El juicio de los 7 de Chicago (The Trial of the Chicago 7) - Aaron Sorkin (2020)

Título original - The Trial of the Chicago 7

Año - 2020

Duración - 129 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Aaron Sorkin

Guion - Aaron Sorkin

Música - Daniel Pemberton

Fotografía - Phedon Papamichael

Montaje - Alan Baumgarten

Vestuario - Susan Lyall

Producción - Marc E. Platt, Stuart M. Besser y Matt Jackson

Productora - Co-production Estados Unidos-Reino Unido; Amblin Partners, Paramount Pictures, Cross Creek Pictures, Marc Platt Productions, Reliance Entertainment, DreamWorks SKG, MadRiver Pictures, ShivHans Pictures (Distribuidora: Netflix)

Reparto - Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Mateen II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson

Género - Drama, Basado en hechos reales, Años 60, Drama judicial, Abogados/as, Drama social

Aaron Sorkin es el guionista y director de The Trial of the Chicago 7, un trabajo que tras sortear multitud de dificultades durante 13 largos años, por fin vio la luz en 2020. En la actualidad está disponible en Netflix, por lo que tenéis la posibilidad de disfrutar de un excelente drama judicial al que no le faltan toques de humor, que nos cuenta la historia de uno de los juicios mas famosos y bochornosos de la historia en Estados Unidos, en una época de grandes cambios en el país norteamericano. Por cierto, acaba de ganar el Globo de oro al mejor guion. Juzguen ustedes mismos.

Sinopsis - En agosto de 1968, Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden, Rennie Davis, David Dellinger, Lee Weiner, John Froines y Bobby Seale hacen preparativos para realizar una marcha hacia Chicago, aprovechando la Convención Nacional Demócrata, con el objetivo de protestar por la cantidad de personas que pierden la vida en la guerra de Vietnam. Cinco meses después de los violentos disturbios que se produjeron en ellas, y tras el relevo del Fiscal General, los ocho son arrestados y acusados ​​de conspiración e incitación a la violencia. 

El director - Aaron Benjamin Sorkin es un guionista, productor, dramaturgo y actor estadounidense nacido en Nueva York, el 9 de junio de 1961. Hijo de una maestra y un abogado especializado en derechos de autor que había combatido en la Segunda Guerra Mundial, se crio en el barrio neoyorquino de Scarsdale. Se formó en la Scarsdale High School, donde fue miembro de los clubes de drama y teatro, y en la Universidad de Siracusa.

Durante su brillante carrera nos ha dejado muestras de su trabajo como guionista en Algunos hombres buenos (1992), Malicia (1993), El presidente y Miss Wade (1995), Sports Night (1998 - 2000), El ala oeste de la Casa Blanca (1999 - 2006), Studio 60 (2006 - 2007), La guerra de Charlie Wilson (2007), La red social (2010), Moneyball: Rompiendo las reglas (2011), The Newsroom (2012 - 2014), Steve Jobs (2015), Molly's Game (2017) o El juicio de los 7 de Chicago (2020).

Es además el creador de las series de televisión Sports Night (1998 - 2000), El ala oeste de la Casa Blanca (1999 - 2006), Studio 60 (2006 - 2007) y The Newsroom (2012 - 2014). Ha dirigido recientemente los largometrajes Molly's Game (2017), con la participación de Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner y Michael Cera, y El juicio de los 7 de Chicago (2020). También ha interpretado pequeños papeles en alguno de los trabajos anteriormente mencionados y en las series Entourage (El séquito) (2009) y Rockefeller Plaza (2011). En la actualidad trabaja en Being the Ricardos, un largometraje que repasa la vida de Lucille Ball, y una adaptación para televisión de su primer gran éxito, Algunos hombres buenos.

La película - En el mundo del cine, tal como ocurre en multitud de campos en esta vida, hay trabajos que parecen gafados desde incluso antes de ver la luz. En el caso que hoy nos ocupa, el bueno de Aaron Sorkin tenía preparado su guion en 2007, para que Steven Spielberg dirigiese a un elenco de actores desconocidos, pero la huelga de guionistas de 2007 y algunos problemas de presupuesto llevaron a Spielberg a abandonar el proyecto. Una década después fue el propio Sorkin el que asumió la dirección del largometraje, que Paramount Pictures pensaba distribuir en cines, pero la dichosa pandemia impidió su normal difusión, por lo que tras una muy limitada distribución en un puñado de cines, fue la plataforma Netflix la que adquirió sus derechos y nos permite al menos disfrutarla en la comodidad del hogar.

The Iceman (El hombre de hielo) - Ariel Vromen (2012)

Título original - The Iceman
Año - 2012
Duración - 106 min.
País - Estados Unidos
Director - Ariel Vromen
Guión - Ariel Vromen y Morgan Land, basado en la novela The iceman: The true story of a cold-blooded killer, de Anthony Bruno
Música - Haim Mazar
Fotografía - Bobby Bukowski
Montaje - Danny Rafic
Producción - Ehud Bleiberg, Avi Lerner y Ariel Vromen
Productora - Bleiberg Entertainment / Millennium Films
Género - Thriller
Reparto - Michael Shannon, Winona Ryder, Ray Liotta, Chris Evans, David Schwimmer, Stephen Dorff, Robert Davi, Olga Fonda, Christa Campbell, Ryan O'Nan, Weronika Rosati, Danny A. Abeckaser, Ori Pfeffer, Brian Kinney, James Franco

Ariel Vromen adaptó, junto a Morgan Land, la novela de Anthony Bruno y dirigió este biopic que narra la historia de Robert Leonard Kuklinski, un asesino a sueldo al que se le atribuyen un mínimo de cien asesinatos durante los años 60 y 70, aunque podrían ser muchos mas. Un magnífico thriller filmado con pulso firme y gran brillantez, que sin embargo sufrió algo similar a lo que sufren todas las películas que tratan sobre el crimen organizado, la injusta comparación con los clásicos del género. Destacar el trabajo de todo su reparto, haciendo mención especial al del magnífico Michael Shannon, que da vida de forma magistral a Kuklinski. Muy recomendable.

Sinopsis: Richard Kuklinski (Michael Shannon) es un hombre de carácter frío que se gana la vida doblando películas porno, que después son distribuidas por la mafia. Un buen día es abordado en su lugar de trabajo por un grupo de hombres liderado por Roy DeMeo (Ray Liotta), un poderoso jefe de la mafia que le acaba comunicando que cierra el negocio de doblaje. Roy ve algo en el, por lo que le ofrece trabajo como recaudador y matón, algo que despertará al animal con el que Richard convive desde pequeño. Casado y con dos hijos, Kuklinski llevará una doble vida como marido y padre ejemplar en su vida privada y un frío asesino apodado "El hombre de hielo".

El director: Ariel Vromen es un director de cine y guionista israelí nacido en Tel Aviv, el 14 de febrero de 1973. Desde los 12 años, fecha en que sus padres le compraron una cámara de 8 mm, pasó su adolescencia filmando multitud de cortometrajes. Tras su servicio militar y estudiar derecho en Inglaterra, dirigió el cortometraje Jewel of the Sahara (2001), protagonizado por Gerard Butler, que le abrió las puertas para escribir, junto a Morgan Land, y dirigir su primer largometraje, un thriller titulado RX. Al límite del riesgo (2005), en el que aparecen nombres como Eric Balfour, Colin Hanks o Lauren German. Al año siguiente estrenó Danika (2006), donde mezcla drama, terror y thriller con el indiscutible protagonismo de Marisa Tomei. Tras adaptar, junto a Morgan Land, y dirigir The Iceman (2012), este mismo año ha estrenado Criminal (2016), un thriller de ciencia ficción en el que ha contado con 3 pesos pesados como Kevin Costner, Gary Oldman y Tommy Lee Jones. Actualmente trabaja en el documental Renegade, que espera estrenar en 2017.

La película: No puedo decir que no conociera con anterioridad al personaje al que retrata la película, un asesino a sueldo llamado Richard Kuklinski, ya que tuve la oportunidad hace tiempo de ver el documental titulado Richard Kuklinski, el hombre de hielo, que podéis disfrutar mas abajo tras el trailer, pero lo que si puedo asegurar es que tras ver la actuación de Michael Shannon dándole vida en la película que hoy nos ocupa, realmente merece la pena verla. Aunque quiero que, quienes no la hayáis visto aún, tengáis una idea aproximada de lo que tenemos en frente. The Iceman no está realizada para ser una película de gansters, aunque lógicamente es el mundo en el que salió la bestia que llevaba en su interior nuestro protagonista, en el que se movió durante mas de dos décadas para saciar su macabro apetito, por lo que la presencia del crimen organizado en la película es algo constante. Lo que sus responsables quieren contarnos realmente es la vida de su protagonista y como consiguió durante tanto tiempo mantener a su familia al margen de todo, que es algo bastante diferente. Por lo tanto veo un tanto injusto compararla con cualquier película del género, en vez de con un biopic, que es lo que realmente es.

Dicho esto, me gustaría aclarar que estamos ante un trabajo muy completo, filmado de forma inteligente y bastante práctica, con un magnífico guión capaz de atrapar al espectador desde la primera escena y un reparto a la altura de las circunstancias. El principal escollo por el que creo no ha alcanzado la excelencia es que su director, principal artífice del proyecto, sea Ariel Vromen, que realiza un trabajo realmente meritorio, pero que desgraciadamente carece de esa magia que tan solo unos pocos elegidos han conseguido darle al cine desde la dirección, algo que podéis comprobar fácilmente echando un vistazo a su escueta filmografía. A pesar de ello, y como ya he mencionado anteriormente, Vromen firma su mejor trabajo hasta la fecha, supliendo sus carencias con grandes dosis de inteligencia y una enorme capacidad de utilizar los medios de los que dispone.

Legend - Brian Helgeland (2015)

Título original - Legend
Año - 2015
Duración - 131 min.
País - Reino Unido
Director - Brian Helgeland
Guión - Brian Helgeland, basado en el libro de John Pearson
Música - Carter Burwell
Fotografía - Dick Pope
Montaje - Peter McNulty
Producción - Tim Bevan, Eric Fellner, Chris Clark, Quentin Curtis y Brian Oliver
Productora - Coproducción Reino Unido-USA; Working Title Films / Cross Creek Pictures / ACE
Género - Thriller, Drama
Reparto - Tom Hardy, Emily Browning, Colin Morgan, David Thewlis, Christopher Eccleston, Paul Anderson, Chazz Palminteri, Tara Fitzgerald, Nicholas Farrell, Adam Fogerty, Mel Raido, Sam Spruell, Millie Brady, Chris Mason, Alex Ferns, Taron Egerton

Brian Helgeland adapta el libro The Profession of Violence de John Pearson y dirige esta película biográfica sobre dos gansters que dominaron el crimen organizado en el Este de Londres durante los años 50 y 60, los gemelos Kray, a los que da vida el bueno de Tom Hardy. Un trabajo un tanto plano y falto de fuerza, en el que sus responsables anteponen la relación romántica entre dos de sus protagonistas a las actividades que mantienen a los hermanos al mando, algo que resta bastante al resultado final. Se puede ver, pero es bastante mejorable en casi todos sus apartados.

Sinopsis: Ronald y Reginald Kray (Tom Hardy) son dos hermanos gemelos muy diferentes. Reggie es el mayor de ambos, lleva la voz cantante y trata por todos los medios de controlar el difícil carácter de su hermano Ronald, mucho mas violento y anárquico, en parte por padecer trastornos psiquiátricos severos. A pesar de dichas diferencias, ambos serán capaces de imponer su ley en la zona Este de Londres, creando un imperio del crimen organizado que dominará la zona durante casi dos décadas. La entrada en escena de Frances Shea (Emily Browning), de la que Reggie se enamora al instante, agrandará las diferencias entre ambos hermanos.

El director: Brian Helgeland es un guionista, productor y director de cine estadounidense, nacido en Providence, Rhode Island, el 17 de enero de 1961. Comenzó su carrera como guionista mas de una década antes de comenzar a dirigir. Entre los guiones de los que es responsables están Pesadilla en Elm Street 4: El amo del sueño, Autopista al infierno, L.A. Confidential, Conspiración, Payback, Destino de caballero, Deuda de sangre, Mistic river, El fuego de la venganza, Asalto al tren Pelham 1 2 3, El circo de los extraños, Green Zone: Distrito protegido, Robin Hood o 42, entre otros. Debutó tras las cámaras en 1996 dirigiendo un episodio de la serie Historias de la cripta. Seguidamente dirigió Payback (1999), interpretada por Mel Gibson, tras la que dirigió Destino de caballero (2001) y Devorador de pecados (2003), ambas interpretadas por Heath Ledger. En 2006 escribió y dirigió la secuela Payback: Straight Up, de nuevo con Mel Gibson como protagonista, tras la que hizo lo propio con 42 (2013), en la que participan Chadwick Boseman y Harrison Ford, entre otros. Legend ha sido su último trabajo como guionista y director.

La película: Realizar una película de gansters debe parecer mas fácil de lo que realmente es, o al menos, debe ser lo que muchos realizadores imaginan, sobre todo si echamos un vistazo a los últimos trabajos aparecidos dentro de este género, que tantas alegrías nos dio en tiempos pasados, pero que en la actualidad parece bastante agotado, al menos tal como la mayoría de ellos lo pretenden filmar. Ves un trabajo como Godfellas, del maestro Scorsese, y la cosa parece coser y cantar, pero hace falta un enorme talento para conseguir que, en los tiempos que corren, el público quede satisfecho con una película de chicos malos, tan acostumbrados como están a ver corrupción, tanto en la ficción, como en la cruda realidad.

Para ello necesitas tener una buena historia, saber llevarla con habilidad y cierto encanto a la gran pantalla, unos personajes sumamente carismáticos y, si puede ser, añadirle una buena femme fatale, pues mejor que mejor. Aquí se echa de menos, y bastante, casi todo lo que os he mencionado, porque aunque no he leído el libro y no puedo opinar si la historia daba para mas, algo que no me extrañaría en exceso, por lo menos puedo asegurar que no está bien llevada a la pantalla, algo que convierte una historia de crimen y violencia, de constante lucha por el poder, en una sucesión de acontecimientos amontonados sin excesivo atino, que no deja ningún tipo de huella y no tarda apenas nada en ser olvidada. En otras palabras: para ser la historia de dos de los gansters mas famosos de la historia del Reino Unido, carece de la fuerza y la garra necesarias para dejar una esperada huella.

Queridísima mamá (Mommie Dearest) - Frank Perry (1981)

Título original - Mommie Dearest
Año - 1981
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Perry
Guión - Frank Perry, Frank Yablans, Tracy Hotchner, Robert Getchell, basado en el libro de Christina Crawford
Música - Henry Mancini
Fotografía - Paul Lohmann
Montaje - Peter E. Berger
Producción - Frank Yablans, David Koontz, Terrence O'Neill y Neil A. Machlis
Productora - Paramount Pictures
Género - Drama
Reparto - Faye Dunaway, Steve Forrest, Diana Scarwid, Mara Hobel

Frank Perry escribió, junto a Frank Yablans, Tracy Hotchner y Robert Getchell, y dirigió Mommie Dearest (Queridísima mamá en España y Mamita querida en Hispanoamérica), una interesante película biográfica sobre la vida de Christina Crawford, la primera de los cuatro niños que la actriz Joan Crawford adoptó durante su vida. Un trabajo que deja bastante que desear en varios aspectos, que cuenta las experiencias personales de Christina con respecto a su madrastra, tomándose mas de una evidente licencia y que no debemos confundir con un biopic de la actriz, ya que solo se cuenta la parte de su vida relacionada con su hija, parte además descrita por la propia Christina en el polémico libro Mommie Dearest, que publicó con su madre aún viva. Tan obsesiva y repetitiva como interesante y ¿fidedigna?

Sinopsis: La película nos cuenta parte de la vida de la famosa actriz Joan Crawford, concretamente la parte vista desde los ojos de Christina Crawford, la primera niña que adoptó y la que, al parecer, sufrió en sus carnes los evidentes problemas mentales de la talentosa y controvertida actriz. Vapuleada por crítica y público durante años, el tiempo ha dado a este trabajo un lugar que nunca debería de haber ocupado si la juzgamos únicamente por su calidad, pero que gracias a su evidente exageración y a contar la presunta historia de una actriz a la que siempre acompañó la polémica, ha conseguido llegar a convertirse en todo un clásico "camp", e incluso en una película de culto para muchos.

El director: Frank Perry fue un director estadounidense nacido en Nueva York, el 21 de agosto de 1930. Tras asistir a la Universidad de Miami, produjo varias obras de teatro en Westport, tras lo que se dedicó a la producción de documentales de televisión. Tras participar en la Guerra de Corea, debutó como director con el drama de bajo presupuesto Elisa (David and Lisa), con un guión escrito por su esposa Eleanor Rosenfeld, por el que fue nominada a un Oscar. Tras ella llegaron Ladybug Ladybug (1963) y varios telefilms, hasta que en 1968 dirigió El nadador, interpretada por Burt Lancaster y que es para mi su mejor película junto a su debut. Tras ella llegaron El verano pasado (1969), un buen drama en el que se adapta una novela de Evan Hunter y Trilogy (1969), en el que adaptan varias historias de Truman Capote (guión del propio Truman Capote y Eleanor Perry). Su siguiente trabajo fue Diario de una esposa desesperada (1970), una comedia dramática que adapta una novela de Sue Kaufman, Duelo a muerte en el OK Corral (1971), Play It As It Lays (1972), Man on a Swing (1974), Vidas sin barreras (1975), el telefilm El tonto (1979), participó en la serie Skag (1980) y fue vapuleado por la que hoy nos ocupa. Hasta el final de su carrera dirigió Monseñor (1982), protagonizada por Christopher Reeve y las olvidables Posiciones comprometidas (1985) y ¿Estás muerta, cariño? (1987). Su último trabajo fue On the Bridge (1992), documental en el que narra la lucha contra el cáncer de próstata, que finalmente acabaría llevándoselo en 1995.

La película: Quiero comenzar dejando claro, si es que no lo he hecho suficientemente hasta ahora, que si estamos ante un biopic, no es precisamente sobre la actriz Joan Crawford, sino sobre la versión sobre la relación que esta tuvo con Christina Crawford, su primera hijastra. No seré yo quien ponga en entredicho la historia que cuenta Christina, ya que no poseo pruebas ni a favor ni en contra de su verosimilitud, pero si quiero dejar claro que hasta donde yo conozco, la historia se ha cambiado y se han omitido diversos detalles de la misma, no siendo estos precisamente livianos o insignificantes, como la no aparición de dos de los tres hermanastros que convivieron con ella o la forma en la que insinúa en el final de la película su intención de escribir la novela a la que tanto provecho sacó posteriormente, tras ser desheredada junto a su hermanastro, cuando esto fue consecuencia precisamente de haberla escrito con su madrastra aún viva, motivo que esgrimió la actriz para hacerlos desaparecer del testamento.

Tampoco quiero ser yo quien defienda a una magnífica actriz, que a su vez dejaba mucho que desear como persona, algo que no solo estaba en la mente de su hijastra, sino que ha sido corroborado por muchos y muchas de los que tuvieron la oportunidad de trabajar o conocer a la controvertida diva. Joan Crawford ha sido descrita por los que mejor la conocieron como manipuladora, de carácter un tanto bipolar, totalmente obsesionada con la limpieza y con una dependencia total al alcohol. De su vida amorosa prefiero no pronunciarme, al no tener datos objetivos, pero si les comentaré que se dice que era famosa por su promiscuidad, tanto con hombres como mujeres, algo que, al menos para mi, tiene escasa importancia.

An American Crime - Tommy O'Haver (2007)

Título original - An American Crime
Año - 2007
Duración - 98 min.
País - Estados Unidos
Director - Tommy O'Haver
Guión - Tommy O'Haver y Irene Turner
Música - Alan Lazar
Fotografía - Byron Shah
Montaje - Melissa Kent
Producción - Jonathan McCoy
Productora - First Look Pictures
Género - Drama, Thriller (Basado en hechos reales, Años 60, Cine independiente)
Reparto - Catherine Keener, Ellen Page, James Franco, Bradley Whitford, Nick Searcy, Hayley McFarland, Ari Graynor, Evan Peters, Hannah Leigh Dworkin, Scout Taylor-Compton, Carlie Westerman, Jeremy Sumpter, Scott Eastwood

Tommy O'Haver escribió junto a Irene Turner y dirigió este durísimo thriller psicológico, basado en las transcripciones hechas en el juicio posterior a los incomprensibles sucesos ocurridos en la vida real. Un trabajo que, como no puede ser de otra manera, deja una desagradable sensación de perplejidad e impotencia en el espectador, filmado de forma correcta e interpretado a la perfección, sobre todo por Catherine Keener en el papel de Gertrude Baniszewsky y de Ellen Page en el de Sylvia Likens.

Sinopsis: Sylvia y Jennifer Likens (Ellen Page y Hayley McFarland) son dos hermanas que viven de forma precaria con su madre Betty (Romy Rosemont), prácticamente separada de Lester (Nick Searcy), que continúa trabajando cuando puede en una feria ambulante. Pero tras la aparición repentina de este con noticias sobre un posible trabajo para el matrimonio en la feria, no tienen otro remedio de dejar a sus hijas al cargo de Gertrude Baniszewski (Catherine Keener), madre de seis niños que se ofrece a cuidar de ellas a cambio de una compensación económica. Pero lo que en principio parece ser un tramite, se convertirá en una auténtica pesadilla, sobre todo para Sylvia, sobre la que Gertrude cargará toda su frustración.

El director: Tommy O'Haver es un director de cine y guionista estadounidense, nacido en Indianapolis, Indiana, el 24 de octubre de 1968. Tras graduarse en la universidad de Indiana en Periodismo, asistió al programa MFA de Cine de la Universidad del Sur de California a mediados de los 90, donde dirigió varios cortos que aparecían en los principales festivales, incluyendo Sundance y el Festival de Cine de Nueva York. Su filmografía es bastante escueta, incluyendo tan solo cuatro títulos, incluido el que hoy nos ocupa. Debutó con la comedia romántica Billy's Hollywood Screen Kiss (1998), puede que su mejor trabajo tras An American Crime (2007). Tras ella filmó una nueva comedia romántica titulada Así es el amor (Get Over It, 2001) y protagonizada por Kirsten Dunst y Ben Foste. Hechizada (Ella Enchanted) (2004) fue su siguiente trabajo, un drama romántico fantástico en el que aparecían nombres como Anne Hathaway, Hugh Dancy o Cary Elwes, entre otros. Tras An American Crime (2007), su mejor trabajo con bastante diferencia, solo ha dirigido algún episodio suelto de la serie United States of Tara (2009).

La película: Mas allá de la indudable dureza de la historia que nos cuenta este necesario trabajo, que a buen seguro dejará con la boca abierta a mas de uno, al menos a los que como yo vean la película sin conocer la historia, algo que les aconsejo desde ya, lo que mas indignación ha creado en mi es la evidente oscuridad que reside en el alma de la especie a la que todos pertenecemos, los seres humanos. Constatar, sin llegar a juzgar el grado de fidelidad de la película respecto a la historia real, como un enorme grupo de seres humanos son capaces de vivir con la conciencia perfectamente tranquila tras conocer, e incluso participar, en los hechos que aquí se nos cuentan, dice muy poco de nosotros como especie, convirtiéndonos en los seres mas despreciables de los que tenemos la certeza de su existencia. No es algo que no supiera antes de ver esta película, de eso no os quepa duda, pero cada prueba que ayuda a que desaparezcan las pocas dudas que tenía, no hacen mas que acrecentar esa sensación que ronda entre la pena y el mas profundo asqueo hacia nuestra propia condición.

Es esta una historia de esas que bien podrían ocupar uno de esos inaguantables telefilms de baja calidad que nos meten con calzador en las sobremesas de los fines de semana, algo que en algunos momentos de su visionado puede llegar a parecer una realidad, pero que en esta ocasión sobresale de estas en casi todos sus apartados, en unos mas que en otros, pero sobre todo en el de sus principales protagonistas, que aquí realizan un trabajo que difícilmente podremos disfrutar en un telefilm de medio pelo. Otra de esas diferencias claras es la forma en la que Tommy O'Haver dirige la cinta, que aunque tras comprobar su innegable dureza pueda parecer lo contrario, creo que en ningún momento intenta agrandar la, ya de por si agobiante, sensación que crea en el espectador la propia historia, algo que es una de las señas de identidad de las películas mediocres hechas para televisión.

Operación U.N.C.L.E. - Guy Ritchie (2015)

Título original - The Man From U.N.C.L.E.
Año - 2015
Duración - 116 min.
País - Estados Unidos
Director - Guy Ritchie
Guión - Scott Z. Burns y David C. Wilson, basándose en la serie de Sam Rolfe
Música - Daniel Pemberton
Fotografía - John Mathieson
Montaje - James Herbert
Producción - Steve Clark-Hall, Guy Ritchie, John Davis y Lionel Wigram
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Acción, Thriller
Reparto - Henry Cavill, Armie Hammer, Alicia Vikander, Elizabeth Debicki, Hugh Grant, Jared Harris, Christopher Sciueref, Susan Gillias, Luca Calvani, Nicon Caraman
Web oficial - http://manfromuncle.com/

Guy Ritchie fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Scott Z. Burns y David C. Wilson escribieron, basándose en la famosa serie de los años 60, El agente de C.I.P.O.L. Un trabajo visualmente atractivo, en el que destaca su diseño de producción y ese toque característico que el realizador suele dar a su cine, pero que está lastrado por su guión, bastante plano e incluso aburrido diría yo, y la alarmante falta de química entre sus principales protagonistas. Aún así les recomiendo que la vean, ya que su nota media en las principales webs de cine ronda el 7, así que tendrá virtudes que yo no he sabido apreciar.

Sinopsis: Napoleon Solo (Henry Cavill), agente de la CIA, e Illya Kuryakin (Armie Hammer), agente del KGB, deberán dejar de lado momentáneamente sus diferencias y unir fuerzas para evitar los avances de una misteriosa organización que amenaza con romper el, ya de por si, frágil equilibrio existente en la carrera armamentística nuclear. Para ello deberán utilizar a Gaby Teller (Alicia Vikander), cuyo padre parece ser la clave utilizada para enriquecer uranio y crear una bomba atómica, para poder intervenir a tiempo y evitar el desastre.

El director: La carrera de Guy Ritchie comenzó de forma meteórica, dejándonos dos trabajos de esos que no se olvidan fácilmente y se disfrutan en varias ocasiones, Lock & Stock (1998) y la anteriormente mencionada Snatch. Cerdos y diamantes (2000). Pero ahí pareció acabársele la inspiración, porque en los siguientes ocho años solo realizó la penosa Barridos por la marea (2002) y Revolver (2005), bastante mejor que la anterior, pero muy por debajo de las primeras. Rocknrolla supuso el renacer del realizador, que sin llegar a la brillantez de sus dos primeros trabajos, si que los sigue muy de cerca. De ella os hablamos en este artículo. Actualmente trabaja en King Arthur, una historia fantástica que se espera para 2016 y en cuyo reparto destacan nombres como Charlie Hunnam, Jude Law, Eric Bana, Hermione Corfield y Astrid Bergès-Frisbey, entre otros.

La película: Como ya comenté en la crítica de la anterior película de Guy Ritchie, una Rocknrolla que nos hacía pensar que retomaría la excelente senda emprendida con sus dos primeros trabajos: Lock & Stock (1998) y Snatch. Cerdos y diamantes (2000), tenía muchas ganas de ver si con Operación U.N.C.L.E. se confirmaba dicha tendencia definitivamente. Ya en verano pude leer varias críticas que, si bien no la ponían a la altura de esas obras, si que la retrataban como una de las mejores películas del verano. Tras visionarla por fin, he de decir que me ha decepcionado bastante, no ya porque sea un trabajo que no ha alcanzado mis expectativas, sino porque por desgracia he de decir que me ha aburrido bastante, encontrando además en el varios errores de bulto que no debería tener una película así.

Entre esos fallos hay que comenzar mencionando el guión escrito por Scott Z. Burns y David C. Wilson, que me parece bastante plano y un tanto soso, además de querer aparentar una inteligencia que yo no le veo por ningún lado. Se que me repito con este tema una y otra vez, pero como decía el genial Billy Wilder, para que un director realice un buen trabajo necesita un buen guión, algo que yo aquí no veo por ninguna parte. Ritchie cambia aquí el frenético ritmo de trabajos como Rocknrolla por uno mas pausado y casi constante, que mas que llevarnos en volandas nos arrastra por una historia sin mucho punch, vista ya en multitud de ocasiones y que no consigue destacar en exceso ni en sus escenas de acción, ni en sus intentos cómicos, que si que nos dejan varias escenas bastante penosas, como la de Illya Kuryakin arrancando la parte trasera de un coche o la de Napoleon Solo parándose a degustar algo de comida en el interior de un camión, en medio de una persecución.

Love & Mercy - Bill Pohlad (2014)

Título original - Love and Mercy
Año - 2014
Duración - 121 min.
País - Estados Unidos
Director - Bill Pohlad
Guión - Oren Moverman y Michael A. Lerner
Música - Atticus Ross
Fotografía - Robert D. Yeoman
Montaje - Dino Jonsäter
Producción - Bill Pohlad, Claire Rudnick Polstein y John Wells
Productora - John Wells Productions / River Road Entertainment
Género - Drama
Reparto - Paul Dano, John Cusack, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Kenny Wormald, Dee Wallace, Erin Darke, Max Schneider, Nikki Wright, Michelle Lenhardt, Claudia Graf, Joanne Spracklen, Paige Diaz, Violet Paley, Kirstin Masters
Web oficial - http://www.loveandmercyfilm.com/

Casi un cuarto de siglo después de su debut, con el que es hasta la fecha su único trabajo en la dirección, Bill Pohlad irrumpe en el panorama cinematográfico con una excelente película, que va mucho mas allá de lo que suele ofrecer cualquier biopic musical al uso. Una apuesta realmente arriesgada que nos muestra la vida del músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, al que dan vida de forma admirable los actores Paul Dano y John Cusack. Una figura clave de la música pop no merecía menos. Sencillamente imprescindible.

Sinopsis: Brian Wilson es uno de los personajes claves de la música pop, aunque su vida está muy lejos de haber sido un camino de rosas. Para mostrárnosla, el realizador nos la enseña a caballo entre dos etapas claves de la misma, los años 60, en los que se produjo el boom de los Beach boys y donde es interpretado por Paul Dano, y los turbulentos años 80, etapa en la que es John Cusack el que da vida al prolífico músico, mostrándonos los graves problemas psicológicos que sufrió y su tortuosa relación con el controvertido terapeuta Dr. Eugene Landy (Paul Giamatti).

El director: La carrera de Bill Pohlad en el mundo del cine es un tanto curiosa. Tras escribir, dirigir y producir el largometraje Old Explorers (1990), del que no puedo opinar ya que desconocía su existencia hasta hace muy poco, se centró en la producción, estando su nombre ligado a multitud de productos entre los que destacan títulos como Retrato de una obsesión (2006), Hacia rutas salvajes (2008), The Runaways (2010), Caza a la espía (2010), El árbol de la vida (2011), 12 años de esclavitud (2013), Alma salvaje (2014) o Time Out of Mind (2014). Sorpresivamente, y tras 24 años desde su debut tras las cámaras, ha conseguido realizar uno de los biopics mas completos que un servidor recuerda, una magnífica película que merece la pena disfrutar.

La película: Lo primero que a uno le viene a la cabeza tras acabar de disfrutar esta excelente película, es la enorme diferencia entre la forma en la que se nos muestra la vida del brillante Brian Wilson y la de la inmensa mayoría de los artistas, ya sean músicos, escultores, pintores o escritores. Mientras que a la hora de hablar de la mayoría de ellos, se nos intenta transmitir como utilizaban su arte para expresar su tormento interior, en el caso de Wilson es precisamente la música la que actuaba como la única forma de conseguir cierto descanso, ya que su carácter extrovertido y sus evidentes problemas psiquiátricos, hacían de su existencia y su relación con los demás mortales, una lucha continua en la que rara vez encontraba descanso o era comprendido, ni siquiera por los que convivían con a el.

Y para mostrarnos la vida de un personaje tan admirado y seguido de forma sincera, pero a la vez sin llegar a ser injusto o faltar a la verdad, los responsables de la película asumieron bastantes riesgos en la forma de hacerlo, algo que tras comprobar el magnífico resultado final, solo podemos calificar como un enorme acierto. Hablo de riesgos porque el uso de constantes saltos temporales con 20 años de diferencia y la utilización de dos actores tan distintos como Paul Dano y John Cusack, dificulta enormemente la creación de un producto redondo, capaz de llegar al público de forma nítida y de dejar a todos contentos con el resultado final, ya seas seguidor del inolvidable personaje o no.

En la cuerda floja - James Mangold (2005)

Título original - Walk the Line
Año - 2005
Duración - 136 min.
País - Estados Unidos
Director - James Mangold
Guión - James Mangold y Gil Dennis, basado en la autobiografía de Johnny Cash
Música - T-Bone Burnett (Canciones de Johnny Cash)
Fotografía - Phedon Papamichael
Montaje - Michael McCusker
Producción - James Keach y Cathy Konrad
Productora - 20th Century Fox
Género - Drama, Romance, Musical
Reparto - Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick, Ginnifer Goodwin, Shelby Lynne, Hailey Anne Nelson, Dallas Roberts, Larry Bagby, Waylon Payne
Web oficial - http://www.walkthelinethemovie.com/

En la cuerda floja es el título que se le dio en España a Walk the Line (Johnny y June: pasión y locura en Hispanoamérica). James Mangold la dirige y escribe su guión junto a Gil Dennis, basándose en la autobiografía del inimitable Johnny Cash para contarnos los primeros años de su vida y sus turbulentos inicios en la música. Mención especial para su pareja protagonista, Joaquin Phoenix en el papel del cantante y, sobre todo, Reese Witherspoon, que borda el papel de June Carter, actuación que le valió para ganar Oscar, BAFTA y Globo de oro.

Sinopsis: La película nos cuenta la vida del famoso cantante Johnny Cash (Joaquin Phoenix) desde su infancia, que transcurre en una granja de algodón en Dyess, Arkansas, junto a sus padres y su hermano mayor Jack, con el que está muy unido, sus inicios en la música, cuando aún tocaba con unos amigos en el porche de casa sin poder sacar adelante a su esposa y sus hijos, sus primeras giras junto a otras leyendas como Elvis Presley, Roy Orbison, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings, y el inevitable declive cuando comienza a tomar drogas y llega a perder completamente el control, estando a punto de echar por tierra todo lo que tanto trabajo le costó alcanzar.

La película: Realizar un biopic no suele ser una tarea fácil, principalmente porque difícilmente se puede contentar a todo el mundo a la hora de reducir a dos horas la vida de un personaje público, mas aún si se trata de una leyenda de la música como Johnny Cash. En este caso en concreto, y dejando claro ante todo que no soy un experto en su música, y mucho menos en su vida, si que he de decir que el resultado es bastante bueno en lineas generales, e incluso brillante en algunos apartados, por lo que es una muy buena forma de conocer los inicios del mítico cantante y empaparnos algo mas de su música, en el caso de que no seas seguidor suyo o, como me ocurre a mi, hayas escuchado algo de ella pero no lo suficiente como para juzgarla adecuadamente.

Es este el sexto trabajo del irregular James Mangold, capaz de dejarnos títulos de cierta calidad como Copland (1997), Inocencia interrumpida (1999), El tren de las 3:10 o Identidad (2003), de la que os hablamos en este artículo, y de dirigir otros no tan notables como Kate & Leopold (2001), Noche y día (2010) o Lobezno inmortal (2013), aunque cada cual tiene sus gustos, claro está. Walk the Line pertenece al primer grupo, de ello no me cabe ninguna duda, aunque es un trabajo que, según quien lo disfrute, puede tener ciertos peros que echarán a algunos para atrás y que mas tarde intentaremos desvelar.

El guión es obra del propio James Mangold junto a Gil Dennis, teniendo la enorme virtud de, sin llegar a mostrar la vida del cantante al pie de la letra, ser capaz de no resultar exagerado y complacer a casi todos, aunque he de decir que el cantante sale bastante bien parado en relación a su comportamiento y a como llegó a perder los papeles, obviando varios incidentes que no comentaré aquí y ahora, con la clara intención de no manchar en exceso la imagen del genial músico y si fomentar su grandeza. Algo lógico para algunos, pero excesivamente complaciente para otros, entre los que me encuentro, pero ya sabemos como funciona esta industria, así que es algo que me resulta incluso lógico, mas aún si tenemos en cuenta que uno de los productores de la película es uno de los hijos del cantante, el señor John Carter Cash.

The Damned United - Tom Hooper (2009)

Título original - The Damned United
Año - 2009
Duración - 97 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Hooper
Guión - Peter Morgan, basado en la novela de David Peace
Música - Robert Lane
Fotografía - Ben Smithard
Montaje - Melanie Oliver
Producción - Andy Harries y Grainne Marmion
Productora - BBC Films / Left Bank Pictures / Screen Yorkshire
Género - Drama
Reparto - Michael Sheen, Timothy Spall, Colm Meaney, Jim Broadbent, Joe Dempsie, Stephen Graham, Maurice Roëves, John Savage, Keiran Waite

Tom Hooper fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Peter Morgan realizó basándose en la novela de David Peace. Una historia real basada en el deporte rey, y en concreto en los fatales 44 días de Brian Clough como entrenador del Leeds United, pero que esconde en su interior una riqueza inusual en un trabajo de este tipo, retratando a la perfección como es el mundo del fútbol y la propia vida en general, tras una fina capa de humor negro que le sienta de maravilla. No se la pierdan, me sorprendió y mucho.

Sinopsis: Después de que Inglaterra no se clasificara para el Mundial de Alemania, el seleccionador Alf Ramsey es cesado y en su lugar se contrata a Don Revie (Colm Meaney), técnico con el que el Leeds United logró sus mayores éxitos de la historia. El elegido para sustituirlo fue Brian Clough (Michael Sheen), anterior entrenador del Derby County y feroz crítico del estilo de juego físico y excesivamente violento que Revie había inculcado en el Leeds, que además aceptó el cargo en contra de la voluntad de su ayudante de toda la vida, un Peter Taylor (Timothy Spall), que rechazó irse con él para cumplir su palabra y fichar por el modesto Brighton. Pero cambiar la mentalidad de todo un club resultará una tarea mucho mas difícil de lo que imagina.

La película: He de comenzar diciendo que aunque no soy un aficionado devoto al fútbol, ya que casi siempre prefiero ver cine o una serie a un partido (excepto algunos de mi equipo, claro), este trabajo me ha sorprendido muy gratamente, hasta el punto que estoy en condiciones de afirmar que es uno de los mejores que he visto, no solo sobre fútbol, sino sobre deporte en general. Digo esto porque no creo que sea necesario ser un apasionado de dicho deporte para disfrutarlo, aunque lógicamente ayuda bastante, porque estamos ante una película que para mi es mucho mas que una de las habituales sobre deportes, en la que se analiza lo efímera que suele resultar la fama y lo ingrata que puede llegar a ser esta vida, sobre todo si pierdes de vista una pizca de humildad a la hora de afrontarla.

Una de las primeras cosas que quiero destacar de ella es la forma en la que está estructurada y contada, algo que en mi opinión le hace mucho bien. Se utiliza para ello cierto número de saltos temporales, todos ellos perfectamente señalados y fáciles de seguir, para ir contándonos a la vez la vida del controvertido Don Revie (Colm Meaney) en el momento de su fichaje por el Leeds, intercalando varios pasajes del largo camino que recorrió hasta llegar a dicho momento, de forma brillante. Por ello hay que valorar como merece el trabajo de Melanie Oliver, encargada del montaje de la cinta.

Big eyes - Tim Burton (2014)

Título original - Big Eyes
Año - 2014
Duración - 106 min.
País - Estados Unidos
Director - Tim Burton
Guión - Scott Alexander, Larry Karaszewski
Música - Danny Elfman
Fotografía - Bruno Delbonnel
Montaje - Joseph C. Bond IV
Producción - Scott Alexander, Tim Burton, Lynette Howell yLarry Karaszewski
Productora - Silverwood Films / Electric City Entertainment / Tim Burton Productions / The Weinstein Company
Género - Drama, Basado en hechos reales
Reparto - Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter, Terence Stamp, Heather Doerksen, Emily Fonda, Jon Polito, Steven Wiig, Emily Bruhn, David Milchard, Elisabetta Fantone, Connie Jo Sechrist, James Saito
Web oficial - http://bigeyesfilm.com/

Tim Burton vuelve a sorprender a propios y extraños con su nuevo trabajo, en el que vuelve a aparcar sus aires lúgubres y góticos para contarnos, mediante una explosión de luz y color, la vida de la pintora Margaret Keane. Con un guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski, la maravillosa fotografía de Bruno Delbonnel, la banda sonora de Danny Elfman y el protagonismo de Amy Adams y Christoph Waltz, asistiremos a un trabajo que gustará mas o menos, pero que merece la pena disfrutar, aún quedando bastante lejos de las joyas que de vez en cuando nos regala.

Sinopsis: Margaret Keane (Amy Adams) es una esposa que tuvo que abandonar a su marido harta de como la trataba. Con su hija Jane (Delaney Raye) y sin medios económicos se traslada de ciudad e intenta iniciar una nueva vida vendiendo sus pinturas, muy características por ser todas ellas de niñas con los ojos muy grandes. Pero cuando en un mercadillo conoce a Walter Keane (Christoph Waltz), un pintor especializado en paisajes franceses, y se enamora de el, su obra comienza a ser conocida gracias a su habilidad para el marketing. Lo que no imagina son los problemas que este le llegará a causar al querer atribuirse la autoría de los cuadros.

El director: Tim Burton es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense nacido en Burbank, California, el 25 de agosto de 1958. Su infancia estuvo caracterizada por la representación, junto a su hermano, de parodias relacionadas con delitos sangrientos (homicidios, asesinatos, etc). Adoraba el cine, en especial el cine fantástico, quedando marcado por una de las primeras películas que vió: Jason y los Argonautas (1963), embelesado por los efectos especiales de Ray Harryhausen y su técnica "stop motion", que usaría mas tarde en alguna de sus películas. Tras concluir sus estudios de bachillerato, ingresó en su segundo año universitario en el Instituto de Artes de California, donde realizó una serie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster, trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney para colaborar en sus próximos filmes y proyectos.

La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman (1989) o Pesadilla antes de Navidad (1993), esta última producida por él mismo. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentran Bitelchús (1988), Eduardo Manostijeras (1990), Ed Wood (1994), Mars Attacks! (1996), Sleepy Hollow (1999), Big Fish (2003), Charlie y la fábrica de chocolate (2005) o Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (2007).

Desde que dirigió su primer largometraje, La gran aventura de Pee-Wee (1985), ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, de las que algunas han sido notablemente premiadas. Sus películas La novia cadáver (2006) y Frankenweenie (2012), fueron candidatas al Óscar a la mejor película de animación. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su ex pareja Helena Bonham Carter. El 15 de marzo de 2010 Tim fue distinguido como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. Actualmente trabaja en tres proyectos: Miss Peregrine's Home for Peculiar Children (2016), el remake de la famosa Dumbo (2017) y Bitelchus 2 (2018).

La película: Big eyes tiene un problema bastante grande para la enorme legión de fans que Burton ha ido recopilando a lo largo de su carrera: no parece una película de el, algo que muchos ni respetan, ni valoran, ni entienden. El director parece estar en un momento en el que busca nuevos alicientes en su trabajo, nuevos retos e incluso una nueva forma de hacer cine, algo que ha hecho que sus últimos trabajos no sean muy del agrado de muchos de sus incondicionales, acostumbrados a sus mundos oscuros y sus personajes lúgubres. Y claro, si esperas algo así y te encuentras con un espectáculo iluminado en tonos pastel, no todos quedan satisfechos. Pero eso no significa que estemos ante un mal trabajo, aunque si hay que reconocer que queda lejos de sus mejores obras.

La conspiración del silencio - Giulio Ricciarelli (2014)

Título original - Im Labyrinth des Schweigens (Labyrinth of Lies)
Año - 2014
Duración - 122 min.
País - Alemania
Director - Giulio Ricciarelli
Guión - Elisabeth Bartel, Giulio Ricciarelli
Música - Sebastian Pille
Fotografía - Roman Osin
Montaje - Andrea Mertens
Producción - Jakob Claussen, Sabine Lamby y Ulrike Putz
Productora - Beta Film
Género - Drama, Basado en hechos reales
Reparto - Alexander Fehling, Andre Szymanski, Friederike Becht, Johannes Krisch, Hansi Jochmann, Johann von Buelow, Robert Hunger-Buehler, Lukas Miko, Gert Voss

Giulio Ricciarelli escribe el guión junto a Elisabeth Bartel y dirige este honesto drama basado en hechos reales que describe como un aún confundido, y agarrotado por el miedo, pueblo alemán, mantenía a multitud de responsables del genocidio colocados cómodamente en las instituciones del estado tras la guerra y como el esfuerzo de unos pocos consiguió que tal afrenta finalizase. Un trabajo de una honestidad y una fidelidad a la realidad innegables, que no consigue cotas mas altas por su excesivo formalismo.

Sinopsis: En la Alemania de la posguerra, tras el final del régimen comandado por Adolf Hitler, la joven democracia iba cogiendo fuelle poco a poco mientras el pueblo relamía sus heridas e intentaba olvidar. El joven fiscal Johann Radmann (Alexander Fehling) recibió una denuncia que nadie parecía estar dispuesto a investigar, sobre un antiguo oficial nazi que ejercía como profesor en una escuela pública. Lo que no imaginaba era la cantidad de casos similares que encontró cuando comenzó a investigar, y mucho menos el conocimiento de ello que tenían en las mas altas esferas del propio gobierno.

El director: Giulio Ricciarelli es un actor, director y productor de cine italiano afincado en Alemania.

Después de completar su educación en la Munich Otto-Falckenberg School (1985-1987), Ricciarelli comenzó su carrera en los escenarios. Su debut fue en la temporada 1989/1990, en el Teatro de Basilea. En 1991, actuó entre otros en el Teatro Estatal de Stuttgart y en el Oberhausen Theater. En 1992 adquirió un compromiso por dos años con el Teatro de Bonn. En el Teatro Estatal de Baviera en Munich interpretó en 1994/1995, entre otros, en la obra Don Carlos, dirigida por Jérôme Savary y protagonizada por Jean en Zazou. En este período también realizó su primer papel protagonista en una película de televisión, en Tonino y Toinette, dirigida por Xaver Schwarzenberger. A partir de 1995, realizó papeles en series como Dr. Martin.

En el mundo del cine, Ricciarelli interpretó un pequeño papel, entre otras, en Rossini (1996). En el año 2000 fundó con Sabine Lamby la Naked Eye Film Production en Munich, donde ejerce como director general. Además de trabajar como productor de películas como Amigo extranjero (con Antonio Wannek y Hörbiger mavie , 2003), también se inició como director. Su cortometraje Vicente recibió el Gorrión Dorado en 2.005 y fue nominado en 2006 para el Premio de Cine Europeo. La conspiración del silencio es el único largometraje que ha dirigido hasta el momento, además de continuar apareciendo constantemente como actor en televisión.

La película: La conspiración del silencio es una película que se antoja necesaria, principalmente por el poco conocimiento general que existe en la opinión pública de los hechos que en ella se relatan, hechos de una gravedad enorme, que pudieron haber conducido a una nueva catástrofe de proporciones mundiales, pero que gracias al empeño de unos pocos, han quedado solo como un motivo mas de vergüenza para el pueblo alemán. Lo que si es realmente admirable, es que sea un realizador y una película de dicha nacionalidad los que los den a conocer, algo que habla muy bien de dicho pueblo y que sería imposible de observar en otros muchos.