El reloj asesino (The Big Clock) - John Farrow (1948) - Película completa

Título original - The Big Clock

Año - 1948

Duración - 95 min.

País - Estados Unidos

Dirección - John Farrow

Guion - Jonathan Latimer, basado en la novela homónima de Kenneth Fearing

Música - Victor Young

Fotografía - Daniel L. Fapp y John F. Seitz 

Montaje - LeRoy Stone

Producción - Richard Maibaum

Productora - Paramount Pictures

Reparto - Ray Milland, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan, George Macready, Rita Johnson, Elsa Lanchester, Ruth Roman

Género - Cine negro, Crimen, Periodismo

John Farrow fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Jonathan Latimer, que adapta la novela homónima de Kenneth Fearing The big clock. Cine negro ambientado en el mundo del periodismo, donde resalta la brillante fotografía de Daniel L. Fapp y John F. Seitz, la banda sonora de Victor Young y, por encima de todo, el trabajo del dúo interpretativo que forman Charles Laughton y Ray Milland. Un magnífico entretenimiento, aunque algo alejado de las grandes referencias del género.

Sinopsis - George Stroud (Ray Milland) es un periodista que trabaja desde hace años para el magnate de la comunicación Earl Janoth (Charles Laughton). Casado con Georgette Stroud (Maureen O'Sullivan), no pudo ni disfrutar de su luna de miel, por la tiranía con la que su jefe gobierna su negocio. Cuando Earl comete un crimen pasional, intentará que este recaiga sobre un desconocido, sin saber que este es George. La única manera que le quedará a George de demostrar su inocencia, será incriminar por si mismo al verdadero culpable.

El director - John Farrow fue un director, guionista y productor cinematográfico australiano nacido en  Sídney, el 10 de febrero de 1904, afincado en Estados Unidos. Su nombre completo era John N. B. Villiers-Farrow. 

Comenzó a escribir en los años veinte, cuando trabajaba como marinero en Australia. Se trasladó a Hollywood como consejero técnico en marina. Además de como guionista y director, es recordado también por su matrimonio con la actriz Maureen O'Sullivan, con la que para poder casarse, tuvo que convertirse al catolicismo. Tuvieron siete hijos, tres de ellas son actrices: Mia Farrow (la más popular), Stephanie Farrow y Prudence Farrow.

Ejerció de guionista desde 1927 hasta 1959, siendo también escritor de historias y relatos cortos. Entre sus trabajos podemos destacar The Showdown (1928), The Wolf Song (1929), The Bad One (1930), Don Quixote (1933) o John Paul Jones (1959)

Debutó en la dirección en 1934 con The Spectacle Maker. Durante su carrera dirigió mas de 40 largometrajes, entre los que podemos destacar títulos como West of Shanghai (1937), Sorority House (1939), China (1943), Calcutta (1947), Copper Canyon (1950), Hondo (1953), Back from Eternity (1956) y John Paul Jones (1959), que fue su último trabajo. Murió en 1963 de un ataque al corazón en Beverly Hills (California), a la edad de 58 años.

La película - El reloj asesino supuso el segundo acercamiento del realizador australiano a un género que en la época estaba en pleno auge, el cine negro. Farrow era un director voluntarioso y decidido, capaz de afrontar de forma correcta géneros muy dispares entre si, gracias a su enorme capacidad de trabajo y su convicción de que realizando este de forma detallista y metódica, no había objetivo que no fuera capaz de alcanzar. Era el dedicado trabajo el que conseguía paliar ese escaloncito que lo separaba de los grandes realizadores de la época, esa magia a la que solo unos pocos tienen acceso. Y es precisamente en este trabajo del que hoy hablamos, en el que consiguió la que es para un servidor su mejor película como director.  

Para lograrlo dispuso de varios ingredientes totalmente necesarios, como por ejemplo el guion escrito por Jonathan Latimer (Saqueo al sol, The Westland Case, Alias Nick Beal), que adapta de forma escrupulosa la brillante novela de Kenneth Fearing (The Hospital, Dagger of the Mind, Clark Gifford's Body), a la que respeta hasta en el título. Puede parecer banal lo que les comento, pero hay multitud de adaptaciones que pierden por completo la esencia del texto original. algo fatal para el resultado final. Los diálogos son vigorosos, la trama perfectamente hilada y los tiempos correctos. La parte introductoria puede resultar algo extensa, aunque al ir disfrutando la película compruebas que era necesaria.

Pacto tenebroso (Sleep, My Love) - Douglas Sirk (1948)

Título original - Sleep, My Love

Año - 1948

Duración - 97 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Douglas Sirk

Guion - St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten, basado en la novela de Leo Rosten

Música - Rudy Schrager

Fotografía - Joseph A. Valentine

Montaje - Lynn Harrison

Productora - United Artists

Producción - Ralph Cohn, Harold Greene, Charles 'Buddy' Rogers

Género - Cine negro. Intriga. Thriller, Thriller psicológico

Reparto - Claudette Colbert, Robert Cummings, Don Ameche, Rita Johnson, George Coulouris, Queenie Smith, Ralph Morgan, Raymond Burr, Keye Luke, Fred Nurney, Hazel Brooks

Sleep, My Love (Pacto tenebroso en España) es el sexto trabajo del germano Douglas Sirk con bandera estadounidense, en el que se mezclan cine negro, intriga, thriller psicológico y melodrama. Con un discreto guion de St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten, basado en la novela homónima de este último, la magnífica fotografía de Joseph A. Valentine y la interpretación del trio Claudette Colbert/Robert Cummings/Don Ameche, estamos ante una excelente oportunidad de disfrutar de un trabajo ejecutado de forma magistral por el rey del melodrama, donde la hermosa Hazel Brooks ejercerá de esa femme fatale tan representativa del género.

Sinopsis - Alison (Claudette Colbert) se despierta sobresaltada a bordo de un tren que va de Nueva York a Boston, al que no recuerda haber subido. Intentando recordar lo sucedido, encuentra además una pistola dentro de su bolso. Tras ser atendida y tranquilizada por un médico, que no encuentra una explicación lógica a lo sucedido, y llegar a su destino, contacta con su marido Richard (Don Ameche), que ya había informado a la policía de su repentina e inexplicable desaparición.

El director - Hans Detlef Sierck (Douglas Sirk desde su exilio en Estados unidos) fue un cineasta alemán nacido en Hamburgo, Imperio Alemán, el 26 de abril de 1897. Tras pasar parte de su infancia en Dinamarca, se trasladó junto a su padre a Alemania, donde se formó en las universidades de Múnich, Jena y Hamburgo. Mientras tanto comenzó a trabajar en el teatro, siendo nombrado director artístico de varios teatros en Bremen y Leipzig.

Debutó en el cine en 1935, año en el que dirigió No empieces nada en abril, La muchacha del páramo y Pilares de la sociedad. En los dos años siguientes rodó títulos como La novena sinfonía (Acorde final), La Habanera o La golondrina cautiva, hasta que se vio forzado a emigrar a Estados unidos. Allí filmó Hitler's Madman, comenzando a aparecer en los créditos como Douglas Sirk. En esa década filmó títulos como Extraña confesión (1944), Escándalo en París y La extraña mujer (ambas de 1946),  El asesino poeta (1947), Con acento francés y Más fuerte que la ley (ambas de 1949). En 1950 se incorporó a la Universal Pictures, adentrándose en géneros como lacomedia, el western o el cine bélico. Destacan títulos como El submarino fantasma (1950), La primera legión y Tempestad en la cumbre (ambas de 1951), ¿Alguien ha visto a mi chica? (1952), Su gran deseo (1953), Atila, rey de los Hunos y Obsesión (ambas de 1954), Orgullo de raza, Siempre hay un mañana y Sólo el cielo lo sabe (1955), Hoy como ayer y Escrito sobre el viento (1956), Interludio de amor y Ángeles sin brillo (1957), Tiempo de amar, tiempo de morir (1958) y Imitación a la vida (1959), entre otras.

Asqueado de la persecución a la que se sometía a escritores y cineastas en Estados unidos, decidió abandonar a la productora y regresar a Europa, residiendo en Suiza desde entonces, aunque dirigiendo varias piezas teatrales en Munich y varios cortometrajes en los años 60 y 70. No volvería a rodar un largometraje. Falleció en Lugano, Suiza, el 14 de enero de 1987.

La película - Poco antes de alcanzar su época dorada como realizador, convirtiéndose en uno de los referentes del melodrama, el bueno de Douglas Sirk ya nos daba buenos motivos para disfrutar de su habilidad tras las cámaras en trabajos como este Sleep, My Love. Y es que con este thriller psicológico que, sin su maestría bajaría muchos enteros, daba muestras de lo que realmente quería dirigir, aunque fuera en un segundo plano. De hecho, pienso que su trabajo es uno de los motivos por los que las carencias de la película quedan parcialmente disfrazadas, haciendo que merezca y mucho disfrutarla. 

Digo esto porque el guion escrito por St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten comienza de forma brillante, pero se va diluyendo cual azucarillo en el café, principalmente por pequeños detalles que descolocan a cualquier espectador medianamente perspicaz. La intriga y el misterio que caracterizan la primera parte del film da, en un momento dado, paso a lo evidente, perdiendo parte de su magia y restando puntuación al resultado final, que habría alcanzado cotas mucho mas altas si hubiera conseguido mantener el nivel inicial. 

Cayo Largo (Key Largo) - John Huston (1948)

Título original - Key Largo
Año - 1948
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - Richard Brooks y John Huston, basada en la obra de teatro homónima de Maxwell Anderson
Música - Max Steiner
Fotografía - Karl Freund
Montaje - Rudi Fehr
Producción - Jerry Wald
Reparto - Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro, Thriller

Inmediatamente después de rodar la magnífica El tesoro de Sierra Madre, el realizador John Huston escribió junto a Richard Brooks y dirigió su último trabajo con la Warner, el quinto en su filmografía. Rodeándose de un excelente reparto plagado de estrellas e intentando restar en todo momento la teatralidad innata que derrocha la historia, Huston firma un trabajo en el que los diálogos, las expresiones y los gestos comparten protagonismo por igual y la tensión fluye entre ellos de forma magistral. Todo un clásico del noir estadounidense catalogado como obra menor por parte de la crítica. Con media docena de trabajos así al año me conformaba yo.

Sinopsis: Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de guerra que viaja a Cayo Largo, en Florida, para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Pero lo que en principio era una visita de cortesía se complicará por la presencia de un grupo de gansters a las ordenes de Johnny Rocco (Edward G. Robinson), al que también acompaña su novia (Claire Trevor), con los que quedarán atrapados por una fuerte tormenta y serán tomados como rehenes en el interior del hotel propiedad de la viuda y el padre de su antiguo compañero.

El director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). 

Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Si dedicamos un rato a repasar las opiniones de aficionados y críticos sobre la obra que hoy nos ocupa podemos encontrar casi de todo, desde los que no salen convencidos de la actuación de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, los que piensan que Huston realizó este trabajo a regañadientes y solo por quedarle una película que filmar con la Warner, los que no la meten entre las mejores películas del realizador, los que opinan que su guión es mejorable en algunos aspectos, los que ven en ella poco menos que una obra maestra y así podría llevarme hasta mañana. En lo que casi todos coinciden es en darle como mínimo un siete de nota, siendo muchos los que suben esta hasta llegar a casi la excelencia, por lo que creo que como mínimo se merece un visionado. Lo que normalmente ocurre con trabajos de este nivel es que lees opiniones que los encumbran tanto que a la hora de visualizarla hay quien puede sentirse un tanto decepcionado, aunque no haya sido ese mi caso.

Para mi estamos ante un trabajo imprescindible, en el que la tensión se masca en el ambiente y los reducidos espacios donde se desarrolla son un protagonista mas y no secundario precisamente. Lo que en él no me acaba de convencer del todo es la relación que se establece entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, un tanto forzada y poco creíble en algunos momentos, algo que hablando de una pareja que nos ha dejado películas como Tener y no tener, dirigida por Howard Hawks (1944), en la que la relación entre ambos llenaba la pantalla y copaba todo el protagonismo, resulta un tanto chocante y te descoloca un poco. Además en su magnífico reparto también aparecen un Edward G. Robinson espléndido y una Claire Trevor que realiza una actuación magistral (le valió para ganar el Oscar a la mejor secundaria), por lo que el trabajo de la pareja eterna queda un tanto eclipsado.

El ángel borracho (El ángel ebrio) - Akira Kurosawa (1948)

Título original - Yoidore tenshi (Drunken Angel)
Año - 1948
Duración - 102 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa y Keinosuke Uegusa
Música - Fumio Hayakawa
Fotografía - Takeo Ito
Montaje - Akikazu Kôno
Producción - Sôjirô Motoki
Productora - Toho
Género - Drama, Cine negro
Reparto - Takashi Shimura, Toshirô Mifune, Reisaburo Yamamoto, Chieko Nakakita, Michiyo Kogure, Noriko Sengoku, Eitaro Shindo, Choko Iida, Taiji Tonoyama, Katao Kawasaki, Sachio Sakai, Yoshiki Kuga, Shizuko Kasagi, Masao Shimizu, Sumire Shiroki

Cinco años después de su debut, el maestro Akira Kurosawa llevó a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Keinosuke Uegusa. Un drama con aroma a cine negro que supondría la primera de 16 colaboraciones entre el director y el inolvidable actor Toshirō Mifune, entregándole el papel protagonista de forma mas que acertada a un Takashi Shimura en estado de gracia. Como casi toda la obra del japonés, imprescindible.

Sinopsis: Sanada (Takashi Shimura) es un médico con un carácter muy peculiar, que vive atormentado por lo que pudo haber sido su vida y no fue ahogando sus penas en alcohol, aunque a pesar de todo, ejerce su labor con una dedicación casi absoluta en un barrio periférico del Tokio de postguerra, donde la mafia impone su ley en las calles. Un buen día, el doctor recibe a altas horas de la noche a un hombre (Toshirô Mifune), requiriendo le cure una herida en su mano que se hizo al golpearse con una puerta, pero en el transcurso de dicha cura, el doctor extraerá una bala de la herida, que iniciará una estraña relación entre ambos.

El director: Akira Kurosawa fue un director de cine japonés nacido en Shinagawa, un 23 de marzo de 1910. Durante su carrera dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria

Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de los 50, y que le dio a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones, o usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (El Emperador), por su estilo como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. Kurosawa era igualmente detallista con la música, por lo que solía buscar un solo instrumento (por ejemplo, sólo trompetas), para acompañar una escena en concreto. Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más compleja.

La película: Después de haber leído mucho sobre este genio del séptimo arte y de como la censura mutiló y consiguió evitar que sacara toda su magia, tenía curiosidad por ver alguno de sus primeros trabajos, aunque no esperaba encontrarme con una obra tan completa como la que hoy tratamos. La verdad es que este film marca un antes y un después en su filmografía, mostrando ya en el parte del enorme talento que atesoraba para este arte y dando rienda suelta a su capacidad para retratar al ser humano, mostrando sus carencias y sus virtudes de una forma única.

El poder del mal (Force of Evil) - Abraham Polonsky (1948)

* Título original - Force of Evil
* Año - 1948
* Duración - 78 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Abraham Polonsky
* Guión - Abraham Polonsky (Novela: Ira Wolfert)
* Música - Rudolph Polk
* Fotografía - George Barnes
* Montaje - Arthur Seid
* Producción - Bob Roberts
* Productora - Metro-Goldwyn-Mayer
* Género - Cine negro. Intriga
* Reparto - John Garfield, Beatrice Pearson, Thomas Gomez, Howland Chamberlin, Roy Roberts, Marie Windsor, Paul McVey, Tim Ryan

Abraham Polonsky escribió basándose en una novela de Ira Wolfert y dirigió este magnífico trabajo de cine negro que incomprensiblemente es uno de esos poco recordados por el público en general. La que para mi es su mejor película, se apoya en un solvente guión, una dirección impecable y una actuaciones, sobre todo la del gran John Garfield, que merecen todas las alabanzas posibles. Noir de gran calidad mas que recomendable. Una maravilla por descubrir que no deben perderse.

Sinopsis: Joe Morse (John Garfield) trabaja como abogado para Ben Tucker (Roy Roberts), un hombre que se ha enriquecido gracias al clandestino e ilegal negocio de las apuestas. Pero los problemas surgen cuando Ben decida dar un golpe de efecto con el que hundir casi todas las casas de apuestas pequeñas, entre las que se encuentra la de Leo Morse (Thomas Gomez), una de las que Ben quiere hacerse cargo, algo a lo que Leo se opone totalmente, lo que hará que Joe piense en un plan para sacar tajada y ayudar de camino a su hermano.

El director: Abraham Polonsky nació en la ciudad de Nueva York, en diciembre de 1910. Realizó parte de sus estudios en DeWitt Clinton High School. En 1928, entró en el City College de Nueva York y después de graduarse, obtuvo su título de abogado en 1935 en la Escuela de Derecho de Columbia . Después de varios años de práctica, mezcladas con la enseñanza, decidió dedicarse a la escritura.

Polonsky escribió ensayos, guiones de radio y varias novelas antes de comenzar su carrera en Hollywood. Su primera novela, 'The Goose is Cooked', la escribió junto a Mitchell A. Wilson bajo el seudónimo de Emmett Hogarth y fue publicada en 1940. Polonsky se unió al Partido Comunista de los EE.UU., participó en la unión política, estableció y editó un periódico izquierdista, 'The Home Front'. Firmó un contrato de guionista con Paramount Pictures antes de salir de los EE.UU. para servir en Europa en la Segunda Guerra Mundial (1943-1945). Después de la guerra, volvió brévemente a escribir para Paramount, realizando el guión de Robert Rossen producción independiente de 'Cuerpo y Alma' (1947), protagonizada por John Garfield y Lilli Palmer . El guión fue nominado a un Premio de la Academia .

Tras ello comenzó a ejercer de director debutando con 'El poder del mal', con la que no obtuvo gran éxito en Estados Unidos, pero que fue considerada una obra maestra en Inglaterra.Su carrera se frenó en seco tras negarse a declarar ante el Comité de Actividades Anti-americanas en 1951. Se sabe que co-escribió el guión de 'Odds Against Tomorrow' (1959), aunque no fue acreditado en ella hasta 1997. En 1968 fue el guionista de Madigan , un noir policíaco dirigido por Don Siegel y protagonizado por Richard Widmark y Henry Fonda. Del resto de su corta filmografia como director destacar 'El valle del fugitivo' (1969), un Western con la participación de Robert Redford, Katharine Ross, Robert Blake, Susan Clark, etc. y 'Romance de un ladrón de caballos' (1971), una de aventuras con Yul Brynner, Eli Wallach y Jane Birkin.
Falleció el 26 de octubre de 1999 en Beverly Hills, California, a los 88 años de edad.

La película: 'Force of Evil' es un trabajo en el que destaca por encima de todo el contraste entre su enorme calidad y su desconocimiento por parte de gran parte del público, algo que me dio el empujón definitivo a la hora de realizar este artículo. No entiendo como otras obras de menor o igual calidad han pasado con letras de oro a ocupar páginas en la historia del cine y esta pequeña maravilla no tiene apenas comentarios ni votos en las principales webs de cine.

El estado de la unión - Frank Capra (1948)

* Título original - State of the Union
* Año - 1948
* Duración - 124 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Frank Capra
* Guión - Myles Connolly y Anthony Veiller basado en la obra de teatro de Russel Crouse y Howard Lindsay
* Música - Victor Young
* Fotografía - George J. Folsey
* Montaje - William W. Hornbeck
* Producción - Frank Capra y Anthony Veiller
* Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
* Género - Drama, Romance, Política
* Reparto - Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Van Johnson, Angela Lansbury, Adolphe Menjou, Lewis Stone, Howard Smith, Charles Dingle, Maidel Turner, Raymond Walburn, Margaret Hamilton

El maestro Fran Capra comenzó su inevitable declive con esta adaptación de la obra de teatro de Russel Crouse y Howard Lindsay. Un intento de ajustar cuentas con una clase política tan brillante como la que disfrutamos en la actualidad que carece en muchos momentos de lo que caracterizaba su obra, algo mas de corazón. De todos modos, con un reparto en el que brillan como de costumbre Spencer Tracy y Katharine Hepburn, acompañados por Angela Lansbury y Van Johnson, merece la pena disfrutarla.

Sinopsis: Kay Thorndyke (Angela Lansbury), la implacable dueña de un periódico, intenta convencer al magnate Grant Matthews (Spencer Tracy), un americano modelo al que no llama la atención la política, para que se presente como candidato a la Casa blanca por el partido republicano. Pero tras lograr convencerlo, le indican que es necesario que su mujer Mary (Katharine Hepburn) lo acompañe en la primera gira para darse a conocer al pueblo americano, algo que será difícil de conseguir, ya que la relación entre ambos dista mucho de ser la ideal.

El director: He de reconocer que el señor Frank Capra es uno de esos directores a los que siempre he admirado. Su forma de hacer cine, de presentar y desarrollar a los personajes, de transmitir cierta sensación de esperanza tan necesaria en los duros tiempos en que le tocó ejercer su profesión, hacen que su trabajo raramente pase desapercibido.

En su haber encontramos joyas del séptimo arte que en su momento tuvieron mejor o peor acogida, pero que han pasado a la historia del cine con letras mayúsculas. Títulos como 'Dama por un día' (1933), 'Sucedió una noche' (1934), 'El secreto de vivir' (1936), 'Vive como quieras' (1938), 'Caballero sin espada' (1939), 'Juan Nadie' (1941), 'Arsénico por compasión' ( 1944) o 'Que bello es vivir' (1946), son solo una parte de su extensa filmografía.

Ganó dos Oscars a la mejor película por 'Sucedió una noche' (1934) y 'Vive como quieras' (1938), ademas de otras tres como mejor director, dos de ellos por las anteriormente mencionadas y el tercero por 'El secreto de vivir' (1936), además de un Globos de Oro al mejor director por 'Que bello es vivir' (1946), por la que, a pesar de no ser muy bien considerada por algunos sectores, fue nominada para cinco Óscar, incluidos el de mejor director y mejor fotografía. El tiempo la ha convertido en un clásico de las fechas navideñas que no me pierdo ningún año, convirtiendo su visionado en una tradición dentro de mi familia.

La película: A pesar de mi evidente admiración por el trabajo del maestro Capra, he de reconocer que voy a realizar esta crítica con un pellizco en el estómago, ya que supone el inicio de un declive muy difícil de asumir por cualquier incondicional de su obra. Esto no quiere decir que no merezca la pena visualizarla, algo a lo que animo a cualquier aficionado a este arte, pero el resultado final queda muy lejos de sus mejores trabajos por varios motivos que intentaré explicar.