvo una mención especial, el premio Signis a la mejor película y el premio del Jurado Joven también a la mejor película. Sorogoyen obtuvo el galardón al mejor director y el premio al mejor guion novel, junto a su coguionista Isabel Peña. Uno de sus protagonistas, Javier Pereira, recibió el Goya al mejor actor revelación. 

El thriller Que Dios nos perdone (2016), con guion de Isabel Peña y el propio Sorogoyen, contó con actores como Antonio de la Torre, Javier Pereira o Roberto Álamo. Este último ganó por su interpretación en ella el Goya, el Premio Feroz y el Premio Forqué como mejor actor. La película ganó el premio al mejor guión en el Festival de San Sebastián. Su siguiente trabajo fue el thriller El reino, que trata sobre la corrupción en España, fue el gran vencedor de los premios Feroz 2019, logrando 5 de las 10 estatuillas a las que optaba: mejor película dramática, director, actor protagonista (Antonio de la Torre), actor de reparto (Luis Zahera) y guion junto a Isabel Peña. También ganó el premio Goya a la mejor dirección y al guion original, compartido con Isabel Peña. Su siguiente trabajo fue el drama Madre (2019), con Marta Nieto y Jules Porier. Su último trabajo ha sido la miniserie Antidisturbios (2020), un thriller con nombres como Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Hovik Keuchkerian, Álex García, Roberto Álamo o Raúl Prieto.

La película - Creo que quien me lea, aunque sea de vez en cuando, sabrá ya de sobra que el cine negro es una de mis grandes pasiones, dentro de este arte que tanto me ha dado y al que intento reivindicar siempre que me es posible. En nuestro país tenemos la suerte de disponer de un grupo de directores que han encontrado en el género la forma ideal de contarnos buenas historias, retratando de paso a la agitada sociedad donde vivimos, consiguiendo resultados magníficos que poco o nada tienen que envidiar a los que se realizan en el resto del mundo. Que Dios nos perdone no es mas que una buena muestra de la excelente salud del llamado Neo-noir en nuestro país, en el que Rodrigo Sorogoyen consigue con maestría que nos metamos en la historia desde el primer minuto, deambulando además entre personajes y localizaciones que nos son muy familiares, algo que no hace mas que potenciar la sordida trama de su magnífica película.

Un profeta (Un prophète) - Jacques Audiard (2009)

Título original - Un prophète

Año - 2009

Duración - 150 min.

País - Francia

Dirección - Jacques Audiard

Guion - Jacques Audiard y Thomas Bidegain, basado en una idea de Abdel Raouf Dafri

Música - Alexandre Desplat

Fotografía - Stéphane Fontaine

Montaje - Juliette Welfling

Producción - Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit

Productora - Why Not Productions, Chic Films, Page 114, France 2 Cinema, UGC Images, BIM Distribuzione, Celluloid Dreams, Canal+, Cinecinema

Reparto - Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen, Pierre Leccia, Antoine Basler, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni, Frederic Graziani, Leïla Bekhti, Alaa Safi

Género - Thriller. Drama | Drama carcelario. Crimen

Jacques Audiard escribe junto a Thomas Bidegain y dirige Un profeta (Un prophète), un drama carcelario en el que convergen varios géneros, para ofrecernos uno de los retratos mas fieles de la vida en prisión que un servidor ha podido disfrutar. Mención especial a la fotografía de Stéphane Fontaine, la banda sonora de Alexandre Desplat y, sobre todo, el duelo interpretativo entre el veterano Niels Arestrup y el sorprendente Tahar Rahim. Gran Premio del Jurado en Cannes y ganadora del BAFTA a la Mejor película de habla no inglesa. Por algo será.

Sinopsis - El joven Malik El Djebena (Tahar Rahim), un francés de origen árabe, ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años. La vida en la cárcel le resulta muy dura, ya que está completamente solo, por lo que no tendrá mas remedio que comenzar a trabajar para la mafia corsa, gobernada con puño firme por César Luciani (Niels Arestrup), que tras ponerlo a prueba, le ofrece la tan ansiada protección que necesita para poder sobrevivir, a cambio de sus servicios. 

El director - Jacques Audiard es un director de cine francés nacido en París el 30 de abril de 1952. Hijo del guionista y director Michel Audiard, a​ comienzos de los años 80 comenzó a escribir guiones que fueron rodaros por diferentes realizadores, como Réveillon chez Bob! o Mortelle randonnée, Baxter, Fréquence Meurtre y Saxo.

En 1994 dirigió su ópera prima, Mira a los hombres caer, una road movie con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant. La película ganó el premio César a la ópera prima y el premio Georges-Sadoul. Dos años después trabajó con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant en su segunda película, Un héroe muy discreto (1996), una comedia dramática cuyo guion se basó en la novela homónima de Jean-François Deniau.

En 2001 dirige Lee mis labios, un drama cuyo tono hizo que muchos críticos le encontraran reminiscencias con Jean-Pierre Melville. En su reparto aparecían nombres como Vincent Cassel, Emmanuelle Devos, Olivier Gourmet o Serge Boutleroff. Su cuarta película, De latir, mi corazón se ha parado, logró diez candidaturas a los premios César ganando ocho, entre ellos a la mejor película, al mejor director, mejor guion, mejor música y mejor cinematografía. Se trata de un drama interpretado por Romain Duris, Aure Atika, Emmanuelle Devos, Niels Arestrup y Jonathan Zaccaï. Con Un profeta (2009) consiguió nominaciones al Oscar y al Globo de oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ganar el BAFTA, el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 9 Premios César y 2 Premios del cine europeo.

Tras ella llegaron el drama romántico De óxido y hueso (2012), con Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts; el drama social Dheepan (2015), con Jesuthasan Antonythasan y Kalieaswari Srinivasan; el western Los hermanos Sisters (2018), con Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed y Allison Tolman; y la reciente Les Olympiades (2021), un drama interpretado por Noémie Merlant, Stephen Manas, Geneviève Doang y Lumina Wang.

La película - El drama carcelario se ha convertido en uno de los subgéneros que nos ha dado mas alegrías a los aficionados a este arte a lo largo del tiempo. Títulos como Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption), Brubaker, La leyenda del indomable (Cool Hand Luke), La milla verde (The Green Mile), Papillon, Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz), Pena de muerte (Dead Man Walking), Huracán Carter (The Hurricane), Al rojo vivo (White Heat), El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz) y El expreso de medianoche (Midnight Express), con bandera estadounidense, o La evasión (Le trou, 1960), En el nombre del padre (In the Name of the Father, 1993), Bronson (2008), Hunger (2008), Celda 211 (2009) y Convicto (Starred Up, 2013), todas europeas, suelen ser sinónimo de calidad y buen entretenimiento. El trabajo que hoy nos ocupa no hace mas que contribuir a engordar esta jugosa lista, aunque en el podemos encontrar varias peculiaridades que lo diferencia del resto y que os vamos a exponer aquí.

Red Riding: 1983 - Anand Tucker (2009)

Título original - Red Riding: 1983 (The Red Riding Trilogy, Part 3) 

Año - 2009

Duración - 100 min.

País - Reino Unido 

Dirección - Anand Tucker

Guion - Tony Grisoni, basado en la novela de David Peace

Música - Barrington Pheloung

Fotografía - David Higgs

Montaje - Trevor Waite

Producción - Wendy Brazington, Andrew Eaton y Anita Overland

Productora - Film4 Productions, Lipsync Productions, Revolution Films, Screen Yorkshire

Reparto - David Morrissey, Lisa Howard, Chris Walker, Shaun Dooley, Jim Carter, Warren Clarke, Sean Bean, Sean Harris, Steven Robertson, Michelle Dockery, Mark Addy, Daniel Mays, Robert Sheehan, Andrew Garfield, Peter Mullan, Saskia Reeves

Género - Intriga, Drama,  Crimen, Secuela, Asesinos en serie, Años 80, Telefilm

Anand Tucker es el realizador elegido para finalizar la trilogía con la que Tony Grisoni adapta las magníficas novelas de David Peace. Un digno fin de fiesta para un trabajo que abandera al Noir europeo actual, volviendo a mostrar, como bien hacen los británicos, que es posible hacer televisión de calidad, aunque hablemos de un producto no apto para todos los públicos. Un oscuro retrato de una sociedad enferma, que permitía a unos pocos vivir como Reyes mientras la mayoría de la población luchaba por sobrevivir. ¿Les suena de algo?

Sinopsis - Nueve años después, otro niño de Morley ha desaparecido en el trayecto desde su casa al colegio. El superintendente Maurice Jobson relaciona este nuevo caso con la desaparición de Clara Kemplay, que fue encontrada muerta en 1974, y con el encarcelamiento del joven Michael Myshkin. El abogado John Piggott, convencido de la inocencia de Myshkin, comienza a luchar en su defensa, proporcionando inconscientemente un catalizador a Jobson para poner las cosas en orden. 

El director - Anand Tucker es un director de cine y productor nacido en Bangkok, Tailandia, el 24 de junio de 1963. De padre indio y madre alemana, se mudó al Reino Unido a la edad de 18 años.​ Tiene un hijo con su pareja, la directora Sharon Maguire (El Diario de Bridget Jones).

Comenzó su carrera dirigiendo programas de televisión y anuncios comerciales. Debutó como director con Saint-Ex (1996), la biografía del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, el célebre autor de la inmortal 'El principito'. En su reparto aparecen Bruno Ganz, Miranda Richardson y Janet McTeer. Tras ella dirigió Hilary y Jackie (1998), un drama protagonizado por la siempre brillante Emily Watson, junto a Rachel Griffiths, James Frain y David Morrissey. Tras ello se pasó a la producción fundando la empresa Archer Street, de la que es copropietario. El primer trabajo producido fue La joven con el arete de perla (Peter Webber, 2003), con nombres como Scarlett Johansson, Colin Firth, Tom Wilkinson, Cillian Murphy o Judy Parfitt en su reparto. 

Prohibido enamorarse (Shopgirl) (2005) fue su siguiente trabajo en la dirección. Se trata de una Comedia romántica interpretada por Steve Martin, Claire Danes y Jason Schwartzman. Fue elegido para dirigir la trilogía La materia oscura de Philip Pullman, pero en mayo del 2006 fue substituido por Chris Weitz. En 2007 dirigió And When Did You Last See Your Father?, un drama basado en las conocidas memorias de Blake Morrison, al que da vida Colin Firth. Tras producir Incendiary (Sharon Maguire, 2008), con Michelle Williams y Ewan McGregor, dirigió Red Riding: 1983 (2009), tercera y última parte de la miniserie británica "Red Riding", compuesta por tres largometrajes  basados en las novelas negras de David Peace. Tenías que ser tú (2010) es su último trabajo para la gran pantalla. Una nueva Comedia romántica protagonizada por Amy Adams y Matthew Goode. En 2013 dirigió algún episodio de la serie Rogue y mas tarde dirigió junto a David Moore la serie El fin de un imperio (2015), un drama ambientado en los años 30, con la participación de Julie Walters, Nikesh Patel, Jemima West, Henry Lloyd-Hughes o Amber Rose Revah, entre otros.

La película - Red Riding: 1983 es el título del largometraje que completa la trilogía que adapta las magníficas novelas de David Peace. Un trabajo que comparte la oscuridad y densidad de los dos anteriores, pero que además nos permite cerrar muchas de las incógnitas que estos dejaron a su paso, tanto en el caso del sanguinario asesino de Yorkshire, como en la trama de corrupción que nos ha venido acompañando durante todos ellos. Ni qué decir tiene, qué es totalmente necesario disfrutar de los tres largometrajes en orden cronológico, para poder comprender todos los cabos sueltos que la trama va dejando a su paso.

En un lugar solitario (In a Lonely Place) - Nicholas Ray (1950)

Título original - In a Lonely Place

Año - 1950

Duración - 91 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Nicholas Ray

Guion - Edmund North y Andrew Solt, basado en una historia de Dorothy B. Hughes 

Música - George Antheil

Fotografía - Burnett Guffey

Montaje - Viola Lawrence

Producción - Robert Lord

Productora - Columbia Pictures, Santana Pictures Corporation

Reparto - Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Carl Benton Reid, Art Smith, Jeff Donnell, Martha Stewart, Robert Warwick, Morris Ankrum, William Ching, Steven Geray, Hadda Brooks

Género - Cine negro, Intriga, Drama, Crimen, Drama romántico, Drama psicológico, Cine dentro del cine

Nicholas Ray fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion en el que Edmund North y Andrew Solt adaptan la novela homónima de Dorothy B. Hughes, publicada en 1947. Con la brillante fotografía de Burnett Guffey, la acertada banda sonora de George Antheil y los excepcionales Humphrey Bogart y Gloria Grahame en los papeles principales, estamos ante una de esas obras que ningún aficionado a este arte debería dejar pasar. CINE con mayúsculas, que para un servidor es de los mejores trabajos firmados tanto por el magistral realizador, como por uno de los galanes menos convencionales que nos ha dejado este arte.

Sinopsis - Dixon Steele "Dix" (Humphrey Bogart), famoso guionista en horas bajas que ha tenido ningún éxito «desde antes de la guerra», con fama de conflictivo y violento, tiene que afrontar la difícil tarea de adaptar un best-seller de nula calidad literaria. Casualmente se entera de que Mildred (Martha Stewart), la chica del guardarropa del bar que frecuenta, ha leído la obra en cuestión, por lo que le pide que lo acompañe a su casa, con la intención de que le cuente el argumento y ahorrarse así tan anodina lectura. A la mañana siguiente lo despierta su amigo, el detective de policía Brub Nicolai (Frank Lovejoy), que le comunica que la chica ha sido asesinada, por lo que Dix es la última persona que parece haberla visto con vida y uno de los principales sospechosos.

El director - Nicholas Ray fue un director, guionista y actor de cine nacido en Galesville, Wisconsin, el 7 de agosto de 1911. Hijo de un padre alcohólico y de una madre que trabajaba en el mundo del espectáculo, comenzó a estudiar en la Universidad de Chicago, aunque tuvo que abandonar. 

Tras trasladarse a Nueva York, donde malvivía como podía, se unió a un grupo de Teatro de Improvisación, donde conoció a Elia Kazan, director que marcó su vida y lo contrató como ayudante en el rodaje de su primer trabajo en Hollywood, Lazos humanos (1945). 

Nicholas Ray debutó en la dirección tres años después con Los amantes de la noche (1948), tras la que llegaron títulos como El secreto de una mujer (1949), con Maureen O'Hara y Gloria Grahame, con la que se casó tras el rodaje; Llamad a cualquier puerta (1949), con Humphrey Bogart; En un lugar solitario (1950), protagonizada por Bogart y Grahame, Nacida para el mal (1950), Infierno en las nubes (1951), con John Wayne; La casa en la sombra (1951), con Ida Lupino y Robert Ryan; Hombres errantes (1952), con Robert Mitchum; Johnny Guitar (1954), con Joan Crawford y Sterling Hayden; Busca tu refugio (1955), con James Cagney; la inolvidable Rebelde sin causa (1955), con James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo; Más poderoso que la vida (1956), con James Mason, Barbara Rush y Walter Matthau; Amarga Victoria (1957), con Richard Burton; La verdadera historia de Jesse James (1957), con Robert Wagner; Chicago, años 30 (1958), con Robert Taylor y Cyd Charisse; Los dientes del diablo (1960), con Anthony Quinn y Peter O'Toole; Rey de reyes (1961); 55 días en Pekín (1963), con Charlton Heston, Ava Gardner y David Niven y la tardía Nunca volveremos a casa (1973), protagonizada también por el mismo.

En su último trabajo colaboró en la dirección de Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua, 1980), con el director alemán Wim Wenders. Se trata de un testimonio sobre el final de la vida de Nicholas Ray. En la última escena, sus amigos llevan sus cenizas, en un barco, hasta el océano. Murió de cáncer de pulmón el 16 de junio de 1979 en Nueva York.

La película - Tras finalizar el visionado de esta maravilla llamada In a Lonely Place, no puedo mas que preguntarme el porqué resulta tan difícil en la actualidad encontrar cine que consiga dejarte la sensación que este me ha dejado. Y es que el bueno de Nicholas Ray firma aquí lo que yo llamo un trabajo redondo, con un grupo de personajes escueto pero perfectamente desarrollados, en el que lejos de conformarse con seguir los eternos cánones del Cine negro, lo enriquece dejándonos trazas de un soberbio drama romántico y psicológico, que acaba retratando la condición del ser humano y una tormentosa relación sentimental, de forma mucho mas parecida a la vida real de lo que hoy día solemos encontrar. Parece realmente sencillo en manos del realizador, aunque en realidad sabemos que no lo es.