Esclavo de Dios - Joel Novoa (2013)

* Título original - Esclavo de Dios
* Año - 2013
* Duración - 90 min.
* País - Venezuela
* Director - Joel Novoa
* Guión - Fernando Butazzoni
* Música - Emilio Kauderer
* Fotografía - Closed Eye Visuals
* Productora - Arlequin Films
* Co-produccion de Argentina, Venezuela y España
* Género - Thriller, Terrorismo, Basado en hechos reales
* Reparto - Mohammed Alkhaldi, Daniela Alvarado, César Troncoso, Devorah Lynne Dishington, Vando Villamil

Joel Novoa debuta en la dirección de un largometraje con 'Esclavo de Dios'. Un valeroso intento de exponer un conflicto que ha enfrentado a dos pueblos durante generaciones y al que no se le ve fin. Según sus propias palabras 'Es una llamada a la tolerancia y al encuentro de los pueblos, a través de una historia inspirada en hechos reales'. Toda una declaración de intenciones, ya que en Venezuela es extremadamente difícil rodar cine evitando ser censurado.

La película nos pone en la piel de dos personas, que por las vivencias que tuvieron en sus infancias, son extremistas religiosos, uno israelí y otro palestino. Uno se ha preparado durante años para, con el tiempo, atentar en el nombre de Alá, vengando así la muerte de su familia y el otro se ha formado en el Mossad para lograr acabar con los terroristas islámicos, cueste lo que cueste. Sus caminos se cruzarán coincidiendo con los hechos que ocurrieron en Argentina en 1994 (atentado contra la AMIA en Buenos Aires que dejó 85 muertos).

Tras conseguir que la película fuera aprobada por el CNAC (esta financió parte de la película) y seleccionada por una Comisión de Estudios de especialistas del país Venezolano, Joel Novoa se encontró con una terrible sorpresa: las autoridades cinematográficas venezolanas obligaban a pasar antes de la película un documental de 10 minutos sobre la causa palestina que confundía a los espectadores, tras las críticas de los sectores mas extremistas.

"A los pocos minutos yo mismo he tenido que detener a la gente para que no salga del cine", dijo a los periodistas. "Nunca pretendí que la película se volviera algo político, sin embargo, ciertos grupos radicales la convirtieron en algo político", agregó. Novoa recalcó que no está en contra de que se proyecten los cortometrajes, ya que él mismo realizaba ese tipo de formatos, pero dijo que el público debe ser alertado para evitar confusiones. Agregó que en este caso, el documental apoya la causa palestina de manera sesgada, toma posición parcializada y esto confunde al público. También dejo claro que el filme es una "ficción" y que no pretende utilizar a la religión para fines políticos, sino que es una llamada a la tolerancia. "Esto lo veo como una censura indirecta", alegó.

Ya veis como son las cosas en este mundo. En nuestra modesta opinión, el director tiene toda la razón ya que en ningún momento se ve que tome parte a favor de ninguno de los dos contendientes, sino que intenta hacer una llamada a la reflexión con las armas de las que dispone. Es un trabajo que deberían de ver muchos de los que, excusándose en la religión, se niegan a abandonar una lucha que se ha cobrado ya demasiadas vidas inocentes.

Nos mojamos con los Oscars (Porra bloguera Oscars 2014)

Ante todo deciros que no suelo coincidir muy a menudo con el criterio de quienes deciden los ganadores de los Oscars. No se si será por mis gustos, por mi rebeldía o simplemente porque yo no estoy mediatizado, como a buen seguro si les ocurrirá a ellos.
Pero varios compañeros con blogs sobre cine me lo han propuesto y me ha parecido una buena idea. A continuación os dejo mi quiniela sobre quien ganará los principales galardones, y seguidamente os dejaré los enlaces a las de mis compañeros. And the Oscar goes to...

Mejor Película - La gran estafa americana

Mejor director - Alfonso Cuarón (Gravity)

Mejor actor - Christian Bale (La gran estafa americana)

Mejor actriz - Cate Blanchett (Blue Jasmine)

Mejor película de habla no inglesa - La caza (Dinamarca)

Ausente (Stop-Loss) - Kimberly Peirce (2008)

* Título original - Stop-Loss
* Año - 2008
* Duración - 113 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Kimberly Peirce
* Guión - Kimberly Peirce, Mark Richard
* Música - John Powell
* Fotografía - Chris Menges
* Productora - Paramount Pictures / MTV Films
* Género - Bélico, Drama
* Reparto - Ryan Phillippe, Joseph Gordon-Levitt, Abbie Cornish, Rob Brown, Channing Tatum, Victor Rasuk, Terry Quay, Matthew Scott Wilcox, Timothy Olyphant, Josef Sommer, Linda Emond, Ciarán Hinds
* Web Oficial - http://www.stoplossmovie.com/

Kimberly Peirce regresa a la dirección tras nueve años desde su aclamado debut con 'Boys don`t cry'. En esta ocasión es responsable también de un guion escrito junto a Mark Richard ("Infierno sobre ruedas"), basado en las experiencias de su propio hermano (el de la directora) en la guerra de Iraq. Una crítica a la situación de miles de soldados estadounidenses, vilmente engañados para luchar contra los "enemigos de la patria". Menudo negocio encubierto.

Tras completar el tiempo estipulado en sus contratos, un grupo de soldados regresa a su país tras un duro periplo durante la guerra de Iraq. Después de unos días de descanso, en los que podremos comprobar como todo lo vivido ha hecho mella en ellos, Brandon Leonard King (Ryan Phillippe) decide licenciarse para continuar con su vida lejos de la crueldad de la guerra, pero al intentar hacerlo recibe la orden de volver a Iraq, lo que no recibirá de buen grado...

Kimberly Peirce debutó en la dirección con una producción de cine independiente, basada en la historia real de Brandon Teena, un joven transexual que fue violado y asesinado el 31 de diciembre de 1993. Con ella recibió grandes críticas y un éxito considerable en taquilla. La actriz Hilary Swank consiguió el Oscar y el Globo de Oro como mejor actriz. En la actualidad tiene en cartelera en nuestro país el remake de 'Carrie', película de terror de Brian De Palma estrenada en 1976 con Julianne Moore y Chlöe Grace Moretz en los papeles protagonistas.

En la que nos ocupa, 'Ausente (Stop-Loss)' vuelve a realizar un excelente trabajo tras la cámara, denunciando los horrores de la guerra, los estragos que hace en las mentes de quien la ha vivido y la práctica que lleva a cabo el ejercito estadounidense -mas bien los políticos del país- denominada Stop-Loss, que consiste en obligar a un militar a continuar luchando tras haber cumplido con lo establecido en su contrato, acusándolo de deserción en el caso de negarse a ello. Es quizás esa ambigüedad, el no dirigirse a una sola linea argumental, la que hace que la cinta pierda algo de fuelle.

No estamos ante una película bélica propiamente dicha, así que si es lo que buscas tendrás que mirar en otra dirección, aunque sus escenas de combate iniciales están excelentemente filmadas, no teniendo nada que envidiar a otras realizadas en producciones mucho mayores.

Efectos especiales en 'Los vengadores', 'Pacific Rim' y 'Gravity'

Hoy os dejamos tres curiosos vídeos de como se han creado los efectos especiales de 'Los vengadores', 'Pacific Rim' y 'Gravity'. Una curiosa y amena forma de entender el enorme trabajo que supone crear cada escena en una película de este tipo. Espero que os guste.

La noche del cazador - Charles Laughton (1955)

* Título original - The Night of the Hunter
* Año - 1955
* Duración - 93 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Charles Laughton
* Guión - James Agee a partir de la novela de David Grubb
* Música - Walter Schumann
* Fotografía - Stanley Cortez
* Montaje - Robert Golden
* Producción - Paul Gregory
* Productora - United Artists
* Género - Intriga, Drama, Cine negro, Thriller
* Reparto - Robert Mitchum, Billy Chapin, Sally Ann Bruce, Shelley Winters, Lillian Gish, Peter Graves, Evely Varden, James Gleason

El excelente actor Charles Laughton realizó 'La noche del cazador', su única película completa como director de cine, no entendida en su época y considerada como una obra maestra en la actualidad. Un trabajo al que adoraras o ridiculizaras, ya que no deja indiferente a nadie. Un cuento para adultos que no merece la pena ser visto si no es desde los ojos de un niño.

Sinopsis: Erase una vez dos hermanos, a los cuales su papa confió un enorme secreto antes de marcharse para siempre. Papa había sido malo y tubo que entrar en la cárcel. Allí un hombre malo escuchó parte de su secreto mientras dormía y en cuanto salió de la cárcel fue a buscarlos para arrebatárselo. Pero los dos hermanos no estaban dispuestos a incumplir la promesa que hicieron a papa...

Charles Laughton destacó como actor, tanto teatral como en el cine y la televisión, durante toda su carrera. 'La vida privada de Enrique VIII', 'Los miserables', 'Rebelión a bordo', 'Yo, Claudio', 'El capitán Kidd', 'Testigo de cargo' o 'Espartaco', son algunos ejemplos entre la multitud de trabajos en los que apareció. El propio Billy Wilder dijo de él que era el mejor actor con quien nunca había trabajado... de hecho, añadía Wilder con entusiasmo, en su opinión, Laughton era "el más grande de todos los actores".

Realizaba su trabajo con un entusiasmo pocas veces visto, ya que creía que interpretar era un arte creativo a la altura de las creaciones musicales, pictóricas o literarias. De hecho llegó a decir que "Un actor del Método te ofrece una fotografía: yo prefiero hacer una pintura al óleo". Pero su único acercamiento a la dirección tras haber co-dirigido algunas escenas de 'El hombre de la Torre Eiffel' (1949), esta maravilla que hoy nos ocupa, fue tan incomprendida que le impidió volver a dirigir cine, aunque si siguió haciéndolo con obras de teatro. Algo que le ha ocurrido a muchísimos genios a lo largo de la historia y que seguirá ocurriendo una y otra vez.

Pero, ¿a que es debido que en su tiempo no tuviera apenas éxito y se la criticara enormemente? El director nos plantea una película para adultos, pero la rueda desde los ojos de un niño. Escenas de una gran belleza pero con pocos detalles, como en las que el director toma solo lo que alcanza su estatura, eliminando de ella la parte alta del adulto o los paisajes minimalistas donde se juega con las luces y, sobre todo, con la oscuridad. Innumerables alusiones a cuentos infantiles que encontramos a lo largo de todo el metraje y una potente banda sonora de Walter Schumann que resalta ciertas escenas de forma magistral, son otras de las características que su creador utiliza.

La casa del fin de los tiempos - Alejandro Hidalgo (2013)

* Título original - La casa del fin de los tiempos
* Año - 2013
* Duración - 97 min.
* País - Venezuela
* Director - Alejandro Hidalgo
* Guión - Alejandro Hidalgo
* Música - Yoncarlos Medina
* Fotografía - Cezary Jaworski
* Productora - Epica Produccion / X Rojo Producciones / JEMD Films / Xenon Films / La Fundación Villa del Cine
* Género - Intriga, Terror
* Reparto - Ruddy Rodríguez, Gonzalo Cubero, Rosmel Bustamante, Guillermo García, Adriana Calzadilla, José León, Héctor Mercado, Yucemar Morales
* Web oficial: http://www.lacasadelfindelostiempos.com/

Alejandro Hidalgo debuta en la dirección con esta sorprendente película, basada en un excelente guión escrito por el mismo. Es el primer trabajo venezolano de intriga con toques de terror y realizado con un presupuesto bastante reducido. Es un claro ejemplo que demuestra que lo que de verdad importa a la hora de hacer cine es tener una buena historia y de ella realizar un buen guión.

Estoy completamente seguro de que muchas de las personas que comenzaron a ver este estupendo trabajo, la quitaron en los primeros 20 minutos, craso error. Yo siempre digo que cuando un pintor enseña un cuadro o un escultor su última obra, jamas nos lo enseñan a medias. Con el cine pasa exactamente igual, hay que ver la obra completa para así poder juzgarla adecuadamente. Es por ello que he tenido que tragarme infinidad de tostones cientos de veces pero, como ocurre en este caso, me he llevado algunas gratas sorpresas.

Y es que el debutante Alejandro Hidalgo imprime al comienzo del film un ritmo bastante pausado, lo que unido a la necesidad de adaptarse a esa manera de hablar, que necesita de un periodo de adaptación, como le ocurrirá a un extranjero al llegar a España, y aún mas a Andalucía, además de la elección de ese titulo horroroso donde los haya, seguro que echa a muchos para atrás. Pero en cuanto avanza un poco el metraje y conocemos a los personajes, la historia te atrapa hábilmente y ya no parpadeas hasta el final.

Para ello no necesita de efectos digitales de alto coste, simplemente crea un clima malsano y asfixiante en el que se mueven nuestros personajes y poco a poco nos va desmenuzando la historia al ritmo que le interesa. Su habilidad para contrarrestar ese clima, con las escenas de los niños fuera de los muros de la casa, es digna de elogio y nos muestra un talento que, a buen seguro, dará mucho que hablar.

Los próximos tres días - Paul Haggis (2010)

* Título original - The Next Three Days
* Año - 2010
* Duración - 122 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Paul Haggis
* Guión - Paul Haggis basado en la película 'Cruzando el límite' (2008) de Fred Cavayé
* Música - Danny Elfman
* Fotografía - Stéphane Fontaine
* Montaje - Jo Francis
* Productora - Coproducción USA-Francia; Lionsgate / Highway 61 Films / Fidélité Films
* Género - Thriller, Drama, Remake
* Reparto - Russell Crowe, Elizabeth Banks, Liam Neeson, Olivia Wilde, Jonathan Tucker, Brian Dennehy, RZA, Sean Huze, Lennie James, Jason Beghe, Moran Atias, Ty Simpkins

Interesante remake de la francesa 'Cruzando el límite', opera prima de Fred Cavayé, en la que Paul Haggis nos presenta una historia de amor verdadero disfrazado de thriller y con logradas escenas de acción. Russell Crowe vuelve a secuestrar la cámara para si, realizando un excelente trabajo, dada la poca expresividad de la que hace gala constantemente, lo que no hace sino darle mas merito aun.

John Brennan (Russell Crowe) lleva una placida vida hasta que su esposa Laura Brennan (Elizabeth Banks) es arrestada por un asesinato, que ella afirma no haber cometido. Después de tres años de condena, en los que John ha luchado por la inocencia de su mujer, educando a su hijo y siguiendo con su trabajo como profesor en la Universidad, sus esperanzas están casi agotadas. Ahora tendrá que decidir hasta donde es capaz de llegar por la mujer a la que ama.

Paul Haggis se dio a conocer como guionista y director de 'Crash' (2004) -con la que ganó ambos Oscars- y 'En el valle de Elah' (2008) y guionista de 'Million Dollar Baby' (2005), 'Casino Royale' (2006), 'Banderas de nuestros padres' (2007), 'Cartas desde Iwo Jima' (2007), 'El último beso' (2007) y 'Quantum of Solace' (2008). Es de ese tipo de directores a los que la crítica despluma en cuanto asoma la cabeza, cosa que yo no llego bien a comprender.

En esta ocasión recibió innumerables críticas por lo poco creíble de la historia que nos cuenta, precisamente por los mismos que subieron a los cielos a la realmente increíble 'origen'. Claro que esta es una historia mucho mas sencilla, que es un remake y que de lo que nos habla es de algo poco creíble hoy día, lo que un esposo sería capaz de hacer por amor a su mujer. ¡ojo! que no digo que 'origen' sea mala, pero esta tampoco lo es, les guste a ellos o no.

Estamos ante un producto que, tras el shock inicial, toma un ritmo tranquilo, que poco a poco va creciendo. En mi opinión esta perfectamente llevado, acelerando en las escenas en que la acción así lo exige y detallando minuciosamente todos los detalles cuando este afloja.

Historia de los Oscars: Películas ganadoras de los 5 principales galardones

A lo largo de la historia de los Oscars de la academia, tan solo tres películas han conseguido ganar las cinco estatuillas mas importantes (Mejor actor , Mejor actriz,  Mejor película, Mejor director y Mejor guión). ¿Sabes cuales son? ¿Las has visto todas? ¿Crees que lo merecieron? ¿A cual se los hubieses dado?

La primera de ellas fue 'Sucedió una noche' de Frank Capra (1934). Una comedia romántica que, hoy día, muchos calificarían como de un ritmo muy lento, pero que en su momento creó un estilo que después sería utilizado en innumerables ocasiones.

* Título original - It Happened One Night
* Año - 1934
* Duración - 105 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Frank Capra
* Guión - Robert Riskin (Historia: Samuel Hopkins Adams)
* Música - Louis Silvers
* Fotografía - Joseph Walker
* Reparto - Clark Gable, Claudette Colbert, Walter Connolly, Roscoe Karns, Jameson Thomas, Ward Bond, Eddy Chandler, Arthur Hoyt, Alan Hale
* Productora - Columbia Pictures
* Género - Romance, Comedia, Comedia romántica.

La frustrada heredera Ellen "Ellie" Andrews (Claudette Colbert) se casa con el interesado Westley (Jameson Thomas) en contra de los deseos de su rico padre (Walter Connolly). Este recupera a su hija antes de que el matrimonio pueda ser consumado, tras lo cual Ellie consigue escapar. A bordo de un autobús hacia Nueva York, conoce a su compañero de viaje Peter Warne (Clark Gable), un periodista sin trabajo. Él la reconoce y le da una opción: si le da la exclusiva de su historia, él le ayudará a reunirse con Westley, de lo contrario le dirá a su padre dónde está y así podrá cobrar la recompensa.

Café Bombón - Antonio Gamarra y Raúl Muñoz (Cortometraje, 2014)

* Titulo original - Café Bombón

* Duración - 3,30 minutos

* Año - 2014

* País - España

* Director - Antonio Gamarra y Raúl Muñoz

* Guión - Antonio Gamarra

* Imagen, sonido e iluminación - Miguel Hinojosa

* Producción - Intactos Teatro Producciones

* Género - Comedia, cortometraje

* Reparto - Raúl Muñoz, Nerea Garciolo y Miguel Ángel Yélamos

* Colaboradores - Mercedes Salvador, Violeta Pérez, Manena López, Jesús Álvarez, FºJavier Huertas, David Gonzalez y Encarni Nievas.

* Lugar de grabación - Cafetería Epoca Coffee, Granada

Echándole un vistazo a los cortometrajes participantes del festival JamesonNotodofilmfest, encontramos el sorprendente 'Café Bombón', un cortometraje que rebosa frescura y sentido del humor por los cuatro costados. Lógicamente y debido a su corta duración, no voy a hablaros sobre lo que trata, simplemente os dejo el enlace para que podáis disfrutarlo: 'Café Bombón'.

Lo que si hemos hecho es ponernos en contacto con su guionista y co-director Antonio Gamarra, un granadino de 31 años, con la idea de que nos explique como han sido sus inicios en este duro mundo.

Antonio nos explica como comenzó todo: 'Siempre me ha gustado el mundo del cine pero nunca tuve el apoyo ni la oportunidad de dedicarme a él. Durante años he trabajado en el campo de la informática y a los 30 años participé como extra en ""Método Inocente" un cortometraje de Pedro Pérez Martí. Tras participar en este cortometraje pude ver como era realmente estar detrás de las cámaras y decidí dar el salto a este mundillo.

Me era imposible estudiar y seguir trabajando, mi mujer, a la cual le estoy enormemente agradecido por el apoyo, me animó ha hacer un curso online y ella misma me inscribió en CPA Salduie, una plataforma online para estudiar Guión Cinematográfico Profesional avalado por la universidad de Zaragoza y que tiene gran reconocimiento en esta materia.'

Preguntado sobre su bautismo de fuego nos indica: 'Mi primer trabajo fue "La Pared" ( http://www.youtube.com/watch?v=a6SpzWaPqS8 ) pero la falta de experiencia hizo que no saliera tan bien como teníamos pensado. Pero eso no me desanimó, si no que aprendí de los errores.'

Y ya hablando del corto que hoy nos ocupa: 'Unos meses después escribí el guion de "Café Bombón" y pedí ayuda a Intactos Teatro Producciones. Raúl Muñoz se ofreció como Co-Director y como actor. Nerea Garciolo y Miguel Ángel Yélamos cerraron el reparto principal.

Palmares de la Berlinale y los BAFTA 2014

* 64º edicion del Festival Internacional de Berlín 2014

Las grandes triunfadoras han sido Black Coal, Thin Ice de Yinan Diao con 2 premios de 2 nominaciones y Aimer, boire et chanter de Alain Resnais con 2 premios de 3 nominaciones

Fotos: EFE

* Principales premios:

- Oso de Oro: Mejor película: Black Coal, Thin Ice de Yinan Diao
- Oso de Plata - Gran Premio del Jurado: El gran hotel Budapest de Wes Anderson
- Oso de Plata - Mejor director: Richard Linklater por Boyhood
- Oso de Plata - Mejor actor: Fan Liao por Black Coal, Thin Ice
- Oso de Plata - Mejor actriz: Haru Kuroki por The Little House
- Oso de Plata - Mejor guión: Dietrich Brüggemann y Anna Brüggemann por Stations of the Cross
- Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente: Zeng Jian (Fotografía) por Blind Massage

* Películas premiadas:

- Black Coal, Thin Ice (2) de 2 nominaciones
- Aimer, boire et chanter (2) de 3 nominaciones
- Blind Massage (1) de 2 nominaciones
- Güeros (1) de 1 nominacion
- The Little House (1) de 2 nominaciones
- El gran hotel Budapest (1) de 2 nominaciones
- Boyhood (1) de 2 nominaciones

* Palmares completo:

- Oso de Oro:"Bai Ri Yan Huo" ("Black Coal, Thin Ice"), de Yinan Diao (China)
- Oso de Plata, Gran Premio del Jurado: "The Grand Budapest Hotel", de Wes Anderson (Reino Unido, Alemania)
- Premio Alfred Bauer: "Aimer, boire et chanter", de Alain Resnais (Francia).
- Oso de Plata al mejor director: Richard Linklater, por "Boyhood" (Estados Unidos)
- Oso de Plata a la mejor actriz: Haru Kuroki, por "Chiisai Ouchi" ("The Little House"), de Yoji Yamada
- Oso de Plata al mejor actor: Liao Fan, por "Bai Ri Yan Huo" ("Black Coal, Thin Ice"), de Yinan Diao.
- Oso de Plata al mejor guión: "Kreuzweg", de Dietrich Brüggemann (Alemania).
- Premio a la mejor ópera prima: "Güeros", de Alonso Ruizpalacios (México).
- Oso de Plata a la mejor contribución artística: "Tui Na" (Blind Massage), de Ye Lou (China, Francia)
- Oso de Oro al mejor cortometraje: "Tant qu'il nous reste des fusils à pompe", de Caroline Poggi y Jonathan Vinel (Francia)
- Oso de Plata al mejor cortometraje: "Laborat, de Guillaume Cailleau (Francia).
- Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI, sección oficial: "Aimer, boire et chanter", de Alain Resnais (Francia).
- Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI, sección Panorama: "Hoje eu quero voltar sozinho", de Daniel Ribeiro (Brasil).
- Premio de los Jurados Ecuménicos: "Kreuzweg", de Dietrich Brüggemann (Alemania).
- Premio "Gilde" de la Asociación de Cines y Teatros de Arte: "Boyhood", de Richard Linklater (EEUU)
- Premio Teddy al cine homosexual: "Hoje eu quero voltar sozinho", de Daniel Ribeiro (Brasil).
- Premio Amnistía Internacional: "Al midan", de Jehane Noujaim (EEUU, Egipto).
- Gran Premio del Jurado de la sección Generation Kplus: "Ciencias Naturales", de Matías Lucchesi (Argentina, Francia).

La huella - Joseph L. Mankiewicz (1972)

* Título original - Sleuth
* Año - 1972
* Duración - 138 min.
* País - Reino Unido
* Director - Joseph L. Mankiewicz
* Guión - Anthony Shaffer adaptando la obra teatral homónima de Anthony Shaffer
* Música - John Addison
* Fotografía - Oswald Morris
* Producción - Morton Gottlieb, David Middlemas y Edgar J. Scherick
* Género - Intriga
* Productora - 20th Century Fox / Palomar Pictures
* Reparto - Laurence Olivier, Michael Caine, Alec Cawthorne

El inigualable Joseph L. Mankiewicz concluyó su carrera de la forma mas brillante posible, dejándonos esta comedia negra en la que la intriga permanece junto al espectador durante las dos horas largas que dura. Un par de decorados, un excelente guión y dos actores magníficos (Olivier y Caine) sellan este clásico con indudable alma teatral. ¿Que mas se puede pedir?

Andrew Wyke (Sir Laurence Olivier) es un escritor de novelas de misterio al que le gustan apasionadamente las adivinanzas y los juegos de enredo. Un día recibe en su mansión en el campo a Milo Tindle (Michael Caine), que regenta varias peluquerías, y que tiene una relación sentimental con la esposa de Wyke, con la que piensa casarse. El propósito de dicho encuentro es solucionar los aspectos necesarios para que ambos continúen con sus vidas sin ningún problema.

Hay una frase atribuida a Mankiewicz, allá por los años 70 que reza: "Los nuevos directores han cometido un grave error al aprender a hacer cine en escuelas y universidades. Que se cultiven, que lean, que aprendan de Shakespeare, de Molière o de Cervantes, que han sido formidables guionistas." Quizás ese sea el motivo por el que gustaba tanto de la teatralidad en sus obras y en esta, su último legado, dicha teatralidad se respira por los cuatro costados.

Después de dejarnos maravillas como 'Carta a tres esposas' (1949), 'Eva al desnudo' (1950), 'Julio César' (1953), 'De repente, el último verano' (1959) o 'Cleopatra' (1963), la cual consideraba su peor película, entre otras muchas, realizó este prodigio llevado al cine. En el rinde un sentido homenaje a Edgar Allan Poe, no solo por la estatuilla que preside el salón, sino por los escenarios del film, en especial ese sótano tan característico del gran escritor y poeta. En ella realiza también una dura crítica a la aristocracia inglesa, que hubiese quedado mucho mas patente, si el actor escogido no hubiera sido Caine, que sin duda tiene aires señoriales ingleses que no puede evitar, mas que rasgos latinos italianos.

La película se basa en el excelente guión de Anthony Shaffer, que adaptó la obra de teatro de Anthony Shaffer. Nos regala en el unos excelentes diálogos, mediante los cuales rivalizan los dos protagonistas, un aire constante de burla, satirizando las novelas de detectives y una intriga que se apodera del espectador, al que en todo su metraje ya no abandona.

El Agujero Negro - Diamond Dogs (Cortometraje, 2009)

Espero que os guste este corto titulado 'El Agujero Negro'. El ser humano es codicioso, de eso no nos cabe ninguna duda.


* Año - 2009
* País - Gran Bretaña
* Director - Diamond Dogs (Phil & Oly)
* Productora - HSI London
* Actor - Napoleon Ryan
* Estilismo - Hannah Glossop
* Maquillaje - Gemma Winocroft
* Fotografía - Will Bex
* Sonido - Finch Judges y Kim Storey
* Género - Ciencia ficción, Thriller, Cortometraje

Diamond Dogs son un dúo de directores que proceden de la dirección de vídeo clips y de anuncios en los dos lados del Atlántico, en el año 2009 hicieron este vídeo que ha sido premiado en muchos festivales. Su estilo como demuestra este film es algo surrealista presentando ideas fuera de lo común,con un punto cómico y una elaborada y cuidada realización.

Un trabajador de oficina privada descubre accidentalmente un agujero negro y la codicia saca lo mejor de él.

Prueba de cámara de Audrey Hepburn para la película "Vacaciones en Roma".

En un primer momento los productores querían a Elizabeth Taylor para el papel protagonista, pero el director William Wyler quedó impresionado por la prueba de cámara de Audrey, en la cual se dejó la cámara quieta y se le empezaron a realizar una serie de preguntas a Audrey, que no sabía que la cámara estaba grabando.

Sus respuestas y sinceridad demostraron su enorme talento y Wyler no dudó en contratarla. Wyler dijo: «Tiene todas las cosas que busco: encanto, inocencia y talento. Además es muy divertida. Es absolutamente encantadora. No dudamos en decir que es nuestra chica».

Esta película fue el primer papel protagonista de Audrey Hepburn en el mundo del cine. La actriz belga no había realizado grandes papeles hasta entonces. Una vez hecho el rodaje, la productora quería que Gregory Peck, estrella consolidada en Hollywood, encabezara en solitario los créditos. Pero Peck se negó argumentando que Audrey Hepburn iba camino de ser una gran estrella.

Esta película supuso toda una innovación en el rodaje de exteriores. Wyler desechó la idea de rodar con escenarios artificiales porque quería que la auténtica Roma fuese la tercera protagonista de la película.

Peck preparó una broma a Hepburn en la escena de La boca de la verdad. La leyenda sobre este monumento, que se explica en la película, cuenta que quien miente pierde la mano al introducirla en la boca. Así, Peck, sin previo aviso a la actriz, mete la mano y la esconde por debajo de su manga. Esto provoca el susto real de Hepburn. Wyler no dudó un momento en meter la escena de la broma en la película al ver la reacción de Hepburn.

Las hijas de Wyler tienen un pequeño papel en la película. En la escena en la que Peck quiere «tomar prestada» la cámara de fotos de una niña, esta misma niña y la que avisa a la maestra, son hijas del director.

Cary Grant rechazó el papel protagonista de esta película, que posteriormente fue ofrecido a Gregory Peck, quien bromeaba diciendo que cada vez que le ofrecían un papel pensaba que ya lo había rechazado Grant.



Fuentes: Wikiipedia y youtube

Canibal - Manuel Martín Cuenca (2013)

* Título original - Caníbal
* Año - 2013
* Duración - 116 min.
* País - España
* Director - Manuel Martín Cuenca
* Guión - Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández a partir de la novela de Humberto Arenal
* Fotografía - Pau Esteve Birba
* Productora - Coproducción España-Rumanía-Rusia-Francia; La Loma Blanca / Mod Producciones / CTB Film Company / Libra Film / Luminor
* Género - Drama, Thriller psicológico
* Reparto - Antonio de la Torre, Olimpia Melinte, María Alfonsa Rosso, Manolo Solo, Delphine Tempels, Joaquín Núñez, Yolanda Serrano, Gregory Brossard
* Web Oficial - http://golem.es/canibal/

Manuel Martín Cuenca nos regala este curioso retrato de un psicopata embutido en la piel de una persona de lo mas normal. Una mirada fría, diferente y tremendamente contemplativa, no apta para impacientes ni para espectadores ávidos de violencia extrema y ritmo acelerado. Un trabajo muy diferente a lo habitual, a la hora de contar la historia de un depredador de este tipo.

Carlos es un sastre ejemplar. Desarrolla su trabajo en Granada y lleva una existencia monótona, vive solo y basa su vida exclusivamente en su trabajo y en su único divertimento, la gastronomía. Ademas de su madre, las únicas mujeres que forman parte de su mundo son las desconocidas a las que asesina, para convertirlas en la base de su plato preferido, la carne humana.

Son innumerables las películas que intentan retratar al psicópata de apariencia normal que, con una vida aparentemente de lo mas vulgar, habitan impunemente entre nosotros. Pero 'Canibal' nos plantea esta cuestión de una forma poco vista con anterioridad. Simplemente convierte al espectador en testigo de la lucha continua que el criminal tiene por encontrar algo de sentido en su ruin vida.

Para ello nos muestra su vida cotidiana de una forma de lo mas simple. Elige un momento de su historia y, a partir de el, nos enseña como avanza su vida, sus costumbres, su soledad, su carencia de motivaciones, su extremada falta de sentimientos y moral. Todo ello sin darnos la mas mínima explicación de que causaron sus traumas ni de las causas por las que llegó a convertirse en el monstruo que es. Pero ademas, tan solo somos testigos de como Carlos avanza hasta lo que para el es otra más de sus costumbres, sin llegar a mostrarnos como asesina a sus victimas o las descuartiza, quedando todo ello relegado a nuestra imaginación.

Hay que destacar tres cosas que sobresalen claramente en la película: la excelente fotografía de Pau Esteve Birba, merecedora del único Goya logrado por 'Canibal' y el premio en el festival de San Sebastian. La forma en la que retrata una tierra tan hermosa como Granada es magnífica. También es digna de admiración la excelente dirección de Martín Cuenca, consiguiendo algunas escenas memorables y haciendo un uso de la cámara magistral. Y por supuesto, el excelente trabajo de Antonio de la Torre, un actor que ya no sorprende prácticamente a nadie y que en esta ocasión basa su interpretación en la falta total de expresividad de su personaje, realizando un trabajo verdaderamente destacable.

Arrugas - Ignacio Ferreras (2011)

* Título original - Arrugas
* Año - 2011
* Duración - 80 min.
* País - España
* Director - Ignacio Ferreras
* Guión - Ángel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini (Cómic: Paco Roca)
* Música - Nani García
* Fotografía - Animación
* Reparto - Animación
* Productora - Perro Verde Films / Cromosoma
* Género - Animación. Drama, Comedia
* Web Oficial - http://www.arrugaslapelicula.com

Ignacio Ferreras es el responsable de la excelente adaptación del cómic de Paco Roca, que obtuvo el premio nacional del cómic en 2008, con el que rinde un homenaje a nuestros mayores y en especial a los enfermos de alzheimer. Un trabajo que, todo el que tenga algo latiendo en el pecho debería ver y que como dice en su final, está dedicada a todos, ancianos de hoy, ancianos de mañana.

Emilio es un anciano que llega a una residencia para la tercera edad. Allí conocerá a Miguel, su nuevo compañero de habitación, que se encargará de enseñarle como funciona todo en ese mundo nuevo al que tendrá que acostumbrarse. Pero cuando descubren que Emilio padece alzheimer, intentarán por todos los medios evitar que los doctores noten su empeoramiento...

Ante todo he de deciros que estamos ante una de las mejores películas que se han hecho en nuestro país en muchísimo tiempo, de ello no tengo ni la menor duda. No tiene una gran espectacularidad visualmente hablando, ni se han utilizado en ella técnicas innovadoras en animación, de hecho, su aspecto recuerda en algunos momentos a dibujos que todos hemos disfrutado de pequeños, la animación 2D de toda la vida. Pero lo que es incuestionable, es el valor de la historia que nos cuenta y el modo en el que lo hace.

Y su creador lo consigue huyendo del dramatismo gratuito y la lagrima fácil. Para ello nos cuenta la historia con una naturalidad impresionante, dándole un ritmo correcto e introduciendo las dosis necesarias de humor para conseguir que el mensaje nos llegue poco a poco. Esto no significa que banalize la situación que nos expone, simplemente lo hace desde un punto de vista optimista, utilizando las dosis necesarias de humanidad, algo muy difícil de conseguir en una historia contada por el propio protagonista, el que comienza a padecer la enfermedad.

Otro de los grandes méritos de la obra es el profundo respeto que se tiene hacia su fuente de inspiración, el cómic. En ningún momento se toma ninguna licencia innecesaria, manteniendo su espíritu intacto. También cabe destacar que, si bien el relato está contado de una forma amena, este no huye en ningún momento a la crítica constructiva, marcando claramente hacia donde camina esta sociedad y a la perdida de valores que en ella se está produciendo.

Días sin huella - Billy Wilder (1945)

* Título original - The Lost Weekend
* Año - 1945
* Duración - 101 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Billy Wilder
* Guión - Charles Brackett y Billy Wilder a partir de la novela de Charles R. Jackson
* Música - Miklós Rózsa
* Fotografía - John F. Seitz
* Productora - Paramount Pictures
* Género - Drama
* Reparto - Ray Milland, Jane Wyman, Philip Terry, Doris Dowling, Frank Faylen, Howard da Silva, Mary Young, Anita Bolster, Lilian Fontaine, Frank Orth, Audrey Young

El inigualable Billy Wilder creó el guion, junto a su colaborador habitual en su primera etapa en Hollywood Charles Brackett, y dirigió este increíble alegato que consigue retratar el alcoholismo a la perfección. Una arriesgada apuesta que lo encumbró en el mundo del cine y que sigue siendo a día de hoy una de las películas que mejor desgranan los efectos de esta lacra, mejor aceptada socialmente que cualquier otra droga.

Don Birnam (Ray Milland) es un escritor que nunca consiguió el éxito que tanto persiguió. Sus problemas con el alcohol lo han convertido en un ser ruin, capaz de cualquier cosa para seguir bebiendo. A pesar de la ayuda de su incansable novia (Jane Wyman), Don no parece ser capaz de abandonar esa pesadilla que es ya su forma de vida.

En la época en la que Billy Wilder afrontó este trabajo, la imagen que se daba en Hollywood del alcohólico era muy diferente a la real. Preferían retratarlos como el simpático borrachín que podemos encontrar en cualquier bar o taberna, alguien sin maldad que simplemente llenaba su tiempo con alcohol. El director quiso romper con esta tendencia retratando al alcoholismo como realmente es, enseñando a la sociedad el daño que este producía, no solo en el alcohólico, sino en los seres queridos que lo rodean y asisten impotentes a su derrumbamiento. Tal fue la repercusión que la película podía tener, que los empresarios que amasaban enormes fortunas gracias a la venta de alcohol intentaron, sin éxito, comprarla antes de su estreno.

Y el tiempo les dio la razón, ya que el director consiguió tal éxito de crítica y público que todos sus temores se hicieron realidad. Para ello Wilder escribió, junto a Charles Brackett, un excelente guion marca de la casa. Los diálogos son muy inteligentes, no dejando nada al azar. Ciertos objetos son tratados como un protagonista mas, haciéndolos parte integrante del drama (la maquina de escribir, el abrigo de piel, etc...). Algunas escenas cómicas ayudan a sobrellevar la tensión en la que la película adentra al espectador. Una enorme cantidad de detalles que consiguen un producto final excelente.