La evasión (Le trou) - Jacques Becker (1960)

Título original - Le trou
Año - 1960
Duración - 113 min.
País - Francia
Director - Jacques Becker
Guión - Jose Giovanni, Jacques Becker, Jean Aurel, basado en la novela The Break, de Jose Giovanni
Música - Philippe Arthuys
Fotografía - Ghislain Cloquet
Montaje - Marguerite Renoir y Geneviève Vaury
Producción - Georges Charlot, Jean Mottet y Serge Silberman
Productora - Coproducción Francia-Italia; Filmsonor / Play Art / Titanus
Género - Drama | Drama carcelario. Basado en hechos reales
Reparto - Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Kéraudy, Raymond Meunier, André Bervil

Jacques Becker dirigió este magnífico drama carcelario que fue estrenado en 1960, en el Festival de Cannes. Con un guión escrito por él mismo junto a Jean Aurel y Jose Giovanni, autor de la novela en la que se basa llamada The Break, un estilo cuasi documental y un grupo de actores poco o nada conocidos, entre los que se encuentra Roland Darbant, uno de los integrantes reales de la fuga, estamos ante uno de los trabajos sobre la vida en prisión mas reales que un servidor ha podido disfrutar. Una nueva oportunidad de comprobar que se puede hacer cine de enorme calidad sin disponer de grandes medios. Imprescindible.

Sinopsis: Francia, 1947. Gaspard Claude (Marc Michel) es un recluso que está en prisión provisional a la espera de juicio, acusado del intento de asesinato de su mujer, aunque jura y perjura que es inocente. Por motivos de unas obras que se van a realizar en el centro, es trasladado a una nueva celda donde tendrá que convivir con cuatro reclusos desconocidos para el, a los que les esperan grandes condenas. Tras las lógicas reticencias iniciales, estos deciden comunicarle que planean fugarse de la prisión, por lo que le ofrecen la posibilidad de acompañarlos si contribuye con los laboriosos trabajos necesarios para la huida.

El director: Jacques Becker fue un director de cine francés nacido en París, el 15 de septiembre de 1906. Casado con la actriz Françoise Fabian y padre del también director Jean Becker, participó en 1936 en el documental La vida es nuestra, junto a directores como Jean Renoir (del que fue ayudante de dirección durante los años 30) o Jacques B. Brunius, entre otros. Debutó en 1942 con el drama policíaco Dernier atout, tras el que dirigió el drama Goupi mains rouges (1943), el drama romántico Falbalas (1945) y las comedias dramáticas Se escapó la suerte (1947) y Cita en julio (1949). Ya en los años 50 dirigió la comedia Édouard et Caroline (1951), el drama Calle de la Estrapada (La mudanza de Françoise) (1952), el excelente drama romántico París, bajos fondos (1952), la comedia dramática Alí Babá y los cuarenta ladrones (1954), el excelente thriller No toquéis la pasta (1954), del que os hablamos en este artículo, la cinta de intriga Las aventuras de Arsenio Lupin (1957) y el drama Los amantes de Montparnasse (1958). La evasión fue su última película, la mejor de su filmografía para muchos, tras la que, solo dos semanas después de finalizar el rodaje y sin haber sido aún estrenada, falleció en su París natal el 21 de febrero de 1960.

La película: Antes de ver este magnífico trabajo, conocía algo de la obra de Jacques Becker por haber disfrutado París, bajos fondos (1952) y No toquéis la pasta (1954), de la que ya os hablamos aquí, pero hace poco en una reunión familiar me recomendó mi hermano Jose Antonio este título, con tal efusividad que su nombre quedó rondándome la cabeza, hasta que hace unos días conseguí dar con ella. He de decir tras disfrutarla que, no solo no me ha defraudado, sino que ha incluso superado mis expectativas iniciales, sobre todo por ser uno de esos trabajos que, con un ajustadísimo presupuesto y un magnífico guión, es capaz de agarrar al espectador y no soltarlo hasta su finalización, siendo a la vez tan sencillo y disciplinado como efectivo y perdurable en la memoria. Una maravilla que todo amante de este arte debería ver.

Su premisa es bastante sencilla, comenzando por mostrarnos el traslado de Gaspard Claude (Marc Michel) a su nueva celda y la acogida que recibe por parte de sus compañeros, mostrándonos los principales rasgos de cada uno de ellos, pero sin llegar a profundizar en exceso. Pero cuando llega la escena en la que da comienzo la fuga, escena que parecerá un tanto exagerada para algunos, Jacques Becker nos confirma que no necesitaba hacer mas que un boceto de sus protagonistas, ya que la auténtica protagonista de esta película es ella, la propia fuga ideada por estos, con sus preparativos, sus contratiempos y su lento pero inexorable avance, al mismo ritmo en que crece la tensión y el público es casi partícipe de ella. En dicho camino llegaremos a conocer mejor a sus protagonistas y a la relación existente entre todos ellos.

El hijo de Saúl (Son of Saul) - László Nemes (2015)

Título original - Saul fia (Son of Saul)
Año - 2015
Duración - 107 min.
País - Hungría
Director - László Nemes
Guión - László Nemes, Clara Royer
Música - László Melis
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Matthieu Taponier
Producción - Gábor Sipos y Gábor Rajna
Productora - Laokoon Filmgroup
Género - Drama
Reparto - Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg, Uwe Lauer, Attila Fritz, Kamil Dobrowolski, Christian Harting
Web oficial - http://sonyclassics.com/sonofsaul/

László Nemes escribe junto a Clara Royer, dirige y además se encarga de la banda sonora, del que es su debut en la gran pantalla, la multipremiada Saul fia (Son of Saul o El hijo de Saúl). Un viaje a través del campo de concentración de Auschwitz, en el que acompañaremos a un prisionero miembro de los Sonderkommandos, no apto para todos los paladares y que no suele dejar a nadie indiferente. Una historia similar a muchas de las contadas sobre el exterminio nazi, pero haciéndolo de forma muy diferente a la habitual, en la que el espectador intuye mucho mas de lo que ve y participa de forma directa en la asfixiante atmósfera que se vive en tan terrible lugar, siempre contando con que se meta en su historia y en como nos la cuentan. Te gustará o no, pero de lo que no queda duda es que consigue innovar en un tema tan recurrente en el mundo del cine como el holocausto. Si me lo dicen antes de verla no lo creo.

Sinopsis: Campo de concentración de Auschwitz, 1944. Saúl (Géza Röhrig) es un prisionero judío de origen húngaro que pertenece a los Sonderkommandos, judíos elegidos por los nazis que se encargan de conducir hasta las cámaras de gas a los grupos de judíos que llegan constantemente, encargándose de la recogida de los efectos personales de estos y la limpieza de las cámaras donde son asesinados, a cambio de lograr sobrevivir. En una de las limpiezas, Saúl descubre a un chico que ha sobrevivido inicialmente al gas, aunque ya es tarde para el y no consigue salvar su vida. A partir de ese momento intentará al menos salvarlo del crematorio, haciéndolo pasar por su hijo e intentando que reciba un entierro acorde a su fe.

El director: Nemes Jeles László (László Nemes) es un guionista y director de cine húngaro, nacido en Budapest, el 18 de febrero de 1977. Hijo del director de cine András Jeles, creció en París, interesándose desde muy joven en el mundo del cine. Después de estudiar Historia, Relaciones Internacionales y posteriormente, formarse como guionista, Nemes fue asistente del destacado director de cine Béla Tarr. Tras dirigir los cortometrajes Con un poco de paciencia (2007), The Counterpart (2008) y The Gentleman Takes His Leave (2010), por fin a los 38 años ha podido dirigir su primer largometraje, El hijo de Saúl, obteniendo con él resultados inimaginables que lo han llevado a alzarse con el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa, el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en Cannes, el Globo de Oro como Mejor película de habla no inglesa, el Premio David di Donatello al Mejor film de la Unión Europea y el Independent Spirit Awards a la Mejor película extranjera, entre otros muchos. En la actualidad trabaja en el drama Sunset, ambientada en el Bucarest de los años previos a la I Guerra Mundial. En principio se espera para 2017.

La película: Son of Saul es ante todo una película muy arriesgada, cuya principal característica puede ser su gran acierto o su talón de aquiles, en función de la opinión y el gusto de cada espectador. A esa carta se la jugó László Nemes para escribir y llevar a la pantalla su opera prima, la que además le sirve para rendir su propio homenaje a la familia de su madre, que desapareció en uno de esos campos de exterminio. En gran parte de la película, cámara en mano, seguiremos fijamente a nuestro protagonista durante su odisea dentro del infierno donde intenta sobrevivir. No seguimos la acción en primera persona, como si de un videojuego se tratase y la cámara simulase ser los ojos del protagonista, sino que seguimos los pasos en todo momento de Saúl, nos convertimos en su sombra de forma constante para así hacernos sentir parte de lo que el siente, pero sin mostrar lo que ve claramente ante nuestros ojos. Esto hace que la experiencia difiera de la que proporciona cualquier otra película, pero es algo que no es soportado por todo el mundo.

Pero no contento con tan peculiar forma de filmar la película, László Nemes la rueda en un formato de 4:3, en 35 mm., por lo que el campo de visión del espectador se estrecha considerablemente, aumentando así la sensación de agobio constante que sufre. Además, en multitud de ocasiones, la figura de Saúl es la que aparece enfocada, debiendo intuir el espectador e ir descifrando formas de todo lo que se intuye alrededor del protagonista, aunque para eso tengamos la inigualable ayuda del sonido, que en esta ocasión alcanza una importancia pocas veces vista anteriormente. Recuerdo una escena en especial en la que vemos de frente la cara impasible del protagonista, absorto y prácticamente ausente mientras está apoyado en las puertas de una cámara de gas en pleno funcionamiento, a la vez que se oye y se imagina el dantesco espectáculo de su interior.

Un profeta (Un prophète) - Jacques Audiard (2009)

Título original - Un prophète

Año - 2009

Duración - 150 min.

País - Francia

Dirección - Jacques Audiard

Guion - Jacques Audiard y Thomas Bidegain, basado en una idea de Abdel Raouf Dafri

Música - Alexandre Desplat

Fotografía - Stéphane Fontaine

Montaje - Juliette Welfling

Producción - Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit

Productora - Why Not Productions, Chic Films, Page 114, France 2 Cinema, UGC Images, BIM Distribuzione, Celluloid Dreams, Canal+, Cinecinema

Reparto - Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen, Pierre Leccia, Antoine Basler, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni, Frederic Graziani, Leïla Bekhti, Alaa Safi

Género - Thriller. Drama | Drama carcelario. Crimen

Jacques Audiard escribe junto a Thomas Bidegain y dirige Un profeta (Un prophète), un drama carcelario en el que convergen varios géneros, para ofrecernos uno de los retratos mas fieles de la vida en prisión que un servidor ha podido disfrutar. Mención especial a la fotografía de Stéphane Fontaine, la banda sonora de Alexandre Desplat y, sobre todo, el duelo interpretativo entre el veterano Niels Arestrup y el sorprendente Tahar Rahim. Gran Premio del Jurado en Cannes y ganadora del BAFTA a la Mejor película de habla no inglesa. Por algo será.

Sinopsis - El joven Malik El Djebena (Tahar Rahim), un francés de origen árabe, ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años. La vida en la cárcel le resulta muy dura, ya que está completamente solo, por lo que no tendrá mas remedio que comenzar a trabajar para la mafia corsa, gobernada con puño firme por César Luciani (Niels Arestrup), que tras ponerlo a prueba, le ofrece la tan ansiada protección que necesita para poder sobrevivir, a cambio de sus servicios. 

El director - Jacques Audiard es un director de cine francés nacido en París el 30 de abril de 1952. Hijo del guionista y director Michel Audiard, a​ comienzos de los años 80 comenzó a escribir guiones que fueron rodaros por diferentes realizadores, como Réveillon chez Bob! o Mortelle randonnée, Baxter, Fréquence Meurtre y Saxo.

En 1994 dirigió su ópera prima, Mira a los hombres caer, una road movie con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant. La película ganó el premio César a la ópera prima y el premio Georges-Sadoul. Dos años después trabajó con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant en su segunda película, Un héroe muy discreto (1996), una comedia dramática cuyo guion se basó en la novela homónima de Jean-François Deniau.

En 2001 dirige Lee mis labios, un drama cuyo tono hizo que muchos críticos le encontraran reminiscencias con Jean-Pierre Melville. En su reparto aparecían nombres como Vincent Cassel, Emmanuelle Devos, Olivier Gourmet o Serge Boutleroff. Su cuarta película, De latir, mi corazón se ha parado, logró diez candidaturas a los premios César ganando ocho, entre ellos a la mejor película, al mejor director, mejor guion, mejor música y mejor cinematografía. Se trata de un drama interpretado por Romain Duris, Aure Atika, Emmanuelle Devos, Niels Arestrup y Jonathan Zaccaï. Con Un profeta (2009) consiguió nominaciones al Oscar y al Globo de oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ganar el BAFTA, el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 9 Premios César y 2 Premios del cine europeo.

Tras ella llegaron el drama romántico De óxido y hueso (2012), con Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts; el drama social Dheepan (2015), con Jesuthasan Antonythasan y Kalieaswari Srinivasan; el western Los hermanos Sisters (2018), con Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed y Allison Tolman; y la reciente Les Olympiades (2021), un drama interpretado por Noémie Merlant, Stephen Manas, Geneviève Doang y Lumina Wang.

La película - El drama carcelario se ha convertido en uno de los subgéneros que nos ha dado mas alegrías a los aficionados a este arte a lo largo del tiempo. Títulos como Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption), Brubaker, La leyenda del indomable (Cool Hand Luke), La milla verde (The Green Mile), Papillon, Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz), Pena de muerte (Dead Man Walking), Huracán Carter (The Hurricane), Al rojo vivo (White Heat), El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz) y El expreso de medianoche (Midnight Express), con bandera estadounidense, o La evasión (Le trou, 1960), En el nombre del padre (In the Name of the Father, 1993), Bronson (2008), Hunger (2008), Celda 211 (2009) y Convicto (Starred Up, 2013), todas europeas, suelen ser sinónimo de calidad y buen entretenimiento. El trabajo que hoy nos ocupa no hace mas que contribuir a engordar esta jugosa lista, aunque en el podemos encontrar varias peculiaridades que lo diferencia del resto y que os vamos a exponer aquí.

Así nos ven (When They See Us) - Ava DuVernay (2019)

Título original - When They See Us

Año - 2019

Duración - 70 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Ava DuVernay 

Guion - Ava DuVernay, Attica Locke, Robin Swicord, Michael Starrbury y Julian Breece

Música - Kris Bowers

Fotografía - Bradford Young

Montaje - Spencer Averick, Terilyn A. Shropshire y Michelle Tesoro

Producción - Robert De Niro, Ava DuVernay, Jonathan King, Jane Rosenthal, Jeff Skoll, Berry Welsh y Oprah Winfrey.

Productora - Harpo Films, Tribeca Productions, Participant Media, Forward Movement (Distribuidora: Netflix)

Reparto - Jharrel Jerome, Aunjanue Ellis, Asante Blackk, Caleel Harris, Ethan Herisse, Marquis Rodriguez, Chris Chalk, Jovan Adepo, Justin Cunningham, Freddy Miyares, Niecy Nash, Michael Kenneth Williams, John Leguizamo, Dascha Polanco, Vera Farmiga, Felicity Huffman, Blair Underwood, Joshua Jackson, Storm Reid, Chris Jackson, Omar Dorsey, Adepero Oduye, Famke Janssen, Aurora Perrineau, William Sadler, Kylie Bunbury, Marsha Stephanie Blake, Reginald L. Barnes, Bryan Terrell Clark, Jim Cleary, Andrew Stewart-Jones, Suzzanne Douglas, Jayce Bartok, Blake DeLong, Kate Easton, Lynn Marocola, Frank Pando, Ariel Shafir, Matthias Sebastiun Garry, Joseph Adams, Mark Borkowski, Alex Breaux, J. Bernard Calloway, David Chen, Vincent De Paul, Michael Devine, Christy Escobar

Género - Serie de TV, Drama, Miniserie de TV, Basado en hechos reales, Años 80, Años 90, Racismo, Drama judicial, Drama carcelario

Tras la brillante Selma (2014), la realizadora Ava DuVernay coescribe y dirige esta magnífica miniserie que, en poco mas de cinco horas, adapta a la ficción el documental “The Central Park Five”. En ella nos cuenta la terrible historia de cinco chicos menores de edad, que pasaban por el lugar menos indicado en el momento equivocado, por lo que fueron acusados de un horrendo delito injustamente. Un trabajo redondo que no deben dejar pasar, en el que se nos muestra un hecho terrible de una forma magistral. Tan brillante como necesario. Si no le pongo el 10 es porque a Vera Farmiga no le pegan nada esos pelos...

Sinopsis - En el año 1989, cinco adolescentes de Harlem se ven atrapados en una pesadilla cuando se les acusa injustamente de un ataque brutal ocurrido en Central Park. Basada en hechos reales, esta miniserie expone las profundas grietas que presenta el sistema judicial y policial estadounidense.

La directora - Ava Marie DuVernay es una directora, guionista, productora y actriz estadounidense, nacida en Los Ángeles, California, el 24 de agosto de 1972. En 2012 ganó el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Sundance, por su película Middle of Nowhere,​ siendo la primera mujer afroamericana en obtener ese galardón.​ Con su película Selma, fue también la primera directora de cine afroamericana en ser nominada al premio Óscar a la mejor película.

Durante sus estudios superiores, DuVernay se interesó en la producción de informativos. Fue becaria en CBS News y trabajó en los informativos nacionales de tarde con Connie Chung y Dan Rather durante el juicio por asesinato de O.J. Simpson. 

En 2008 hizo su debut en la dirección con el documental This is the Life, una historia sobre el movimiento artístico alrededor del Good Life Café de Los Ángeles. I Will Follow (2011) fue su primer largometraje de ficción, un drama interpretado por Salli Richardson-Whitfield. Le siguió el drama Middle of Nowhere (2012), por el que obtuvo el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Sundance y el Premio John Cassavetes. Tras dirigir algún episodio de la serie Scandal (2012), hizo lo propio con el cortometraje dramático The Door (2013). Su siguiente trabajo fue Selma (2014), una película sobre Martin Luther King Jr., Lyndon B. Johnson y la Marcha de Selma a Montgomery de 1965. La película fue nominada a los Oscars como Mejor Película y Mejor Canción, alzándose con el segundo por el tema Gloria. En 2016 participó en la serie Queen Sugar y realizó el documental Enmienda XIII (13th), en el que expertos, activistas y políticos analizan la criminalización de los afroamericanos y el boom de las cárceles en Estados Unidos. Tras un fallido acercamiento al cine fantástico con Un pliegue en el tiempo (2018), dirigió la magnífica miniserie Así nos ven (2019), de la que os hablamos hoy, creó la serie Cherish the Day (2020), una antología romántica.
 

La serie - Cuando leo junto al nombre de una película la leyenda Basado en hechos reales, un escalofrío recorre mi cuerpo, alentado sin duda por las nefastas experiencias pasadas. Si encima hablamos de una serie, suelo huir como de la peste, a no ser que se trate de una serie documental. Con When They See Us me ocurrió lo mismo, aunque tras ver su ficha creí haber leído algo del caso real del que trataba, aunque lo que realmente había hecho era haber visto el documental “The Central Park Five”, en el que se basa. Por ello decidí comenzar a verla para saber a que me enfrentaba. Solo puedo admitir que me he llevado una de las mas gratificantes sorpresas que recuerdo en los últimos tiempos, ya que estamos ante un producto que tiene todo lo que, para mi, una buena película ha de tener, con la posibilidad además de desarrollalo en las cinco brillantes horas que nos ofrece. Todo un acierto.

Así nos ven comienza haciéndonos una breve presentación de los personajes que mas tarde se verán envueltos en los terribles acontecimientos que nos relata, prácticamente el único momento en el que el espectador asiste a la historia de forma tranquila y parcial. Es algo pasajero, ya que muy pronto la historia comienza a sembrar en el una sensación mezcla de desazón e impotencia, que no te abandona fácilmente. Ava DuVernay consigue que quien "disfrute" de este producto, forme parte de su historia en primera persona, que sufra con sus personajes y desee tomar partido por ellos, sin dejar constantemente ese extraño sabor que este tipo de productos suelen dejar, cuando en vez de contarte una historia de forma veraz, asistes a una reivindicación descarada y manida que solo logra empalagar. 

Al rojo vivo (White Heat) - Raoul Walsh (1949)

Título original - White Heat
Año - 1949
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Raoul Walsh
Guión - Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg
Música - Max Steiner
Fotografía - Sid Hickox
Montaje - Owen Marcks
Producción - Louis F. Edelman
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro
Reparto - James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O'Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, John Archer, Wally Cassell, Fred Clark

Tras varios trabajos alejado del género en el que mejor se desenvolvía, James Cagney vuelve a interpretar el papel de un criminal sin escrúpulos, de esos que tan bien le iban, en este magnífico noir dirigido por Raoul Walsh. Con un guión de Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg, la fotografía de Sid Hickox y la banda sonora de Max Steiner, estamos ante uno de los clásicos ineludibles del género y una de las mejores interpretaciones del gran James Cagney, perfectamente acompañado por la femme fatale Virginia Mayo.

Sinopsis: Después de asaltar un tren que transportaba una gran cantidad de dinero y dejar varios muertos a su paso, Cody Jarret (James Cagney) y su banda consiguen esconderse de la policía, que los buscan como principales responsables del robo. Tras verse acorralado, Cody realiza una inteligente jugada entregándose por un delito mucho menor, por el que solo es condenado a dos años de cárcel, dejando a su madre (Margaret Wycherly) al frente de la banda. Pero lo que en principio iban a ser unas pequeñas vacaciones, se complicarán ante los problemas que empiezan a dar alguno de sus chicos fuera y la insistencia de la propia policía, que tratará de tenderle una trampa para poder imputarle el violento robo.

El director: Raoul Walsh fue un director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 11 de marzo de 1887. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro, aunque rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood. En una prolífica carrera entre el cine mudo y el sonoro, nos dejó mas de 80 títulos en varios géneros como director, de los que destacaremos varios: Regeneration (1915), El ladrón de Bagdad (1924), El precio de la gloria (1926), La frágil voluntad (1928), La gran jornada (1930), El arrabal (1933), Bajo presión (1935), Los violentos años veinte (1939), La pasión ciega (1940), Alta tensión (1941), La pelirroja (1941), El último refugio (1941), Murieron con las botas puestas (1941), Gentleman Jim (1942), Tres días de gloria (1944), Objetivo: Birmania (1945), Perseguido (1947), Río de plata (1948), Juntos hasta la muerte (1949), Tambores lejanos (1951), El mundo en sus manos (1952), Historia de un condenado (1953), Los implacables (1955), La esclava libre (1957) o Una trompeta lejana (1964). Falleció en Simi Valley, California, el 31 de diciembre de 1980.

La película: En Al rojo vivo tenemos todos los ingredientes necesarios para crear una buena película de gansters, aunque uno de los que llama la atención desde un primer momento es el enorme uso de violencia que en ella se utiliza. Lo que ocurre es que resulta muy difícil que el público de hoy día sepa apreciar dicha cualidad, ya que los años han ido pasando y lo que en aquellos entonces era un trabajo violento, hoy día es como un juego de niños, en comparación con lo que el cine puede llegar a ofrecer al espectador en la actualidad. Pero dejando de lado esto, algo inevitable por el inexorable paso del tiempo, estamos ante uno de esos trabajos que han creado escuela en el mundo del séptimo arte, que centra su atención en una mente criminal de gran carisma, alrededor de la que gira toda la trama, realizando un minucioso estudio de como funciona su mente y de la soledad con la que ha de convivir quien se encuentra en la cima, no puede fiarse de casi nadie y solo puede ya caer.

Son of a Gun - Julius Avery (2014)

Título original - Son of a Gun
Año - 2014
Duración - 108 min.
País - Australia
Director - Julius Avery
Guión - Julius Avery
Música - Elliott Wheeler
Fotografía - Nigel Bluck
Montaje - Jack Hutchings
Producción - Timothy White
Productora - Bridle Path Films / WBMC / Media House Capital / Southern Light Films / Altitude Film Entertainment
Género - Thriller, Acción
Reparto - Ewan McGregor, Brenton Thwaites, Alicia Vikander, Matt Nable, Damon Herriman, Nash Edgerton, Jacek Koman, Tom Budge, Eddie Baroo, David Partridge, Ben Weirheim, Tammie West, Rick Tonna, Isaac Money, Warwick Sadler

Son of a Gun es el primer largometraje de Julius Avery, en el que se encarga, además de la dirección, de la redacción de su guión. Un trabajo en el que mezcla varios géneros de forma algo arriesgada, que le sirve para mostrar sus credenciales y que lo presenta como un realizador que puede darnos muchas alegrías en el futuro, ya que talento no le falta. Con la fotografía de Nigel Bluck y los papeles principales para Ewan McGregor, Brenton Thwaites y Alicia Vikander, estamos ante un título bien dirigido y muy interesante, a pesar de ser irregular y mejorable en varios aspectos.

Sinopsis: El joven J.R. (Brenton Thwaites) es encerrado por primera vez por un delito menor. Su falta de experiencia lo pondrá pronto en el punto de mira de un grupo de peligrosos reclusos que ven en el a un candidato ideal para sus juegos sexuales, ante lo que Brendan Lynch (Ewan McGregor), uno de los criminales mas peligrosos de Australia le ofrece su protección. Sin otra salida, J.R. no tiene mas remedio que aceptar, aunque no tardará mucho en comprobar que la ayuda de Lynch no será gratuita, ya que tiene pensado un arriesgado trabajo para el en el momento que sea puesto en libertad.

El director: A pesar de que Julius Avery debute en la gran pantalla con Son of a Gun, posee ya una amplia experiencia en el mundo del cine, habiendo realizado tareas como guionista, montador, encargado de la fotografía, de cámara y electricidad, e incluso de productor. Como director es responsable de seis cortometrajes: Matchbox (2002), Little Man (2004), Solvent (2004), End of Town (2006), The Tank (2007) y Jerrycan (2008). En todos ellos ha ejercido también como guionista, además de escribir el guión de Yardbird (2012), dirigido por Michael Spiccia.

La película: Son of a Gun es lo que yo llamo un trabajo correcto, bastante ameno de ver y muy esperanzador, ya que tenemos que tener en cuenta que es un debut y en el se ven los ingredientes necesarios como para esperar con bastante optimismo los próximos trabajos de un director que necesita algo de experiencia, pero al que parecen sobrarle condiciones para ello. Digo esto porque su trabajo en la dirección resulta bastante bueno, sobre todo tras las cámaras, aunque aún le falte una chispa para concretar una buena dirección de actores, uno de los apartados en los que la cinta resulta mejorable.

Y es que estamos ante un producto con bastantes elementos a su favor, pero que carece de la consistencia necesaria para llegar a ser notable. Parte de culpa de ello la tiene el guión escrito por el propio Julius Avery, que posee elementos meritorios pero algo inconexos entre si, como si de un buen plato con buenos ingredientes se tratase, pero no del todo bien cocinado hasta su resultado final. Sus personajes no están del todo bien dibujados o son insuficientemente desarrollados en algunos casos, restando bastante credibilidad al resultado final. Su intento de unir varios géneros resulta un tanto forzada, una lástima viendo el buen resultado conseguido en dichos elementos por separado, algo de lo que no creo que se pueda dudar.

Fuerza bruta - Jules Dassin (1947)

Título original - Brute Force
Año - 1947
Duración - 98 min.
País - Estados Unidos
Director - Jules Dassin
Guión - Richard Brooks, basado en la historia original de Robert Patterson
Música - Miklós Rózsa
Fotografía - William H. Daniels
Montaje - Edward Curtiss
Producción - Mark Hellinger
Productora - Universal International Pictures
Género - Drama | Drama carcelario
Reparto - Burt Lancaster, Hume Cronyn, Charles Bickford, Sam Levene, Howard Duff, Yvonne De Carlo, Art Smith, Jeff Corey, Ella Raines, Anita Colby, John Hoyt, Jack Overman, Ann Blyth, Roman Bohnen, Vince Barnett, Richard Gaines, Frank Puglia

Jules Dassin comenzó a demostrar su valía real con este drama carcelario en el que Richard Brooks adapta una historia de Robert Patterson. Un trabajo en el que destaca la opresiva fotografía de William H. Daniels, el buen hacer del realizador y el magnífico trabajo de casi todo su reparto, encabezado por un Burt Lancaster que comenzaba a brillar tras su magnífico estreno en Forajidos (Robert Siodmak,1946). Un film que denuncia el abuso de poder y las deficiencias del sistema penitenciario, que serviría mas tarde de espejo a otros muchos similares.

Sinopsis: El alcaide A. J. Barden (Roman Bohnen) lleva años dirigiendo la penitenciaría de Westgate, aunque su carácter, debilitado por los años, solo le permite permanecer en su despacho ajeno a la realidad de los reclusos, que viven oprimidos brutalmente. Gran parte de culpa la tiene el capitán Munsey (Hume Cronyn), un hombre sin escrúpulos que es quien realmente dirige la prisión a su antojo, no dudando en utilizar los métodos mas crueles para conseguir sus propósitos. Pero tras varios incidentes ocurridos en la prisión, y ante la amenaza de la supresión de los escasos privilegios que tienen los presos, un grupo de ellos encabezados por Joe Collins (Burt Lancaster), comienza a trazar un plan para fugarse.

La película: El enorme talento del realizador Jules Dassin nos dejó durante su carrera un puñado de excelentes películas entre las que destacan, además de la que hoy nos ocupa, La ciudad desnuda (1948) y Mercado de ladrones (1949), momento en el que, debido a la caza de brujas, fue obligado a trasladarse a Europa, donde nos dejó algunos de sus mejores títulos, como Noche en la ciudad (1950), Rififi (1955), de la que os hablamos en este artículo, El que debe morir (1957), Nunca en domingo (1960) o Fedra (1962), entre otros. Tras varios trabajos a principio de los 40, entre los que podemos destacar Reunión en Francia (1942) y El fantasma de Canterville (1944), en 1947 estrenó Fuerza bruta, su primer trabajo de alto nivel.

Para disfrutar la película plenamente, hemos de intentar entender lo que el realizador quiere mostrarnos en ella, además de no compararla injustamente con otras realizadas mucho después, que si bien pueden parecernos mas realistas en varios sentidos, sobre todo en como retrata a los reclusos, no tendrían ya el estrecho corsé que la censura utilizaba en esta época, algo con lo que el realizador no tuvo mas remedio que lidiar en gran parte de su carrera. Por ello, hay que valorar la valentía de realizar un trabajo de este tipo en su época, algo para lo que estoy seguro encontraría todo tipo de trabas, ya que en el los presos son retratados como las víctimas, tanto del sistema penitenciario, que los mantiene hacinados en celdas minúsculas, como por los encargados de hacer cumplir la ley en la prisión, retratados en la figura del capitán Munsey, al que da vida el actor Hume Cronyn.

Y es que Brute Force nos muestra el espíritu indomable del ser humano, su necesidad de libertad, sea o no culpable, sea o no posible alcanzarla, y la forma en la que la adversidad actúa de catalizador para que florezca la unión entre personas que, en condiciones normales, pasarían inadvertidas entre si. Su guión, escrito por Richard Brooks plasmando un argumento de Robert Patterson, posee una fuerza y un interés indiscutibles, aunque lamentablemente también flojea en algunos aspectos, como el insuficiente desarrollo de alguno de sus personajes o la falta de complejidad en ciertos momentos durante el transcurso de su trama principal. Aún así, resulta sumamente interesante y adictivo.

El experimento - Oliver Hirschbiegel (2001)

Título original - Das experiment
Año - 2001
Duración - 120 min.
País - Alemania
Director - Oliver Hirschbiegel
Guión - Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger, basado en la novela de Mario Giordano 'The Black Box'
Música - Alexander van Bubenheim
Fotografía - Rainer Klausmann
Montaje - Hans Funck
Producción - Marc Conrad
Productora - Typhon Film / Fanes Film
Género - Drama, Intriga, Basado en hechos reales
Reparto - Moritz Bleibtreu, Maren Eggert, Christian Berkel, Justus von Dohnanyi, Oliver Stokowski, Timo Dierkes, Nicki von Tempelhoff, Antoine Monot Jr., Wotan Wilke Möhring, Andrea Sawatzki, Edgar Selge

Das Experiment es una película alemana de 2001 dirigida por Oliver Hirschbiegel. El guión de Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger, se basa en el libro The Black Box de Mario Giordano, que a su vez toma como inspiración el famoso experimento de la cárcel de Stanford llevado a cabo en 1971. Otro claro ejemplo de la fragilidad de la mente humana, incapaz de mantener el control en condiciones extremas, filmada de forma brillante, con un ritmo muy acertado y unas dosis de intriga que te mantendrán pegado al asiento. Un trabajo realmente completo, a pesar de algún pero que pasamos a comentaros a continuación.

Sinopsis: Tentados por una golosa cantidad de dinero, veinte hombres acceden a ser parte de un experimento que se desarrollará durante dos semanas. La premisa es sencilla, ya que son conducidos a una cárcel simulada y se les entrega diferentes roles, a ocho de ellos el de guardianes y a doce el de prisioneros. Deben actuar como si de la vida real se tratase, aunque hay una regla muy clara: no está permitido el uso de la violencia, hecho que supondría la eliminación inmediata de quien la ejerza. Pero lo que parece una manera sencilla de ganar dinero, puede tener consecuencias desastrosas...

La película: El experimento es ante todo una película capaz de mantener la atención del espectador durante todo su metraje, tanto por el gran interés de la historia que nos cuentan, como por la excelente atmósfera que su realizador es capaz de crear, algo que es uno de sus puntos fuertes como director. El problema,  al menos para quien necesite que se cuente la historia real, es que esto difícilmente ocurre, no ya en este caso en concreto, sino en la mayoría de las ocasiones, ya que se le suelen dar retoques a la historia para que esta sea mas atractiva o interese a un abanico mayor de público. Por lo tanto no voy a entrar en eso, ya que tampoco conozco como sucedieron los hechos realmente.

Pero dejando a un lado el grado de fidelidad de la película con la historia real,  lo cierto es que estamos ante un trabajo muy completo que hará las delicias de los amantes de la intriga y los dramas carcelarios. Su guión,  obra de Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger, basándose en la novela de Mario Giordano titulada The Black Box, resulta bastante correcto, manteniendo un excelente ritmo y realizando un desarrollo de los diferentes personajes realmente brillante.

Papillon - Franklin J. Schaffner (1973)

Título original - Papillon
Año - 1973
Duración - 150 min.
País - Estados Unidos
Director - Franklin J. Schaffner
Guión - Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. basado en la novela homónima de Henri Charrière
Música - Jerry Goldsmith
Fotografía - Fred J. Koenekamp
Montaje - Robert Swink
Producción - Robert Dorfmann, Franklin J. Schaffner y Ted Richmond
Productora - Allied Artists / Solar Productions
Género - Aventuras, Drama
Reparto - Steve McQueen, Dustin Hoffman, Victor Jory, Don Gordon, Anthony Zerbe, Robert Deman, Bill Mumy, George Coulouris, Woodrow Parfrey

El inolvidable, aunque poco reconocido director Franklin Schaffner, que aunque no fue excesivamente prolífico en el mundo del cine nos dejó varias joyas para la posteridad, dirigió este alegato a la amistad y la libertad, con un guión de Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. basado en la maravillosa novela homónima de Henri Charrière. Uno de esos trabajos que dejan huella de por vida, de esos que hay que ver antes de morir y que nos da la oportunidad de disfrutar del magnífico dúo protagonista, formado por los señores Steve McQueen y Dustin Hoffman. Inolvidable.

Sinopsis: Henri Charrière, mas conocido como Papillón (Steve McQueen), es un delincuente que es condenado por un crimen que no cometió, siendo exiliado a las colonias penitenciarias de la Guayana Francesa. En el transcurso del viaje tiene conocimiento de que el famoso estafador Degà (Dustin Hoffman), ha sido condenado igualmente y le ofrece protección a cambio de la ayuda económica necesaria para planear su fuga, algo a lo que tras su negativa inicial, Degá acabará accediendo para salvar la vida. Entre ellos nacerá una fructífera amistad, que les ayudará a soportar las duras condiciones de la penitenciaría.

El director: Franklin James Schaffner fue un director de cine estadounidense nacido en Tokio, Japón, un 30 de mayo de 1920. Hijo de misioneros, tras su regreso a los Estados Unidos se graduó en la Franklin & Marshall College en Lancaster, Pennsylvania, tras lo que estudió Derecho en la Universidad de Columbia, Nueva York, hasta que su educación fue interrumpida para alistarse en la marina estadounidense en la Segunda Guerra Mundial.

Tras su regreso, encontró trabajo en el mundo televisivo participando en March of Time, tras lo que se unió a la CBS, donde ganó cuatro premios Emmys, uno por la adaptación televisiva de Doce hombres sin piedad, dos por la adaptación de la obra de Broadway, The Caine Mutiny Court Martial y el último por la serie The Defenders.

Debutó con el largometraje Rosas perdidas (1963), un drama romántico con la participación de Joanne Woodward, Richard Beymer y Claire Trevor, entre otros. Tras el llegaron El mejor hombre (1964), un drama sobre política con Henry Fonda, Cliff Robertson y Edie Adams; le siguió El señor de la guerra (1965), una de aventuras protagonizada por Charlton Heston; tras ella dirigió Mi doble en los Alpes (1967), un thriller de intriga con Yul Brynner como protagonista; al año siguiente dirigió la inolvidable El planeta de los simios (1968), de nuevo con Charlton Heston en el papel protagonista; la siguiente fue Patton (1970), protagonizada por George C. Scott y que se alzó con siete Oscars, incluyendo Mejor película, director, actor y guión; a esta le siguieron Nicolás y Alejandra (1971), Papillon (1973) y La isla del adiós (1977), un drama donde repetía George C. Scott como protagonista; Los niños del Brasil (1978) fue su última gran película, una de intriga sobre el nazismo, con la participación de Gregory Peck, Laurence Olivier, James Mason y Lilli Palmer; el resto de su filmografía está compuesta por La esfinge (1981), Sí, Giorgio (1982), Lionheart (1987) y Bienvenido a casa (1989), aunque ninguna de ellas llega al nivel de su mejor época como director.

La película: Como suelo hacer cada vez que escribo una reseña, he vuelto a ver esta inolvidable película tras haber pasado bastantes años desde que, primero leí la magnífica novela de Henri Charrière y después disfruté de la adaptación al cine de Schaffner. He de decir que la experiencia ha sido igualmente satisfactoria, si no mas, ya que el espíritu de esta ha permanecido intacto y está realizada de una forma que ya no podemos disfrutar en el cine actual. Quizás sea, junto a El planeta de los simios (1968), Patton (1970) y Los niños del Brasil (1978), lo mejor que el director nos dejó a lo largo de su carrera, pero os aseguro que es la que mejor sabor de boca me ha dejado de todas ellas, que ya es mucho decir.

El mundo de Leland - Matthew Ryan Hoge (2003)

* Título original - The United States of Leland
* Año - 2003
* Duración - 108 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Matthew Ryan Hoge
* Guión - Matthew Ryan Hoge
* Música - Jeremy Enigk
* Fotografía - James Glennon
* Montaje - Jeff Betancourt
* Producción - Kevin Spacey, Bernie Morris, Jonah Smith y Palmer West
* Productora - Paramount Pictures
* Género - Drama
* Reparto - Don Cheadle, Ryan Gosling, Chris Klein, Jena Malone, Lena Olin, Kevin Spacey, Michelle Williams, Ann Magnuson, Martin Donovan, Sherilyn Fenn
* Web oficial - http://www.paramountclassics.com/leland/main.html

Matthew Ryan Hoge es el responsable del guión y la dirección de este brillante trabajo que basado en un acto detestable, lo utiliza para hablarnos de una infinidad de temas que campan a sus anchas en nuestro mundo. Con la producción de Kevin Spacey, que se guarda un pequeño papel para si, y el protagonismo de Don Cheadle y Ryan Gosling, estamos ante una historia que merece la pena ser vista.

Sinopsis: Leland (Ryan Gosling) es un joven de 15 años muy diferente a lo habitual. Su comportamiento es el de alguien mucho mayor y posee una mente capaz de ver cosas que casi ningún ser humano alcanza a visualizar, como por ejemplo la tristeza en los demás. Un día acaba con la vida de un niño autista y es ingresado en un centro de educación juvenil donde se hará cargo de su caso el profesor Pearl Madison (Don Cheadle), que intentará averiguar el porqué ha cometido un acto tan atroz, mientras que en el exterior toda la comunidad tendrá que aprender a convivir con las consecuencias de tan trágico suceso.

El director: Matthew Ryan Hoge es un escritor y director de cine estadounidense. Se crió en Thornton, un suburbio del norte de Denver, Colorado. Cursó sus estudios en el Horizon High School, donde participó en el programa de teatro de la escuela y se interesó por las ideas del filósofo Albert Camus. También curso una BFA en escritura para cine y televisión en el USC School of Cinema-Television, en 1996.

En su carrera debutó con 'Self Storage' en 1999, en la que escribió su guión, interpretó el papel de Matthew Hoge, realizó la edición y la dirigió. En ella nos cuenta la vida de dos amigos, Charlie y Jay, que buscan tocar fondo para solo poder subir después. Tras pasar dos años ejerciendo de profesor dentro del sistema judicial juvenil de Los Ángeles, decidió plasmar sus experiencias con chicos similares al protagonista de 'El mundo de Leland'. Escribió su guión y fue rechazado por varias productoras reacias a apostar por el, hasta que este cayó en las manos de un Kevin Spacey que vio posibilidades en el, produciendola e interpretando el papel de Leland.

En el 2004 apareció en un episodio de la serie documental 'Anatomy of a Scene', que se emitía mensualmente y seguía la creación de una película desde el punto de vista de su director y otros personajes fundamentales en su elaboración. Se comenta que busca financiación para un nuevo proyecto del que poco podemos contar, ya que mantiene su guión en secreto.

La película: 'El mundo de Leland' es un trabajo que ha creado ciertas contradicciones en mi tras su visionado. Estamos ante una película que ha vuelto a llegarme como lo hizo la primera vez (esta es la segunda vez que la veo, de la primera hace ya unos años), pero que también me ha dejado esa extraña sensación de ocasión perdida, por poder haber llegado mucho mas alto. Aún así es un trabajo que recomiendo sin lugar a dudas, ya que no tiene nada que ver con una de esas historias de adolescentes problemáticos que inundan las sobremesas de ciertos canales de pago, aún compartiendo con ellas una infinidad de clichés que la hacen perder un par de puntos.

Sin remisión - John Cromwell (1950)

* Título original - Caged
* Año - 1950
* Duración - 96 min.
* País - Estados Unidos
* Director - John Cromwell
* Guión - Virginia Kellogg y Bernard Schoenfeld adaptando la novela de la propia Virginia Kellogg
* Música - Max Steiner
* Fotografía - Carl Guthrie
* Montaje - Owen Marks
* Producción - Jerry Wald
* Productora - Warner Bros. Pictures
* Género - Drama, Drama carcelario
Reparto - Eleanor Parker, Agnes Moorehead, Ellen Corby, Hope Emerson, Betty Garde, Jan Sterling, Lee Patrick, Olive Deering

John Cromwell, uno de esos directores desconocido para muchos, fue el encargado de dirigir este drama carcelario sobre mujeres en los años 50, adaptando una novela de Virginia Kellogg, que participó en la creación del guión. Resulta bastante penoso admitir que tras mas de medio siglo, y con las vueltas que ha dado el mundo, siguen existiendo los mismos problemas que entonces, por lo que el mensaje de la película no solo sigue en vigor, sino que parece que seguirá así.

Sinopsis: Un transporte llega a prisión con las nuevas condenadas, entre las que se encuentra la joven Marie Ellen (Eleanor Parker), de solo 19 años. Ha sido condenada a una pena de 1 a 15 años de reclusión como cómplice en el frustrado atraco a mano armada a una gasolinera, en el que su marido resultó muerto, mientras ella se limitaba a esperarlo en el coche. Tras un examen médico, recibirá además la noticia de que está embarazada, por lo que se derrumba pensando que no podrá cuidar de su hijo y esperando que sea su madre quien lo haga hasta que consiga la libertad.

El director: John Cromwell debutó como actor teatral en el circuito de Broadway de Nueva York con la adaptación de Marian De Forest de la novela 'Mujercitas' (1912). Tras ello dirigió 'The Painted Woman' (1913), que fue un fracaso, interpretó y codirigió con Frank Craven 'Too Many Cooks' (1914), tras la que continuó su idilio en los escenarios en innumerables obras.

No fue hasta 1929 cuando interpretó su primer papel en el cine en 'The Dummy (El pelele)', debutando como director ese mismo año en 'Close Harmony (Jazz band)'. En los cincuenta años que ha estado relacionado con el cine intervino como actor en una decena de trabajos y dirigió un total de 47 largometrajes, casi uno por año. Entre ellos voy a destacar varios: 'Las aventuras de Tom Sawyer' (1930), 'Cautivo del deseo' (1934), 'El lazo sagrado' (1939), 'El hijo de la furia' (1942), 'Desde que te fuiste' (1944), 'Callejón sin salida' (1947) y 'El soborno' (1951).

Cromwell fue presidente del Sindicato de directores de Estados Unidos desde 1944 a 1946, y fue incluido en la lista negra de Hollywood desde 1951 a 1958 por sus simpatías políticas. Finalizó su carrera como actor, siendo elegido por Robert Altman para hacer el papel de Mr. Rose en el film '3 Women' (1977), protagonizada por Shelley Duvall y Sissy Spacek, y el del Obispo Martin en 'A Wedding' (1978), con Desi Arnaz, Jr., Carol Burnett, Geraldine Chaplin, Mia Farrow, Vittorio Gassman y Lillian Gish.

Cromwell se casó cuatro veces. Sus esposas fueron la actriz teatral Alice Lindahl, fallecida a causa de una gripe en 1918, las también actrices Marie Goff y Kay Johnson, de las cuales se divorció, y la actriz Ruth Nelson, con la cual permaneció unido hasta su muerte en 1979 a causa de una embolia pulmonar, cuando tenía 91 años de edad.

La película: El drama carcelario ha permanecido como casi un subgénero dentro del cine desde tiempos inmemoriales. Lógicamente ha dado productos de todo tipo y diferente calidad, pero si que nos ha dejado un buen numero de trabajos inolvidables, entre los que, así a bote pronto, se me vienen a la cabeza 'Papillón', a la que quiero dedicarle un espacio aquí en breve, 'Soy un fugitivo', con la que guarda ciertos paralelismos la que hoy nos ocupa, 'Fuga de Alcatraz', 'Brubaker', 'La milla verde' o 'Cadena perpetua'. Aparte de su enorme calidad, todas ellas tienen un denominador común, el escaso éxito que tienen las políticas penitenciarias a la hora de conseguir la reinserción de los reclusos.

Orange is the new black - Jenji Kohan (Serie TV, 2013)

* Título original - Orange is the new black
* Año - 2013
* Duración - 60 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Jenji Kohan (Creador), Michael Trim, Andrew McCarthy, Phil Abraham, Uta Briesewitz, Jodie Foster, Constantine Makris, Matthew Penn
* Guión - Piper Kerman, Jenji Kohan, Sian Heder, Sara Hess, Nick Jones, Lauren Morelli, Marco Ramirez, Liz Friedman, Tara Herrmann, Gary Lennon
* Fotografía - Vanja Cernjul
* Productora - Netflix / Lionsgate Television
* Género - Serie de TV, Drama, Comedia
* Reparto - Taylor Schilling, Laura Prepon, Danielle Brooks, Taryn Manning, Michael Harney, Michelle Hurst, Kate Mulgrew, Jason Biggs, Natasha Lyonne, Pablo Schreiber, Nick Sandow, Dascha Polanco, Joel Garland, Lea DeLaria, Samira Wiley, Matt McGorry, Yael Stone, Uzo Aduba, Catherine Curtin
* Web oficial - http://movies.netflix.com/Movie/70242311

Jenji Kohan es la creadora de esta serie basada en las experiencias que Piper Kerman (una de las guionistas) vivió en el tiempo que estuvo en prisión y que plasmó en el best-seller autobiográfico 'Orange Is The New Black: My Year In A Women's Prison'. A camino entre la comedia y el drama, estamos ante una serie muy original y de una factura impecable.

Piper Chapman es una joven de Connecticut que lleva una vida personal y laboral satisfactoria y estable. Sin embargo, un buen día es detenida por causa de un delito relacionado con el contrabando de drogas que cometió hace cerca de una década junto con Alex Vause (Laura Prepon), una narcotraficante con la que tenía una relación amorosa . Como consecuencia de ello, Piper termina siendo juzgada y sentenciada con traslado a una prisión de mujeres en Litchfield, Nueva York.

Jenji Kohan es una guionista, productora y directora de televisión estadounidense que comenzó a destacar por ser la creadora de la exitosa serie 'Weeds' (2005 a 2012), en la que nos contaba los inicios en el trafico de marihuana de una madre viuda para sacar adelante a su familia y no perder su elevado nivel de vida. Como ocurre con 'Orange is the new black', la serie traspasa todo tipo de convencionalismos y resulta escandalizativa para los estratos mas puritanos de la sociedad ya que echa por tierra la imagen que muchos tienen de una madre. Puedes leer nuestra reseña de ella en este enlace.

'Orange is the new black' ha irrumpido con fuerza entre las magníficas series que tenemos la posibilidad de disfrutar en la actualidad, dando muchísimo que hablar con una propuesta sencilla pero muy amena. ¿Cuales son las claves de su éxito? ¿Que la diferencia de otras comedias? En mi opinión hay varios detalles que hacen que merezca la pena verla.

Para comenzar estamos ante una comedia sobre la vida en prisión, no un drama carcelario puro y duro o un thriller, algo que rara vez se ha visto antes. Cuando las palabras condena o prisión aparecen en una película o serie televisiva siempre va asociada a violencia, trafico de drogas, ajustes de cuentas... Aquí todo ello brilla por su ausencia o está tratado de una forma tan suave que no resulta fundamental en la historia, de hecho creo que la primera escena en la que dos reclusas se pelean es por un helado, para que os hagáis una idea.