El hijo de Saúl (Son of Saul) - László Nemes (2015)

Título original - Saul fia (Son of Saul)
Año - 2015
Duración - 107 min.
País - Hungría
Director - László Nemes
Guión - László Nemes, Clara Royer
Música - László Melis
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Matthieu Taponier
Producción - Gábor Sipos y Gábor Rajna
Productora - Laokoon Filmgroup
Género - Drama
Reparto - Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg, Uwe Lauer, Attila Fritz, Kamil Dobrowolski, Christian Harting
Web oficial - http://sonyclassics.com/sonofsaul/

László Nemes escribe junto a Clara Royer, dirige y además se encarga de la banda sonora, del que es su debut en la gran pantalla, la multipremiada Saul fia (Son of Saul o El hijo de Saúl). Un viaje a través del campo de concentración de Auschwitz, en el que acompañaremos a un prisionero miembro de los Sonderkommandos, no apto para todos los paladares y que no suele dejar a nadie indiferente. Una historia similar a muchas de las contadas sobre el exterminio nazi, pero haciéndolo de forma muy diferente a la habitual, en la que el espectador intuye mucho mas de lo que ve y participa de forma directa en la asfixiante atmósfera que se vive en tan terrible lugar, siempre contando con que se meta en su historia y en como nos la cuentan. Te gustará o no, pero de lo que no queda duda es que consigue innovar en un tema tan recurrente en el mundo del cine como el holocausto. Si me lo dicen antes de verla no lo creo.

Sinopsis: Campo de concentración de Auschwitz, 1944. Saúl (Géza Röhrig) es un prisionero judío de origen húngaro que pertenece a los Sonderkommandos, judíos elegidos por los nazis que se encargan de conducir hasta las cámaras de gas a los grupos de judíos que llegan constantemente, encargándose de la recogida de los efectos personales de estos y la limpieza de las cámaras donde son asesinados, a cambio de lograr sobrevivir. En una de las limpiezas, Saúl descubre a un chico que ha sobrevivido inicialmente al gas, aunque ya es tarde para el y no consigue salvar su vida. A partir de ese momento intentará al menos salvarlo del crematorio, haciéndolo pasar por su hijo e intentando que reciba un entierro acorde a su fe.

El director: Nemes Jeles László (László Nemes) es un guionista y director de cine húngaro, nacido en Budapest, el 18 de febrero de 1977. Hijo del director de cine András Jeles, creció en París, interesándose desde muy joven en el mundo del cine. Después de estudiar Historia, Relaciones Internacionales y posteriormente, formarse como guionista, Nemes fue asistente del destacado director de cine Béla Tarr. Tras dirigir los cortometrajes Con un poco de paciencia (2007), The Counterpart (2008) y The Gentleman Takes His Leave (2010), por fin a los 38 años ha podido dirigir su primer largometraje, El hijo de Saúl, obteniendo con él resultados inimaginables que lo han llevado a alzarse con el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa, el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en Cannes, el Globo de Oro como Mejor película de habla no inglesa, el Premio David di Donatello al Mejor film de la Unión Europea y el Independent Spirit Awards a la Mejor película extranjera, entre otros muchos. En la actualidad trabaja en el drama Sunset, ambientada en el Bucarest de los años previos a la I Guerra Mundial. En principio se espera para 2017.

La película: Son of Saul es ante todo una película muy arriesgada, cuya principal característica puede ser su gran acierto o su talón de aquiles, en función de la opinión y el gusto de cada espectador. A esa carta se la jugó László Nemes para escribir y llevar a la pantalla su opera prima, la que además le sirve para rendir su propio homenaje a la familia de su madre, que desapareció en uno de esos campos de exterminio. En gran parte de la película, cámara en mano, seguiremos fijamente a nuestro protagonista durante su odisea dentro del infierno donde intenta sobrevivir. No seguimos la acción en primera persona, como si de un videojuego se tratase y la cámara simulase ser los ojos del protagonista, sino que seguimos los pasos en todo momento de Saúl, nos convertimos en su sombra de forma constante para así hacernos sentir parte de lo que el siente, pero sin mostrar lo que ve claramente ante nuestros ojos. Esto hace que la experiencia difiera de la que proporciona cualquier otra película, pero es algo que no es soportado por todo el mundo.

Pero no contento con tan peculiar forma de filmar la película, László Nemes la rueda en un formato de 4:3, en 35 mm., por lo que el campo de visión del espectador se estrecha considerablemente, aumentando así la sensación de agobio constante que sufre. Además, en multitud de ocasiones, la figura de Saúl es la que aparece enfocada, debiendo intuir el espectador e ir descifrando formas de todo lo que se intuye alrededor del protagonista, aunque para eso tengamos la inigualable ayuda del sonido, que en esta ocasión alcanza una importancia pocas veces vista anteriormente. Recuerdo una escena en especial en la que vemos de frente la cara impasible del protagonista, absorto y prácticamente ausente mientras está apoyado en las puertas de una cámara de gas en pleno funcionamiento, a la vez que se oye y se imagina el dantesco espectáculo de su interior.

La infancia de Iván (Ivan's Childhood) - Andrei Tarkovsky (1962)

Título original - Ivanovo detstvo (Ivan's Childhood)

Año - 1962

Duración - 95 min.

País - Unión Soviética (URSS)

Dirección - Andrei Tarkovsky

Guion - Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava

Música - Vyacheslav Ovchinnikov

Fotografía - Vadim Yusov

Montaje - Lyudmila Feiginova

Producción - Gleb Kuznetsov

Productora - Mosfilm

Reparto - Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Espionaje, Infancia, Nazismo

La infancia de Iván (Ivan's Childhood) supuso el primer trabajo que el inolvidable realizador ruso Andrei Tarkovsky dejó para la historia del cine. Un trabajo del que se hizo cargo tras el despido del anterior realizador, en el que con la fotografía de Vadim Yúsov, el montaje de Lyudmila Feiginova, la banda sonora de Vyacheslav Ovchinnikov y el protagonismo de Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov y Yevgeni Zharikov, intentó mostrarnos de una manera hermosa y poética su enorme odio a la guerra. Un drama bélico en el que no asistiremos a ninguna batalla, pero si a los estragos del conflicto.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. La película narra la historia de un niño huérfano, Iván (Nikolái Burliáyev), y de su infancia durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia ha muerto a manos de soldados alemanes. Él logra escapar y es adoptado por una unidad del Ejército Rojo en el frente oriental. En una forma de venganza, el pequeño Iván se decide a colaborar con las tropas soviéticas, y, gracias a su pequeña estatura, realiza con éxito labores de exploración que requieren que cruce las líneas enemigas.

El director - Andréi Arsénievich Tarkovski fue un director de cine, actor, poeta y escritor ruso, nacido en  Óblast de Ivánovo, antigua Unión Soviética, el 4 de abril de 1932. Su padre fue Arseni Tarkovski, reconocido como uno de los poetas rusos más destacados de todo el siglo XX, y su madre María Ivánova Vishnyakova. En su juventud, estudió música, pintura y escultura, aprendió lenguas orientales en Moscú antes de interesarse por el cine; también trabajó como geólogo por un tiempo en Siberia.

Pronto fue el centro de atención de todo el mundo con su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), que obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia, Italia (ex aequo con Cronaca familiare de Valerio Zurlini). Sin embargo, fue sometido a una estricta vigilancia de las autoridades soviéticas, que temían que sus siguientes filmes no siguiesen las férreas directrices del Partido Comunista de la Unión Soviética, por lo que se le recortó el presupuesto para filmar El idiota de Fiódor Dostoyevski y se le negó enteramente el rodaje de una película dedicada al Evangelio de Lucas (ninguna de ellas vio jamás la luz). Como resultado de esa vigilancia, su siguiente film, Andréi Rubliov (1966), fue prohibido hasta 1971. Su siguiente obra, Solaris (1972), fue aclamada en el Este y considerada por muchos como la respuesta soviética a la película 2001: Una odisea del espacio, del director estadounidense Stanley Kubrick, aunque Tarkovski siempre afirmó que no la había visto.

El realizador tuvo un problema con las autoridades, que por poco le cuesta la cárcel, a raíz de su película Zérkalo (El espejo) (1975), una densa y autobiográfica película con una radical, innovadora y sugestiva estructura narrativa. Su siguiente película, también de ciencia ficción, Stalker (1979), tuvo que ser filmada de nuevo, con una drástica reducción económica en la producción, después de que un accidente en el laboratorio destruyese totalmente la primera versión filmada. Nostalgia (1983), filmada en Italia, fue su última película realizada bajo la estricta vigilancia de la Unión Soviética, ya que poco después de su filmación huyó con su segunda mujer a Suecia. Su última película, Sacrificio (1986), fue filmada en Suecia con la ayuda de los colaboradores habituales del cineasta sueco Ingmar Bergman, ganó cuatro premios en el Festival de Cine de Cannes, un hecho sin precedentes en la historia del cine soviético. Sin embargo, Andréi Tarkovski estaba sufriendo los estragos del cáncer que acabaría con su vida, por lo que le fue imposible asistir a recoger el Premio Especial del Jurado que obtuvo esta película, siendo su hijo Andriushka quien lo recogió ante un aplauso general que se prolongó durante varios minutos. Falleció el 29 de diciembre de 1986, en París a los 54 años. Fue enterrado en el cementerio para inmigrantes rusos de Sainte-Geneviève-des-Bois, en Isla de Francia.

La película - Al cine de Andrei Tarkovsky le ocurre algo similar a lo que le ocurre al cine de Ingmar Bergman o David Lynch, pues resulta tan venerado y puesto por las nubes por sus incondicionales, que parte de los que no lo han disfrutado intentan hacerlo y acaban llevándose un chasco. La cosa pienso que debería ser mucho mas sencilla que todo eso. O te gusta o no lo hace, sin que si te gusta debas ser clasificado como un snop cinéfilo, como he leído ya en varias ocasiones, o si no te gusta tengas que ser tachado de inculto. Lo que no podemos, o mas bien no deberíamos, es tratar de imponer nuestros gustos y opiniones a los demás, algo que además de ser bastante desagradable, no hace mas que mostrar la bravuconería y la arrogancia que, por desgracia, cada vez están mas a la vista en la relación entre los seres humanos, sobre todo escudados tras la seguridad y la impunidad que les otorga un nick cualquiera. Con La infancia de Iván, y a pesar de ser una de las obras del realizador ruso mas accesibles, ocurre esto que les acabo de contar, un cine que jamás llegará a llenar a los que buscan simplemente entretenimiento, algo tan respetable como cualquier otra opinión, pero que sin embargo consigue llenar a otros espectadores, que suelen buscar algo diferente en este arte, o al menos a parte de ellos.

Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta

Año - 1945

Duración - 100 min.

País - Italia 

Dirección - Roberto Rossellini

Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio

Música - Renzo Rossellini

Fotografía - Ubaldo Arata

Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti

Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini

Productora - Excelsa Films

Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo

Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El director - Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.

Midway - Roland Emmerich (2019)

Título original - Midway
Año - 2019
Duración - 138 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Roland Emmerich
Guión - Wes Tooke
Música - Harald Kloser, Thomas Wanker
Fotografía - Robby Baumgartner
Montaje - Peter R. Adam y Christoph Strothjohann
Reparto - Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Dennis Quaid, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell, James Hicks
Producción - Roland Emmerich, Mark Gordon, Harald Kloser y Dong Yu
Productora - Coproducción Estados Unidos-China; Centropolis Entertainment / Starlight Culture Entertainment Group / The Mark Gordon Company. Distribuida por Lionsgate
Género - Bélico. Drama. Acción | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Histórico. Años 40. Pearl Harbor. Cine épico

Roland Emmerich es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla un guión de Wes Tooke, donde volvemos a asistir a la versión estadounidense del famoso ataque a Pearl Harbor por parte del ejército japonés y la oportuna réplica norteamericana, durante la II guerra mundial. Todo un espectáculo visual donde los efectos especiales reinan sobre todas las cosas, pero que se queda en eso, un mero espectáculo sin ningún tipo de complicación adicional, carente de una historia bien hilada y de personajes mínimamente desarrollados. Muy pobre, en mi modesta opinión, aunque para gustos los colores.

Sinopsis - Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la flota estadounidense queda claramente diezmada, por lo que el ejército japonés busca la forma de dar una estocada definitiva y finiquitar el conflicto. Por su parte, el ejercito estadounidense intentará resistir en inferioridad de condiciones, para tener tiempo de reponerse e intentar imponer su potencial. Midway es la clave que inclinará la balanza.

El director - Roland Emmerich es un director, productor y guionista de cine nacido en Stuttgart, el 10 de noviembre de 1955. Su carrera comenzó en su país natal con 1997: El principio del Arca de Noé (1984), a la que siguieron El secreto de Joey (1985), El secreto de los fantasmas (1987) y Estación lunar 44 (1990), que en un principio solo tuvieron repercusión en su país.

El salto a hollywood le permitió filmar Soldado universal (1992), siendo contratado para reemplazar al director Andrew Davis. Tras ella dirigió Stargate, puerta a las estrellas (1994), que logró ser el estreno más taquillero en un fin de semana para una película lanzada en el mes de octubre hasta esa fecha. Independence Day (1996) fue el primer film en recaudar 100 millones de dólares en menos de una semana, siendo aun hoy dia de las mas rentables de la historia. Tras ella llegaron la fallida Godzilla (1998), El patriota (2000), interpretado por Mel Gibson, que es uno de sus mejores trabajos, El día de mañana (2004), 10.000 (2008), todo un éxito en taquilla vapuleado por la crítica, la fallida 2012 (2009) y la curiosa Anonymous (2011).

A estos le siguieron trabajos como las aceptables Asalto al poder (2013) y Stonewall (2015) y la secuela Independence Day: Contraataque (2016). Actualmente trabaja en Moonfall y Maya Lord, dos proyectos que se esperan para 2021.

La película - El cine del bueno de Roland Emmerich rara vez defrauda a los amantes de los efectos especiales y a los que solo conciben el cine como un mero espectáculo con el que entretenerse, sin necesidad de grandes esfuerzos para seguir las tramas, siendo este el aspecto en el que Midway brilla con luz propia. Tan solo hay que comenzar a disfrutar la película para darnos cuenta de ello, puesto que desde las primeras escenas son los buques y aviones de los ejércitos estadounidense y japonés los principales protagonistas, dejándonos escenas planificadas al milímetro, que demandan una buena calidad de imagen y, si es posible, una gran pantalla para disfrutarlas al máximo.

Pero de la misma forma y al mismo tiempo en que esto ocurre, podemos apreciar que la sobriedad no será la principal protagonista de la película, retratando a personajes a los que no solo no se les coje empatía, sino que comienzan a dar grima casi de inmediato. Es tal la bravuconería que el guión y la propia dirección les concede, que cualquier similitud con la realidad queda en entredicho desde el minuto uno. Puede que esto funcione con ciertos adolescentes carentes de paciencia y ávidos de mensajes de rebeldía constantes, pero para cualquier aficionado al cine, mucho más para un cinéfilo con multitud de películas a sus espaldas, resulta molesto, incluso insultante en muchos momentos.

Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows, Mr. Allison) - John Huston (1957)

Título original - Heaven Knows, Mr. Allison
Año - 1957
Duración - 105 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - John Lee Mahin y John Huston, basado en la novela de Charles Shaw
Música - Georges Auric
Fotografía - Oswald Morris
Montaje - Russell Lloyd
Maquillaje - George Frost
Vestuario - Laura Nightingale
Producción - Buddy Adler y Eugene Frenke
Productora - 20th Century Fox
Género - Aventuras, Drama, Bélico, Romance
Reparto - Deborah Kerr, Robert Mitchum, Masao Ukon

John Huston escribió el guión junto a  John Lee Mahin, basado en la novela homónima de Charles Shaw y dirigió esta pequeña joya escondida en la jugosa filmografía del genio estadounidense y de la época. Mirada con lupa tanto por el ejercito como por la iglesia católica, Heaven Knows, Mr. Allison supone una de esas películas que tanto gustaban al realizador, que nos muestra la relación de dos personas muy diferentes, de distinto sexo y en un escenario muy particular. No, no es La reina de África, a pesar de algunas evidentes similitudes, pero perdérsela sería un verdadero pecado.

Sinopsis: El cabo del ejército estadounidense Henry Allison (Robert Mitchum) sobrevive al hundimiento del submarino donde se encontraba, quedando a la deriva en un pequeño bote. Exhausto tras la terrible experiencia, consigue alcanzar la costa de la pequeña isla Tuasiva, donde para su sorpresa solo encuentra a la novicia Angela (Deborah Kerr), que quedó atrapada en ella ante la inminente invasión japonesa. Juntos intentarán sobrevivir con los medios que tienen a su alcance, naciendo entre ellos una relación que va mas allá de la amistad.

El director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Como habréis podido comprobar en el apartado anterior, el talento del bueno de John Huston queda fuera de toda duda, firmando trabajos de una calidad indiscutible reconocidos por casi todos. Pero en el aspecto donde mas me ha sorprendido este genio durante su carrera, es en la capacidad que tenía de crear una gran película casi de la nada, convirtiendo una historia sencilla en un trabajo inolvidable, gracias a su enorme talento y a su habilidad para aprovechar todos los recursos a su alcance de forma brillante. Para colmo tenía la capacidad de exprimir a sus actores y actrices como pocos, por lo que casi cualquier obra suya merece un visionado como poco. No es esta de sus obras mas conocidas, algo que viendo su filmografía puede resultar hasta lógico, pero eso no significa que no estemos ante un magnífico trabajo, muy completo y ameno, que no deberían dejar pasar por alto.

Y es que en la película que hoy nos ocupa conviven a la perfección el drama, la aventura el belicismo e incluso el romance, formando un solido conjunto que, una vez se comienza a visionar, resulta realmente difícil abandonar. Su guión, escrito por el propio Huston junto a John Lee Mahin (Scarface, el terror del hampa, Quo Vadis, La mala semilla, Capitanes intrépidos), adapta la novela de Charles Shaw con la que comparte nombre, siendo candidato al Óscar al Mejor guión adaptado junto a títulos inolvidables como Vidas borrascosas (Peyton Place), Sayonara, 12 hombres sin piedad (12 Angry Men) o El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai), que acabaría alzándose con el preciado galardón.

Katyn - Andrzej Wajda (2007)

Título original - Katyn
Año - 2007
Duración - 115 min.
País - Polonia
Director - Andrzej Wajda
Guión - Andrzej Wajda, Andrzej Mularczyk
Música - Krzysztof Penderecki
Fotografía - Pawel Edelman
Montaje - Milenia Fiedler y Rafał Listopad
Producción - Michał Kwieciński
Productora - Akson Studio
Género - Drama
Reparto - Andrzej Chyra, Magdalena Cielecka, Artur Zmijewski, Danuta Stenka, Maja Komorowska, Wladyslaw Kowalski, Pawel Malaszynski, Stanislawa Celinska, Marek Kondrat, Krzysztof Kolberger, Krzysztof Globisz
Web oficial - http://karmafilms.es/katyn/

Andrzej Wajda, hijo de una de las víctimas de una atrocidad desconocida por muchos, escribió el guión junto a Andrzej Mularczyk y dirigió este durísimo homenaje a las victimas de otro vergonzoso episodio de la historia ocurrido tras la invasión de Polonia en 1939 por parte del Ejercito rojo y el alemán. Lógicamente, estamos ante un drama focalizado en el padecimiento de las víctimas y sus familias, por lo que si estas buscando cine bélico, te recomiendo que mires en otra dirección. La historia hay que conocerla para intentar evitar que vuelva a repetirse, algo que se me antoja difícil, ya que somos criaturas que tropiezan en la misma piedra una y otra vez...

Sinopsis: La película nos cuenta la historia de varias familias durante la invasión que en 1939 realizaron tropas nazis y del Ejercito rojo en Polonia, que mas tarde dio lugar a la masacre de Katyń, también conocida como la masacre del bosque de Katyn, que consistió en el asesinato en masa de oficiales del ejército, policías, intelectuales y otros civiles polacos llevada a cabo por el Comisariado del Pueblo para Asuntos Internos (NKVD), nombre de la policía secreta soviética dirigida por Lavrenti Beria, entre abril y mayo de 1940. La Unión Soviética negó siempre las acusaciones, señalando como responsables al ejercito alemán, hasta que en 1990 el gobierno de Borís Yeltsin reconoció que el NKVD fue el autor de la matanza y su encubrimiento, entregando además los documentos desclasificados.

La película: Desde 1955 en que debutara con Generación, el director de cine polaco Andrzej Wajda nos ha dejado cerca de 40 trabajos, de los que yo me quedo con algunos títulos que hay que ver, como Kanal (1957), Cenizas y diamantes (1958), Los brujos inocentes (1960), Cenizas (1965), El bosque de abedules (1970), La tierra de la gran promesa (1975), El director de orquesta (1980) y Crónica de los accidentes amorosos (1986), aunque he de decir que me quedan bastantes por disfrutar, que lógicamente no puedo valorar aún. El realizador tiene la cualidad de dibujar la historia de su país de forma que el espectador se conmueva, a la vez que se informe, por lo que ha logrado convertirse en una eminencia en su patria, además de un director de referencia en el mundo entero.

En el caso que hoy nos ocupa, el director muestra la eliminación sistemática que el gobierno soviético realizó con todo aquel que creía peligroso para sus intereses, casi todos ellos perteneciente a las mas altas esferas de cada campo, entre las que por supuesto están incluidos los oficiales de su ejercito. Pero el realizador no solo da a conocer dichos hechos, sino que también intenta mostrar la forma en que los soviéticos se aprovecharon de las actividades alemanas contra el pueblo judío, para intentar mostrarlos como los culpables de la matanza, ya que mientras ellos entraron en Polonia por el Este, los nazis lo hicieron por el Oeste.

No estamos ante un trabajo fácil de ver, mucho menos de asimilar, ya que el realizador utiliza imágenes de archivo para mostrar en toda su crudeza las evidencias del genocidio, por lo que estamos ante un trabajo enormemente dramático, muy alejado de muchos de los que nos muestran actos cometidos en la segunda guerra mundial. Y como es lógico, mas aún sabiendo que el propio director es hijo de una de las victimas, en la película no se muestra una sola escena bélica, centrándose sola y exclusivamente en las consecuencias del conflicto y no en como este se desarrolló. Esto hace que el tono general de la cinta sea bastante crudo, dejando al espectador con un nudo en la garganta y una sensación de desasosiego difícil de eliminar.

Cuando pasan las cigüeñas - Mikhail Kalatozov (1957)

Título original - Letyat zhuravli (The Cranes are Flying)
Año - 1957
Duración - 94 min.
País - Unión Soviética (URSS)
Director - Mikhail Kalatozov
Guión - Viktor Rozov (Obra: Viktor Rozov)
Música - Moisej Vajnberg
Fotografía - Sergei Urusevsky
Montaje - Mariya Timoféyeva
Producción - Mikhail Kalatozov
Productora - Ministerstvo Kinematografii
Género - Romance. Drama
Reparto - Tatyana Samojlova, Aleksei Batalov, Vasili Merkuryev, Aleksandr Shvorin, Svetlana Kharitonova, Konstantin Nikitin, Valentin Zubkov, Antonina Bogdanova, Boris Kokovkin

Tras la muerte de Stalin, el cine soviético comenzó a resurgir asomando la cabeza del pozo en el que este lo había sumergido, brotando poco a poco, como si de un campo en primavera se tratase, un buen número de trabajos en los que se comenzaba a adivinar algo de libertad artística. Cuando pasan las cigüeñas es quizás el mas representativo de ellos, gracias a un guión que Viktor Rozov escribió sobre su propia obra de teatro, y que Mikhail Kalatozov se encargó de llevar a la gran pantalla, con un resultado tan brillante como hasta entonces inimaginable. Una película maravillosa en todos los sentidos, no se la pierdan.

Sinopsis: Verónica (Tatyana Samoylova) y Boris (Aleksey Batalov) son dos jóvenes enamorados que viven en Moscú soñando con un futuro juntos. Pero cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, un pueblo como el soviético necesita de su población para fortalecer su ejercito, por lo que Boris se alistará voluntario junto a unos amigos para combatir por su patria, dejando a Verónica a la espera de noticias de su amado. El paso del tiempo y la falta de dichas noticias, harán dudar a la joven sobre si el sigue con vida.

El director: Mikhail Kalatozov fue un director de cine georgiano-soviético nacido el 28 de diciembre de 1903 en Moscú.

En sus comienzos en los años 20 trabajó como actor (como en Tariel Mklavadzis mkvlelobis saqme, dirigida por Ivan Perestiani en 1925), y en otras como guionista (entre ellas, Giuli, una versión adaptada de Romeo y Julieta dirigida en 1927 por Nikoloz Shengeláya). En 1928 codirigió con Nutsa Gogoberidze el filme Su imperio, que utilizaba material de noticiarios cinematográficos. Dos años después, en 1930, dirigió en solitario el documental La sal de Svanetia, que refleja las duras condiciones de vida que debían afrontar los habitantes de la región de Svanetia. En 1937 terminó sus estudios en la Academia de Arte de Leningrado y, tras otro breve período en Tiflis, fue contratado como director por los estudios Lenfilm, para los que rodó dos películas que tenían como tema la aviación: Valor (1939) y Valeri Chkálov (1941).

En 1943 empezó a trabajar en los estudios Mosfilm, y durante la segunda mitad de los años 40 desempeñó importantes cargos políticos relacionados con el cine, gracias a los que pudo rodar películas como El complot de los condenados (1950), un panfleto que refleja las tensiones propias de la guerra fría, y la comedia Tres hombres en una balsa (1954), que obtuvo gran éxito. El reconocimiento internacional de Kalatózov llegó con el estreno del melodrama Cuando pasan las cigüeñas (1957), considerada la primera de sus obras maestras y uno de los hitos del cine soviético. Tras ella dirigió La carta que no se envió (1959), sobre las tensiones que se producen entre un grupo de geólogos que emprenden una expedición a Siberia en busca de diamantes. Tras Soy Cuba (1963), rodada con un equipo formado por cubanos y soviéticos tras la revolución cubana, la última película de Kalatózov fue una coproducción italiano-soviética, La tienda roja (1971), sobre el rescate de la expedición polar de Umberto Nobile, con un reparto que incluye estrellas internacionales como Sean Connery, Claudia Cardinale y Peter Finch.

La película: Cuando pasan las cigüeñas es uno de esos trabajos que se disfrutan desde el primer instante, ya que desde sus créditos iniciales, la atracción visual que ejerce hacia el espectador es innegable. Estamos ante una obra que hay que valorar en su justa medida, teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se rodó, algo que la hace aún mas singular si cabe.

El gran cuaderno - János Szász (2013)

Título original - A nagy füzet (Le grand cahier)
Año - 2013
Duración - 109 min.
País - Hungría
Director - János Szász
Guión - János Szász y András Szekér, basado en la novela de Agota Kristof
Fotografía - Christian Berger
Montaje - Szilvia Ruszev
Producción - Pál Sándor y Sándor Söth
Productora - Coproducción Hungría-Alemania-Francia-Austria; Hunnia Filmstúdió / Intuit Pictures GmbH / Amour Fou Filmproduktion / Dolce Vita Films
Género - Drama, Bélico
Reparto - András Gyémánt, László Gyémánt, Piroska Molnár, Gyöngyvér Bognár, Ulrich Matthes, Ulrich Thomsen, Diána Kiss, János Derzsi, András Réthelyi, Orsolya Tóth, Péter Andorai, Krisztián Kovács
Web oficial en España - http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=315

János Szász dirige, y adapta junto a András Szekér, la primera novela de la trilogía de Agota Kristof, titulada Le grand cahier, galardonada en 1987 con el premio Libro Europeo y traducida a más de veinte idiomas. Un trabajo de una crudeza enorme, en el que se hace un duro retrato de las consecuencias de pasar una infancia cuando no se disponen de referentes familiares óptimos, durante una situación tan delicada como es la segunda guerra mundial. Mas que recomendable, pero sabiendo ante que nos ponemos.

Sinopsis: Claus y Lucas (László y András Gyémánt) son dos hermanos gemelos que son llevados por su madre (Gyöngyvér Bognár) a vivir junto a su abuela (Piroska Molnár), con la intención de evitarles los horrores de la guerra, a las afueras de un pequeño pueblo Hungaro. Pero pronto descubrirán que esta, a la que todos llaman bruja y aseguran que habría envenenado a su marido en el pasado, los tratará de forma cruel, haciéndolos trabajar para ganarse la cama y la comida. Los niños, rodeados de violencia y muerte, deciden endurecer su carácter para poder sobrevivir, a la vez que van anotando todas sus vivencias en un gran cuaderno que les dio su padre (Ulrich Matthes) antes de partir hacia el frente.

El director: János Szász es un guionista y director de cine y teatro húngaro, nacido el 14 de marzo 1958 en la ciudad de Budapest. Estudió teatro y dirección escénica en la Academia de Teatro y Artes Cinematográficas, y pasó cuatro importantes años trabajando en el Teatro Nacional de Budapest. En dicha etapa, dirigió obras como Ghosts de Henrik Ibsen , El Venado Rey, de Carlo Gozzi y Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams.

Sus primeros trabajos en el cine son muy poco conocidos fuera de su país, debutando en 1983 con el largometraje Tavaszi zápor. A este le siguieron Escorial (1984), A léderer-ügy (1985), Utóirat (1987) y Szédülés (1990). Su siguiente trabajo fue Woyzeck (1994), un drama psicológico que adapta la obra de Georg Büchner en un impoluto blanco y negro; tras ella escribió junto a András Szeredás, y dirigió, The Witman Boys (Witman fiúk) (1997), un drama sobre la adolescencia ambientado a comienzos del siglo XX; participó en la miniserie Silencio roto (Broken Silence) (2002), avalada por Spielberg y formada por varios cortos de cineastas de distintos países (USA, Argentina, Checoslovaquia, Hungría, Polonia, Rusia), que narra las atrocidades causadas por el nacionalsocialismo; Opium, diario de una mujer poseída (2007) fue su último trabajo anterior al que hoy nos ocupa. Se trata de un drama sobre las drogas que vuelve a escribir junto a András Szeredás, donde nos cuenta la historia de un escritor y médico psiquiátrico que se hace adicto a la morfina intentando superar el bloqueo que sufre.

El gran cuaderno es su último trabajo hasta la fecha y está basado en la primera de una trilogía de novelas escritas por Agota Kristof. Habrá que esperar para saber si tienen intención de adaptar las otras dos, aunque nuestro deseo sería que lo hiciesen, vista la repercusión y la calidad que este que nos ocupa es capaz de ofrecer. El tiempo nos lo dirá.

La película: He de comenzar aclarando que El gran cuaderno no es una película mas sobre el movimiento nazi y los estragos que causó, a pesar de estar ambientada en dicha época y tener a la guerra como catalizador de muchos de los sucesos que en ella se narra. De hecho, las alusiones a ello se limitan a un par de guiños que realiza el director en ciertos momentos, pero no es lo que nos quiere contar en realidad. Le grand cahier es un alegato sobre la importancia de la educación y los referentes paternos en la infancia, y como la falta de ellos puede hacer aflorar nuestro instinto animal, cambiándonos por completo para siempre.

La conspiración del silencio - Giulio Ricciarelli (2014)

Título original - Im Labyrinth des Schweigens (Labyrinth of Lies)
Año - 2014
Duración - 122 min.
País - Alemania
Director - Giulio Ricciarelli
Guión - Elisabeth Bartel, Giulio Ricciarelli
Música - Sebastian Pille
Fotografía - Roman Osin
Montaje - Andrea Mertens
Producción - Jakob Claussen, Sabine Lamby y Ulrike Putz
Productora - Beta Film
Género - Drama, Basado en hechos reales
Reparto - Alexander Fehling, Andre Szymanski, Friederike Becht, Johannes Krisch, Hansi Jochmann, Johann von Buelow, Robert Hunger-Buehler, Lukas Miko, Gert Voss

Giulio Ricciarelli escribe el guión junto a Elisabeth Bartel y dirige este honesto drama basado en hechos reales que describe como un aún confundido, y agarrotado por el miedo, pueblo alemán, mantenía a multitud de responsables del genocidio colocados cómodamente en las instituciones del estado tras la guerra y como el esfuerzo de unos pocos consiguió que tal afrenta finalizase. Un trabajo de una honestidad y una fidelidad a la realidad innegables, que no consigue cotas mas altas por su excesivo formalismo.

Sinopsis: En la Alemania de la posguerra, tras el final del régimen comandado por Adolf Hitler, la joven democracia iba cogiendo fuelle poco a poco mientras el pueblo relamía sus heridas e intentaba olvidar. El joven fiscal Johann Radmann (Alexander Fehling) recibió una denuncia que nadie parecía estar dispuesto a investigar, sobre un antiguo oficial nazi que ejercía como profesor en una escuela pública. Lo que no imaginaba era la cantidad de casos similares que encontró cuando comenzó a investigar, y mucho menos el conocimiento de ello que tenían en las mas altas esferas del propio gobierno.

El director: Giulio Ricciarelli es un actor, director y productor de cine italiano afincado en Alemania.

Después de completar su educación en la Munich Otto-Falckenberg School (1985-1987), Ricciarelli comenzó su carrera en los escenarios. Su debut fue en la temporada 1989/1990, en el Teatro de Basilea. En 1991, actuó entre otros en el Teatro Estatal de Stuttgart y en el Oberhausen Theater. En 1992 adquirió un compromiso por dos años con el Teatro de Bonn. En el Teatro Estatal de Baviera en Munich interpretó en 1994/1995, entre otros, en la obra Don Carlos, dirigida por Jérôme Savary y protagonizada por Jean en Zazou. En este período también realizó su primer papel protagonista en una película de televisión, en Tonino y Toinette, dirigida por Xaver Schwarzenberger. A partir de 1995, realizó papeles en series como Dr. Martin.

En el mundo del cine, Ricciarelli interpretó un pequeño papel, entre otras, en Rossini (1996). En el año 2000 fundó con Sabine Lamby la Naked Eye Film Production en Munich, donde ejerce como director general. Además de trabajar como productor de películas como Amigo extranjero (con Antonio Wannek y Hörbiger mavie , 2003), también se inició como director. Su cortometraje Vicente recibió el Gorrión Dorado en 2.005 y fue nominado en 2006 para el Premio de Cine Europeo. La conspiración del silencio es el único largometraje que ha dirigido hasta el momento, además de continuar apareciendo constantemente como actor en televisión.

La película: La conspiración del silencio es una película que se antoja necesaria, principalmente por el poco conocimiento general que existe en la opinión pública de los hechos que en ella se relatan, hechos de una gravedad enorme, que pudieron haber conducido a una nueva catástrofe de proporciones mundiales, pero que gracias al empeño de unos pocos, han quedado solo como un motivo mas de vergüenza para el pueblo alemán. Lo que si es realmente admirable, es que sea un realizador y una película de dicha nacionalidad los que los den a conocer, algo que habla muy bien de dicho pueblo y que sería imposible de observar en otros muchos.

Diplomacia - Volker Schlöndorff (2014)

Título original - Diplomatie
Año - 2014
Duración - 80 min.
País - Francia
Director - Volker Schlöndorff
Guión - Volker Schlöndorff, Cyril Gely (Obra teatral: Cyril Gely)
Música - Jörg Lemberg
Fotografía - Michel Amathieu
Montaje - Virginie Bruant
Producción - Marc de Bayser y Frank Le Wita
Productora - Coproducción Francia-Alemania; Film Oblige / Blueprint Film / Gaumont
Género - Drama | II Guerra Mundial. Basado en hechos reales. Nazismo
Reparto - André Dussollier, Niels Arestrup, Robert Stadlober, Paula Beer, Burghart Klaußner, Charlie Nelson, Jean Marc Roulot

Volker Schlöndorff dirige y escribe el guión junto a Cyril Gely, autor de la obra de teatro original en la que se basa, de esta maravilla en la que su principal protagonista es el uso de la palabra. Una nueva prueba de que no hace falta un gran derroche de presupuesto si dispones de una buena historia y actores de calidad que le den vida. Por cierto, no conocía el hecho en el que se basa, un nuevo ejemplo del daño que puede llegar a causar una mente enferma. No se la pierdan, merece la pena.

Sinopsis: II Guerra Mundial. El ejercito aliado está a punto de entrar en París y así finalizar el periodo en el que el régimen nazi ha dominado la capital francesa, pero un cada vez mas obsesionado Adolf Hitler, no está dispuesto a abandonar la hermosa ciudad sin hacer un poco mas de ruido, por lo que ordena la destrucción de la capital francesa. El cónsul sueco (André Dussollier), país neutral en la guerra, se entrevistará en el hotel Meurice con Dietrich von Choltitz (Niels Arestrup), el gobernador militar alemán de París, en un intento de convencerlo para que no ejecute los planes del 'Führer'.

El director: Volker Schlöndorf es un director de cine, guionista, productor, documentalista y actor alemán nacido en Wiesbaden, Hessen, (Alemania), un 31 de marzo de 1939. Está considerado como uno de los directores clave del denominado nuevo cine alemán, movimiento en el que introdujo muchas de las características aprendidas de la Nouvelle Vague.

Estudió ciencia política y económica en La Sorbona y dirección en IDHEC, la famosa escuela de cine, y comenzó su carrera profesional durante 1960 como asistente de dirección en varias películas de la Nouvelle Vague: con Alain Resnais en su conocida película El año pasado en Marienbad (1961), con Louis Malle en Una vida privada (1962), El fuego fatuo o ¡Viva María! y con Jean-Pierre Melville en El confidente (1962).

De su extensa filmografía vamos a destacar algunos trabajos: El joven Törless (1966), con la participación de Mathieu Carrière, Marian Seidowsky y Barbara Steele; El honor perdido de Katharina Blum (1975), con Angela Winkler y Mario Adorf; Tiro de gracia (1976), con Margarethe von Trotta y Matthias Habich, y El tambor de hojalata (1979), ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes y del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, que cuenta con la participación de David Bennent y Mario Adorf. Todos ellos dramas filmados con bandera de Alemania del Oeste, muy recomendables. Del resto de su filmografía destacar El cuento de la doncella (1990), donde mezcla ciencia ficción drama y romance con la participación de Natasha Richardson, Faye Dunaway, Aidan Quinn, Elizabeth McGovern y Robert Duvall; El viajero (1991), un nuevo drama con Sam Shepard y Julie Delpy; El ogro (1996), en la que participa John Malkovich; El silencio tras el disparo (2000), un trabajo sobre el terrorismo interpretado por Bibiana Beglau, Martin Wuttke y Nadja Uhl; por último destacar El noveno día (2004), una nueva mirada al holocausto interpretada por Ulrich Matthes y el documental Billy Wilder habla (2006). Todas ellas muy recomendables.

La película: Hablar de un trabajo como Diplomacia me resulta doblemente satisfactorio, en primer lugar por el hecho de ser uno de esos trabajos que beben del teatro y en el que las actuaciones de sus actores y sus brillantes diálogos son sus principales protagonistas. En segundo lugar, el hecho de ver de nuevo como un trabajo con un escaso presupuesto, es capaz de llegar a las altas cotas que este alcanza.

Underground - Emir Kusturica (1995)

Título original - Underground
Año - 1995
Duración - 165 min.
País - Yugoslavia
Director - Emir Kusturica
Guión - Dusan Kovacevic, Emir Kusturica
Música - Goran Bregovic
Fotografía - Vilko Filac
Montaje - Branka Čeperac
Producción - Pierre Spengler, Karl Baumgartner y Maksa Ćatović
Productora - Coproducción Yugoslavia-Francia-Alemania
Género - Comedia, Drama
Reparto - Miki Manojlovic, Lazar Ristovski, Mirjana Jokovic, Slavko Stimac, Ernst Stötzner, Srdjan Todorovic, Mirjana Karanovic, Milena Pavlovic, Danilo 'Bata' Stojkovic, Bora Todorovic, Davor Dujmovic

Dirigida por Emir Kusturica y escrita por Dušan Kovačević junto al director, Underground viene a ser un retrato satírico de la historia de Yugoslavia desde la Segunda Guerra Mundial, contada a través de la historia de dos amigos (Miki Manojlović y Lazar Ristovski). Estrenada en mayo de 1995 en el Festival de Cannes, donde fue galardonada con la Palma de Oro, nos encontramos ante un tipo de cine exigente con el espectador y no apto para todos los paladares. Lo que os aseguro es que indiferente no suele dejar a nadie, ¿por que extremo te inclinas tu?

Sinopsis: En Belgrado, Yugoslavia, durante la Segunda Guerra Mundial, el poeta Marko Dren (Miki Manojlović) esconde a su amigo Petar Popara (Lazar Ristovski) junto a su familia en un sótano, para evitar que sean capturados por los nazis. Pero lo que no imagina Petar es que su querido amigo está enamorado de la misma mujer que el, Natalija (Mirjana Joković), para lo que lo engañará haciéndolo creer que la guerra continúa, prolongando así su encierro.

El director: Emir Nemanja Kusturica es un director de cine, guionista y músico serbio nacido en Sarajevo un 24 de noviembre de 1954.

Es uno de los pocos directores que ha conseguido ganar dos Palmas de Oro del Festival de Cannes. Cuando recibió el 2.ª premio (1995) señaló que sus maestros eran el francés Jean Renoir, el italiano Federico Fellini y el soviético Andrei Tarkovsky. Ha estado siempre considerado como un director polémico, por sus puntos de vista pro-yugoslavos durante las Guerras Balcánicas y por sus críticas al modelo estadounidense y europeo.

Cinematográficamente hablando, debutó con ¿Te acuerdas de Dolly Bell? (1981), con el que ganó el León de Oro en el Festival de cine de Venecia. Su filmografía mantiene un nivel excelente, aunque vamos a destacar algunos títulos ineludibles dentro de ella: Papá está en viaje de negocios (1985), El tiempo de los gitanos (1989), El sueño de Arizona (1992), Gato negro, gato blanco (1998), Super 8 Stories (2001), La vida es un milagro (2004), Todos los niños invisibles (2005), en la que participa junto a otros seis directores con el cortometraje Blue Gypsy y Prométeme (2007), además de la que hoy nos ocupa, claro.

Últimamente ha estado ligado al mundo documental, dirigiendo en 2008 Maradona by Kusturica, dedicado al famoso futbolista Diego Armando Maradona. Desde finales de 2013, está embarcado en el rodaje de un documental sobre la vida del presidente uruguayo José Mujica, del que el director declaró: “Es el último héroe de la política”.

La película: Ante todo quiero agradecer a mi amiga Mina el hecho de haberme recomendado el visionado de este trabajo con el que tanto he disfrutado. Underground es una película que no deja indiferente a nadie, hecho fácilmente comprobable entrando en cualquiera de las grandes webs de cine donde los usuarios puntúan los trabajos. Las notas otorgadas van del 2 o el 3 de algunos usuarios a el 8 o el 9, e incluso el 10, que le otorgan una inmensa mayoría de ellos. Los motivos para ello son claros y tienen mucho que ver con la afirmación que hice en su presentación, en la que dejé muy claro que estamos ante una película exigente con el espectador.