Comanchería (Hell or High Water) - David Mackenzie (2016)

Título original - Hell or High Water

Año - 2016

Duración - 102 min.

País - Estados Unidos

Dirección - David Mackenzie

Guion - Taylor Sheridan

Música - Nick Cave y Warren Ellis

Fotografía - Giles Nuttgens

Montaje - Jake Roberts

Producción - Sidney Kimmel, Peter Berg, Carla Hacken, Julie Yorn, Gigi Pritzker, Rachel Shane y Braden Aftergood

Productora - CBS Films, Sidney Kimmel, Odd Lot Entertainment, Film 44, LBI Entertainment

Reparto - Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey, Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez, Amber Midthunder, Dylan Kenin, Alma Sisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales, Terry Dale Parks, Debrianna Mansini, John-Paul Howard

Género - Thriller, Western, Drama, Acción / Robos & Atracos, Crimen, Policíaca, Buddy Film, Cine independiente, Familia, Crisis económica 2008

David Mackenzie fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Taylor Sheridan, titulado Hell or High Water. Una mezcla de drama y thriller, en un homenaje al western que esconde una profunda crítica social. Destacar la fotografía de Giles Nuttgens, la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis, y la interpretación de su cuarteto protagonista, en un trabajo en el que existe violencia, pero no es precisamente la protagonista, y el que la atmósfera fatalista sustituye a la épica. Una película con alma propia que merece la pena disfrutar.

Sinopsis - Toby (Chris Pine), un joven padre divorciado, y su impulsivo hermano Tanner (Ben Foster), un expresidiario recién salido de la cárcel, se dirigen al Oeste de Texas para realizar una serie de robos en unas pocas sucursales bancarias. El objetivo de Toby es intentar poder conseguir el dinero suficiente como para poder salvar la granja familiar, que está en peligro. Nada más cometer el primer robo, un veterano Ranger de Texas (Jeff Bridges) y su compañero (Gil Birmingham) irán tras la pista de los hermanos.

El director - David Mackenzie es un director de cine escocés nacido en Corbridge, el 10 de mayo de 1966, cofundador de Sigma Films. Después de estudiar en Duncan de Jordanstone Universidad de Arte y Diseño en Dundee, Mackenzie empezó a dirigir cortos: Diamantes Sucios (1994), Sol de California (1997), Voltereta (1999) y Marcie Dote (2000).

Su primer largometraje fue The Last Great Wilderness (2002), protagonizado por su hermano Alastair Mackenzie. Tras el dirigió Young Adam (2003), un thriller protagonizado por Ewan McGregor y Tilda Swinton. Su siguiente trabajo fue Obsesión (2015), un grama protagonizado por Natasha Richardson y Ian McKellen, tras el que llegaron Hallam Foe (2007), un drama romántico con Jamie Bell, Sophia Myles y Ciarán Hinds entre su reparto; el prescindible drama erótico American Playboy (Spread) (2009), con Ashton Kutcher y Anne Heche, la comedia romántica Rock'n Love (You Instead) (2011), con Luke Treadaway y Natalia Tena, y el drama romántico Perfect Sense (2011), con Ewan McGregor, Eva Green y Connie Nielsen.

Su siguiente trabajo fue el drama carcelario Convicto (Starred Up) (2013), con Jack O'Connell y Ben Mendelsohn. Tras ella dirigió su mejor película, una mezcla de thriller y western llamado Comanchería (2016), interpretado por Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster y Gil Birmingham. Tras dirigir varios episodios de la magnífica serie Damnation (2017), dirigió el drama de aventuras El rey proscrito (2018), con Chris Pine, Aaron Taylor-Johnson, Billy Howle y Florence Pugh. Su último trabajo ha sido el cortometraje Hecho en casa: Ferosa (2020), que dio lugar a la miniserie Hecho en casa (2020), una colección de 17 cortometrajes rodados en casas de varias ciudades del mundo durante la pandemia del COVID-19. 

La película - Pasan los años inexorables y el aroma a western continua ocupando un lugar destacado entre las preferencias de muchos aficionados al cine, a pesar de haber tenido que sobrevivir a momentos en los que parecía más cercano a su defunción que a un nuevo periodo de gloria. Quizás fruto de ello, el conocido como western crepuscular se ha ido haciendo un hueco entre los nostálgicos de ese género que tan buenos momentos nos ha regalado, dejándonos de vez en cuando un trabajo como el que hoy nos disponemos a comentar, en el que aún podemos encontrar algunas de esas peculiaridades tan difíciles de encontrar en otros géneros. Comanchería (Hell or High Water) es una magnífica opción de disfrutar de todos estos alicientes en una historia que transcurre prácticamente en la actualidad.

Undone - Raphael Bob-Waksberg y Kate Purdy (2019)

Título original - Undone

Año - 2019

Duración - 24 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Raphael Bob-Waksberg (Creador), Kate Purdy (Creador), Hisko Hulsing

Guion - Raphael Bob-Waksberg, Kate Purdy, Lauren Otero, Elijah Aron y Joanna Calo

Música - Amie Doherty

Fotografía - Nick Ferreiro

Montaje - Michelle Mendenhall y Brian Swanson

Producción - Richard Choi, Bruno Felix, Femke Wolting, 

Productora - Amazon Studios, Submarine, Tornante Company, Minnow Mountain (Distribuidora: Amazon Studios)

Reparto - Animación, Rosa Salazar, Angelique Cabral, Constance Marie, Bob Odenkirk, Cameron Gayden, Kevin Bigley, Lotus Blossom, John Corbett, Nicholas Gonzalez, Ana Parsons, Siddharth Dhananjay, Daveed Diggs, Sheila Vand, Tyler Posey, Jeanne Tripplehorn, Brad Hall, Raphael Bob-Waksberg, Holley Fain, Keiko Agena, Christine Avila, Lazaro Arvizu, Percy Daggs III, Edy Ganem, Tonantzin Carmelo, Jontille Gerard, James C. Mathis III, Tara Karsian, Sandi McCree, Laura Patalano, Jorge Diaz, Gaby Moreno, Rose Portillo, Joel Steingold

Género - Serie de TV, Animación, Fantástico, Drama, Drama psicológico, Familia, Viajes en el tiempo

Raphael Bob-Waksberg y Kate Purdy, dos de los creadores de la magnífica BoJack Horseman, vuelven a la carga para traernos Undone, un drama psicológico con toques de fantasía de una riqueza impropia en trabajos de este tipo. Ocho episodios de poco mas de veinte minutos, que utiliza la técnica de la rotoscopia para crear una animación para adultos con alma, que además de embelesar, posee la capacidad de poner a funcionar nuestras mentes. Una muy agradable sorpresa. 

Sinopsis - Alma (Rosa Salazar) es una joven de 28 años que vive en San Antonio (Texas). Después de estar a punto de morir tras sufrir un accidente de coche, Alma descubre que su forma de percibir el tiempo no es la misma de antes. Con el propósito de descubrir la verdad sobre la muerte de su padre, decide desarrollar su nueva habilidad.

Los creadores - Raphael Bob-Waksberg es un cómico, guionista y productor estadounidense nacido en San Mateo, el 17 de agosto de 1984. Desde joven mostró interés por la dramaturgia y comenzó a participar en varias compañías de teatro, en las que conoció a la dibujante Lisa Hanawalt. En 2006 se licenció en un máster de escritura de guion por el Bard College de Nueva York,​ y allí formó parte de un grupo cómico especializado en sketches de internet, Olde English (2002-2013), en el que coincidió con Jesse Novak y Adam Conover.

A finales de 2010, después de mudarse a Los Ángeles, Bob-Waksberg se inspiró en unos dibujos de animales hechos por Lisa Hanawalt para crear una serie de animación para adultos ambientada en el mundo del espectáculo: BoJack Horseman. Después de conseguir que Michael Eisner le financiase el proyecto y que Will Arnett asumiera el papel protagonista, la primera temporada fue estrenada en 2014 como la primera serie original de dibujos de Netflix.​ Desde entonces, BoJack Horseman se ha convertido en una de las series de animación más aclamadas por la crítica especializada, llegando a sumar seis temporadas. A raíz de este éxito, Bob-Waksberg ha podido desarrollar otros proyectos. En 2018 fue supervisor de guion en The Lego Movie 2: The Second Part, estrenada en febrero de 2019, y ese mismo año fue productor de Tuca & Bertie, una serie de animación creada por Lisa Hanawalt.​ En 2018 llegó a un acuerdo con Prime Video para crear una nueva serie de animación, Undone, protagonizada por Rosa Salazar y estrenada en septiembre de 2019.

Kate Purdy es escritora y productora de series de televisión. Creció en San Antonio en Texas, Estados Unidos. Su padre fue profesor de español y la familia vivió durante varios años en Guadalajara, México. Purdy comenzó su carrera en la televisión escribiendo para programas como Cold Case y Mad TV a mediados de la década de 2000. 

Entre 2014 y 2018, Purdy escribió cinco episodios para BoJack Horseman, la aclamada serie de comedia animada para adultos proyectada en Netflix. Purdy recibió el Writers Guild of America Award for Television: Animation en 2017 por el episodio de BoJack "Time's Arrow". También fue una de las productoras de la serie. Purdy co-creó una nueva serie de televisión animada llamada Undone en 2019, con su colaborador de BoJack Horseman Raphael Bob-Waksberg. A finales de 2019, Amazon anunció que Undone había sido renovada para una segunda temporada y que Purdy había firmado un acuerdo exclusivo, del que no se dieron detalles.

La serie - Todo un siglo hace ya desde que Max Fleisher, ayudado por su hermano Dave Fleisher, que era el encargado de posar y actuar frente la cámara, creó a “Koko el payaso”, un personaje que marcaría un antes y un después en el mundo de la animación. Para ello crearon la técnica que se conoce como rotoscopia, un proceso por el cual se lleva a cabo una animación basándose en ilustraciones o dibujos sacados y copiados de un vídeo, un trabajo por aquellos entonces muy minucioso, pero que permitía dotar de una enorme naturalidad a los movimientos de los personajes, hasta entonces nunca vista. Para que se hagan una idea de lo que supuso esto en el mundo de la animación, comentarles que trabajos como Blanca Nieves y los siete enanos (1937), La sirenita (1989), La bella y la bestia (1991), Aladdin (1992), o Atlantis: el imperio perdido (2001), por poner algunos ejemplos, fueron realizados utilizando dicha técnica. 

La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House) - Mike Flanagan (Serie de TV, 2018)

Título original - The Haunting of Hill House

Año - 2018

Duración - 10 episodios de 60 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Mike Flanagan

Guion - Mike Flanagan, Elizabeth Ann Phang, Scott Kosar, Meredith Averill, Jeff Howard, Charise Castro Smith y Rebecca Klingel, basado en la novela de Shirley Jackson

Música - The Newton Brothers

Fotografía - Michael Fimognari

Montaje - Jim Flynn, Brian Jeremiah Smith, Mike Flanagan y Ravi Subramanian

Producción - Dan Kaplow

Productora - Amblin Television, Paramount Television 

Reparto - Michiel Huisman, Carla Gugino, Henry Thomas, Timothy Hutton, Elizabeth Reaser, Victoria Pedretti, Kate Siegel, Mckenna Grace, Oliver Jackson-Cohen, Paxton Singleton, Julian Hilliard, Lulu Wilson, Violet McGraw, Annabeth Gish, Anthony Ruivivar, Samantha Sloyan, Robert Longstreet, Levy Tran, James Lafferty, Anna Enger, Jordane Christie, Catherine Parker, Olive Elise Abercrombie, Elizabeth Becka

Género - Serie de TV, Terror, Drama, Fantasmas, Sobrenatural, Casas encantadas, Familia, 

Disponibilidad en plataforma - Netflix

Mike Flanagan es el creador y director de La maldición de Hill House, una serie de una única temporada, dividida en 10 episodios de 1 hora cada uno. Una magnífica adaptación de la novela homónima de Shirley Jackson, donde destaca la excelente fotografía de Michael Fimognari, el trabajo de todo su reparto y la maestría del director para, entre otras cosas, desarrollar a un nutrido grupo de personajes, durante una buena parte de sus vidas. Para un servidor una gratísima sorpresa que aconsejo no se pierdan.

Sinopsis - En el verano de 1992, Hugh y Olivia Crain se trasladan junto sus cinco hijos, Steven, Shirley, Theodora, Luke y Eleanor (Nell), a Hill House, una enorme mansión que necesita todo tipo de reparaciones. Su intención es arreglarla y venderla, para poder construir su propia casa, que ya tiene Olivia diseñada. Las complicaciones en las reformas obligan a la familia a alargar su estancia, hasta que los extraños sucesos que allí ocurren, los obligan a huir de ella sin mirar atrás. Años mas tarde, una tragedia familiar hace que la familia vuelva a encontrarse, pudiendo comprobar tras años separados como su paso por la mansión había afectado a cada uno de ellos de una u otra forma.

El director (Y creador) - Mike Flanagan es un director y productor de cine estadounidense nacido el 20 de mayo de 1978. Está casado con la actriz Kate Siegel, quien ha aparecido en varias de sus películas y series de televisión. 

Es reconocido por dirigir principalmente películas de terror como Absentia (2011), protagonizada por Catherine Parker, Courtney Bell y Dave Levine;  Oculus (2013), con la participación de Karen Gillan, Brenton Thwaites y Katee Sackhoff; Somnia. Dentro de tus sueños (2016), con Kate Bosworth, Thomas Jane, Jacob Tremblay y Annabeth Gish; Hush (Silencio) (2016) con Kate Siegel, John Gallagher Jr., Samantha Sloyan, Michael Trucco y Emma Graves; El juego de Gerald (2017) interpretada por Carla Gugino, Bruce Greenwood, Henry Thomas y Kate Siegel; y Doctor Sueño (2019), con Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Zahn McClarnon y Carl Lumbly, entre otros.

Flanagan también creó, produjo y dirigió la serie de televisión de Netflix The Haunting of Hill House (2018), basada en la novela homónima de la autora Shirley Jackson. En 2020 desarrolló una serie de antología titulada The Haunting of Bly Manor, basada en la novela The Turn of the Screw de Henry James y estrenada en la plataforma Netflix en el mes de octubre.​ En su reparto aparecen nombres como Victoria Pedretti, Amelie Bea Smith, Benjamin Evan Ainsworth y Rahul Kohli.

 

El trabajo de Flanagan ha atraído elogios de la crítica por su dirección, su enfoque en los personajes y el debido uso de los Jump scares. Stephen King y William Friedkin, entre otros, han elogiado su obra.

La serie - Cuando decido ver una serie, intento leer lo mínimo sobre ella, prefiriendo hacerlo con una sinopsis corta, que llegar a ver siquiera su tráiler, además de echar un vistazo a las puntuaciones recibidas en Filmaffinity. En esta ocasión en concreto, me llamó la atención la gran cantidad de críticas de usuarios que tenía y la variedad de puntuación que le habían otorgado. Esto me hizo cerrar la web de forma inmediata y tomar la decisión de disfrutarla antes de leer nada mas de ella, ya que como poco sabía que no dejaba indiferente a nadie. De igual forma he de aclararos que suelo ver 7 u 8 series a la vez, de diferentes estilos, no siendo precisamente proclive a los maratones, que ahora tanto se llevan. Dicho de otro modo: elijo diariamente lo que ver en función de las ganas y el estado de ánimo que tenga.

El mundo de Kanako (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima (2014)

Título original - Kawaki (The World of Kanako)

Año - 2014

Duración - 118 min.

País - Japón

Director - Tetsuya Nakashima

Guión - Tetsuya Nakashima, basado en la novela de Akio Fukamachi

Fotografía - Shôichi Atô

Montaje - Yoshiyuki Koike

Producción - Satomi Kotake y Yutaka Suzuki
Música - Grand Funk Inc.

Reparto - Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Productora - GAGA / GyaO / Licri

Género - Thriller, Intriga, Drama

Tras la interesante e hipnótica Confessions (2010), Tetsuya Nakashima regresó a la gran pantalla en 2014 con un producto en el que las nuevas generaciones vuelven a tener un gran protagonismo y la sociedad japonesa continúa en el punto de mira. Aún así estamos ante un trabajo muy diferente al anterior, que rebosa perversión y violencia de forma exagerada, cambiando parte del mimo por la estética del anterior, por un ritmo mucho mas vivo y mayores dosis de sangre y acción. Un nuevo espectáculo visual no apto para todos los públicos, que a mi personalmente se me hizo algo largo. Mención especial al trabajo del veterano actor Kôji Yakusho, que consigue mantener a flote tanta exageración incontrolada. Cine para personas con el estómago bien preparado para la ocasión. Avisados quedan.

Sinopsis: Akikazu Fujishima (Kôji Yakusho) es un antiguo detective separado cuya vida es solo una sombra de lo que fue. Pasa los días soñando con los buenos tiempos junto a su esposa Kiriko (Asuka Kurosawa) y su hija Kanako (Nana Komatsu), una estudiante modelo. Un buen día Kiriko lo llama para pedirle ayuda por la desaparición de Kanako, por lo que rápidamente se pone manos a la obra para descubrir donde está su hija. Pero conforme avanza la investigación se dará cuenta que su hija no es ya la niña que el recuerda, adentrándose en un oscuro mundo del que no será fácil salir airoso.

El director: Tetsuya Nakashima es un director y guionista de cine japonés nacido en Fukuoka, el 2 de septiembre de 1959. Tras dirigir en 1988 el segundo segmento de Bakayaro! I'm Plenty Mad, no fue hasta casi una década después cuando estrenó su primer trabajo en solitario llamado Happy-Go-Lucky (1997), en el que se encargó de su guión y la dirección, algo que ha repetido hasta la fecha. Tras ella llegó Beautiful Sunday (1998), que fue nominada como mejor película asiática en el Festival Internacional de Singapur. Su siguiente trabajo fue Kamikaze Girls (2004), que fue nominada para representar a su país en los Oscars, como Mejor película de habla no inglesa. Sus siguientes trabajos fueron Conociendo a Matsuko (2006), con la que ganó los premios como Mejor actriz (Miki Nakatani), montaje y BSO en la Academia de cine japonés y el de Mejor película asiática en Fant-Asia y Paco and the Magical Picture Book (2008). Confessions (2010), de la que ya os hablamos en este artículo, fue su último trabajo anterior a Kawaki (The World of Kanako), la que hoy nos ocupa.

La película: El mundo de Kanako es uno de esos trabajos que a buen seguro tendrán una buena legión de fans, ya que su guionista y director ha sabido volver a reinventarse y ofrecer al espectador una experiencia muy diferente a la mayoría de las que ha vivido hasta dicho momento, ya sea dirigida por el mismo o por cualquier otro. No puedo mas que quitarme el sombrero ante uno de los pocos que lo consiguen cada vez que estrena un nuevo trabajo, aunque igualmente he de decir que en esta ocasión no ha llegado a engatusarme como en otras ocasiones, principalmente con Confessions (2010), ya que he de reconocer que no he llegado a disfrutar de toda su filmografía al completo. Creo que la palabra que mejor puede definir a esta película es excesiva, ya que es el primer adjetivo que se me viene a la cabeza tras repasar sus diferentes apartados.

Excesiva porque lo es la imagen que su creador tiene de la sociedad japonesa actual, tan oscura y retorcida que resulta difícil incluso encontrar adjetivos suficientes para definirla. Excesiva porque lo es el uso constante de violencia que en ella se muestra, dando una imagen que resulta poco creíble, o al menos bastante exagerada. Excesiva porque lo es la enorme lista de perversiones que en ella aparecen, desde violaciones a personas de ambos sexos, pasando por el abuso de menores, el acoso escolar, el asesinato, el proxenetismo, la drogodependencia y mil y una perversidades mas que no quiero ni tener que recordar. Se que dichos excesos no importarán a muchos y muchas, pero que para mi resultan como los acabo de nombrar, sumamente excesivos. Conocía ya la turbia imagen que Nakashima tiene de la sociedad actual de su país y como la muestra en casi toda su obra, pero en esta ocasión creo que rebasa su propio límite y se desmelena de tal forma que resulta realmente complicado digerir el resultado final.

Una mujer bajo la influencia (A Woman Under the Influence) - John Cassavetes (1974)

Título original - A Woman Under the Influence
Año - 1974
Duración - 155 min.
País - Estados Unidos
Director - John Cassavetes
Guión - John Cassavetes
Música - Bo Harwood
Fotografía - Mitch Breit
Montaje - David Armstrong
Producción - Sam Shaw
Productora - Faces International
Género - Drama, Cine independiente
Reparto - Gena Rowlands, Peter Falk, Katherine Cassavetes, Fred Draper, John Finnegan, Matthew Labyorteaux, Angelo Grisanti

El inolvidable John Cassavetes escribió el guión y dirigió este realista y crudo drama llamado A Woman Under the Influence. Sin las obligaciones impuestas por los grandes estudios y obsesionado con contar su historia con la mayor realidad posible, estamos ante uno de esos trabajos que uno ve y ya nunca jamás olvida. Mención especial a la interpretación de Peter Falk y, sobre todo, el de la esposa del director, una Gena Rowlands que realiza una auténtica exhibición que le valió para ser nominada al Oscar, que finalmente ganaría Ellen Burstyn por Alicia ya no vive aquí. Imprescindible.

Sinopsis: Mabel Longhetti (Gena Rowlands) es una esposa y madre de tres hijos incapaz de acostumbrarse a las normas sociales, ya que padece inestabilidad emocional. Casada con Nick Longhetti (Peter Falk), un obrero italoamericano de la construcción, intenta cumplir con los cánones establecidos y ser la madre que todos esperan, mientras que su esposo lucha por mantener la normalidad en el hogar. Todo se complicará cuando la conducta de Mabel se vaya enrareciendo paulatinamente hasta llegar a afectar a sus hijos, momento en el que Nick comprenderá que tendrá que tomas cartar en el asunto, no teniendo mas remedio que afrontar ciertas medidas.

El director: John Cassavetes fue un actor, guionista y director greco-estadounidense, nacido en Nueva York, el 9 de diciembre de 1929. Considerado como uno de los máximos exponentes del cine independiente norteamericano, creció en Long Island y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar en la American Academy of Dramatic Arts. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión. Su debut en la dirección fue Sombras (Shadows, 1959), que consiguió financiar con dinero de familiares y el programa de radio Night People, aunque le fue imposible encontrar un distribuidor estadounidense, por lo que probó suerte en Europa, ganando el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Tras ella dirigió Too Late Blues (1961) y Ángeles sin paraíso (1963), con Burt Lancaster, Judy Garland y su esposa en el reparto. Regresó al cine independiente con Rostros (Faces) (1968), tras la que dirigió Maridos (1970) y Así habla el amor (1971). Tras ella llegó la considerada su época dorada con títulos como Una mujer bajo la influencia (1974), El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976), Opening Night (Noche de estreno) (1977) y Gloria (1980). Sus dos últimos trabajos fueron Love Streams (Corrientes de amor) (1984) y Un hombre en apuros (1986). Falleció en 1989, a los 59 años de edad, víctima de una cirrosis hepática.

La película: Para comprender la forma de hacer cine de Cassavetes, mas aún en una película como la que hoy nos ocupa, en la que no tenía que responder ante ningún gran estudio, hay que conocer, aunque sea mínimamente, lo que buscaba a la hora de filmar y como intentaba conseguirlo. En principio, la historia estaba escrita en su correspondiente guión, pero los métodos que utilizaba para conseguir el máximo realismo posible contándola eran muy alejados de los utilizados por la mayoría de sus compañeros de profesión. Daba una gran libertad a los actores, a los que además escuchaba y tenía en cuenta sus ideas y objeciones, aunque a la hora de filmar solo los observaba. Realizaba tomas larguísimas sin dar apenas instrucciones al reparto, utilizando además lentes largas para interferir lo menos posible en su trabajo, lo que hacía que estos no supieran con certeza cuando estaban filmando.

Se rodeaba de actores y actrices que conocía bien (su esposa y su madre en esta ocasión), con el fin de poder influir fácilmente en ellos, además de utilizar otros no profesionales o que directamente jamás hubieran actuado. Donde otros directores buscan la perfección en las formas, el hacía todo lo contrario, alargando las tomas hasta límites insospechados o sacándolos de foco inesperadamente. Su búsqueda era la de una apariencia de realidad que puede resultar en un principio algo chocante, sobre todo si no sabemos de antemano a que nos enfrentamos, pero cuyos resultados son bastante satisfactorios y consiguen que el espectador sienta que forma parte de algo real.

Un lugar tranquilo (A Quiet Place) - John Krasinski (2018)

Título original - A Quiet Place

Año - 2018

Duración - 95 min.

País - Estados Unidos

Dirección - John Krasinski

Guión - Scott Beck, Bryan Woods, John Krasinski (Historia: Bryan Woods, Scott Beck)

Música - Marco Beltrami

Fotografía - Charlotte Bruus Christensen

Montaje - Charlotte Bruus Christensen

Producción - Michael Bay, Andrew Form y Bradley Fuller

Reparto - Emily Blunt, John Krasinski, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Cade Woodward, Leon Russom, Doris McCarthy

Productora - Platinum Dunes / Sunday Night. Distribuida por Paramount Pictures

Género - Terror. Intriga. Thriller. Fantástico | Thriller psicológico. Supervivencia. Futuro postapocalíptico. Monstruos. Familia

Aprovechando el frustrado estreno de la secuela (ha sido aplazado sin fecha concreta), he elegido esta entretenida y emotiva película para volver a hacer una de las cosas que más me gustan: escribir sobre cine. De la mano del polifacético John Krasinski, que además de dirigir la película, participa en la elaboración del guión y asume uno de los papeles principales, estamos ante un film que supuso una bocanada de aire fresco dentro de un género bastante trillado. Cuanto menos, recomendable.

Sinopsis - La historia sigue los agónicos intentos por sobrevivir de una familia cualquiera. La humanidad es amenazada por un enemigo cuya principal virtud es una capacidad auditiva extremadamente desarrollada, por lo que no hacer ruido es la única forma de no captar su atención y lograr sobrevivir.

El director - John Krasinski es un actor, escritor y director estadounidense nacido en octubre de 1979, en Boston, Massachusetts.

Posee una amplia trayectoria en cine y televisión, a los que lleva ligado desde 2002, poniendo voz a varios personajes en películas de animación (Shrek tercero, Monsters University, Animal Crackers) y realizando pequeñas apariciones en diversas series de televisión (Ley y Orden: Acción Criminal, CSI: Las Vegas, Arrested Development). Pero donde se hizo mas conocido fue en la serie The Office, junto a B. J. Novak, con el que estudió desde secundaria.

En la actualidad lo podemos ver protagonizando la serie Jack Ryan en la plataforma Amazon. Un lugar tranquilo 2, la secuela de la película que hoy nos ocupa, continua a la espera de que la situación mundial por la pandemia que nos afecta vuelva a la normalidad, por lo que su estreno ha sido pospuesto sin una fecha concreta para ver la luz. Aguardamos impacientes.

La película - Parece ser que en el mundo del cine, como en tantos otros medios, está ya casi todo contado, o al menos es la sensación que nos queda tras ver la mayoría de trabajos que se realizan cada año. La originalidad es cada vez mas difícil de conseguir, mas aun en géneros como el thriller, utilizado hasta la saciedad y vilmente pisoteado en demasiadas ocasiones. Por ello creo que hemos de poner en valor productos como A Quiet Place (Un lugar tranquilo en nuestro país), que si bien no trata algo nunca antes contado, si que lo hace de una forma con cierta originalidad y sumamente efectiva.

La fórmula que el director utiliza para ello funciona a las mil maravillas, dándole la totalidad del protagonismo a las imágenes, tan solo mancilladas con algunos subtítulos totalmente necesarios y los sonidos propios de la vida, eso si, sin apenas contaminación acústica humana. La obligación de los personajes de no hacer ningún tipo de ruido, ni tan siquiera de utilizar la expresión oral, regala a este trabajo una atmósfera asfixiante de forma constante, aun en momentos donde los personajes están al aire libre.

Rams (El valle de los carneros) - Grímur Hákonarson (2015)

Título original - Hrútar (Rams)
Año - 2015
Duración - 93 min.
País - Islandia
Director - Grímur Hákonarson
Guión - Grímur Hákonarson
Música - Atli Örvarsson
Fotografía - Sturla Brandth Grøvlen
Montaje - Kristján Loðmfjörð
Producción - Grímar Jónsson
Productora - Coproducción Islandia-Dinamarca-Noruega-Polonia; Aeroplan Film / Film Farms / Netop Films / Profile Pictures
Género - Drama / Familia, Vida rural
Reparto - Sigurður Sigurjónsson, Theodór Júlíusson, Charlotte Bøving, Jon Benonysson, Gunnar Jónsson, Þorleifur Einarsson, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Ingrid Jónsdóttir, Jörundur Ragnarsson, Viktor Már Bjarnason, Jónas Sen, Jenný Lára Arnórsdóttir

Grímur Hákonarson es el guionista y director responsable de este sorprendente drama que nos cuenta las vicisitudes de dos hermanos dedicados a la cría de ovejas, que viven en un pequeño valle de Islandia. Nominada por Islandia para competir en los Oscars a la mejor película extranjera, destaca en ella la escasez de diálogos, algo que no impide que asistamos a un espectáculo hermoso y entretenido, capaz de engatusar al espectador desde el primer momento. Arriesgada propuesta que obtiene magníficos resultados, ideal para los amantes de las historias minimalistas. Un fiel retrato de la vida rural de la zona que merece la pena disfrutar.

Sinopsis: En un remoto valle de Islandia, los hermanos Gummi (Sigurður Sigurjónsson) y Kiddi (Theodór Júlíusson) que viven uno frente al otro con la sola compañía de sus rebaños, pero no se hablan desde hace más de cuarenta años, deberán intentar sobrevivir a una grave enfermedad que amenaza con acabar con sus rebaños de carneros, al igual que con el resto de animales similares que son criados en el mismo valle.

El director: Grímur Hákonarson es un guionista y director islandés nacido en 1977.

Debutó en el 2002 con el documental Varði Goes Europe, tras el que dirigió los cortometrajes Slavek the Shit (2004) y Wrestling (2007). Su debut en la gran pantalla se produjo en 2010 con la comedia fantástica Summerland (Sumarlandið), tras la que dirigió el documental A Pure Heart (Hreint hjarta) (2012), su último trabajo anterior a Rams (El valle de los carneros), el primero del que yo tengo conocimiento. Por ella ha ganado los premios a la Mejor película en Un Certain Regard (Festival de Cannes) y la Espiga de Oro (Festival de Valladolid - Seminci), además de ser nominada a Mejor película en los Premios del Cine Europeo y representar a su país en la carrera por los Oscars, aunque no estuvo en la gala final.

La película: Muy de vez en cuando aparece ante nuestros ojos un trabajo como Rams (El valle de los carneros), que sin hacer excesivo ruido, ni llamar demasiado la atención, es capaz de utilizar su sencillez y efectividad para ganarse un hueco en nuestras mentes y nuestros corazones, volviendo a demostrar que lo verdaderamente importante en el mundo del cine es tener algo interesante que contar y hacerlo de la forma correcta. Es comprensible que su premisa inicial no sea excesivamente atrayente para una gran parte del público, incapaz de hacerse a la idea de que una historia tan sencilla pueda resultar entretenida, pero si le dan una oportunidad y deciden adentrarse en su pequeño valle, existen muchas opciones de que se lleven una grata sorpresa.

Y es que si nos paramos a analizarla detenidamente, nos daremos cuenta de que estamos ante una historia mil veces contada, aunque normalmente en un contexto muy diferente, la de una enemistad entre dos personas que viven en un mismo lugar, que dura ya demasiado tiempo como para tener claro el porqué comenzó y, por supuesto, como para que cualquiera de los afectados sea capaz de dar su brazo a torcer. En este caso se trata de dos hermanos nacidos, criados y que continúan viviendo en el mismo valle, uno frente al otro, a una distancia suficiente como para no estar obligados a tener contacto, pero suficientemente cerca como para que el otro deje de ser parte fundamental en sus vidas.

El regalo (The Gift) - Joel Edgerton (2015)

Título original - The Gift
Año - 2015
Duración - 108 min.
País - Estados Unidos
Director - Joel Edgerton
Guión - Joel Edgerton
Música - Danny Bensi y Saunder Jurriaans
Fotografía - Eduard Grau
Montaje - Luke Doolan
Producción - Jason Blum, Joel Edgerton y Rebecca Yeldham
Productora - Blue-Tongue Films / Blumhouse Productions
Género - Intriga, Thriller
Reparto - Jason Bateman, Rebecca Hall, Joel Edgerton, Beau Knapp, Allison Tolman, David Denman, P.J. Byrne, Tim Griffin, Beth Crudele, Busy Philipps, Katie Aselton, Susan May Pratt, Wendell Pierce, Nash Edgerton, Mirrah Foulkes, Adam Lazarre-White
Web oficial - http://giftmovie.com/

Joel Edgerton escribe, dirige y coprotagoniza junto a Jason Bateman y Rebecca Hall, el que supone su debut en la dirección de un largometraje. Un thriller con grandes dosis de intriga y tensión que funciona bastante bien, poseyendo además cierta riqueza, que aflora tras su magnífico final, cada vez menos habitual en el género. Una historia que puede parecer como muchas otras contadas en televisión, de esas que consiguen dormirnos a mediodía, pero que resulta mucho mas completa, inteligente y mejor realizada. Un mas que digno entretenimiento que además pone en marcha la mente y hace reflexionar.

Sinopsis: Simon (Jason Bateman) y Robyn Callun (Rebecca Hall) son una pareja que se muda de Chicago a Los Ángeles, donde Simon acaba de encontrar un buen trabajo. Un día mientras realizan unas compras se encuentran con Gordon «Gordo» Moseley (Joel Edgerton), un ex-compañero de secundaria de Simon al que no veía desde entonces. Gordon intentará prolongar la relación con la pareja, a la que incluso envía un regalo, algo que no será visto de igual forma por Robyn y Simon.

El director: Joel Edgerton es un actor, guionista y director australiano nacido en Blacktown, Sídney, el 23 de junio de 1974. Es conocido hasta ahora sobre todo por su faceta de actor, que comenzó participando en series como Police Rescue (1989), Spellbinder (1995) o Wildside (1997), debutando en la gran pantalla en La carrera del Sol (1996). Durante su carrera ha participado en multitud de producciones para cine y televisión, como por ejemplo Praise (1998), Vidas secretas (Serie de TV, 2001), La guerra de las galaxias. Episodio II: El ataque de los clones (2002), Ned Kelly, comienza la leyenda (2003), El rey Arturo (2004), Pisando fuerte (Kinky Boots) y La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith (ambas de 2005), Open Window (2006), Ases calientes (2007), The Square y Acolytes (ambas de 2008), Animal Kingdom (2010), La cosa (2011), Warrior (2011), de la que os hablamos en este artículo, La noche más oscura (Zero Dark Thirty) (2012), El gran Gatsby (2013), Exodus: Dioses y reyes (2014), Black Mass: Estrictamente criminal (2015), Loving, La venganza de Jane y Midnight Special (las tres de 2016). Como director solo había realizado los cortometrajes The List (2008) y Monkeys (2011).

La película: Desde que el género del thriller es uno de los mas solicitados por el público y empleado por los cineastas, ha ocurrido como suele ocurrir con la mayoría de los géneros, que cada vez cuesta mas encontrar uno que resulte original y efectivo. Para colmo, en el caso del thriller, tenemos una auténtica invasión de intentos realizados para televisión, que en una gran parte de los casos, se quedan en meras copias o simplemente se limitan a contar una historia generalmente banal, cuyo mayor interés es ver que giros drásticos son empleados por sus responsables para intentar sorprender a un público que anda ya curado de espanto y ha visto ya de casi todo. Cuando comienzas a ver El regalo (The Gift), puede resultar muy sencillo creer que estamos ante otro de estos productos, ya que puede dar la impresión de que así es, pero si tenemos algo de paciencia y nos limitamos a seguir su historia, acabaremos descubriendo que poco o nada tiene que ver con ellas.

Puede que en cuanto a la intriga que desprende y consigue mantener su historia hasta el final si sea similar a otros productos, pero el eficiente guión escrito por el propio Joel Edgerton consigue desmarcarse de estos al realizar un profundo análisis de la condición humana, dando una importancia similar a la evolución de sus diferentes personajes que a los sucesos que a estos les ocurren, algo que ya no es ni mucho menos habitual. Sus giros, que en como cualquier thriller está ahí, tienen su lógica importancia, pero no son el centro de atención ni están realizados con la brusquedad habitual de otros casos, por lo que resultan efectivos en su justa medida. El hecho es que tendréis que disfrutarla si queréis saber a que me refiero, porque ahondar mas en ello sin destripar la película resulta realmente complicado.

La familia Bélier (La famille Bélier) - Eric Lartigau (2014)

Título original - La famille Bélier
Año - 2014
Duración - 105 min.
País - Francia
Director - Eric Lartigau
Guión - Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau
Música - Evgueni Galperine y Sacha Galperine
Fotografía - Romain Winding
Montaje - Jennifer Augé
Producción - Philippe Rousselet, Éric Jehelmann y Stéphanie Bermann
Productora - Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma
Género - Comedia, Drama
Reparto - Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe

Eric Lartigau escribió el guión junto a Victoria Bedos y Thomas Bidegain, además de dirigir esta excepcional muestra de como mezclar en las dosis adecuadas comedia y humor, sin llegar a parecer frívolo con los espinosos temas que toca, ni llegar a ser excesivamente melodramático. Hermosa, humana, divertida, trascendente, son solo algunos de los calificativos que me vienen a la cabeza a la hora de describirla, debiendo hacer mención especial al trabajo de todo su reparto y a unos personajes que llegan a nosotros para quedarse. Francia continúa regalándonos pequeñas joyas de vez en cuando, de esas que merece la pena disfrutar y que rara vez ya se olvidan. ¡Chapeau! Monsieur Eric Lartigau.

Sinopsis: Todos los miembros de la familia Bélier son sordomudos, excepto Paula (Louane Emera), de 16 años. Ella hace de intérprete para sus padres, especialmente en lo que respecta al funcionamiento de la granja familiar. Un día, alentada por su profesor de música, que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France, pero se trata de una elección que la obligará a distanciarse de su familia en caso de ser elegida, por lo que decidir si tomarla no será nada sencillo.

El director: Eric Lartigau es un director francés nacido en París, el 20 de junio de 1964. Tras trabajar en una casa de subastas, fue contratado como chofer del realizador Pascal Thomas, para el que acabó trabajando como asistente de dirección. Continuó realizando dicho trabajo para directores de la talla de Emir Kusturica , Édouard Molinaro o Diane Kurys. Comenzó a trabajar en televisión participando en series como Les Guignols de l'info (1988) y H (2000-2001). Debutó en la dirección de un largometraje con ¿Pero quién mató a Pamela Rose? (2003), una comedia bastante discreta. Tras ella llegaron la comedia de ciencia ficción Un ticket pour l'espace y una nueva comedia llamada Prête-moi ta main, ambas de 2006, el drama The Big Picture (2010) y la olvidable Los infieles, que dirigió junto a directores como Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé o Alexandre Courtès, entre otros. La familia Bélier ha supuesto un paso adelante en su carrera, al conseguir sacar petroleo donde muchos hubieran naufragado estrepitosamente. Seguiremos atentos a sus próximos trabajos.

La película: He de reconocer que cuando me disponía a ver esta película no las tenía todas conmigo, principalmente porque resulta extremadamente difícil encontrar un trabajo de este tipo que no peque por exceso o por defecto, ya que hay que reconocer que mezclar drama y comedia no suele ser tarea sencilla. Pero conforme la cinta avanza, tras un comienzo algo mas alocado y vivaz que el tono general de la misma, me di cuenta que estaba ante uno de esos trabajos que consiguen que recuerde el porqué de mi amor por este arte, capaz de regalarnos muchas de las características que hacen que adore el cine clásico, trasladadas al presente en un trabajo de una riqueza indudable, llevado además a la pantalla de forma muy inteligente y amena. Para que os hagáis una idea de donde la ubico yo, deciros que es para mi como una mezcla ente Billy Elliot (Quiero bailar), dirigida por Stephen Daldry en el 2000 y Pequeña Miss Sunshine, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris en el 2006, de la que os hablamos aquí, siempre guardando las distancias y sin entrar a compararla con ambas..

Son varios los detalles que hacen de La familia Bélier una película muy recomendable, comenzando por el inteligente guión escrito por Victoria Bedos, Thomas Bidegain y el propio Eric Lartigau, capaz de contarnos una historia mucho mas trascendente de lo que en principio aparenta, que trata temas como la adolescencia, la inserción de los discapacitados en la sociedad, la familia, la amistad, el amor, etc, sin llegar a ser empalagosa o excesivamente dura en ningún momento, endulzándola además con un humor muy natural, que a pesar de mostrar alguna que otra situación un tanto surrealista o algo forzada, consigue su objetivo sin excesivos esfuerzos. Sus personajes, parte fundamental del magnífico resultado final, están perfectamente desarrollados y se ganan el favor del espectador casi inmediatamente, dándole a la película identidad propia.

El regreso - Andrei Zvyagintsev (2003)

Título original - Vozvrashchenie (The Return)
Año - 2003
Duración - 105 min.
País - Rusia
Director - Andrei Zvyagintsev
Guión - Vladimir Moiseenko y Alexandre Novototsky
Música - Andrey Dergatchev
Fotografía - Mikhail Kritchman
Montaje - Vladímir Moguilevsky
Producción - Dmitry Lesnevsky
Reparto - Vladimir Garin, Ivan Dobronravov, Konstantin Lavronenko, Natalia Vdovina
Productora - Ren TV
Género - Drama (Road Movie)

Corría el año 2003 cuando en el panorama cinematográfico internacional irrumpía el realizador ruso Andréi Zviáguintsev, estrenando la que era su ópera prima, El regreso. Alabada rápidamente por la crítica, consiguió alzarse con el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Se trata de una road movie no apta para los paladares mas inquietos e impacientes, que destaca por su poderío visual y el dominio de las imágenes por encima de los diálogos. Atención especial al trabajo de Vladímir Garin e Iván Dobronrávov, que dan vida de forma brillante a los hermanos Andréi e Iván. Pura poesía.

Sinopsis: Iván (Iván Dobronrávov) y Andréi (Vladímir Garin), dos jóvenes de 12 y 14 años, viven con su madre y su abuela en una pequeña ciudad rusa. A su padre no lo han visto desde hace muchos años y sólo se acuerdan de él por una vieja foto que hay en la casa. Pero un buen día la vida de ambos sufre el enorme trastorno del regreso de su padre (Konstantín Lavronenko), sin previo aviso ni explicación, con el que emprenderán un viaje en coche que los llevará por los hermosos paisajes siberianos, en el que intentarán encontrar respuesta a todas las incógnitas que tienen sobre el.

El director: Andréi Petróvich Zviáguintsev es un director de cine y actor ruso nacido en Novosibirsk, el 6 de febrero de 1964. Sus inicios estuvieron ligados a trabajos de actor en teatros de provincia, tras los que trabajó como extra en varias series de televisión y largometrajes. Tras dirigir varios episodios de la serie de televisión El cuarto oscuro para la productora independiente REN TV, debutó en el cine con El regreso (2003), la película que hoy nos ocupa (ganó el León de Oro). Cuatro años después dirigió el drama psicológico The Banishment (2007), tras el que dirigió los cortometrajes Apocrypha (2009) y Mystery (2011). Ese mismo año estrenó el drama Elena (2011), con el que ganó el Premio Especial del Jurado en la sección 'Una cierta mirada' del Festival de Cannes. Su último trabajo ha sido Leviatán (2014), un drama social con el que ganó el Globos de Oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ser nominada al Óscar y el BAFTA en la misma categoría y llevarse el premio al Mejor guión en el Festival de Cannes. Su cine ha sido comparado en ocasiones con el de Andréi Tarkovski.

La película: Disfrutar o no de un trabajo como el que hoy nos ocupa depende directamente del gusto del espectador, pero de lo que no les debe quedar ninguna duda es de que estamos ante un largometraje que difícilmente dejará indiferente a nadie, para bien o para mal. Los motivos para ello son claros, comenzando por su ritmo, intencionadamente lento, ideal para el tipo de historia que cuenta y la forma en que lo hace, pero que llegará a desesperar a quien no tolere cine de este tipo. Andrei Zvyagintsev prefiere en todo momento insinuar a mostrar, por lo que el espectador se irá haciendo poco a poco su propia imagen de lo que tiene ante si, en una historia que invita a que cada cual haga su propia interpretación de los hechos a los que está asistiendo. El simbolismo de cada elemento es otra de sus características, como por ejemplo el del agua, presente en todo momento en la película, aunque no es el único.

Por lo tanto, al igual que hay otros directores que nos llevan de la mano por su película, como si de niños pequeños de paseo con sus padres se tratase, Zvyagintsev prefiere ir mostrándonos detalles de la suya, con la intención de que cada cual viaje por ella a su antojo. El guión de Vladimir Moiseenko y Alexandre Novototsky tiene mucho de onírico, o al menos lo tiene la forma de trasladarlo a la pantalla el propio realizador, algo que permite a cada espectador ver una película que puede ser muy diferente a la que ve cualquier otro. La simbología, como cometé en un principio, tiene una enorme importancia en el, algo que comprobarán ustedes mismos si deciden disfrutarla. De lo que no les debe caber ninguna duda, es de la intención de sus creadores de colocar como principal protagonista de este al propio viaje, que llevará a nuestros dos jóvenes protagonistas a abandonar la infancia y dar la bienvenida a su madurez.

Historia de un oso - Gabriel Osorio Vargas (2014)

Título original - Historia de un oso (Bear Story)
Año - 2014
Duración - 11 min.
País - Chile
Director - Gabriel Osorio Vargas
Guión - Daniel Castro, Gabriel Osorio Vargas
Fotografía - Animation
Montaje - Patricio Escala
Producción - Patricio Escala
Reparto - Animation
Productora - Punkrobot Studio / Punkrobot Animation Studio
Género - Animación, Drama, Cortometraje

Historia de un oso (Bear Story) es un cortometraje animado de 2014, dirigido por Gabriel Osorio Vargas, escrito por Daniel Castro junto al realizador y producido por Patricio Escala, que se encarga también del montaje. Acaba de recibir el preciado galardón en la categoría de Mejor cortometraje animado en la 88.ª edición de los Premios Óscar, siendo la primera y única producción chilena en obtener uno, la segunda en ser nominada, tras el largometraje No,5 y la única latinoamericana en ser nominada en la historia de la categoría.

Sus creadores utilizan la historia de un solitario oso que recorre a diario la ciudad con un teatro de marionetas, con el que cuenta la historia de su familia hasta el fatal día en que fueron separados de el por los dueños de un circo para realizar una llamada de atención a la vida destrozada de tantos y tantos presos políticos que tienen que abandonar su hogar y sus seres queridos para poder sobrevivir.

Concretamente, está inspirado en la historia del abuelo del director, Leopoldo Osorio, quien tras el golpe de Estado de 1973 fue encarcelado durante dos años, tras los que no tuvo mas remedio que viajar a México y posteriormente refugiarse en el Reino Unido, donde acabó formando una nueva familia. Queda claro por lo tanto que no estamos ante un trabajo para niños, principalmente por la tristeza que destila tras su magnífico acabado. Para su realización se han utilizado 4 clases de animación: por ordenador, 2D, 3D y stop motion.
Solo nos queda felicitar desde aquí a los premiados y al pueblo chileno en general, por conseguir algo nunca visto en su país, un Óscar de la academia.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube