El manantial de la doncella (The Virgin Spring) - Ingmar Bergman (1960)

Título original - Jungfrukällan (The Virgin Spring)

Año - 1960

Duración - 88 min.

País - Suecia 

Dirección - Ingmar Bergman

Guion - Ulla Isaksson

Música - Erik Nordgren

Fotografía - Sven Nykvist 

Montaje - Oscar Rosander

Vestuario - Marik Vos-Lundh

Diseño de producción - P.A. Lundgren

Producción - Ingmar Bergman y Allan Ekelund

Productora - Svensk Filmindustri (SF)

Reparto - Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgitta Pettersson, Axel Düberg, Allan Edwall, Tor Isedal

Género - Drama / Siglo XIV, Edad Media, Abusos sexuales, Venganza

El manantial de la doncella es el nombre de la película que permitió al realizador sueco Ingmar Bergman alzarse con su primer Óscar a la mejor película de habla no inglesa, además del Globo de Oro. Con un guion de Ulla Isaksson, que adapta una antigua leyenda nórdica, la excelente fotografía de Sven Nykvist y el magnífico trabajo de todo su reparto, estamos ante uno de esos trabajos que suelen dejar una profunda huella en el espectador que decida adentrarse en su aparente sencillez. Cine de autor no válido para todos los paladares, de una factura intachable y una profundidad y riqueza poco comunes en el cine de hoy día. Cine con aroma a teatro.

Sinopsis - Suecia, siglo XIV. Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre (Max von Sydow) envía a su hija Karin (Birgitta Pettersson) en compañía de Ingrid (Gunnel Lindblom), una muchacha que odia a Karin en secreto. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y abandona a la princesa, pero la muchacha prosigue su camino y se encuentra con unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida.

El director - Hablar de Ingmar Bergman es hablar de uno de esos genios admirados e incomprendidos a partes iguales. Su trabajo, inconfundible y con señas propias de identidad, perdura en el tiempo como perduran las obras de aquellos que son capaces de dejar su impronta en todo lo que crean, realizando trabajos que a nadie dejan indiferentes.

Hijo de un pastor luterano, creció bajo una educación "basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios", como el mismo indica en sus memorias, "Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba". Esto condicionó su vida y, por supuesto, su obra, trasladando en muchas ocasiones sus experiencias y las consecuencias que en el tuvieron. La muestra mas clara de ello es Fanny y Alexander, su último trabajo, en el que Alexander es un niño de 10 años que representa al propio director. Con ella ganaría el Óscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, poniendo un broche de oro a una magistral carrera y dedicándose a su amado teatro.

Toda su obra merece ser disfrutada, pero os dejo algunos títulos que podría destacar, siempre desde mi humilde punto de vista: El séptimo sello (1956), Fresas salvajes (1957), El rostro (1958), El manantial de la doncella (1959), Persona (1966), La vergüenza (1968) y La hora del lobo (1968), de la que os hablamos en este artículo, además de la ya mencionada Fanny y Alexander (1982), unos cuantos ejemplos dentro de una jugosa filmografía que bien merece ser tenida en cuenta a la hora de valorar a los mejores directores que ha dado el séptimo arte, entre los que seguro se encuentra Ingmar Bergman.

El director falleció a los 89 años, el 30 de julio de 2007, en la isla de Fårö, donde se había retirado. Un nefasto día para el mundo del cine, ya que fue una jornada en la que falleció también el cineasta italiano Michelangelo Antonioni. Se nos fueron dos de los mas grandes en un solo día.

La película - El realizador Ingmar Bergman ganó con El manantial de la doncella el primero de los tres Óscar a la mejor película de habla no inglesa (junto a Como en un espejo y Fanny y Alexander), igualando a Vittorio De Sica (El limpiabotas, Ladrón de bicicletas y Ayer, hoy y mañana) y solo por detrás de Federico Fellini (La strada, Las noches de Cabiria, 8½ y Amarcord). Un logro que, como pueden comprobar, está solo al alcance de un selecto grupo de realizadores que suelen integrar las listas de los mejores realizadores de la historia de cualquier medio de comunicación, crítico especializado o aficionado al cine. Tal como os he comentado anteriormente, en esta obra podemos comprobar de primera mano como su infancia gravó a fuego en el director muchos de los temas de los que esta toca, que son recurrentes en el cine que realizaba, sobre todo en esta segunda etapa del director, en la que la religión y la aparente ausencia o inacción de Dios suelen estar siempre presentes.

El mundo de Kanako (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima (2014)

Título original - Kawaki (The World of Kanako)

Año - 2014

Duración - 118 min.

País - Japón

Director - Tetsuya Nakashima

Guión - Tetsuya Nakashima, basado en la novela de Akio Fukamachi

Fotografía - Shôichi Atô

Montaje - Yoshiyuki Koike

Producción - Satomi Kotake y Yutaka Suzuki
Música - Grand Funk Inc.

Reparto - Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Productora - GAGA / GyaO / Licri

Género - Thriller, Intriga, Drama

Tras la interesante e hipnótica Confessions (2010), Tetsuya Nakashima regresó a la gran pantalla en 2014 con un producto en el que las nuevas generaciones vuelven a tener un gran protagonismo y la sociedad japonesa continúa en el punto de mira. Aún así estamos ante un trabajo muy diferente al anterior, que rebosa perversión y violencia de forma exagerada, cambiando parte del mimo por la estética del anterior, por un ritmo mucho mas vivo y mayores dosis de sangre y acción. Un nuevo espectáculo visual no apto para todos los públicos, que a mi personalmente se me hizo algo largo. Mención especial al trabajo del veterano actor Kôji Yakusho, que consigue mantener a flote tanta exageración incontrolada. Cine para personas con el estómago bien preparado para la ocasión. Avisados quedan.

Sinopsis: Akikazu Fujishima (Kôji Yakusho) es un antiguo detective separado cuya vida es solo una sombra de lo que fue. Pasa los días soñando con los buenos tiempos junto a su esposa Kiriko (Asuka Kurosawa) y su hija Kanako (Nana Komatsu), una estudiante modelo. Un buen día Kiriko lo llama para pedirle ayuda por la desaparición de Kanako, por lo que rápidamente se pone manos a la obra para descubrir donde está su hija. Pero conforme avanza la investigación se dará cuenta que su hija no es ya la niña que el recuerda, adentrándose en un oscuro mundo del que no será fácil salir airoso.

El director: Tetsuya Nakashima es un director y guionista de cine japonés nacido en Fukuoka, el 2 de septiembre de 1959. Tras dirigir en 1988 el segundo segmento de Bakayaro! I'm Plenty Mad, no fue hasta casi una década después cuando estrenó su primer trabajo en solitario llamado Happy-Go-Lucky (1997), en el que se encargó de su guión y la dirección, algo que ha repetido hasta la fecha. Tras ella llegó Beautiful Sunday (1998), que fue nominada como mejor película asiática en el Festival Internacional de Singapur. Su siguiente trabajo fue Kamikaze Girls (2004), que fue nominada para representar a su país en los Oscars, como Mejor película de habla no inglesa. Sus siguientes trabajos fueron Conociendo a Matsuko (2006), con la que ganó los premios como Mejor actriz (Miki Nakatani), montaje y BSO en la Academia de cine japonés y el de Mejor película asiática en Fant-Asia y Paco and the Magical Picture Book (2008). Confessions (2010), de la que ya os hablamos en este artículo, fue su último trabajo anterior a Kawaki (The World of Kanako), la que hoy nos ocupa.

La película: El mundo de Kanako es uno de esos trabajos que a buen seguro tendrán una buena legión de fans, ya que su guionista y director ha sabido volver a reinventarse y ofrecer al espectador una experiencia muy diferente a la mayoría de las que ha vivido hasta dicho momento, ya sea dirigida por el mismo o por cualquier otro. No puedo mas que quitarme el sombrero ante uno de los pocos que lo consiguen cada vez que estrena un nuevo trabajo, aunque igualmente he de decir que en esta ocasión no ha llegado a engatusarme como en otras ocasiones, principalmente con Confessions (2010), ya que he de reconocer que no he llegado a disfrutar de toda su filmografía al completo. Creo que la palabra que mejor puede definir a esta película es excesiva, ya que es el primer adjetivo que se me viene a la cabeza tras repasar sus diferentes apartados.

Excesiva porque lo es la imagen que su creador tiene de la sociedad japonesa actual, tan oscura y retorcida que resulta difícil incluso encontrar adjetivos suficientes para definirla. Excesiva porque lo es el uso constante de violencia que en ella se muestra, dando una imagen que resulta poco creíble, o al menos bastante exagerada. Excesiva porque lo es la enorme lista de perversiones que en ella aparecen, desde violaciones a personas de ambos sexos, pasando por el abuso de menores, el acoso escolar, el asesinato, el proxenetismo, la drogodependencia y mil y una perversidades mas que no quiero ni tener que recordar. Se que dichos excesos no importarán a muchos y muchas, pero que para mi resultan como los acabo de nombrar, sumamente excesivos. Conocía ya la turbia imagen que Nakashima tiene de la sociedad actual de su país y como la muestra en casi toda su obra, pero en esta ocasión creo que rebasa su propio límite y se desmelena de tal forma que resulta realmente complicado digerir el resultado final.

Regresión - Alejandro Amenábar (2015)

Título original - Regression
Año - 2015
Duración - 106 min.
País - España
Director - Alejandro Amenábar
Guión - Alejandro Amenábar
Música - Roque Baños
Fotografía - Daniel Aranyó
Montaje - Carolina Martínez Urbina
Producción - Alejandro Amenábar, Fernando Bovaira y Christina Piovesan
Productora - Coproducción España-Canadá; MOD / Himenóptero / First Generation Films / Telecinco Cinema
Género - Intriga, Thriller, Terror
Reparto - Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Aaron Ashmore, Devon Bostick, Dale Dickey, Aaron Abrams, Adam Butcher, David Dencik, Kristian Bruun, Matija Matovic Mondi, Janet Porter, Goran Stjepanovic

Alejandro Amenábar escribe y dirige el que es su sexto largometraje tras seis largos años de espera, titulado Regresión. Un thriller de una factura irregular y un guión bastante flojo, que consigue mantener la atención y el desasosiego del espectador a ratos, pero que no se destaca precisamente por dejar huella, algo a lo que el realizador hispano-chileno no nos tiene acostumbrados. En su reparto destaca el trabajo de Ethan Hawke, que lleva el peso del film de principio a fin como buenamente puede, acompañado por una Emma Watson que personalmente no acaba de convencerme. Muy por debajo del nivel habitual del realizador.

Sinopsis: La joven Angela (Emma Watson) permanece a salvo en una parroquia tras escapar de casa y acusar a su padre, John Gray (David Dencik), de crímenes de los que no se atreve ni a hablar. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) se hace cargo de la investigación, pero tras la inesperada confesión del padre, que además afirma no recordar lo sucedido, el prestigioso psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorporará a la investigación para intentar ayudar a John a recordar lo sucedido, mediante una técnica llamada Regresión, con la que pretende que afloren sus recuerdos reprimidos.

El director: Alejandro Fernando Amenábar Cantos es un director de cine, guionista y compositor hispano-chileno nacido en Santiago de Chile, el 31 de marzo de 1972. Compositor de las bandas sonoras de sus propios trabajos y de otros como La lengua de las mariposas, dirigida por José Luis Cuerda y Nadie conoce a nadie, dirigida por Mateo Gil, realizó cuatro cortometrajes entre 1991 y 1995, que tendrían mucho que decir en su obra posterior. Su primer largometraje fue la Tesis (1996), por la que obtuvo siete premios Goya, incluidos el de mejor película y mejor director novel. Con Abre los ojos (1997) consiguió un notable éxito de crítica en festivales internacionales como los de Berlín o Tokio. Tom Cruise adquirió los derechos de adaptación, produjo y protagonizó su remake, titulado Vanilla Sky (2001). Con Los otros (2001), protagonizada por Nicole Kidman, consiguió ocho premios Goya, incluidos el de mejor película y mejor director, además de ser candidata al Premio de la Academia de Cine Europeo a la mejor película. Los éxitos continuaron con Mar adentro (2004), protagonizada por Javier Bardem, con la que ganó 14 Goyas, incluidos el de mejor película y mejor director, y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Por último realizó Ágora (2009), con la que ganó 7 Premios Goya. Con un presupuesto de 50 millones de euros, es la película española más cara de la historia.

La película: Ganas, muchas ganas había por ver que era lo que en esta ocasión era capaz de regalarnos el bueno de Alejandro Amenábar. Tras seis años desde el estreno de su último trabajo, los aficionados se preguntaban como conseguiría sorprendernos en esta ocasión, expectativas que incluso llegaron a crecer cuando se supo que tras dos magníficos dramas podía volver a crear un trabajo en sintonía con los primeros de su filmografía, donde el thriller y el terror estaban siempre presentes. El resultado me ha decepcionado bastante, algo que me veía venir al ir conociendo detalles de la que por entonces sería su próxima película, pero que no imaginaba que llegase a ser tan radical como ha sido.

Estamos de acuerdo en que resulta extremadamente difícil mantener el nivel al que el brillante realizador nos tiene acostumbrados, que un trabajo te pueda gustar mas o menos, según el gusto de cada espectador, pero lo que no se puede negar es que este trabajo baja en varios puntos en casi todos los apartados con respecto al resto de su filmografía. Para comenzar, su guión dista mucho de llegar al aprobado. Sus diálogos son torpes e insulsos en muchas ocasiones, ciertas situaciones que describe resultan rocambolescas y sus personajes no acaban de calar en el espectador. Para colmo, tiene lo peor que puede tener un guión basado en hechos reales, que en ningún momento parece algo real.

Spotlight - Thomas McCarthy (2015)

Título original - Spotlight
Año - 2015
Duración - 128 min.
País - Estados Unidos
Director - Thomas McCarthy
Guión - Thomas McCarthy y Josh Singer
Música - Howard Shore
Fotografía - Masanobu Takayanagi
Montaje - Tom McArdle
Producción - Steve Golin, Michael Sugar, Nicole Rocklin y Blye Faust
Productora - OpenRoad Films / Participant Media / First Look / Anonymous Content / Rocklin / Faust
Género - Drama
Reparto - Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian d'Arcy James, Gene Amoroso, Billy Crudup, Elena Wohl, Doug Murray, Sharon McFarlane, Jamey Sheridan, Neal Huff, Robert B. Kennedy, Duane Murray, Brian Chamberlain, Michael Cyril Creighton, Paul Guilfoyle, Michael Countryman
Web oficial - http://SpotlightTheFilm.com

Thomas McCarthy escribe junto a Josh Singer y dirige este magnífico homenaje al periodismo de investigación, contándonos la historia del equipo que consiguió destapar un número considerable de casos de abusos a menores por parte de miembros de la iglesia católica, que además ganó por ello el premio Pulitzer al servicio público en 2003. Un trabajo tan sencillo como eficaz, que deja un excelente aroma a cine de otra época sin necesidad de buscar hurgar en heridas de esas que jamás se cierran, poniendo además en el punto de mira, no solo a las altas instancias eclesiásticas, sino a toda la sociedad en general. Mención especial a un reparto homogéneo que funciona como un reloj.

Sinopsis: Marty Baron (Liev Schreiber) entra a trabajar como editor jefe en el Boston Globe, con la clara intención de dar un impulso positivo al periódico. Allí conoce la existencia de un grupo de investigación llamado Spotlight, que está dirigido por el editor Walter "Robby" Robinson (Michael Keaton), al que sugiere la investigación de un caso de abusos a un menor por parte de un sacerdote en la zona. Lo que no imaginan ninguno de ellos es la cantidad de casos similares ocurridos en la zona e ignorados por todos durante años, que darán a la investigación tal importancia que hará temblar los cimientos de la archidiócesis de Boston en particular y de la Iglesia Católica en general.

El director: Thomas McCarthy es un actor, director y guionista de cine y televisión estadounidense, nacido en New Providence, Nueva Jersey, el 7 de junio de 1966. Comenzó su carrera profesional en 1992, actuando en numerosas películas y series de televisión, además de dirigir y escribir guiones de películas de gran prestigio internacional. Como director debutó con Vías cruzadas (2003), una excelente comedia dramática interpretada por Patricia Clarkson, Peter Dinklage y Bobby Cannavale, entre otros. Tras ella escribió y dirigió el drama The Visitor (2007), tras la que hizo lo propio con la comedia dramática Win Win (Ganamos todos) (2011) y la pésima comedia fantástica Con la magia en los zapatos (2014), con la que fue nominado a dos Premios Razzie. Spotlight supone un soplo de aire fresco y debe ser un buen impulso a su carrera.

La película: Hacía mucho tiempo que un servidor no disfrutaba de un trabajo sobre periodismo de investigación como lo ha hecho con este, porque eso es lo que tenemos hoy entre manos, algo que debe quedarles claro para después no llevarse la típica decepción producida por el desconocimiento. Estamos ante un homenaje a ese periodismo que a lo largo de los años ha conseguido desenmascarar a multitud de alimañas bien situadas dentro de nuestra sociedad, a ese que se la juega constantemente con el fin de sacar a la luz infinidad de injusticias, aún a costa de hacer temblar los cimientos de cualquier institución, de cualquier partido político o de cualquier gobierno. Como dicho homenaje es como hemos de visualizarla para ver la magnífica película que es, porque si buscamos en ella cualquier otra cosa, acabaremos quedándonos con las ganas y seguramente con un mosqueo considerable.

Digo esto porque he leído varias críticas que tachan a este trabajo de excesivamente plano, de parecer contarnos la historia con el freno de mano echado, de no explotar suficientemente un historia tan dura y desagradable como la que se enfoca en la investigación de Spotlight. Mi opinión es que, lejos de realizar un salvaje ataque a la iglesia católica, sus responsables se limitan a enfocar al equipo de periodistas encargados de la investigación, realizando un trabajo que huye de la búsqueda del sentimentalismo fácil, que no tiene como su principal objetivo mostrar a verdugos y víctimas como el foco principal de atención, porque sin querer hacerlo, los hechos son ya lo suficientemente duros como que resulte innecesario, revolviendo el estómago de cualquier mortal con dos dedos de frente que decida visualizarla.

Hard Candy - David Slade (2005)

Título original - Hard Candy
Año - 2005
Duración - 103 min.
País - Estados Unidos
Director - David Slade
Guión - Brian Nelson
Música - Harry Escott y Molly Nyman
Fotografía - Jo Willems
Montaje - Art Jones
Producción - Paul G. Allen y Rosanne Korenberg
Productora - Lions Gate Films / Vulcan Productions
Género - Thriller, Terror, Drama, Cine independiente
Reparto - Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Odessa Rae, G.J. Echternkamp
Web oficial - http://hardcandymovie.com/

David Slade debutó en la gran pantalla con este canto a la venganza en el que los roles habituales se invierten. Con un guión de Brian Nelson, la fotografía de Jo Willems y la extraña y escueta música de Harry Escott y Molly Nyman, consiguió los premios como Mejor película , Mejor guión y el Premio del Público en el Festival de Sitges de 2005. Un aviso: está mejor puntuada de lo que yo lo he hecho en la mayoría de las webs de cine, así que yo que vosotros la vería para poder opinar.

Sinopsis: Jeff (Patrick Wilson), un fotógrafo de 32 años de bastante éxito que basa su trabajo principalmente en modelos mas jóvenes que el, queda con Hayley (Ellen Page), una chica adolescente de 14 años con la que lleva un tiempo conversando por Internet, lugar donde la conoció. Tras tomar un café, Hayley decide ir a casa de Jeff, para escuchar varias canciones de un concierto al que el dice haber asistido...

El director: David Slade es un director de cine y televisión británico que comenzó su carrera dirigiendo comerciales televisivos y vídeos musicales. Entre ellos ha realizado videoclips para artistas como Aphex Twin, Rob Dougan, System of a Down, Stone Temple Pilots, Tori Amos o Muse.

En 2004 dirigió el cortometraje Do Geese See God?, un thriller de ciencia ficción interpretado por Blair Underwood, Matthew Nastuk y Raymond S. Persi. Su debut en la dirección de un largometraje fue Hard Candy, película de la que hoy nos ocupamos, que fue comprada por Lions Gate Entertainment tras su exhibición como independiente en el Festival de Sundance, en 2005. Tras ella dirigió 30 días de oscuridad (2007), un trabajo de terror sobre vampiros ambientado en un remoto pueblo de Alaska, donde durante 30 días de cada invierno el Sol no sale. En su reparto figuran nombres como Josh Hartnett, Melissa George, Ben Foster o Danny Huston, entre otros. Su trabajo en esta última hizo que los responsables de la saga Crepúsculo se fijasen en el para dirigir La saga Crepúsculo: Eclipse (2010). El penoso espectáculo, aunque a favor del director hay que decir que eso no había quien lo salvara, cuenta con la participación, entre otros, de Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner.

Su trabajo en televisión tampoco es nada desdeñable, incluyendo la dirección en varios episodios de series como Awake, Hannibal, Crossbones, Helix o Powers.

La película: Ante todo he de deciros que, como os he avisado en la presentación del artículo, la nota media que este trabajo tiene en las principales webs de cine, es uno o dos puntos mas elevada de la que yo le he puesto, algo que cada cual sabrá el porque. Quizás tenga algo que ver con el odio que cualquier persona en sus cabales le tiene al tipo de personas que aparecen en ella, pero que en mi caso no es suficiente como para puntuarla tan alto, fundamentalmente porque tras su visionado, no consigue que crea nada de lo que cuenta.

Y muchos dirán: ¡hay que fastidiarse!, miles de películas son irreales y gustan, y mucho, pero no me refiero a eso precisamente, sino a que no me resulta real el conjunto, algo que en un trabajo en el que dos actores tienen todo el protagonismo, resulta poco menos que inaguantable. Hay que reconocer que ya en eso es bastante arriesgado, siendo realmente difícil ver a dos actores salir airosos de tal desafío, pero también hay que decir que no es solo culpa de los actores su baja nota, ya que el guión no es precisamente un prodigio, al menos bajo mi punto de vista.

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres - David Fincher (2011)

* Título original - The Girl with the Dragon Tattoo
* Año - 2011
* Duración - 158 min.
* País - Estados Unidos
* Director - David Fincher
* Guión - Steven Zaillian basado en la novela de Stieg Larsson
* Música - Trent Reznor, Atticus Ross
* Fotografía - Jeff Cronenweth
* Productora - Columbia Pictures / Scott Rudin Productions / Yellow Bird Films
* Género - Thriller, Intriga, Drama psicológico
* Reparto - Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright Penn, Steven Berkoff, Yorick van Wageningen, Goran Visnjic, Geraldine James, Joely Richardson, Embeth Davidtz, Alan Dale, Inga Landgré, Mats Andersson, Eva Fritjofson, Donald Sumter, Elodie Yung, Ulf Friberg, Julian Sands, Arly Jover
* Web oficial - http://loshombresquenoamabanalasmujeres.com

David Fincher fue el encargado del remake estadounidense de la película homónima de Niels Arden Oplev protagonizada por Michael Nyqvist y Noomi Rapace. En esta ocasión serán Daniel Craig y Rooney Mara los que darán vida a los personajes del primer libro de la célebre trilogía del tristemente desaparecido Stieg Larsson. Un thriller psicológico muy recomendable que merece la pena disfrutar.

El periodista Mikael Blomkvist (Daniel Craig) está a punto de perderlo todo por culpa de una acusación de difamación realizada por el último objetivo al que quería desenmascarar. Por ello viaja a una remota isla del norte de Suecia en la que tendrá que investigar la extraña desaparición de una adolescente hace 40 años, lo que lo llevará a remover los secretos de una rica familia con la ayuda de la rebelde Lisbeth Salander (Rooney Mara).

He de reconocer que no soy muy amigo de los remakes que últimamente nos invaden en forma de plaga bíblica. La mayoría de ellos aportan poco o nada al mundo del cine, mas si cabe cuando se versiona un gran clásico o una película que, como en este caso, apenas tenía dos años de vida y cuyo nivel era bastante aceptable.

Pero cuando su director es el responsable de trabajos como 'Alien 3' (1992), 'Se7en' (1995), 'The Game' (1997), 'El club de la lucha' (1999), 'La habitación del pánico' (2002), 'Zodiac' (2007), 'El curioso caso de Benjamin Button' (2008) y 'La red social' (2010), merece al menos un mínimo de atención por nuestra parte. Y la verdad es que he de reconocer que el resultado es como mínimo de la misma calidad que su antecesor, llegando incluso a ganarle en varias facetas, pero como la comparaciones son odiosas me limitare a hablar de la que hoy nos ocupa sin volver mas la vista atrás.

David Fincher consigue presentarnos una película con todos los ingredientes necesarios para dejar huella, de las que merecen el calificativo de redondas. En su linea habitual en este tipo de trabajos, comienza de una forma tranquila introduciéndonos en los personajes de forma muy eficaz, para poco a poco coger un ritmo narrativo ágil, pero nunca frenético, que te atrapa sin remilgos y no te suelta hasta el final. La conclusión: dos horas y media que se me han pasado en nada y eso ya es bastante difícil de encontrar. Creo que hasta los mas acérrimos fans de las novelas de Stieg Larsson deben estar contentos con el resultado, ya que consigue mantener el espíritu del texto intacto a pesar de tomarse alguna que otra licencia.