Múltiple (Split) - Trilogía Unbreakable - M. Night Shyamalan (2016)

Título original - Split

Año - 2016

Duración - 116 min.

País - Estados Unidos

Dirección - M. Night Shyamalan

Guion - M. Night Shyamalan

Música - West Thordson

Fotografía - Mike Gioulakis

Montaje - Luke Franco Ciarrocchi

Producción - Marc Bienstock, M. Night Shyamalan y Jason Blum

Productora - Blinding Edge Pictures, Blumhouse Productions, Dentsu Inc, Fuji Eight Company Ltd., Fuji TV

Reparto - James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Betty Buckley, Brad William Henke, Haley Lu Richardson, Sebastian Arcelus, Lyne Renee, Neal Huff, Jessica Sula, Peter Patrikios, Bruce Willis, Izzie Coffey, Ukee Washington, M. Night Shyamalan, Robert Michael Kelly, Rosemary Howard, Jerome Gallman, Kate Jacoby, Kash Goins, Roy James Wilson, Christopher Lee Philips, Julie Potter, Ameerah Briggs, Nakia Dillard, Robin Rieger, Emlyn Elisabeth Morinelli

Género - Thriller, Intriga / Thriller psicológico, Secuestros / Desapariciones

M. Night Shyamalan escribe, dirige y coproduce este thriller psicológico que lleva a la gran pantalla una historia basada en el caso de Billy Milligan, primer estadounidense que evitó la pena de carcel alegando un trastorno de personalidad múltiple, aunque tomándose bastantes licencias, todo sea dicho. Perteneciente a la denominada Trilogía Unbreakable (posterior a El protegido y anterior a Glass), estamos ante un trabajo que no suele dejar indiferente a quienes deciden visualizarlo, en el que destacan su opresiva y angustiosa atmósfera, la habilidad de Shyamalan con la cámara y el compromiso de un James McAvoy ante un papel nada sencillo de interpretar. Existe una bestia en el interior de cada uno de nosotros, aunque en la mayoría de las ocasiones nunca llega a despertar.

Sinopsis - A pesar de que Kevin (James McAvoy) le ha demostrado a su psiquiatra de confianza, la Dra. Fletcher (Betty Buckley), que posee 23 personalidades diferentes, aún queda una por emerger, decidida a dominar a todas las demás. Obligado a raptar a tres chicas adolescentes encabezadas por la decidida y observadora Casey (Anya Taylor-Joy), Kevin lucha por sobrevivir contra todas sus personalidades y la gente que le rodea, a medida que las paredes de sus compartimentos mentales se derrumban.

El director - M. Night Shyamalan es un director de cine y guionista nacido en Pondicherry, India, el 6 de agosto de 1970. Criado en Penn Valley, Pennsylvania, a los ocho años le regalaron una cámara Super-8 y a los 17 había realizado ya 45 películas caseras. 

Debutó con Praying with Anger (1992), claramente influenciado por su primera visita a la India desde que su familia emigró a Estados Unidos. Tras Los primeros amigos (1998), le llegó el reconocimiento de crítica y público con El sexto sentido (1999), protagonizada por Haley Joel Osment y Bruce Willis, por la que consiguió seis nominaciones a los Óscar, entre ellas al mejor director y al mejor guion. Repitió con Willis en El protegido (2000), a la que siguió Señales (2002), interpretada por Mel Gibson, Joaquin Phoenix y Patricia Kalember. Tras El bosque (2004), de la que os hablamos en este artículo y La joven del agua (2006), ambas bastante infravaloradas, nos dejó sus peores títulos: El incidente (2008) y sobre todo Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013). 

En los últimos tiempos ha remontado algo el vuelo con la serie Wayward Pines, de la que os hablamos aquí y La visita, en este otro artículo, ambas de 2015. Su siguiente trabajo fue Múltiple (2016), protagonizada por James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Jessica Sula, Haley Lu Richardson y Betty Buckley. Tras participar en la serie Servant (2019), escribió y dirigió Glass (Cristal, 2019), con la que cierra su trilogía Unbreakable. Cuenta en su reparto con James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Sarah Paulson y Anya Taylor-Joy, entre otros. Su último trabajo ha sido el thriller fantástico Tiempo (2021), interpretado por Gael García Bernal, Eliza Scanlen, Thomasin McKenzie y Rufus Sewell.

La película - Hablar de M. Night Shyamalan es hablar de un realizador de esos que no sabes por donde te puede salir. Basta con echar un vistazo a su extraña filmografía para saber que es capaz de lo mejor, como atestiguan trabajos como El sexto sentido, Señales o El bosque (nuestra opinión de ella) y de lo peor, como se puede ver en El incidente, Airbender, el último guerrero o la infumable After Earth. Últimamente he de reconocer que no he prestado excesiva atención a su cine, ya que desde la curiosa La visita (nuestra opinión de ella), no había vuelto a ver nada de el. Recuerdo que cuando salió Múltiple, llamó rapidamente mi atención, pero la fui dejando a un lado por un motivo u otro y no ha sido hasta ahora, que su disponibilidad en Netflix me recordó su existencia, cuando al fin me he decidido a verla. Estamos ante un trabajo bastante curioso, que sin duda merece la pena ver, siempre que tengas claro a que te enfrentas y evitas crear falsas expectativas que tan solo consiguen sembrar lo que yo llamo autodesconcierto, ya sea inducido por una promoción engañosa, la opinión de otros aficionados desengañados o la propia imagen creada de lo que creen que van a ver.

The Guilty - Gustav Möller (2018)

Título original - Den skyldige 

Año - 2018

Duración - 85 min.

País - Dinamarca 

Dirección - Gustav Möller

Guion - Emil Nygaard Albertsen y Gustav Möller

Música - Carl Coleman y Caspar Hesselager

Fotografía - Jasper Spanning

Montaje - Carla Luffe Heintzelmann

Producción - Lina Flint

Productora - Nordisk Film

Reparto - Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen, Jeanette Lindbæk, Simon Bennebjerg, Morten Suurballe, Guuled Abdi Youssef, Caroline Løppke, Peter Christoffersen, Nicolai Wendelboe, Morten Thunbo, Anders Brink Madsen

Género - Thriller / Secuestros / Desapariciones

Gustav Möller escribe junto a Emil Nygaard Albertsen y dirige The Guilty, la que es su ópera prima. Un magnífico thriller en el que, sin necesidad de grandes medios, consigue mantener al espectador pegado a la pantalla de principio a fin, obligándolo a utilizar su imaginación y compartir la experiencia de un agente que atiende una línea del servicio de emergencias. Sin lugar a dudas, muy recomendable. 

Sinopsis - Asger Holm (Jakob Cedergren), un oficial de policía, ha sido suspendido temporalmente de sus funciones y relegado a operador del servicio de emergencias. Durante su rutinario turno de noche, recibe la extraña llamada de una mujer aterrada. A pesar de su reacción de sorpresa, Asger se da cuenta de que la mujer al otro lado del teléfono ha sido secuestrada, y es entonces cuando comenzará una carrera contrarreloj para conseguir localizarla y poder ayudarla. 

La película - Gustav Möller sorprendió a propios y extraños con este magnífico trabajo, su ópera prima, en el que volvemos a comprobar que ni está ya todo contado, ni es necesario un gran presupuesto, si tienes una buena historia que contar y encuentras una buena forma de hacerlo. Cuando leí la sinopsis de este thriller telefónico inmediatamente me recordó a la magnífica Locke, dirigida por Steven Knight e interpretada por Tom Hardy, de la que os hablamos en este artículo, ya que mientras que en ella la acción tenía lugar en el interior de un vehículo, en esta ocasión lo hace en un puesto de control del servicio de emergencias de la policía, lugares cerrados que no invitan al espectador a imaginar argumento suficiente para una buena historia. Una vez visualizada, no puedo mas que recomendarles que hagan lo propio, tal como hice con la anteriormente mencionada.

Por cierto, está previsto el estreno este mismo año de su remake norteamericano, que contará en la dirección con Antoine Fuqua y entrega el protagonismo al bueno de Jake Gyllenhaal, aunque personalmente siempre prefiero disfrutar el trabajo original, para después decidir si le echo valor o no al consabido remake.

Cayo Largo (Key Largo) - John Huston (1948)

Título original - Key Largo
Año - 1948
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - Richard Brooks y John Huston, basada en la obra de teatro homónima de Maxwell Anderson
Música - Max Steiner
Fotografía - Karl Freund
Montaje - Rudi Fehr
Producción - Jerry Wald
Reparto - Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro, Thriller

Inmediatamente después de rodar la magnífica El tesoro de Sierra Madre, el realizador John Huston escribió junto a Richard Brooks y dirigió su último trabajo con la Warner, el quinto en su filmografía. Rodeándose de un excelente reparto plagado de estrellas e intentando restar en todo momento la teatralidad innata que derrocha la historia, Huston firma un trabajo en el que los diálogos, las expresiones y los gestos comparten protagonismo por igual y la tensión fluye entre ellos de forma magistral. Todo un clásico del noir estadounidense catalogado como obra menor por parte de la crítica. Con media docena de trabajos así al año me conformaba yo.

Sinopsis: Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de guerra que viaja a Cayo Largo, en Florida, para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Pero lo que en principio era una visita de cortesía se complicará por la presencia de un grupo de gansters a las ordenes de Johnny Rocco (Edward G. Robinson), al que también acompaña su novia (Claire Trevor), con los que quedarán atrapados por una fuerte tormenta y serán tomados como rehenes en el interior del hotel propiedad de la viuda y el padre de su antiguo compañero.

El director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). 

Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Si dedicamos un rato a repasar las opiniones de aficionados y críticos sobre la obra que hoy nos ocupa podemos encontrar casi de todo, desde los que no salen convencidos de la actuación de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, los que piensan que Huston realizó este trabajo a regañadientes y solo por quedarle una película que filmar con la Warner, los que no la meten entre las mejores películas del realizador, los que opinan que su guión es mejorable en algunos aspectos, los que ven en ella poco menos que una obra maestra y así podría llevarme hasta mañana. En lo que casi todos coinciden es en darle como mínimo un siete de nota, siendo muchos los que suben esta hasta llegar a casi la excelencia, por lo que creo que como mínimo se merece un visionado. Lo que normalmente ocurre con trabajos de este nivel es que lees opiniones que los encumbran tanto que a la hora de visualizarla hay quien puede sentirse un tanto decepcionado, aunque no haya sido ese mi caso.

Para mi estamos ante un trabajo imprescindible, en el que la tensión se masca en el ambiente y los reducidos espacios donde se desarrolla son un protagonista mas y no secundario precisamente. Lo que en él no me acaba de convencer del todo es la relación que se establece entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, un tanto forzada y poco creíble en algunos momentos, algo que hablando de una pareja que nos ha dejado películas como Tener y no tener, dirigida por Howard Hawks (1944), en la que la relación entre ambos llenaba la pantalla y copaba todo el protagonismo, resulta un tanto chocante y te descoloca un poco. Además en su magnífico reparto también aparecen un Edward G. Robinson espléndido y una Claire Trevor que realiza una actuación magistral (le valió para ganar el Oscar a la mejor secundaria), por lo que el trabajo de la pareja eterna queda un tanto eclipsado.

El mundo de Kanako (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima (2014)

Título original - Kawaki (The World of Kanako)

Año - 2014

Duración - 118 min.

País - Japón

Director - Tetsuya Nakashima

Guión - Tetsuya Nakashima, basado en la novela de Akio Fukamachi

Fotografía - Shôichi Atô

Montaje - Yoshiyuki Koike

Producción - Satomi Kotake y Yutaka Suzuki
Música - Grand Funk Inc.

Reparto - Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Productora - GAGA / GyaO / Licri

Género - Thriller, Intriga, Drama

Tras la interesante e hipnótica Confessions (2010), Tetsuya Nakashima regresó a la gran pantalla en 2014 con un producto en el que las nuevas generaciones vuelven a tener un gran protagonismo y la sociedad japonesa continúa en el punto de mira. Aún así estamos ante un trabajo muy diferente al anterior, que rebosa perversión y violencia de forma exagerada, cambiando parte del mimo por la estética del anterior, por un ritmo mucho mas vivo y mayores dosis de sangre y acción. Un nuevo espectáculo visual no apto para todos los públicos, que a mi personalmente se me hizo algo largo. Mención especial al trabajo del veterano actor Kôji Yakusho, que consigue mantener a flote tanta exageración incontrolada. Cine para personas con el estómago bien preparado para la ocasión. Avisados quedan.

Sinopsis: Akikazu Fujishima (Kôji Yakusho) es un antiguo detective separado cuya vida es solo una sombra de lo que fue. Pasa los días soñando con los buenos tiempos junto a su esposa Kiriko (Asuka Kurosawa) y su hija Kanako (Nana Komatsu), una estudiante modelo. Un buen día Kiriko lo llama para pedirle ayuda por la desaparición de Kanako, por lo que rápidamente se pone manos a la obra para descubrir donde está su hija. Pero conforme avanza la investigación se dará cuenta que su hija no es ya la niña que el recuerda, adentrándose en un oscuro mundo del que no será fácil salir airoso.

El director: Tetsuya Nakashima es un director y guionista de cine japonés nacido en Fukuoka, el 2 de septiembre de 1959. Tras dirigir en 1988 el segundo segmento de Bakayaro! I'm Plenty Mad, no fue hasta casi una década después cuando estrenó su primer trabajo en solitario llamado Happy-Go-Lucky (1997), en el que se encargó de su guión y la dirección, algo que ha repetido hasta la fecha. Tras ella llegó Beautiful Sunday (1998), que fue nominada como mejor película asiática en el Festival Internacional de Singapur. Su siguiente trabajo fue Kamikaze Girls (2004), que fue nominada para representar a su país en los Oscars, como Mejor película de habla no inglesa. Sus siguientes trabajos fueron Conociendo a Matsuko (2006), con la que ganó los premios como Mejor actriz (Miki Nakatani), montaje y BSO en la Academia de cine japonés y el de Mejor película asiática en Fant-Asia y Paco and the Magical Picture Book (2008). Confessions (2010), de la que ya os hablamos en este artículo, fue su último trabajo anterior a Kawaki (The World of Kanako), la que hoy nos ocupa.

La película: El mundo de Kanako es uno de esos trabajos que a buen seguro tendrán una buena legión de fans, ya que su guionista y director ha sabido volver a reinventarse y ofrecer al espectador una experiencia muy diferente a la mayoría de las que ha vivido hasta dicho momento, ya sea dirigida por el mismo o por cualquier otro. No puedo mas que quitarme el sombrero ante uno de los pocos que lo consiguen cada vez que estrena un nuevo trabajo, aunque igualmente he de decir que en esta ocasión no ha llegado a engatusarme como en otras ocasiones, principalmente con Confessions (2010), ya que he de reconocer que no he llegado a disfrutar de toda su filmografía al completo. Creo que la palabra que mejor puede definir a esta película es excesiva, ya que es el primer adjetivo que se me viene a la cabeza tras repasar sus diferentes apartados.

Excesiva porque lo es la imagen que su creador tiene de la sociedad japonesa actual, tan oscura y retorcida que resulta difícil incluso encontrar adjetivos suficientes para definirla. Excesiva porque lo es el uso constante de violencia que en ella se muestra, dando una imagen que resulta poco creíble, o al menos bastante exagerada. Excesiva porque lo es la enorme lista de perversiones que en ella aparecen, desde violaciones a personas de ambos sexos, pasando por el abuso de menores, el acoso escolar, el asesinato, el proxenetismo, la drogodependencia y mil y una perversidades mas que no quiero ni tener que recordar. Se que dichos excesos no importarán a muchos y muchas, pero que para mi resultan como los acabo de nombrar, sumamente excesivos. Conocía ya la turbia imagen que Nakashima tiene de la sociedad actual de su país y como la muestra en casi toda su obra, pero en esta ocasión creo que rebasa su propio límite y se desmelena de tal forma que resulta realmente complicado digerir el resultado final.

Stranger Things - The Duffer Brothers (2016)

Título original - Stranger Things (TV Series)
Año - 2016
Duración - 50 min.
País - Estados Unidos
Director - Matt Duffer y Ross Duffer (Creadores), Shawn Levy
Guión - Matt Duffer, Ross Duffer, The Duffer Brothers, Jessica Mecklenburg, Justin Doble, Alison Tatlock, Jessie Nickson-Lopez
Música - Kyle Dixon y Michael Stein
Fotografía - Tim Ives y Tod Campbell
Montaje - Kevin D. Ross y Dean Zimmerman
Producción - Matt Duffer, Ross Duffer, Shawn Levy, Dan Cohen, Karl Gajdusek, Rand Geiger, Cindy Holland, Matthew Thunell, Brian Wright y Emily Morris
Productora - Netflix / 21 Laps Entertainment
Género - Serie de TV. Thriller. Terror. Fantástico. Drama / Años 80
Reparto - Winona Ryder, David Harbour, Matthew Modine, Finn Wolfhard, Millie Bobby Brown, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Noah Schnapp, Cara Buono, Joe Keery, Rob Morgan, John Reynolds, Joe Chrest, Ross Partridge

Matt Duffer y Ross Duffer (The Duffer Brothers) son los responsables de esta magnífica serie que rinde un merecido homenaje a todos aquellos productos que nos maravillaban en los años 80. Si aún no la habéis disfrutado, bien merece la pena hacerlo, ya que el año que viene volverán para continuar deleitándonos con las aventuras de esa pandilla que difícilmente no se hará un hueco en sus corazones. Un apetecible Deja vu para los que vivimos la época y una excelente forma de mostrársela a los que por su edad no lo hicieron. Imprescindible.

Sinopsis: 8 episodios de 50 minutos cada uno. 6 de noviembre de 1983, ciudad de Hawkins, Indiana. Will Byers (Noah Schnapp), un joven de 12 años de edad desaparece misteriosamente al regresar a casa, tras pasar el día jugando con sus amigos a Dungeons & Dragons. Su madre, Joyce Byers (Winona Ryder), desesperada, comienza la búsqueda de Will, mientras el jefe de policía Jim Hopper (David Harbour) comienza a investigar por su cuenta. Poco después de la desaparición de Will, una misteriosa niña con extrañas habilidades aparece en una hamburguesería de la localidad.

Los creadores: Matt y Ross Duffer, conocidos como The Duffer Brothers (nacidos en 1984 en Durham, Carolina del Norte), son dos hermanos mellizos estadounidenses que escriben y dirigen series de televisión y películas sobre ciencia ficción. Comenzaron escribiendo y dirigiendo los cortometrajes We All Fall Down (2005), un corto de terror ambientado en el Siglo XVII, y Eater (2007). Tras escribir varios episodios de la serie Wayward Pines, de la que os hablamos en este artículo, debutaron en el cine con la infravalorada Hidden: Terror en Kingsville, excelente trabajo del que os hablamos en este artículo. Digo infravalorada, porque es de lo mejorcito en cine de terror que he visto en los últimos tiempos, aunque esta sea una opinión muy personal. Tras el enorme éxito de Stranger Things, el 31 de agosto Netflix anunció a través de su canal en Youtube la renovación de la serie para una segunda temporada, que se estrenará en 2017.

La serie: Quiero comenzar aclarando, como suelen decir por aquí, que he disfrutado como un enano viendo esta magnífica serie que tan buenos recuerdos me ha traído, reviviendo una de las mejores épocas del género fantástico en el mundo del cine, los años 80. De hecho, no solo lo he hecho yo, sino los cuatro miembros de la familia, algo realmente difícil de conseguir si tenemos en cuenta que dos de nosotros están en la temida y maravillosa adolescencia. Y es que Stranger Things tiene todo lo que para mi ha de tener una serie de este tipo: una buena historia, unos personajes bien desarrollados y el tacto suficiente de sus creadores como para no estirar mas de lo debido lo que quieren contarnos.

Basta con comenzar a disfrutar de su magnífico episodio piloto, en el que se nos presenta a sus principales personajes, el entorno en el que viven y se desarrolla el principal detonante de lo que nos espera, para tener la imperiosa necesidad de saber mas, de continuar descubriendo su atractiva y misteriosa trama. Sus creadores saben perfectamente lo que se hacen, consiguiendo transportar a quien la ve a aquellos maravillosos años, con infinidad de detalles que nos van asaltando cada poco tiempo. Su trama es relativamente sencilla, pero perfectamente hilada. Su ritmo es el justo, avanzando sin prisa, pero sin pausa. Todo contribuye a crear un producto que merece la pena disfrutar.

Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane) - Dan Trachtenberg (2016)

Título original - 10 Cloverfield Lane
Año - 2016
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - Dan Trachtenberg
Guión - Damien Chazelle, Josh Campbell y Matthew Stuecken
Música - Bear McCreary
Fotografía - Jeff Cutter
Montaje - Stefan Grube
Producción - J. J. Abrams y Lindsey Weber
Productora - Bad Robot / Paramount
Género - Thriller, Intriga, Ciencia ficción
Reparto - Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher Jr., Suzanne Cryer
Web oficial - http://www.10cloverfieldlane.com/

Con el auspicio de J. J. Abrams y tras una persistente campaña publicitaria, nos llega 10 Cloverfield Lane (El título en España es insultante, literal pero insultante), una de las películas que mas diferencias de opinión ha suscitado en lo que va de año. Con un excelente planteamiento, un enorme esfuerzo del realizador Dan Trachtenberg y la solidez de dos de sus tres interpretaciones principales, la película pierde parte de su esperada valía por el errático guión de Damien Chazelle, Josh Campbell y Matthew Stuecken, además de otros puntos que analizaremos mas adelante. Aún así es un producto recomendable, aunque aconsejo verla sabiendo lo mínimo posible sobre ella, por lo que yo no vería ni el tráiler.

Sinopsis: Tras una pelea con su pareja y una huida precipitada, Michelle (Mary Elizabeth Winstead) tiene un aparatoso accidente con su coche que la deja inconsciente. Tras despertar descubre que se encuentra en un lugar desconocido, en el interior de una especie de celda que permanece cerrada con llave, parte de un refugio subterráneo construido por Howard Stambler (John Goodman). Este afirma haberla salvado tras el accidente, explicándole que tras un devastador ataque químico, el exterior es completamente inhabitable. Michelle tendrá entonces que averiguar si Howard miente o no, intentando sobrevivir y teniendo que convivir junto a tan extraño y enigmático personaje.

El director: Dan Trachtenberg es un director de publicidad, cine y presentador estadounidense nacido en Filadelfia, Pensilvania, el 11 de mayo de 1981. Sus inicios fueron en Internet, siendo uno de los tres presentadores de The Totally Rad Show y antiguo copresentador de Geekdrome, ambos retransmitidos en el canal de Internet Revision3. Ha dirigido anuncios para prestigiosas marcas como Lexus, Nike o Coca Cola. En abril de 2008, se unió a Tight Films, donde colaboró con Matt Wolf en el juego de realidad virtual Hellboy 2: el ejército dorado.También dirigió el programa de Internet Ctrl+Alt+Chicken. Sorprendió a propios y extraños con el cortometraje Portal: No Escape (2011), basado en el famoso videojuego Portal, que acumuló más de dieciséis millones de visitas. Este mismo año, además de estrenar la que es su ópera prima, Calle Cloverfield 10, ha participado en la nueva temporada de la serie Black Mirror, producida por Netflix en lugar de Channel 4, encargada de las temporadas anteriores, de la que poco mas puedo contaros aún.

La película: Si algo he aprendido en estos años viendo, leyendo y escribiendo sobre cine, es que la publicidad, algo tan natural en nuestras vidas, suele resultar en muchas ocasiones mas perjudicial que beneficiosa para el espectador, siendo esta beneficiosa solo para el que intenta vender un producto o llevar a las masas a ver una película, en este caso. Quien me suela leer sabe que cada semana publico un artículo con los estrenos en cines y sus correspondientes tráilers, que por cierto no acostumbro a ver (avísenme si alguno está equivocado, les repito que no los veo), ya que en demasiadas ocasiones o cuentan mas de la cuenta o crean expectativas engañosas que solo traen posteriores desilusiones y lógicos enfados. He acabado por ni leer sobre los títulos antes de verlos, algo que algunos de ustedes no se explicarán al tener que hablarles de cine, pero les aseguro que es lo mejor para hacerlo sin ideas preconcebidas o, como ocurre en este caso, reventado antes de verlo por uno de sus productores.

Puede que por ello no me haya enterado de que este trabajo está relacionado con otro que tuvo bastante tirón en su momento, aunque el resultado final no fuera el esperado y que yo no les voy a mencionar, ya que el hecho de saberlo ya condiciona su visionado totalmente, algo que a mi no me ha ocurrido. Calle Cloverfield 10 sobrevive de jugar al gato y al ratón con el espectador, de engañarlo una y otra vez produciendo en el cierta confusión, algo que no debe confundirse con intriga o suspense, para lo que hace falta aflojar el ritmo de vez en cuando y desarrollar mas los personajes de lo que aquí se hace. Su ambiente claustrofóbico se debe igualmente al reducido espacio en el que transcurre la acción, no siendo este creado por la historia en si, por lo que con el paso de los minutos este decae por simple abandono.

An American Crime - Tommy O'Haver (2007)

Título original - An American Crime
Año - 2007
Duración - 98 min.
País - Estados Unidos
Director - Tommy O'Haver
Guión - Tommy O'Haver y Irene Turner
Música - Alan Lazar
Fotografía - Byron Shah
Montaje - Melissa Kent
Producción - Jonathan McCoy
Productora - First Look Pictures
Género - Drama, Thriller (Basado en hechos reales, Años 60, Cine independiente)
Reparto - Catherine Keener, Ellen Page, James Franco, Bradley Whitford, Nick Searcy, Hayley McFarland, Ari Graynor, Evan Peters, Hannah Leigh Dworkin, Scout Taylor-Compton, Carlie Westerman, Jeremy Sumpter, Scott Eastwood

Tommy O'Haver escribió junto a Irene Turner y dirigió este durísimo thriller psicológico, basado en las transcripciones hechas en el juicio posterior a los incomprensibles sucesos ocurridos en la vida real. Un trabajo que, como no puede ser de otra manera, deja una desagradable sensación de perplejidad e impotencia en el espectador, filmado de forma correcta e interpretado a la perfección, sobre todo por Catherine Keener en el papel de Gertrude Baniszewsky y de Ellen Page en el de Sylvia Likens.

Sinopsis: Sylvia y Jennifer Likens (Ellen Page y Hayley McFarland) son dos hermanas que viven de forma precaria con su madre Betty (Romy Rosemont), prácticamente separada de Lester (Nick Searcy), que continúa trabajando cuando puede en una feria ambulante. Pero tras la aparición repentina de este con noticias sobre un posible trabajo para el matrimonio en la feria, no tienen otro remedio de dejar a sus hijas al cargo de Gertrude Baniszewski (Catherine Keener), madre de seis niños que se ofrece a cuidar de ellas a cambio de una compensación económica. Pero lo que en principio parece ser un tramite, se convertirá en una auténtica pesadilla, sobre todo para Sylvia, sobre la que Gertrude cargará toda su frustración.

El director: Tommy O'Haver es un director de cine y guionista estadounidense, nacido en Indianapolis, Indiana, el 24 de octubre de 1968. Tras graduarse en la universidad de Indiana en Periodismo, asistió al programa MFA de Cine de la Universidad del Sur de California a mediados de los 90, donde dirigió varios cortos que aparecían en los principales festivales, incluyendo Sundance y el Festival de Cine de Nueva York. Su filmografía es bastante escueta, incluyendo tan solo cuatro títulos, incluido el que hoy nos ocupa. Debutó con la comedia romántica Billy's Hollywood Screen Kiss (1998), puede que su mejor trabajo tras An American Crime (2007). Tras ella filmó una nueva comedia romántica titulada Así es el amor (Get Over It, 2001) y protagonizada por Kirsten Dunst y Ben Foste. Hechizada (Ella Enchanted) (2004) fue su siguiente trabajo, un drama romántico fantástico en el que aparecían nombres como Anne Hathaway, Hugh Dancy o Cary Elwes, entre otros. Tras An American Crime (2007), su mejor trabajo con bastante diferencia, solo ha dirigido algún episodio suelto de la serie United States of Tara (2009).

La película: Mas allá de la indudable dureza de la historia que nos cuenta este necesario trabajo, que a buen seguro dejará con la boca abierta a mas de uno, al menos a los que como yo vean la película sin conocer la historia, algo que les aconsejo desde ya, lo que mas indignación ha creado en mi es la evidente oscuridad que reside en el alma de la especie a la que todos pertenecemos, los seres humanos. Constatar, sin llegar a juzgar el grado de fidelidad de la película respecto a la historia real, como un enorme grupo de seres humanos son capaces de vivir con la conciencia perfectamente tranquila tras conocer, e incluso participar, en los hechos que aquí se nos cuentan, dice muy poco de nosotros como especie, convirtiéndonos en los seres mas despreciables de los que tenemos la certeza de su existencia. No es algo que no supiera antes de ver esta película, de eso no os quepa duda, pero cada prueba que ayuda a que desaparezcan las pocas dudas que tenía, no hacen mas que acrecentar esa sensación que ronda entre la pena y el mas profundo asqueo hacia nuestra propia condición.

Es esta una historia de esas que bien podrían ocupar uno de esos inaguantables telefilms de baja calidad que nos meten con calzador en las sobremesas de los fines de semana, algo que en algunos momentos de su visionado puede llegar a parecer una realidad, pero que en esta ocasión sobresale de estas en casi todos sus apartados, en unos mas que en otros, pero sobre todo en el de sus principales protagonistas, que aquí realizan un trabajo que difícilmente podremos disfrutar en un telefilm de medio pelo. Otra de esas diferencias claras es la forma en la que Tommy O'Haver dirige la cinta, que aunque tras comprobar su innegable dureza pueda parecer lo contrario, creo que en ningún momento intenta agrandar la, ya de por si agobiante, sensación que crea en el espectador la propia historia, algo que es una de las señas de identidad de las películas mediocres hechas para televisión.

Bone Tomahawk - S. Craig Zahler (2015)

Título original - Bone Tomahawk
Año - 2015
Duración - 133 min.
País - Estados Unidos
Director - S. Craig Zahler
Guión - S. Craig Zahler
Música - Jeff Herriott y S. Craig Zahler
Fotografía - Benji Bakshi
Montaje - Greg D'Auria y Fred Raskin
Producción - Jack Heller y Dallas Sonnier
Productora - Caliber Media Company / The Fyzz Facility / Realmbuilder Productions
Género - Western, Aventuras, Terror
Reparto - Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons, Richard Jenkins, Sean Young, David Arquette, Kathryn Morris, Sid Haig, Geno Segers, Michael Paré, Jamie Hector

S. Craig Zahler escribe el guión y dirige esta agradable sorpresa que me ha hecho pasar dos horas largas de buen cine. Un producto tremendamente original, en el que se combinan con acierto varios géneros que en principio pueden parecer muy distantes entre si, pero que en las manos del polifacético realizador estadounidense, que por cierto debuta en la dirección, parecen estar hechos para coexistir. La presencia del genial Kurt Russell, bien arropado por Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons y Richard Jenkin, ponen el resto para hacer de este un producto muy recomendable que no deberían perderse.

Sinopsis: Bright Hope es un pequeño pueblo al que una noche llega un forastero llamado Purvis (David Arquette) que llama la atención del Sheriff Franklin Hunt (Kurt Russell) y de uno de sus ayudantes Chicory (Richard Jenkins). Al tratar de arrestarlo en la cantina, Purvis resulta herido, por lo que es trasladado a una celda, donde pasará la noche junto a Samantha O'Dwyer (Lili Simmons), que se encargará de sacarle la bala y Nick (Evan Jonigkeit), otro de los ayudantes del sheriff. Al amanecer, la oficina del sheriff aparece desierta, por lo que este, junto a un pequeño grupo de hombres, tendrán que salir en busca de la mujer y el ayudante, con la única pista de una flecha que encuentran clavada junto a la celda.

El director: S. Craig Zahler es un escritor, guionista, compositor, músico, director y director de fotografía estadounidense nacido en Miami, Florida, el 23 de enero de 1973. Estamos ante un artista realmente polifacético, como escritor de novelas de gran éxito en varios géneros distintos, incluyendo del oeste, criminales y de ciencia ficción; como músico actúa como batería, letrista y cantante en la banda Realmbuilder, etc. En el mundo del cine ha ejercido de guionista en The Incident (2011) y en la que hoy nos ocupa; como director de fotografía ha trabajado en el corto Warsaw Story (1996) y los largometrajes August Roads (1995) y Lucia's Dream (1997). En Bone Tomahawk debuta como director, además de escribir su guión, por lo que habrá que seguir de cerca sus pasos, dado el excelente resultado aquí conseguido.

La película: En 1999, la realizadora Antonia Bird sorprendía al gran público al estrenar Ravenous, de la que os hablamos en este enlace. Se trata de un trabajo que mezcla acertadamente western y terror, algo nunca visto hasta la fecha, al menos por un servidor, que la realizadora utilizó para entregarnos una película de esas que dejan huella por largo tiempo. Bone Tomahawk poco tiene que ver con ella, aunque si que hay que decir que utiliza una mezcla de géneros similar, obteniendo resultado incluso mejores que su antecesora. El otro nexo de unión entre ambas es el motivo por el que el espectador intentará agarrarse a su butaca con todas sus fuerzas, el canibalismo.

Bone Tomahawk es un trabajo impactante desde su primera escena, que sirve como pequeño avance de lo que mas tarde nos espera. Tras ella asistimos a un periodo en el que conoceremos a sus principales personajes, excelentemente desarrollados con unas pocas pinceladas que nos harán ver quien y como es cada uno de ellos, introduciéndonos en la historia poco a poco. Este es uno de los puntos fuertes del guión escrito por S. Craig Zahler, que utiliza su amplia experiencia como escritor para firmar un libreto realmente completo, capaz de llevarnos por la historia que cuenta con una suavidad digna de elogio, apoyándose en sus magníficos personajes y en una apariencia de lo mas real, pocas veces vista en un western.

La habitación (Room) - Lenny Abrahamson (2015)

Título original - Room
Año - 2015
Duración - 118 min.
País - Irlanda
Director - Lenny Abrahamson
Guión - Emma Donoghue, basado en su propia novela
Música - Stephen Rennicks
Fotografía - Danny Cohen
Montaje - Nathan Nugent
Producción - Ed Guiney y David Gross
Reparto - Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel, Sean Bridgers, Joe Pingue, Chantelle Chung, Randal Edwards, Jack Fulton, Kate Drummond
Productora - Film4 / Irish Film Board / Element Pictures
Género - Drama
Estreno en España: 26 de febrero de 2016

Lenny Abrahamson es el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Emma Donoghue realiza sobre su propia novela, con la que comparte nombre. Me parece increíble que con la enorme cantidad de productos de dudable calidad que soportamos habitualmente, un trabajo de tal calidad no haya sido aún estrenado en España. Tan perturbadora y emotiva como sobria y eficaz. Mención especial al trabajo de la brillante Emma Donoghue y, sobre todo, al del pequeño Jacob Tremblay, cuya indudable química ya hace que merezca la pena disfrutarla.

Sinopsis: Para Jack (Jacob Tremblay), un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre Joy Newsome (Brie Larson). Con un reducido espacio y sin ninguna ventana al exterior, han de conformarse con una pequeña claraboya en el techo para recibir algo de luz y ver a través de ella lo que el pequeño imagina que es el espacio. Su madre ha conseguido crear un mundo imaginario con el que poder evadir al pequeño de la dura realidad, pero Jack crece poco a poco, va a cumplir ya cinco años, por lo que cada vez le resulta mas difícil dar respuestas a las cuestiones que el pregunta por su lógica curiosidad.

El director: Lenny Abrahamson es un realizador irlandés nacido en Dublín el 26 de enero 1966. Tras no finalizar un doctorado en Filosofía en la Universidad de Stanford, regreso a su Irlanda natal para dedicarse a su verdadera pasión, el cine. Debutó con la comedia dramática Adam y Paul (2004), a la que siguió el magnífico drama Garaje (2007). Ese mismo año se estrenó la miniserie Prosperity, que estaba protagonizada por un personaje diferente en cada uno de sus cuatro episodios. El drama What Richard Did (2012) y la comedia dramática Frank (2014), además de la que hoy nos ocupa, completan su escueta pero jugosa filmografía.

La película: La habitación (Room es su título original) es uno de esos trabajos que merece la pena ver sin conocer casi nada, o mejor dicho, conociendo lo mínimo sobre el. En mi caso, no había visto siquiera el trailer de la película ni leído la sinopsis, que por cierto, en mi opinión cuenta demasiado en otros portales de cine que posteriormente he repasado, por lo que les aseguro que yo aquí no desvelaré absolutamente nada en relación con su historia, para que puedan tener una experiencia similar a la mía si es que deciden verla, algo que les recomiendo absolutamente. Al final del artículo les dejaré el trailer, como normalmente suelo hacer, pero igualmente les recomiendo que no lo vean, ya que cuanto menos sepan de ella mejor.

Estamos ante una de esas ocasiones en las que das gracias por amar tanto este arte, una de esas que vuelven a demostrar que no es necesario un presupuesto desorbitado si tienes algo grande que contar y sabes como hacerlo, porque el como hacerlo en este tipo de trabajos es lo que lo colocan a este lado de la delgada linea que lo separa de esas películas mediocres que ponen por pares las tardes de los fines de semana en televisión. Ese es para mi el principal acierto de este magnífico producto, dejar a su historia y sus dos protagonistas la importancia que tienen, sin adulterarlas en ningún momento, sin emplear sofisticados medios ni salirse en ningún momento de su enorme sobriedad, para no desviar un solo instante la atención de donde debe permanecer, de sus verdaderos protagonistas.