Vivir (Ikiru) - Akira Kurosawa (1952)

Título original - Ikiru
Año - 1952
Duración - 143 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni
Música - Fumio Hayasaka
Fotografía - Asakazu Nakai
Montaje - Kôichi Iwashita
Producción - Sojiro Motoki
Productora - Toho Company
Género - Drama
Reparto - Takashi Shimura, Nobuo Kaneko, Kyôko Seki, Makoto Kobori, Kumeko Urabe, Yoshie Minami, Miki Odagiri, Kamatari Fujiwara

Ikiru es el nombre del trabajo que hoy os presento, dirigido por Akira Kurosawa y escrito por el propio Kurosawa, junto a Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni. Una obra exigente con el espectador enmarcada en los trabajos mas realistas del maestro nipón, pero que a cambio nos regala una riqueza inusual, en la que se realiza una reflexión sobre la vida, la muerte y la forma en que los seres humanos las encaramos, las experimentamos y las afrontamos, poniéndonos en la piel del funcionario público Kanji Watanabe, magistralmente interpretado por el inolvidable Takashi Shimura. Cine para ver con atención, algo de paciencia y el alma abierta de par en par, cuyo mensaje mantiene y mantendrá intacta su vigencia para quien esté dispuesto a escucharlo. Exigente, si, pero sin duda imprescindible.

Sinopsis: Kanji Watanabe (Takashi Shimura) es un funcionario público que lleva media vida consumiendo su vida entre las cuatro paredes de las oficinas, que poco a poco ha ido encajando en el entramado engranaje de la administración. Encargado de la sección de los ciudadanos, pasa el día poniendo escusas ante sus problemas y utilizando el sello necesario para que pueda seguir su curso cada documento que cae en sus manos, mientras que las personas que lo rodean solo lo miran con interés, ya sea en su familia, donde solo piensan en la herencia que recibirán, como en el trabajo, donde todos ansían llegar a ocupar su puesto. Un buen día recibirá la noticia de que padece cáncer de estómago, por lo que sus días de "vida" están contados, algo que lo hará dirigir la mirada a lo que ha sido su existencia e intentar buscar la manera de finalizarla haciendo lo que apenas ha hecho hasta ese momento, vivir.

El director: Akira Kurosawa fue un director asiático nacido en Shinagawa, Tokio, Japón, el 23 de marzo de 1910. Considerado por muchos, entre los que me encuentro, como uno de los mejores y mas completos directores de todos los tiempos, nos dejó más de 30 películas en su maravillosa filmografía, de la que resulta difícil elegir cuales recomendar, ya que es disfrutable al completo. Aún así, por poner algunos ejemplos de la misma, nombraremos la siguientes: El ángel borracho (1948), de la que os hablamos en esta reseña, Duelo silencioso (1949), El perro rabioso (1949), Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954), Trono de sangre (1957), La fortaleza escondida (1958), Yojimbo (El mercenario) (1961), Sanjuro (1962), El infierno del odio (1963), Barbarroja (1965), Dersu Uzala (El cazador) (1975), Ran (1985) o Los sueños de Akira Kurosawa (1990), además de la que hoy nos ocupa. Comentar que ninguna de ellas baja del 7 o el 8 en las principales webs de cine, así que no es solo cosa del que aquí escribe, y advertir que me dejo atrás auténticas joyas, pero resulta del todo inevitable hacer una selección.

La película: Creo necesario comenzar aclarando el porqué de mi calificación de exigente de este trabajo, principalmente porque no me gustaría que me acusasen de exceso de celo a la hora de valorarla, ya que el maestro Kurosawa es uno de los directores que mas han marcado mi forma de disfrutar el cine, por lo que puede parecer que soy poco imparcial a la hora de hablar de su obra. Hay que saber que tenemos delante para no llevarnos excesivas sorpresas ni perder nuestro tiempo si no es lo que buscamos o nos apetece. Cuando decía que es exigente, es porque estamos ante un trabajo de casi dos horas y media de duración, cuyo ritmo puede resultar excesivamente lento para algunos aficionados, como suele ocurrir con gran parte del cine asiático que podemos disfrutar. Además se trata de un cine cargado de simbolismo, realizado para activar la capacidad de pensamiento y meditación del espectador, algo que si no llega a conseguir, lo convierte en un trabajo estéril y poco cautivador. Cine que exige paciencia y toda nuestra capacidad de atención para ser disfrutado, ofreciendo a cambio una riqueza indudable.

También me parece fundamental tener claro en que época y dentro de que cultura nos encontramos, aunque en realidad, y como ya he dicho antes, su mensaje sigue y seguirá vigente por siempre. Veo bastante complicado que alguien que lo ha tenido todo en la vida sin excesivos esfuerzos, sea capaz de captar y valorar adecuadamente el contexto en el que esta se desarrolla, perdiendo quizás fuerza en dichos casos, ya que la mayoría de los detalles y situaciones que en ella se describen pueden parecerles incluso ridículos, porque nunca llegaron a valorar esos pequeños detalles que, mientras que para alguien criado en una familia humilde pueden resultar incluso familiares, para alguien que ha vivido sin ningún tipo de carencia, difícilmente habrán llegado nunca a llamar siquiera su atención.

Matar a un ruiseñor - Robert Mulligan (1962)

Título original - To Kill a Mockingbird
Año - 1962
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Mulligan
Guión - Horton Foote, basado en la novela de Harper Lee
Música - Elmer Bernstein
Fotografía - Russell Harlan
Montaje - Aaron Stell
Producción - Alan J. Pakula
Productora - Universal. Productores: Alan J. Pakula & Robert Mulligan
Género - Drama
Reparto - Gregory Peck, Mary Badham, Brock Peters, Phillip Alford, John Megna, Frank Overton, Rosemary Murphy, Robert Duvall

Robert Mulligan fue el encargado de llevar de forma magistral a la gran pantalla un guion de Horton Foote, basado en la novela homónima de la escritora Harper Lee, que fue galardonada con el Premio Pulitzer en 1961. Con semejante materia prima, el director usa toda su maestría y nos regala uno de los trabajos mas completos visto por un servidor, capaz de tocar temas de lo mas delicados con un tacto digno de elogio, mostrándolos desde los ojos de una de sus protagonistas, una niña. Mención especial al brillante trabajo de un Gregory Peck, que ganó merecidamente un Oscar de la academia por ella. Imprescindible.

Sinopsis: Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado de una pequeña ciudad del estado sureño de Alabama, en la época de la Gran Depresión. Vive junto a sus dos hijos Scout (Mary Badham) y Jem (Phillip Alford) desde que enviudó, a los que intenta inculcar los valores que guían su vida, por lo que cuando le ofrecen la defensa de un hombre de color acusado de la violación de una joven blanca, da un paso al frente y acepta hacerse caso del caso, sin dejarse amilanar por la evidente presión que, en una población totalmente dividida por el racismo, tendrá que soportar.

El director: Robert Mulligan fue un director estadounidense de cine y televisión nacido en Nueva York, el 23 de agosto de 1925. Adscrito a la llamada "generación de la televisión" junto con Stanley Kramer y Robert Altman, entre otros, dirigió casi una treintena de trabajos entre los que podemos encontrar auténticas maravillas. Mencionaré aquí algunos de mis favoritos: Perdidos en la gran ciudad (1960), El gran impostor (1961), Cuando llegue septiembre (1961), Camino de la jungla (1962), Amores con un extraño (1963), La última tentativa (1965), La rebelde (1965), La noche de los gigantes (1968), En busca de la felicidad (1971), Verano del 42 (1971), El otro (1972), de la que os hablamos en este artículo, El hombre clave (1974), El próximo año a la misma hora (1978) o Un verano en Louisiana (1991). Cualquiera de ellas merece la pena ser disfrutada.

La película: Estas navidades he tenido que trabajar doce horitas el día de navidad, algo por lo que hay que dar las gracias, mas aún viendo como está el mercado laboral, pero que no es precisamente plato de muy buen gusto. Como la fecha es delicada, decidí ir a lo seguro y no arriesgarme con cine por descubrir, así que decidí realizar un re-visionado de esta maravilla, pensando además en que fuera el último artículo que escribiría en este 2015 que ya nos deja, ya que como bien dicen por estas tierras, bien está lo que bien acaba. El día fue relativamente duro, no les voy a engañar, pero lo que os puedo asegurar es que las dos horas largas que dura esta magnífica obra, fueron las mejores hasta que llegué a casa, con mucha diferencia además.

Y es que el señor Robert Mulligan es uno de los realizadores que mejor ha sabido reflejar en la gran pantalla una historia vista desde los ojos de un niño, algo que repitió una década después con la excelente El otro (1972), ya anteriormente mencionada. Lógicamente, mucho tiene que ver en ello la magistral obra de Harper Lee, una maravilla muy bien adaptada por Horton Foote, pero sin la enorme habilidad del realizador, lo mas normal es que la película no consiguiera hacer justicia a tan hermoso texto. En el se utiliza la inocencia y candidez de una niña, para tratar temas tan conflictivos como el racismo, la infancia, la dureza de la vida en una pequeña población rural cuando ya estás catalogado como tal o como cual, etc.

Mientras duermes - Jaume Balagueró (2011)

Título original - Mientras duermes (Sleep Tight)
Año - 2011
Duración - 107 min.
País - España
Director - Jaume Balagueró
Guión - Alberto Marini
Música - Lucas Vidal
Fotografía - Pablo Rosso
Montaje - Guillermo De La Cal
Producción - Julio Fernández
Productora - Filmax
Género - Thriller, Terror
Reparto - Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida, Tony Corvillo
Web - http://www.mientrasduermeslapelicula.com/

En un mundo donde la mentira y la hipocresía campan a sus anchas, donde la incomunicación de los individuos es cada día mas evidente y nada es lo que parece, ¿crees que conoces realmente como son las personas que te rodean? ¿De quien te puedes fiar? ¿Por quien puedes poner la mano en el fuego? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras ver esta magnifica película de Jaume Balagueró. Un thriller inquietante que nos hará desconfiar, al menos por un tiempo, de todas esas personas que tratamos habitualmente pero de las que realmente nada conocemos.

Sinopsis: Cesar (Luis Tosar) trabaja como portero en un edificio de apartamentos, una persona atenta y trabajadora que tiene una buena relación con la mayoría de los vecinos, para los que es lo que solemos llamar un trabajador de confianza. Pero bajo su apariencia servicial habita una persona totalmente diferente a la que creen conocer. Desde su puesto en la portería tiene un sillón privilegiado desde el que observar las vidas de todos y conocer sus mas íntimos secretos, que le proporciona cierto poder con el que a el le encanta jugar. Cesar es incapaz de ser feliz y le irrita sobremanera palpar esa felicidad en los demás, algo que le resulta insoportable. La llegada de Clara (Marta Etura), la nueva vecina del bloque, supondrá un nuevo aliciente para el, ya que ella derrocha simpatía e irradia felicidad.

El director: Jaume Balagueró i Bernat es un director de cine español nacido en Lleida, el 3 de noviembre de 1968. Especializado en el género de terror, más concrétamente en la vertiente del terror psicológico, debutó con el cortometraje Alicia (1994), con el que triunfaría en el Festival de Sitges, tras el que dirigió Días sin luz (1995), un corto con el que consolidaría un estilo que perdurará en sus siguientes películas. En su filmografía destacan trabajos como Los sin nombre (1999), con el que debutó en la gran pantalla ganando el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea, Darkness (2002), Frágiles (2005), el telefilm Para entrar a vivir (2006), la saga [•REC], que incluye cuatro trabajos de los que participó en tres: [•REC] (2007), [•REC]² (2009) y [•REC] 4: Apocalipsis (2014), además de los cortos Miedo (2010) e Inquilinos (2014).

La película: El cine de terror es un género en el que podemos destacar varias ramas o subgéneros muy diferentes entre si, que gustan mas o menos en función de las preferencias de cada espectador. Así tenemos quien prefiere el terror paranormal, donde el miedo a lo desconocido es el que mueve al espectador, el terror gótico, caracterizado por una ambientación peculiar y el protagonismo de ciertas criaturas, el gore, en el que domina la extrema violencia y los excesos de sangre y vísceras, el slasher, caracterizado por tener como centro de atención a un asesino que va dejando un reguero de víctimas a su paso, etc. Personalmente, el que mas ha conseguido captar mi atención es el terror psicológico, que centra su atención en los temores de los personajes, sus culpas, creencias y supersticiones. En el, el miedo trata de suscitarse afectando directamente a la emotividad del espectador, que debe acabar identificándose con los padecimientos o vivencias extremas de determinados personajes, utilizando mas la sugerencia que el susto en si.

Es este último el tipo de cine que Jaume Balagueró utiliza en el trabajo que hoy nos ocupa, un cine capaz de poner los pelos de punta por la simple posibilidad de poder ser cualquiera de nosotros las victimas de lo que ocurre en el, por la cercanía de los personajes que vemos y lo sencillo que nos resulta identificarnos con ellos. Un cine que no necesita de criaturas abominables ni entes paranormales para atrapar al espectador, que por el simple hecho de presenciar lo que va ocurriendo en el, es capaz de crear paralelismos inmediatos entre las vidas de sus personajes y la suya propia, asistiendo al tipo de cine de terror que menos descabellado resulta, al mas tangible, al mas real. Porque, ¿cuantos Cesar conocéis? ¿cuantas personas así son parte de nuestra vida sin que lleguemos a tener idea de como son en realidad?

Tiempos Modernos - Charles Chaplin (Película completa online, 1936)

Título original - Modern Times
Año - 1936
Duración - 89 min.
País - Estados Unidos
Director - Charles Chaplin
Guión - Charles Chaplin
Música - Charles Chaplin
Fotografía - Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
Montaje - Williard Nico
Producción - Charles Chaplin
Productora - United Artists
Género - Comedia, Cine mudo, Película de culto
Reparto - Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia

El inolvidable Charles Chaplin escribió, dirigió, produjo, protagonizó e incluso se encargó de la banda sonora, en esta maravillosa sátira sobre las carencias existentes durante la gran depresión, con una especial atención a las condiciones laborales de la época y una visión futurista de las mismas. Una deliciosa mezcla entre cine mudo y sonoro que ha alcanzado la condición de atemporal, siendo de obligada visión para los amantes de este arte y muy recomendable para todos en general. Cine hecho con el corazón.

Sinopsis: Charlie Chaplin es un obrero que trabaja en una cadena de montaje de una moderna fábrica metalúrgica. Las condiciones de trabajo que soporta hacen que cada vez le cueste mas seguir el ritmo que los jefes pretenden imprimir, por lo que acabará perdiendo la razón y siendo recluido en un hospital psiquiátrico. A su salida deberá afrontar una de las peores épocas económicas de su país, intentando sobrevivir en un mundo donde el hambre y la pobreza campan a sus anchas.

El director: Charlie Chaplin fue un actor, humorista, compositor, productor, director y escritor británico nacido en Londres, Inglaterra, un 16 de abril de 1889. Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.

Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan, y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Entre su filmografía, las películas más destacadas fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, desde 1916 también se encargó de la producción, y a partir de 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.

A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Óscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975 y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades anti-estadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York (1957) y La condesa de Hong Kong (1967), sus últimos trabajos. Falleció el Día de Navidad de 1977.

Chaplin estuvo casado en cuatro ocasiones (Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill), y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

La película: El cine sonoro ya estaba en pleno auge cuando Chaplin concibió Tiempos Modernos, aunque el era muy reticente a ponerle voz al personaje al que se lo debía todo, un Charlot al que no imaginaba, o no quería imaginar, hablando ante la cámara. Es por ello por lo que en este trabajo decidió introducir sonido, pero no en los diálogos de sus protagonistas, por lo que lo puso en las voces que se escuchaban en radios y televisores, en varias canciones o en el singular ruido de la maquinaria dentro de la fábrica. Por ello, además de una obra maestra del cine, es también un trabajo muy peculiar, citado por muchos como la última película del cine mudo, aunque no lo fuera en su totalidad. De hecho es la primera en la que se escucha la voz del célebre personaje de bombín y bastón.

Rififi - Jules Dassin (1955)

* Título original - Du rififi chez les hommes
* Año - 1955
* Duración - 117 min.
* País - Francia
* Director - Jules Dassin
* Guión - Jules Dassin, René Wheeler, Auguste Le Breton
* Música - Georges Auric
* Fotografía - Philippe Agostini
* Montaje - Roger Dwyre
* Producción - Henri Bérard, René Bezard y Pierre Cabaud
* Productora - Pathé Cinéma
* Género - Cine negro, Thriller
* Reparto - Jean Servais, Carl Möhner, Robert Manuel, Jules Dassin, Magali Noël, Pierre Grasset, Robert Hossein, Janine Darcey, Marie Sabouret, Claude Sylvain

Jules Dassin escribió junto a René Wheeler y Auguste Le Breton, dirigió e interpretó uno de los papeles principales en esta, su primera película rodada en Francia, un clásico del cine negro del que François Truffaut afirmó: "de la peor novela que he leído, Dassin hizo la mejor película de cine negro que yo haya visto nunca", por algo será. Imprescindible para los amantes del género y del cine en general.

Sinopsis: "Tony" le Stéphanois, un ladrón que ha cumplido cinco años en prisión por no delatar a sus compañeros, sale a la calle con la idea de no volver a delinquir. Sus antiguos compinches no tardan en ofrecerle realizar un robo, a lo que el se negará en firme. Pero tras enterarse que su antigua pareja está ahora con un ser despreciable, regresa a la única vida que conoce y comienza a preparar concienzudamente un difícil golpe a una joyería.

El director: Jules Dassin fue un guionista, escritor, actor y director de cine estadounidense de origen judío-ruso, que comenzó su carrera en su país de nacimiento, hasta que se trasladó en 1950 a Francia, al ser incluido en la Lista negra de Hollywood durante el Macarthismo. Allí cambió su nombre original, Julius, por el de jules y continuó con su carrera.

Estudió arte dramático en Europa, tras lo que actuó de 1936 a 1939 en el Yiddish Proletarian Theatre (ARTEF) de Nueva York como actor y director, produciendo al mismo tiempo programas radiofónicos. A partir de 1940, trabajó en Hollywood en calidad de ayudante de dirección de Alfred Hitchcock, debutando en la dirección en el 41 con el corto 'El corazón delator', tras el que dirigió su opera prima en 1942, 'The Affairs of Martha'. De esa época son algunos trabajos como 'El fantasma de Canterville' (1944), pero con los que mas brilló fue con los mas cercano al cine negro, como 'Fuerza bruta' (1947), 'La ciudad desnuda' (1948) o 'Mercado de ladrones' (1949), todas ellas muy recomendables.

Tras su obligado exilio, debutó en Europa con la maravillosa 'Noche en la ciudad', su primer trabajo en el Reino Unido, tras la que se trasladó a París donde nos dejaría títulos como 'Rififi' (1955), 'El que debe morir' (1957) o 'Fedra' (1962). Volvió a dirigir en su país de origen varios trabajos, entre los que destaca 'Topkapi' (1964) y las mas flojillas 'Las 10:30 de una noche de verano' (1966) y 'Promesa al amanecer' (1970). Sus últimos títulos fueron la griega 'Gritos de pasión' (1978) y la canadiense 'Círculo de dos' (1980). Falleció el 31 de marzo de 2008, a los 96 años de edad, aquejado de una gripe.

La película: Me resulta extremadamente edificante hablar de un trabajo al que, en mi opinión, no le sobra absolutamente nada. Cada dialogo, cada escena, cada toma, cada gesto tienen su razón de ser dentro de el y están meticulosamente estudiados dando como resultado una obra a la que poco se le puede achacar a no ser, claro está, que no te guste el cine negro ni las películas de robos o atracos.

En la casa - François Ozon (2012)

* Título original - Dans la maison
* Año - 2012
* Duración - 105 min.
* País - Francia
* Director - François Ozon
* Guión - François Ozon (Obra: Juan Mayorga)
* Música - Philippe Rombi
* Fotografía - Jérôme Alméras
* Productora - Mandarin Cinéma / Mars Films / France 2 Cinéma / Foz / Canal + / Ciné + / France Telévisions / Cofimage 23 / Palatine Étoile 9
* Reparto - Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Diana Stewart, Denis Ménochet, Jean-François Balmer, Fabrice Colson, Bastien Ughetto, Stéphanie Campion, Yolande Moreau
* Género - Drama, Intriga
* Web Oficial - http://www.danslamaison-lefilm.com/

Creo que no es muy descabellado decir que este es uno de esos trabajos que pongo por ejemplo cuando alguien me pregunta por mi fascinación por el cine. Y es que esta es una de esas películas que te deja varios días dándole vueltas a la cabeza, por los múltiples temas que toca, por la gran cantidad de detalles que merece la pena recordar y razonar.

Sinopsis: El film relata como en la vida de un profesor de literatura francesa desencantado irrumpe uno de sus alumnos, uno de los que siguen la clase desde la ultima fila, con una forma de escribir poco frecuente. Tras su inicial sorpresa el profesor anima a su alumno a seguir escribiendo y este va reflejando en cada uno de los capítulos que entrega su fascinación por la familia de uno de sus compañeros. El profesor comenta cada relato con su compañera y ambos se sumergen poco a poco en una trama donde es difícil distinguir entre realidad y ficción.

El director: El director de cine francés François Ozon entró en 1990 , tras diplomarse en estudios cinematográficos, en La Fémis (Escuela de Cine de París),  en el área de realización. Allí realizó numerosos cortometrajes en super 8, vídeo, 16mm y 35mm, haciéndose un hueco poco a poco en el circuito de festivales internacionales, donde alcanzó cierto nombre a nivel internacional. El corto 'Action Vérité' marcó el comienzo de su colaboración con la sociedad 'Fidélité Productions'.

Sus películas suelen caracterizarse por poseer un humor ingenioso y satírico, además de divulgar un peculiar punto de vista sobre la sexualidad humana. Tiene un estilo muy particular que lo diferencia de la mayoría de realizadores, por lo que han llegado a llamarle el 'Almodóvar' francés, el 'Varda' masculino o el 'Chaplin' de la no comedia.

En su filmografía encontramos los cortometrajes 'Les doigts dans le ventre' (1988), 'Foto de familia' (1988), 'Mes parents un jour d'ete' (1990), 'Victor' (1993), 'Une rose entre nous' (1994), 'Action vérité' (1994), 'La petite mort' (1995), 'El vestido de verano' (1996), 'X2000' y 'Scènes de lit' (ambos de 1998) además del mediometraje 'Mirando al mar' (1997). En ellos se observa como poco a poco ha ido forjando un estilo muy característico que lo distingue. Su primer largometraje fue 'Sitcom' (Comedia de situación) (1998), que fue presentado en la sección oficial de la Semana Internacional de la Crítica, en el festival de Cannes de 1998.

A partir de ahí nos ha dejado varios largometrajes: 'Amantes criminales' (1998), 'Gotas de agua sobre piedras calientes' (2000), 'Bajo la arena' (2000), '8 mujeres' (2002), 'Swimming Pool' (La piscina) (2003), '5x2' (Cinco veces dos) (2004), 'El tiempo que queda' (2005), 'El tiempo que queda' (2005), 'Ricky' (2009), 'Mi refugio' (Le refuge) (2009), 'Potiche, mujeres al poder' (2010), las recientes 'Joven y bonita' (2013) y 'Una nueva amiga' (2014), además del que en mi opinión es hasta la fecha su trabajo mas completo, 'En la casa', la que hoy nos ocupa.

La película: Si tuviera que comparar 'En la casa' con algún producto similar para que se hagan una leve idea de como es, estaría en un verdadero aprieto, ya que me resultaría extremadamente difícil encontrar un ejemplo conocido. Y es que esas es una de las grandes virtudes de este trabajo del director galo, su capacidad de reunir varios géneros en un mismo producto con una suavidad que hace que el espectador flote entre ellos de una manera placida, por lo que buscar una comparación con el es poco menos que misión imposible.

El odio (La Haine) - Mathieu Kassovitz (1995)

* Título original - La haine (Hate)
* Año - 1995
* Duración - 95 min.
* País - Francia
* Director - Mathieu Kassovitz
* Guión - Mathieu Kassovitz
* Música - Varios
* Fotografía - Pierre Aim
* Montaje - Mathieu Kassovitz y Scott Stevenson
* Producción - Christophe Rossignon
* Productora - Les Productions Lazennec / Le Studio Canal + / La Sept Cinéma / Kasso inc. Productions
* Género - Drama
* Reparto - Vincent Cassel, Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui, Abdel Ahmed Ghili, Solo, Joseph Momo, Héloïse Rauth, Rywka Wajsbrot, Olga Abrego, Laurent Labasse, Choukri Gabteni, Nabil Ben Mhamed, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Anthony Souter

Mathieu Kassovitz es el responsable del guión y la dirección de este duro retrato sobre la vida en los suburbios de París a mediados de la década de los noventa. Un trabajo que pretende ser un estudio sociológico de la realidad de miles de jóvenes, que se enfrentan día a día al racismo, a la discriminación y al paro, como ocurre en tantos países dentro y fuera de Europa. Hoy de primer plato tenemos realidad a la parisina, algo indigesta para los responsables de tanta desidia, esos estupendos señores que nos gobiernan.

Sinopsis: Tras la paliza que Abdel Ichah, de sólo 16 años, ha recibido en una comisaría de policía y que le ha ocasionado heridas que lo tienen en un estado de coma grave, los disturbios han enfrentado a policías y una juventud harta e indignada durante toda la noche. La película nos hará pasar las siguientes 24 horas de la vida de tres amigos, Vinz, Saïd y Hubert (un judío, un árabe y un afroamericano), que se han criado en un suburbio de París y que son testigos directos de las revueltas.

El director: La carrera de Mathieu Kassovitz está dividida entre la dirección y su faceta como actor, habiendo participado en 14 películas, entre las que destacan 'El quinto elemento' de Luc Besson (1997), 'Oscura seducción' de Jez Butterworth y 'Amélie' de Jean-Pierre Jeunet (ambas de 2001) y 'Múnich' de Steven Spielberg (2005).

Antes de su debut en la dirección de un largometraje, había realizado 3 cortometrajes: 'Fierrot le pou' (1990), 'Cauchemar blanc' (1991) y 'Assassins...' (1992). En 2003 presentó su opera prima 'Métisse', una comedia romántica sobre una joven embarazada que no sabe quien es el padre. Tras 'El odio' (1995), que es la que hoy nos ocupa, realizó 'Asesino(s)' (1997), un drama sobre un hombre que ha ejercido durante 40 años de asesino y cree haber encontrado a su sucesor. Su siguiente trabajo será 'Los ríos de color púrpura' (2000), un thriller de acción en el que Jean Reno y Vincent Cassel unirán sus fuerzas al investigar casos distintos pero que tienen una conexión.

En 2003, tras llamar su trabajo la atención en la meca del cine, debutó de forma poco acertada dirigiendo el thriller de terror 'Gothika', su primera y, hasta la fecha, ultima película estadounidense en la que contaba con actores como Halle Berry, Robert Downey Jr. y Penélope Cruz entre otros. Nos cuenta como una doctora despierta descubriendo que es una paciente en la propia institución mental donde trabaja al ser acusada de la muerte de su esposo, de lo que no recuerda nada. Tras un paréntesis de 5 años dirige 'Babylon' en 2008, un pobre trabajo protagonizado por Vin Diesel donde nos cuenta como en un mundo donde reina la anarquía, un mercenario recibe la orden de trasladar a una hermosa joven desde Rusia hasta Nueva York. Su último trabajo hasta la fecha es la magnífica 'L'ordre et la morale (Rebellion)' de 2011, un trabajo de acción sobre el secuestro de 30 policías franceses en la Cueva Gossanah por independentistas kanakas ocurrido en 1988. Su mejor película tras la que hoy nos ocupa.

La película: 'El odio' no es una película fácil de ver, y mucho menos de digerir, sobre todo si perteneces a una familia acomodada, de esas en las que sus hijos tienen ya su nombre escrito con letras de oro en un elegante despacho, incluso antes de haber comenzado sus estudios en una buena universidad privada. Para ellos, que prefieren mirar hacia otro lado cuando escuchan los problemas de las clases mas desfavorecidas, esta será una película de gamberretes que pierden su tiempo sin hacer nada, solamente el vago.

Dallas Buyers Club - Jean-Marc Vallée (2013)

* Título original - Dallas Buyers Club
* Año - 2013
* Duración - 117 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Jean-Marc Vallée
* Guión - Craig Borten, Melisa Wallack
* Música - Varios
* Fotografía - Yves Bélanger
* Productora - Focus Features / Truth Entertainment / Voltage Pictures / R² Films / Evolution Independent
* Género - Drama
* Reparto - Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto, Steve Zahn, Dallas Roberts, Denis O'Hare, Griffin Dunne, Kevin Rankin, Lawrence Turner, Jonathan Vane
* Web oficial - http://www.focusfeatures.com/dallas_buyers_club

Jean-Marc Vallée es el responsable de esta magnífica obra que remueve las conciencias de quienes la disfrutan, denunciando gran cantidad de las vergüenzas de la sociedad idílica e hipócrita en la que vivimos. Un trabajo redondo no apto para personas con pocas miras, que tengan grandes prejuicios, excesivamente tradicionalistas o simplemente sean homófobos por naturaleza. Si no te encuentras entre ellos, no dejes la oportunidad de verla. Te aseguro que me lo agradecerás.

Sinopsis: Ron Woodroof (Matthew McConaughey) es un vaquero ligado al mundo del rodeo que lleva una vida de excesos, siempre tonteando con el alcohol, las drogas y rodeado de prostitutas. Es tan machote como homófobo, pero la vida le tiene preparada una sorpresa que cambiará su manera de vivirla de forma radical. Tras un accidente en el trabajo es llevado al hospital, donde tras varias pruebas es diagnosticado de sida, por lo que los médicos le dan 30 días de vida. De repente se verá solo y repudiado por todos sus conocidos, por lo que tendrá que iniciar una dura lucha por sobrevivir.

Su director: Jean-Marc Vallée no es precisamente un director al que un servidor haya seguido en exceso, al menos hasta el 2005, en el que llamó mi atención con 'C.R.A.Z.Y.'. Tras debutar con 'Les Fleurs magiques' (1995) y realizar ese mismo año 'Liste noire' (1995), de las cuales no puedo opinar, realizó una secuela de un western titulada 'Renegados 2: Los locos' (1997) sin excesivo brillo. Tras rodar varios episodios para la televisión británica de la serie 'Las aventuras secretas de Julio Verne' (2000), realizó 'C.R.A.Z.Y.' (2005), una maravillosa película que nos cuenta el despertar a la homosexualidad de un adolescente durante los años 60 y 70, un trabajo que merece la pena disfrutar.

Su siguiente trabajo fue 'La reina Victoria' (2009), un drama romántico sobre la joven reina y su idilio con el Príncipe Alberto y en 2011 repitió género con la magnífica 'Café de Flore', en la que nos cuenta una atípica historia sobre los destinos paralelos de Jacqueline, madre de un niño en los años sesenta en París, y de Antoine, un DJ de éxito recién divorciado en el Montreal actual. Otro trabajo que merece la pena disfrutar. Para este 2014 tiene preparado un trabajo que mezcla drama y aventuras 'Wild', en el que nos cuenta la travesía en solitario de Mojave, la cual recorre más de 1.000 kilómetros por del desierto tras una trágica experiencia, intentando encontrarse a si misma.

La película: He de comenzar declarándome totalmente en desacuerdo con una parte de la crítica especializada, que califica la dirección del canadiense con un simple aprobado. Para mi su labor es perfecta para lo que la ocasión exige, con un trabajo efectivo pero nada efectista, en el que no encontraremos estridencias ni una búsqueda del protagonismo, que en esta ocasión sería engullida por la fuerza y la dureza del relato que nos presenta. Su dirección de actores es excelente y consigue sorprendéntemente que nos pongamos a favor de un anti-hero como pocos he conocido en la historia del cine. No se excede en ningún momento, ni siquiera en la búsqueda de un excesivo sentimentalismo que la historia ya derrocha por los cuatro costados sin necesidad de ello. Por el contrario consigue, con medidas dosis de humor negro, que disfrutemos de la película de una forma mucho mas amable que en la brillante 'Philadelphia' de Jonathan Demme (1993), además de entregarnos un producto de esos que visualizamos en dos horas pero tardamos días en acabar de digerir. El escaso, casi nulo uso de reflectores, la grabación de una infinidad de escenas con una sola cámara y la larga duración de muchas de las tomas, dan un aire diferente al resultado final. En mi modesta opinión, su trabajo es para quitarse el sombrero.

El Narco (El infierno) - Luis Estrada (2010)

* Título original - El infierno
* Año - 2010
* Duración - 150 min.
* País - México
* Director - Luis Estrada
* Guión - Luis Estrada, Jaime Sampietro
* Música - Santiago Ojeda
* Fotografía - Damián García
* Productora - Bandidos Films / IMCINE / CONACULTA / FOPROCINE / EFICINE / Bi.100 / Estudios Churubusco
* Género - Drama, Thriller
* Reparto - Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Elizabeth Cervantes, Ernesto Gómez Cruz, María Rojo, Jorge Zárate, Daniel Giménez Cacho, Salvador Sánchez, Dagoberto Gama, Isela Vega, Alejandro Calva, Kristyan Ferrer, José Sefami, Emilio Guerrero, Daniel Martínez, Mauricio Isaac, Edwarda Gurrola, Angelina Peláez, Zaide Silvia Gutiérrez, Silverio Palacios, Mario Almada, Gerardo Taracena, Tony Daltón, Carlos Cobos, Gabino Rodríguez, Álex Perea, Hector Kotsyfakis, Tenoch Huerta

Luis Estrada realizó en 2010 este excelente thriller en el que el dramatismo y un agudo humor negro se mezclan con un resultado excepcional. Una crítica mordaz a la situación de muchas zonas de México, donde la corrupción política, el narcotráfico, la pobreza y la violencia conviven con total impunidad.

Benjamín García (Damián Alcázar) emigró a los Estados Unidos para buscarse la vida pero pasados 20 largos años es extraditado y regresa a su México natal. Allí. ademas de un panorama desolador por la crisis económica y la violencia, descubre que su hermano fue asesinado después de un largo periodo ligado al narcotráfico y se propone descubrir quien fue el causante de ello.

Aún me parece mentira que las dos horas y media que dura esta película se me hayan pasado tan rápido, llevándome con ella una de esas escasas sorpresas que te recuerdan lo grande que es el cine. Tras unos primeros instantes aclimatándome a expresiones como "vete a chingar a tu madre" o “Me cae que esta vida y no chingaderas es el cabrón Infierno” y toda la verborrea típica por esos lares, te sumerges en una historia magníficamente contada, en la que su director, Luis Estrada, da muestras de una maestría brutal.

El director ya había contado con la participación del actor Damián Alcázar en sus trabajos anteriores 'La ley de Herodes' (1999), una comedia satírica en la que trataba el problema de la corrupción política en México y 'Un mundo maravilloso' (2006), en la que realizaba un duro retrato del gobierno de Vicente Fox. En 'El narco' vuelve a tocar el tema del narcotráfico, el crimen organizado y la corrupción política que consumen a su amado país. Recomiendo totalmente el visionado de los tres trabajos, todos de gran éxito y con una calidad fuera de toda duda.

Para realizar un trabajo de tal duración que no resulte monótono ni llegue a aburrir hace falta un guión tan bueno como el que aquí firman el director junto a Jaime Sampietro. Los diálogos son brillantes, creíbles, incidiendo constantemente en la denuncia y utilizando grandes dosis de un humor tan negro como el betún y totalmente necesario para aliviar la dureza de la historia. Las interpretaciones tienen un buen nivel general, destacando el magnifico Damián Alcázar, uno de esos actores que solo has de ver en un par de planos para conquistarte con su simpatía y profesionalidad.

La casa del fin de los tiempos - Alejandro Hidalgo (2013)

* Título original - La casa del fin de los tiempos
* Año - 2013
* Duración - 97 min.
* País - Venezuela
* Director - Alejandro Hidalgo
* Guión - Alejandro Hidalgo
* Música - Yoncarlos Medina
* Fotografía - Cezary Jaworski
* Productora - Epica Produccion / X Rojo Producciones / JEMD Films / Xenon Films / La Fundación Villa del Cine
* Género - Intriga, Terror
* Reparto - Ruddy Rodríguez, Gonzalo Cubero, Rosmel Bustamante, Guillermo García, Adriana Calzadilla, José León, Héctor Mercado, Yucemar Morales
* Web oficial: http://www.lacasadelfindelostiempos.com/

Alejandro Hidalgo debuta en la dirección con esta sorprendente película, basada en un excelente guión escrito por el mismo. Es el primer trabajo venezolano de intriga con toques de terror y realizado con un presupuesto bastante reducido. Es un claro ejemplo que demuestra que lo que de verdad importa a la hora de hacer cine es tener una buena historia y de ella realizar un buen guión.

Estoy completamente seguro de que muchas de las personas que comenzaron a ver este estupendo trabajo, la quitaron en los primeros 20 minutos, craso error. Yo siempre digo que cuando un pintor enseña un cuadro o un escultor su última obra, jamas nos lo enseñan a medias. Con el cine pasa exactamente igual, hay que ver la obra completa para así poder juzgarla adecuadamente. Es por ello que he tenido que tragarme infinidad de tostones cientos de veces pero, como ocurre en este caso, me he llevado algunas gratas sorpresas.

Y es que el debutante Alejandro Hidalgo imprime al comienzo del film un ritmo bastante pausado, lo que unido a la necesidad de adaptarse a esa manera de hablar, que necesita de un periodo de adaptación, como le ocurrirá a un extranjero al llegar a España, y aún mas a Andalucía, además de la elección de ese titulo horroroso donde los haya, seguro que echa a muchos para atrás. Pero en cuanto avanza un poco el metraje y conocemos a los personajes, la historia te atrapa hábilmente y ya no parpadeas hasta el final.

Para ello no necesita de efectos digitales de alto coste, simplemente crea un clima malsano y asfixiante en el que se mueven nuestros personajes y poco a poco nos va desmenuzando la historia al ritmo que le interesa. Su habilidad para contrarrestar ese clima, con las escenas de los niños fuera de los muros de la casa, es digna de elogio y nos muestra un talento que, a buen seguro, dará mucho que hablar.

Arrugas - Ignacio Ferreras (2011)

* Título original - Arrugas
* Año - 2011
* Duración - 80 min.
* País - España
* Director - Ignacio Ferreras
* Guión - Ángel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini (Cómic: Paco Roca)
* Música - Nani García
* Fotografía - Animación
* Reparto - Animación
* Productora - Perro Verde Films / Cromosoma
* Género - Animación. Drama, Comedia
* Web Oficial - http://www.arrugaslapelicula.com

Ignacio Ferreras es el responsable de la excelente adaptación del cómic de Paco Roca, que obtuvo el premio nacional del cómic en 2008, con el que rinde un homenaje a nuestros mayores y en especial a los enfermos de alzheimer. Un trabajo que, todo el que tenga algo latiendo en el pecho debería ver y que como dice en su final, está dedicada a todos, ancianos de hoy, ancianos de mañana.

Emilio es un anciano que llega a una residencia para la tercera edad. Allí conocerá a Miguel, su nuevo compañero de habitación, que se encargará de enseñarle como funciona todo en ese mundo nuevo al que tendrá que acostumbrarse. Pero cuando descubren que Emilio padece alzheimer, intentarán por todos los medios evitar que los doctores noten su empeoramiento...

Ante todo he de deciros que estamos ante una de las mejores películas que se han hecho en nuestro país en muchísimo tiempo, de ello no tengo ni la menor duda. No tiene una gran espectacularidad visualmente hablando, ni se han utilizado en ella técnicas innovadoras en animación, de hecho, su aspecto recuerda en algunos momentos a dibujos que todos hemos disfrutado de pequeños, la animación 2D de toda la vida. Pero lo que es incuestionable, es el valor de la historia que nos cuenta y el modo en el que lo hace.

Y su creador lo consigue huyendo del dramatismo gratuito y la lagrima fácil. Para ello nos cuenta la historia con una naturalidad impresionante, dándole un ritmo correcto e introduciendo las dosis necesarias de humor para conseguir que el mensaje nos llegue poco a poco. Esto no significa que banalize la situación que nos expone, simplemente lo hace desde un punto de vista optimista, utilizando las dosis necesarias de humanidad, algo muy difícil de conseguir en una historia contada por el propio protagonista, el que comienza a padecer la enfermedad.

Otro de los grandes méritos de la obra es el profundo respeto que se tiene hacia su fuente de inspiración, el cómic. En ningún momento se toma ninguna licencia innecesaria, manteniendo su espíritu intacto. También cabe destacar que, si bien el relato está contado de una forma amena, este no huye en ningún momento a la crítica constructiva, marcando claramente hacia donde camina esta sociedad y a la perdida de valores que en ella se está produciendo.

Días sin huella - Billy Wilder (1945)

* Título original - The Lost Weekend
* Año - 1945
* Duración - 101 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Billy Wilder
* Guión - Charles Brackett y Billy Wilder a partir de la novela de Charles R. Jackson
* Música - Miklós Rózsa
* Fotografía - John F. Seitz
* Productora - Paramount Pictures
* Género - Drama
* Reparto - Ray Milland, Jane Wyman, Philip Terry, Doris Dowling, Frank Faylen, Howard da Silva, Mary Young, Anita Bolster, Lilian Fontaine, Frank Orth, Audrey Young

El inigualable Billy Wilder creó el guion, junto a su colaborador habitual en su primera etapa en Hollywood Charles Brackett, y dirigió este increíble alegato que consigue retratar el alcoholismo a la perfección. Una arriesgada apuesta que lo encumbró en el mundo del cine y que sigue siendo a día de hoy una de las películas que mejor desgranan los efectos de esta lacra, mejor aceptada socialmente que cualquier otra droga.

Don Birnam (Ray Milland) es un escritor que nunca consiguió el éxito que tanto persiguió. Sus problemas con el alcohol lo han convertido en un ser ruin, capaz de cualquier cosa para seguir bebiendo. A pesar de la ayuda de su incansable novia (Jane Wyman), Don no parece ser capaz de abandonar esa pesadilla que es ya su forma de vida.

En la época en la que Billy Wilder afrontó este trabajo, la imagen que se daba en Hollywood del alcohólico era muy diferente a la real. Preferían retratarlos como el simpático borrachín que podemos encontrar en cualquier bar o taberna, alguien sin maldad que simplemente llenaba su tiempo con alcohol. El director quiso romper con esta tendencia retratando al alcoholismo como realmente es, enseñando a la sociedad el daño que este producía, no solo en el alcohólico, sino en los seres queridos que lo rodean y asisten impotentes a su derrumbamiento. Tal fue la repercusión que la película podía tener, que los empresarios que amasaban enormes fortunas gracias a la venta de alcohol intentaron, sin éxito, comprarla antes de su estreno.

Y el tiempo les dio la razón, ya que el director consiguió tal éxito de crítica y público que todos sus temores se hicieron realidad. Para ello Wilder escribió, junto a Charles Brackett, un excelente guion marca de la casa. Los diálogos son muy inteligentes, no dejando nada al azar. Ciertos objetos son tratados como un protagonista mas, haciéndolos parte integrante del drama (la maquina de escribir, el abrigo de piel, etc...). Algunas escenas cómicas ayudan a sobrellevar la tensión en la que la película adentra al espectador. Una enorme cantidad de detalles que consiguen un producto final excelente.

La mujer del cuadro - Fritz Lang (1944)

* Título original - The Woman in the Window
* Año - 1944
* Duración - 99 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Fritz Lang
* Guión - Nunnally Johnson a pertir de la novela de J.H. Wallis (Once Off Guard )
* Música - Arthur Lange
* Fotografía - Milton Krasner
* Montaje - Gene Fowler Jr., Marjorie Johnson
* Productora - International Pictures. Distribuida por RKO
* Género - Cine negro, Intriga, Thriller, Crimen
* Reparto - Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson, Dorothy Peterson, Arthur Loft, Frank Dawson

Fritz Lang, ya en su etapa estadounidense, nos regaló este clásico que figura en casi todas las listas de mejores películas del "Film noir". Basada en el sobresaliente guion de Nunnally Johnson y con la participación del genial Edward G. Robinson, estamos ante una obra imprescindible de la mejor época del cine made in Hollywood.

El profesor Richard Wanley (Edward G. Robinson), vive una vida acomodada y monótona. Tras mandar a su familia a pasar unos días de vacaciones, coincide en un club con varios amigos. Se siente fascinado por un retrato de una bella mujer que se observa en el escaparate contiguo al club, así que tras tomar varias copas decide echarle un último vistazo antes de regresar a casa. Cual no sera su sorpresa al encontrar junto a el a la hermosa modelo fotografiada, con la que accederá a tomar una copa en su apartamento sin saber las consecuencias que esto tendrá en su vida...

Como enamorado del cine no me conformo con visualizar películas, sino que también me encanta leer sobre su historia y por supuesto criticas de cine. Son muchos los que critican el cambio en la manera de hacer cine del maestro Lang al llegar a Hollywood. Lo cierto es que el cambio es real, ante eso nada que objetar, pero su causa fue la necesaria adaptación de este al cine norteamericano, tras ver como sus proyectos iniciales fueron rechazados. Atrás quedaban excelentes trabajos como 'Metrópolis' (1927) o 'M, el vampiro de Düsseldorf' (1931) y la necesidad lo obligaba a empezar de cero. Pero viendo  como el resultado de esa adaptación nos dejo títulos como 'Perversidad' (1945), 'Los sobornados' (1953), 'Más allá de la duda' (1956) o 'Mientras Nueva York duerme' (1956), ademas de la que hoy nos ocupa, lo único que se me ocurre decir es ¡Aleluya!.