Orlando - Sally Potter (1992)

Título original - Orlando
Año - 1992
Duración - 93 min.
País - Reino Unido
Director - Sally Potter
Guión - Sally Potter, basándose en la novela de Virginia Woolf
Música - David Motion y Sally Potter
Fotografía - Alexei Rodionov
Montaje - Hervé Schneid
Producción - Christopher Sheppard
Productora - Coproducción GB-Rusia-Italia-Francia-Holanda
Género - Fantástico, Drama
Reparto - Tilda Swinton, Billy Zane, Lothaire Bluteau, Quentin Crisp, John Wood, Charlotte Valandrey, Heathcote Williams

Sally Potter fue la valiente directora que se atrevió a llevar a la gran pantalla la excelente novela Orlando: Una Biografía, de Virginia Woolf, con un guión que ella misma redactó. Un trabajo muy arriesgado, de esos que amas o odias sin mas opción, en el que la directora intenta resumir cuatro largos siglos de la vida de una interesante y compleja criatura que da nombre al film, a la que da vida la brillante Tilda Swinton. Cine para disfrutar sin intentar comprender todo lo que ocurre ante nuestros ojos, del que cada espectador saca sus propias conclusiones, si es que son capaces de acabarla, claro está. ¿Se atreven con ella?

Sinopsis: En la época isabelina, poco antes de la muerte de la reina Isabel I, esta entrega a un noble joven al que ha acogido bajo su protección llamado Orlando, una gran extensión de tierra y un castillo construido en ella, junto con una generosa donación monetaria a cambio de la promesa "No desvanecer. No marchitarse. No envejecer". Orlando cumplirá con su promesa y habitará en el castillo, observando con el paso del tiempo que los deseos de la reina se cumplen, haciendo que no envejezca, lo que el joven aprovechará para ir descubriendo los misterios de la existencia y toda la riqueza que en ella se puede disfrutar.

La película: Orlando puede ser definida de muchas formas, aunque lo que nunca os dirán es que es una película común, ya que difícilmente puede ser comparada con cualquier otra que hayáis visto hasta la fecha, algo que es un arma de doble filo, claro. Lo cierto y verdad es que llevar a la gran pantalla la magnífica novela de Virginia Woolf, que a pesar de ser un relato no muy extenso, posee una riqueza rara vez encontrada en otro similar, es una tarea poco menos que imposible, algo que quien lo haya leído entenderá rápidamente. Pero lejos de achicarse por ello, Sally Potter escribe el guión y la plasma en un trabajo atípico, en el que su enorme rareza es a la vez uno de sus principales problemas y una de sus grandes virtudes.

Digo esto porque he tenido la suerte de leer la novela mucho antes de ver la película, algo que me ha ayudado y mucho a comprenderla, al menos en su mayor parte, por lo que es bastante recomendable hacerlo así, ya que muchas de las cosas que en ella aparecen o se nos cuentan, aquí son pasadas por alto o solo son mencionadas de pasada, cuando alguna de ellas son sumamente esclarecedoras, incluso necesarias para poder entender que es lo que sus responsables quieren contarnos en ella. Verla sin hacerlo puede ser una experiencia bastante turbadora, sobre todo para los que necesitan encarecidamente obtener las respuestas correctas para poder disfrutar un trabajo plenamente.

The Damned United - Tom Hooper (2009)

Título original - The Damned United
Año - 2009
Duración - 97 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Hooper
Guión - Peter Morgan, basado en la novela de David Peace
Música - Robert Lane
Fotografía - Ben Smithard
Montaje - Melanie Oliver
Producción - Andy Harries y Grainne Marmion
Productora - BBC Films / Left Bank Pictures / Screen Yorkshire
Género - Drama
Reparto - Michael Sheen, Timothy Spall, Colm Meaney, Jim Broadbent, Joe Dempsie, Stephen Graham, Maurice Roëves, John Savage, Keiran Waite

Tom Hooper fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Peter Morgan realizó basándose en la novela de David Peace. Una historia real basada en el deporte rey, y en concreto en los fatales 44 días de Brian Clough como entrenador del Leeds United, pero que esconde en su interior una riqueza inusual en un trabajo de este tipo, retratando a la perfección como es el mundo del fútbol y la propia vida en general, tras una fina capa de humor negro que le sienta de maravilla. No se la pierdan, me sorprendió y mucho.

Sinopsis: Después de que Inglaterra no se clasificara para el Mundial de Alemania, el seleccionador Alf Ramsey es cesado y en su lugar se contrata a Don Revie (Colm Meaney), técnico con el que el Leeds United logró sus mayores éxitos de la historia. El elegido para sustituirlo fue Brian Clough (Michael Sheen), anterior entrenador del Derby County y feroz crítico del estilo de juego físico y excesivamente violento que Revie había inculcado en el Leeds, que además aceptó el cargo en contra de la voluntad de su ayudante de toda la vida, un Peter Taylor (Timothy Spall), que rechazó irse con él para cumplir su palabra y fichar por el modesto Brighton. Pero cambiar la mentalidad de todo un club resultará una tarea mucho mas difícil de lo que imagina.

La película: He de comenzar diciendo que aunque no soy un aficionado devoto al fútbol, ya que casi siempre prefiero ver cine o una serie a un partido (excepto algunos de mi equipo, claro), este trabajo me ha sorprendido muy gratamente, hasta el punto que estoy en condiciones de afirmar que es uno de los mejores que he visto, no solo sobre fútbol, sino sobre deporte en general. Digo esto porque no creo que sea necesario ser un apasionado de dicho deporte para disfrutarlo, aunque lógicamente ayuda bastante, porque estamos ante una película que para mi es mucho mas que una de las habituales sobre deportes, en la que se analiza lo efímera que suele resultar la fama y lo ingrata que puede llegar a ser esta vida, sobre todo si pierdes de vista una pizca de humildad a la hora de afrontarla.

Una de las primeras cosas que quiero destacar de ella es la forma en la que está estructurada y contada, algo que en mi opinión le hace mucho bien. Se utiliza para ello cierto número de saltos temporales, todos ellos perfectamente señalados y fáciles de seguir, para ir contándonos a la vez la vida del controvertido Don Revie (Colm Meaney) en el momento de su fichaje por el Leeds, intercalando varios pasajes del largo camino que recorrió hasta llegar a dicho momento, de forma brillante. Por ello hay que valorar como merece el trabajo de Melanie Oliver, encargada del montaje de la cinta.

El experimento - Oliver Hirschbiegel (2001)

Título original - Das experiment
Año - 2001
Duración - 120 min.
País - Alemania
Director - Oliver Hirschbiegel
Guión - Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger, basado en la novela de Mario Giordano 'The Black Box'
Música - Alexander van Bubenheim
Fotografía - Rainer Klausmann
Montaje - Hans Funck
Producción - Marc Conrad
Productora - Typhon Film / Fanes Film
Género - Drama, Intriga, Basado en hechos reales
Reparto - Moritz Bleibtreu, Maren Eggert, Christian Berkel, Justus von Dohnanyi, Oliver Stokowski, Timo Dierkes, Nicki von Tempelhoff, Antoine Monot Jr., Wotan Wilke Möhring, Andrea Sawatzki, Edgar Selge

Das Experiment es una película alemana de 2001 dirigida por Oliver Hirschbiegel. El guión de Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger, se basa en el libro The Black Box de Mario Giordano, que a su vez toma como inspiración el famoso experimento de la cárcel de Stanford llevado a cabo en 1971. Otro claro ejemplo de la fragilidad de la mente humana, incapaz de mantener el control en condiciones extremas, filmada de forma brillante, con un ritmo muy acertado y unas dosis de intriga que te mantendrán pegado al asiento. Un trabajo realmente completo, a pesar de algún pero que pasamos a comentaros a continuación.

Sinopsis: Tentados por una golosa cantidad de dinero, veinte hombres acceden a ser parte de un experimento que se desarrollará durante dos semanas. La premisa es sencilla, ya que son conducidos a una cárcel simulada y se les entrega diferentes roles, a ocho de ellos el de guardianes y a doce el de prisioneros. Deben actuar como si de la vida real se tratase, aunque hay una regla muy clara: no está permitido el uso de la violencia, hecho que supondría la eliminación inmediata de quien la ejerza. Pero lo que parece una manera sencilla de ganar dinero, puede tener consecuencias desastrosas...

La película: El experimento es ante todo una película capaz de mantener la atención del espectador durante todo su metraje, tanto por el gran interés de la historia que nos cuentan, como por la excelente atmósfera que su realizador es capaz de crear, algo que es uno de sus puntos fuertes como director. El problema,  al menos para quien necesite que se cuente la historia real, es que esto difícilmente ocurre, no ya en este caso en concreto, sino en la mayoría de las ocasiones, ya que se le suelen dar retoques a la historia para que esta sea mas atractiva o interese a un abanico mayor de público. Por lo tanto no voy a entrar en eso, ya que tampoco conozco como sucedieron los hechos realmente.

Pero dejando a un lado el grado de fidelidad de la película con la historia real,  lo cierto es que estamos ante un trabajo muy completo que hará las delicias de los amantes de la intriga y los dramas carcelarios. Su guión,  obra de Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger, basándose en la novela de Mario Giordano titulada The Black Box, resulta bastante correcto, manteniendo un excelente ritmo y realizando un desarrollo de los diferentes personajes realmente brillante.

París, Texas - Wim Wenders (1984)

Título original - Paris, Texas
Año - 1984
Duración - 144 min.
País - Alemania del Oeste (RFA)
Director - Wim Wenders
Guión - Sam Shepard
Música - Ry Cooder
Fotografía - Robby Müller
Montaje - Peter Przygodda
Producción - Anatole Dauman y Don Guest
Productora - Coproducción Alemania del Oeste-Francia-GB-USA; Road Movies Filmproduktion / Argos Films / Westdeutscher Rundfunk (WDR) / Channel Four Films / Pro-ject Filmproduktion
Género - Drama, Road Movie, Película de culto
Reparto - Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski, Dean Stockwell, Aurore Clément, Hunter Carson, Bernhard Wicki

Wim Wenders fue el encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guión firmado por Sam Shepard, con el que vio la luz esta excelente película que ha alcanzado para muchos el estatus de película de culto. Irónicamente, fue un trabajo con bandera de la extinta Alemania del Oeste, uno de los que mejor han conseguido plasmar en pantalla el espíritu de Texas, gracias en gran medida al trabajo del realizador junto al director de fotografía Robby Müller. El brillante trabajo de su reparto pone el resto, para dejarnos una de las mejores Road movies que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar. Imprescindible.

Sinopsis: Cerca de la frontera mexicana en Texas, un hombre llamado Travis (Harry Dean Stanton) camina sin descanso a través del desierto de Mojave. Tras lograr llegar a un puesto de socorro, se desploma perdiendo el conocimiento, por lo que el médico que lo atiende averigua su nombre y avisa por teléfono a su hermano (Dean Stockwell), el cual se hizo cargo de su hijo Hunter (Hunter Carson) junto a su esposa (Aurore Clement), tras su inesperada desaparición cuatro años atrás. Este irá a recogerlo y lo llevará a casa, intentando descubrir que le ocurrió en el pasado y los motivos de su separación de su pareja, una Jane Henderson (Nastassja Kinski) que también huyó, aunque sigue contactando con ellos de vez en cuando y enviando algo de dinero a su hijo.

La película: París, Texas es uno de esos trabajos que hará hervir la sangre de muchos espectadores, esos que no soportan el cine pausado, casi melancólico en multitud de ocasiones, como el que el bueno de Wim Wenders eligió contarnos esta dura y emotiva historia. Si no os encontráis entre ellos y no la habéis visto, os recomiendo hacerlo un día de esos en los que disponemos de tiempo y podemos hacerlo de forma tranquila, de esos en los que nuestro estado de ánimo es bueno y que no hay excesivas distracciones a nuestro alrededor, ya que la experiencia realmente merece la pena disfrutarla.

La película consigue atraparte desde su mismo comienzo, mostrando unas bellas imágenes del desierto que se deslizan ante nuestros ojos, hasta que de repente vemos una pequeña figura de color negro moviéndose por el. Se trata de un hombre con una gorra roja que avanza con paso firme, hasta que consigue llegar a un puesto de socorro que parece desierto, donde tras entrar, acaba desmayándose extenuado por el esfuerzo y el cansancio. ¿Quien es ese hombre que permanece callado? ¿Que hace caminando por el desierto con un traje de chaqueta? El anzuelo está echado y créanme, resulta muy eficaz.

Matrimonio a la italiana - Vittorio De Sica (1964)

Título original - Matrimonio all'italiana

Año - 1964

Duración - 95 min.

País - Italia

Director - Vittorio De Sica

Guión - Renato Castellani, Antonio Guerra, Leo Benvenuti, Piero de Bernardi (Teatro: Eduardo De Filippo)

Música - Armando Trovajoli

Fotografía - Roberto Gerardi

Montaje - Adriana Novelli
Producción - Carlo Ponti

Productora - Coproducción Italia-Francia; Compagnia Cinematografica Champion / Les Films Concordia

Género - Comedia. Drama. Romance | Años 40. Prostitución
Reparto - Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Gianni Ridolfi, Marilú Tolo, Aldo Puglisi, Lino Mattera, Alfio Vita, Tecla Scarano

1964 fue el año en el que vio la luz esta comedia dramática, que supone el vigésimo tercer trabajo del genial director italiano Vittorio De Sica. Con un guión escrito por Renato Castellani, Antonio Guerra, Leo Benvenuti y Piero de Bernardi, que adaptan la obra de teatro de Eduardo De Filippo, estamos ante uno de los máximos exponentes de la comedia italiana, aunque si la disfrutan verán que es mucho mas que una simpática comedia. Solo con ver a Sophia Loren y Marcello Mastroianni frente a frente, ya valdría la pena dedicarle la hora y media que dura.

Sinopsis: Napoles, segunda guerra mundial. Filomena Marturano (Sophia Loren) es una hermosa jovencita recién llegada a un prostíbulo, el único lugar al que ha podido aferrarse al estar sola en la vida y no tener como sobrevivir. Durante un bombardeo, Domenico Soriano (Marcello Mastroianni), más conocido como Don Mimi, es un acomodado vividor que antes de abandonar el burdel para ir a un refugio, escucha ruidos en una de las habitaciones y la descubre escondida en un armario, incapaz siquiera de correr para ponerse a cubierto. Entre ambos nacerá una duradera relación en la que ella deposita sus esperanzas de dejar esa vida, mientras que el parece poco dispuesto a abandonar el lujoso tren de vida que su posición le permite llevar.

La película: 'Matrimonio all'italiana' es mucho mas que una simple comedia dramática al uso, ya que resulta altamente recomendable para pasar un grato rato de buen cine, a pesar de que el tiempo no ha jugado precisamente en su favor. Entre sus grandes logros, se encuentra la forma en la que su magistral director fue capaz de hacer convivir comedia y drama, algo mucho mas difícil de conseguir de lo que muchos suponen, pero que el inolvidable realizador italiano eleva a su máxima potencia en una obra que tuvo un enorme éxito internacional, optando al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, además de hacer lo propio a la mejor actriz, una Sophia Loren que se encontraba en el punto mas álgido de su carrera.

Pero claro está, para cierto tipo de público actual, disfrutarla como es debido exige un cierto compromiso por su parte, sobre todo a la hora de tener algo de paciencia con ella y pasar un periodo inicial de adaptación a un cine muy diferente al que hoy día llega a nuestras pantallas, que a cambio es capaz de dejarnos ese magnífico sabor de boca que deja el buen cine, además de la acertada sensación de estar viendo algo mas que una simple comedia, ya que forma parte fundamental de la historia del cine italiano y es una excelente opción para ver a tres de los pilares fundamentales durante su rica historia: De Sica, Loren y Mastroianni, casi nada vamos.

En principio, puede parecer una experiencia similar a la de ver una buena película española de la época, siempre salvando las distancias, pero no deben caer en el error de creer que están viendo una de esas películas típicas de Cine de barrio, porque ni es española, ni nuestro cine era capaz de alcanzar las altas cotas que en aquellos momentos hacían del cine italiano un referente mundial, con unas señas de identidad propias que lo hacían diferente a todo lo demás. No quiero con esto que crean que desprecio a nuestro cine, nada mas lejos de mi intención, pero han de tener claro que hablamos de cosas muy diferentes.

El guión, en el que colaboran Renato Castellani, Antonio Guerra, Leo Benvenuti y Piero de Bernardi, adapta una obra de teatro de Eduardo De Filippo de forma magistral. Su primer tramo puede parecer un tanto anodino, principalmente por el periodo de adaptación al que me refería en un principio, pero pasada media hora escasa, nos sumergiremos en una historia ingeniosa y amena, donde destacan la brillantez de sus diálogos y la riqueza del mensaje que a la vez traslada al espectador. La mezcla realizada entre drama y comedia no puede ser mejor, llevando al espectador en volandas a través de la historia de forma casi imperceptible, pero enormemente eficaz. Si hay algo que se le pueda achacar es la poca profundidad dada a ciertas cuestiones, como la relación de la protagonista con sus hijos, pero son detalles que no impiden disfrutarla.

El avance de las nuevas tecnologías y el cine

Este alocado mundo en el que vivimos está en constante cambio, sobre todo para los que tenemos la suerte de vivir en lo que llamamos el primer mundo, lo que nos permite tener en mayor o menor medida acceso a las nuevas tecnologías, o al menos, que estas influyan en nuestras vidas de forma clara. El hecho es que esto está cambiando nuestras costumbres en muchos aspectos, siendo estos especialmente notables en nuestro modo de relacionarnos, en la forma en la que nos comunicamos y en como el contacto directo entre las personas está disminuyendo, aumentando a la vez el uso de redes sociales, webs, foros y programas tipo WhatsApp, que facilitan notablemente la comunicación entre las personas, pero a la vez la hace menos personal.

En principio, esto debería de suponer una ventaja en nuestras vidas, ya que su principal objetivo es el de facilitarnos multitud de acciones que anteriormente no teníamos tan a nuestro alcance, pero a la misma vez, implica cambios radicales en nuestra conducta, perceptibles en unos individuos mas que en otros, algo que solo el tiempo nos dirá hacia donde nos lleva. Todo ello, aplicado al cine, ha dado lugar a un cambio en la concepción y a la forma de realizarlo, y no solo me refiero a los medios que se utilizan para ello, sino al tipo de público al que va dirigido, por no hablar de la forma en la que este se publicita.

Los efectos especiales de toda la vida, esos que obligaban a realizar enormes esfuerzos a los componentes del equipo de rodaje para conseguir plasmar en las pantallas multitud de escenas que han ido quedando en nuestra memoria para siempre, han quedado relegados a un segundo plano, por no decir que van camino de la total desaparición. Me vienen a la mente maquetas de ciudades realizadas en miniatura, criaturas realizadas a la misma escala con las que había que trabajar con enorme paciencia filmando sus movimientos poco a poco, complicadas prótesis y maquillajes que obligaban a horas de preparación antes del comienzo del rodaje diario, etc. Todo ello ha dado paso a la utilización de efectos digitales, gracias a los cuales los actores simplemente han de actuar con trajes especiales que mandan una imagen de la silueta de estos a los complejos ordenadores, que crean con posterioridad la imagen que los responsables de la película quieren dar a cada personaje.

Por ello, en la actualidad hay un gran número de actores y actrices de los que gran parte del público no conoce ni su aspecto físico, ya que estos nunca salen en pantalla tal y como son. Un caso claro es el del actor Andy Serkis, que durante la última década ha dado vida a personajes tan ilustres como Gollum en la trilogía de El Señor de los Anillos (2001-2003), al gigantesco gorila King Kong en la versión de 2005 de la famosa película, así como a César, el chimpancé protagonista de la película El origen del planeta de los simios (2011) y sus secuelas. Si hablamos de los decorados, ocurre algo similar. De la construcción de elaboradas maquetas a escala se ha pasado al rodaje en croma, que consiste en extraer un color de la imagen (usualmente el verde o el azul) y reemplazar el área que ocupaba ese color por otra imagen, con la ayuda de un equipo especializado o un ordenador. Esto se hace cuando es demasiado costoso o inviable rodar al personaje en el escenario deseado, o para evitar el laborioso recorte del personaje fotograma a fotograma (rotoscopia). Os dejo un enlace a una serie de vídeos que publicamos hace algún tiempo, que os ayudarán a comprender con exactitud a lo que nos referimos, que podéis disfrutar aquí.

El principal problema que esto tiene, al menos bajo mi punto de vista, es la bastante generalizada tendencia que hay en darle mas protagonismo a la creación de dichos efectos que a la historia en si, algo que ha dado lugar a producciones de una espectacularidad incuestionable, pero que en una gran mayoría carecen de algo totalmente necesario para que el cine sea lo que debe ser, una enorme fábrica de sueños. Me refiero al alma de la película, a la historia que se nos cuenta y a su mensaje, cada vez mas arrinconados en favor de la espectacularidad, algo que hace que resulte realmente difícil encontrar producciones que, a la vez que resultan espectaculares visualmente hablando, consigan dejar huella en el espectador por lo que cuentan, en vez de por como lo hacen.

Otra de las indeseables tendencias que todo esto ha generado, es la equivocada elección que se hace a día de hoy de los actores y actrices, que en una gran mayoría son escogidos por sus cualidades físicas antes que por las virtudes que poseen para la interpretación, algo que hace que luzcan bien en pantalla, pero que sean en muchos casos incapaces de transmitir emociones de forma correcta. Se pueden contar con los dedos de una mano los actores y actrices aparecidos y elevados al estrellato en la actualidad, que hayan pasado por los teatros, algo que no hace tanto tiempo era poco menos que imposible, pero que hoy ya no resulta indispensable para la labor que realizan. Las tablas que dan el hecho de tener que representar en vivo, sin posibilidad de repetir la escena una y otra vez, obligando a la improvisación en muchos momentos en los que algo no sale exactamente como el guión indica, no pueden ser sustituidas por una cara guapa y un físico envidiable. Está claro que a nadie le amarga un dulce, pero lo suyo es que no solo luzca bien, sino que también destaque por su sabor, ustedes ya me entienden.

En mi caso en concreto esto tiene una consecuencia clara y directa: cada vez me gusta mas el cine independiente, con su evidente escasez de medios, pero rico en nuevas ideas y autenticidad, y me cuesta mas disfrutar de una superproducción, espectaculares visualmente hablando, pero carentes de interés real y capacidad de dejar huella. Se que muchos de vosotros no estaréis de acuerdo conmigo, algo que será mas común según vaya bajando la edad de quien esté leyendo este artículo, pero tengo la total convicción de que todo esto a la larga será enormemente perjudicial para este hermoso arte, que en las manos equivocadas se convierte en una sucesión de imágenes espectaculares que suelen durar en nuestra mente el tiempo que tardemos en ver la siguiente película. Yo quiero cine que me haga sentir emociones, que me conmueva y me emocione, que haga que mis neuronas se activen y mi mente se abra a nuevas ideas, que crezca y se expanda por hacerme vivir cosas que difícilmente pueda hacer en la realidad, pero que no se limiten solo a lo visual, que está muy bien, pero que si no transmite mas allá de la momentánea adrenalina de una espectacular escena, se convierten en algo parecido a los fuegos artificiales, tan hermosos visualmente como fugaces en nuestra memoria.

Wayward Pines - Chad Hodge (2015)

Título original - Wayward Pines
Año - 2015
Duración - 60 min.
País - Estados Unidos
Director - Chad Hodge (Creador), Zal Batmanglij, M. Night Shyamalan, Charlotte Sieling
Guión - Chad Hodge, Steven Levenson (Novela: Blake Crouch)
Fotografía - Jim Denault, Gregory Middleton y Amy Vincent
Montaje - Leo Trombetta, Doc Crotzer, Michael Ruscio, etc.
Producción - M. Night Shymalan
Productora - FX Productions; Emitida por Fox
Género - Miniserie de TV, Drama, Intriga
Reparto - Matt Dillon, Carla Gugino, Juliette Lewis, Toby Jones, Melissa Leo, Terrence Howard, Shannyn Sossamon, Reed Diamond, Tim Griffin, Charlie Tahan
Web oficial - http://www.fox.com/wayward-pines/

Chad Hodge es el creador de esta miniserie de televisión estadounidense (10 episodios) basada en la novela Wayward Pines, de Blake Crouch. Con un guión de Chad Hodge y Steven Levenson, la producción de M. Night Shymalan y el protagonismo de un Matt Dillon, al que el papel le viene que ni pintado, estamos ante un producto donde la intriga es nuestra principal compañera de viaje, de esos que una vez comienzas a ver, será difícil dejarlo sin saber que es lo próximo que ocurrirá. Esperemos que, al menos, mantenga el nivel de sus primeros episodios, aunque si lo sube tampoco pasará nada. Muy adictiva, aunque con ciertas lagunas en su guión.

Sinopsis: El Agente del Servicio Secreto de los Estados Unidos, Ethan Burke (Matt Dillon), despierta aturdido en medio de un bosque, en las afueras de Wayward Pines, Idaho. Sin saber como, ni cuando ha llegado hasta ese lugar, consigue caminar hasta el pueblo donde llega tambaleándose a duras penas, para acabar desmayándose en una cafetería. Tras despertar en un extraño hospital, donde parece ser el único enfermo, recuerda que ha acudido a la zona junto al Agente Stallings, para investigar la desaparición de otros dos agentes, Hewson (Carla Gugino) y Evanscon, tras lo que ha sufrido junto a su compañero un accidente de tráfico, aunque no tiene ni idea de como llegó al lugar donde despertó tras el. Pero cuando intente ponerse en contacto con el mundo exterior, descubrirá que no está en un pueblo cualquiera y que salir de el no será nada sencillo.

La miniserie: Lo primero que he de destacar, es que este artículo ha sido escrito tras la visualización de los primeros tres episodios, estando en principio concebida para una duración total de diez, aunque ya sabéis como va esto de la televisión, por lo que puede ser cancelada o ampliada según como funcione y como sean las audiencias que consiga tener. La primera impresión que me ha dado no ha sido mala, aunque tampoco redonda, destacando como su principal cualidad el hecho de que tiene lo mas importante que una serie de este tipo ha de tener, la suficiente capacidad como para enganchar al espectador y hacer que este tenga la necesidad de seguir viéndola, aunque he de decir que le encuentro algunos peros, la mayoría de ellos fácilmente solucionables, pero que de momento están ahí.

Su episodio piloto resulta potente, aunque sumamente perturbador. Los hechos en el se suceden a una velocidad considerable, algo que hace que el interés por ella crezca de forma rápida, casi instantánea diría yo, pero que tiene el defecto de desarrollar lo que nos va mostrando de forma muy básica. Una vez que nuestro personaje entra en el pueblo, el hecho de que haya sufrido un accidente, unido a la rareza de las situaciones a las que asistimos, nos hace dudar sobre si lo que estamos viendo es la realidad o esta se nos muestra solo en parte, siendo su peculiaridad producto de los daños que ha podido sufrir nuestro protagonista.

El jugador - Rupert Wyatt (2014)

Título original - The Gambler
Año - 2014
Duración - 110 min.
País - Estados Unidos
Director - Rupert Wyatt
Guión - William Monahan
Música - Jon Brion y Theo Green
Fotografía - Greig Fraser
Montaje - Pete Beaudreau
Producción - Robert Chartoff, Stephen Levinson, Mark Wahlberg, David Winkler e Irwin Winkler
Productora - Paramount Pictures / Winkler Films
Género - Thriller, Drama, Remake
Reparto - Mark Wahlberg, Brie Larson, Jessica Lange, John Goodman, Michael K. Williams, Sonya Walger, Emory Cohen, Leland Orser, George Kennedy, Richard Schiff

Rupert Wyatt es el encargado de dirigir el remake de la película El jugador de 1974, dirigida por Karel Reisz y con James Caan como protagonista. En esta ocasión el guión es obra de William Monahan y el papel principal recae en un "inspirado" Mark Wahlberg, en un trabajo que merece la pena disfrutar, a pesar de varios peros que intentaremos desgranar aquí. Atención especial al trabajo del señor John Goodman, que a pesar de la brevedad de sus apariciones, es capaz de subir el tono de un film que podría haber dado mucho que hablar, quedándose en un mero entretenimiento, que a buen seguro tardará poco en desaparecer de la mente de los espectadores.

Sinopsis: Jim Bennett (Mark Wahlberg) es un profesor de literatura inglesa un tanto atípico, ya que tiene la, buena o mala costumbre, según se mire, de decir normalmente la verdad. Pero tras su apariencia de preocupado docente se esconde un enfermo cuya adicción al juego comienza a llegar a límites insospechados. Hijo de una familia acomodada, no escatima a la hora de derrochar dinero en apuestas de lo mas absurdas, pero sus deudas alcanzan ya límites inalcanzables para cualquiera, por lo que tendrá una semana para pagar lo que debe a varios acreedores de lo mas indeseables, dispuestos a todo por recuperar lo que es suyo.

La película: Estamos ante una de esas ocasiones en las que me da coraje hablar de una película, no ya porque sea de las que yo llamo insoportables, que creo que no es el caso, sino porque un trabajo que prometía muy mucho, se queda a mitad de camino en casi todo, desperdiciando la ocasión de entregarnos uno de esos títulos que llegan a lo mas alto, dejando una huella que permanece casi intacta por mucho tiempo. Pero no crean que les digo esto porque se trate de un remake, algo que esta será la última vez que mencione en este artículo, sino porque este si que podía haber merecido la pena de verdad, ya que tiene todos los mimbres para ello.

Lo primero que se me viene a la cabeza cuando recuerdo su visionado, ya que es algo a lo que llevo dándole vueltas dos días, es que como puede ser posible que el señor William Monahan, responsable de guiones para trabajos como Infiltrados (2006), Red de mentiras (2008), London Boulevard (2010) u Oblivion (2013), que gustarán mas o menos, pero al menos son medianamente decentes y relativamente honestos con el espectador, sea capaz de firmar un libreto como el que aquí es llevado a la gran pantalla, que no digo que sea calamitoso, pero si que respeta muy poco la inteligencia del aficionado a este arte, y voy a intentar explicar el porqué.

Cuando comencé a ver la película y vi como actuaba su protagonista, comencé a esperar el porqué de su poco cariño a la vida, ya que este en ningún momento muestra la tensión propia de cualquier adicto, sino que por el contrario mantiene la misma frialdad en todo momento. Lo único que podía explicar este comportamiento es la intención de este de perder lo poco o mucho que posee, incluso la vida según avanza el metraje, por lo que yo imaginaba algún hecho que le hubiera quitado las ganas de vivir o algo por el estilo, pero terminé la película y me di cuenta de que esto no es así. El que haya disfrutado de títulos como Shame, cuya crítica podéis leer aquí, o Días sin huella, que tenéis en este enlace, me entenderéis perfectamente. En este caso se puede decir que no hay evolución en la adicción, o al menos no resulta lo suficientemente bien expuesta, algo que resta mucha credibilidad a la historia y le aporta algo de monotonía.

Sangre fácil - Joel Coen (1984)

Título original - Blood Simple
Año - 1984
Duración - 96 min.
País - Estados Unidos
Director - Joel Coen
Guión - Joel Coen, Ethan Coen
Música - Carter Burwell
Fotografía - Barry Sonnenfeld
Montaje - Roderick Jaynes y Don Wiegmann
Producción - Joel Coen y Ethan Coen
Productora - Foxton Entertainment / River Road Productions
Género - Thriller. Cine negro | Neo-noir. Crimen. Película de culto. Cine independiente USA
Reparto - John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya, Samm-Art Williams, M. Emmet Walsh, Deborah Newmann

Joel Coen escribió junto a Ethan Coen, y dirigió, la primera piedra que estos geniales cineastas pusieron en su ya extensa trayectoria. Un trabajo dentro del que para muchos es el género en el que mas brillan, el cine negro, que sirve como un perfecto y genuino catálogo de muchas de las características que dan alma propia a su cine. Una historia sencilla contada de forma magistral, donde son protagonistas el amor, los celos, las infidelidades, la traición, el asesinato, y sobre todo, la Sangre fácil. Como yo siempre digo, si es de los Coen, como mínimo merece la pena verla, llegando a ser con un poco de suerte, un trabajo inolvidable.

Sinopsis: En el corazón de Texas, una joven y seductora esposa llamada Abby (Frances McDormand), cae en los brazos de Ray (John Getz), uno de los empleados de su marido Julian Marty (Dan Hedaya). Convencido por un detective privado llamado Loren Visser (M. Emmet Walsh) de la infidelidad de su mujer y obsesionado por el engaño, Julian se decide a encargar al detective el asesinato de los amantes. Pero lo que en apariencia es un trabajo sencillo, se convertirá en una auténtica pesadilla para todos los implicados en la historia.

La película: Hay directores que en sus primeros trabajos experimentan y van derivando poco a poco hacia un estilo mas o menos definido, hay otros en los que sus primeros trabajos son los que realmente resultan innovadores, y que van acomodándose poco a poco a lo que exige el público perdiendo gran parte de su identidad con el tiempo, y hay otro tipo de cineastas, dentro de los que yo incluyo a los hermanos Coen, a los que desde un primer momento se le adivinan ciertas particularidades que raramente abandonan ya en toda su carrera, tienen muy claro lo que quieren hacer y simplemente van puliendo ciertos detalles conforme ganan experiencia.

En esta Blood Simple, la que supone el primer trabajo de los Coen, se sientan las bases que su cine seguirá en adelante, al menos en gran parte de su filmografía. Su guión, que resulta poco elaborado en algunos momentos, o al menos, que dispone de escenas a las que se les podría haber sacado mas jugo, consigue sin embargo que el espectador asista boquiabierto a toda la trama, encontrando en el pocas fallas o bajadas clamorosas de ritmo, siendo su enorme suspense e intriga y sus efectivos giros en la trama, sus características mas destacables.

Pero da la casualidad de que hay historias, entre las que se encuentra la que nos cuenta este film, que no necesitan de excesivos alardes narrativos para resultar efectivas y convincentes, sobre todo si quien te las va a contar es capaz de sacar de cada linea, de cada párrafo, de cada capítulo, el máximo jugo posible, gracias a la magnífica forma de plasmarlo en imágenes y de utilizar todo lo que cada escenario es capaz de ofrecer. Parte fundamental de que esto sea posible es el uso que se hace de la cámara, algo que tratándose del cine de los Coen, raro es que no nos regale un buen puñado de genialidades y de planos de todo tipo, que permanecerán en nuestra memoria por mucho tiempo.

Cuando pasan las cigüeñas - Mikhail Kalatozov (1957)

Título original - Letyat zhuravli (The Cranes are Flying)
Año - 1957
Duración - 94 min.
País - Unión Soviética (URSS)
Director - Mikhail Kalatozov
Guión - Viktor Rozov (Obra: Viktor Rozov)
Música - Moisej Vajnberg
Fotografía - Sergei Urusevsky
Montaje - Mariya Timoféyeva
Producción - Mikhail Kalatozov
Productora - Ministerstvo Kinematografii
Género - Romance. Drama
Reparto - Tatyana Samojlova, Aleksei Batalov, Vasili Merkuryev, Aleksandr Shvorin, Svetlana Kharitonova, Konstantin Nikitin, Valentin Zubkov, Antonina Bogdanova, Boris Kokovkin

Tras la muerte de Stalin, el cine soviético comenzó a resurgir asomando la cabeza del pozo en el que este lo había sumergido, brotando poco a poco, como si de un campo en primavera se tratase, un buen número de trabajos en los que se comenzaba a adivinar algo de libertad artística. Cuando pasan las cigüeñas es quizás el mas representativo de ellos, gracias a un guión que Viktor Rozov escribió sobre su propia obra de teatro, y que Mikhail Kalatozov se encargó de llevar a la gran pantalla, con un resultado tan brillante como hasta entonces inimaginable. Una película maravillosa en todos los sentidos, no se la pierdan.

Sinopsis: Verónica (Tatyana Samoylova) y Boris (Aleksey Batalov) son dos jóvenes enamorados que viven en Moscú soñando con un futuro juntos. Pero cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, un pueblo como el soviético necesita de su población para fortalecer su ejercito, por lo que Boris se alistará voluntario junto a unos amigos para combatir por su patria, dejando a Verónica a la espera de noticias de su amado. El paso del tiempo y la falta de dichas noticias, harán dudar a la joven sobre si el sigue con vida.

El director: Mikhail Kalatozov fue un director de cine georgiano-soviético nacido el 28 de diciembre de 1903 en Moscú.

En sus comienzos en los años 20 trabajó como actor (como en Tariel Mklavadzis mkvlelobis saqme, dirigida por Ivan Perestiani en 1925), y en otras como guionista (entre ellas, Giuli, una versión adaptada de Romeo y Julieta dirigida en 1927 por Nikoloz Shengeláya). En 1928 codirigió con Nutsa Gogoberidze el filme Su imperio, que utilizaba material de noticiarios cinematográficos. Dos años después, en 1930, dirigió en solitario el documental La sal de Svanetia, que refleja las duras condiciones de vida que debían afrontar los habitantes de la región de Svanetia. En 1937 terminó sus estudios en la Academia de Arte de Leningrado y, tras otro breve período en Tiflis, fue contratado como director por los estudios Lenfilm, para los que rodó dos películas que tenían como tema la aviación: Valor (1939) y Valeri Chkálov (1941).

En 1943 empezó a trabajar en los estudios Mosfilm, y durante la segunda mitad de los años 40 desempeñó importantes cargos políticos relacionados con el cine, gracias a los que pudo rodar películas como El complot de los condenados (1950), un panfleto que refleja las tensiones propias de la guerra fría, y la comedia Tres hombres en una balsa (1954), que obtuvo gran éxito. El reconocimiento internacional de Kalatózov llegó con el estreno del melodrama Cuando pasan las cigüeñas (1957), considerada la primera de sus obras maestras y uno de los hitos del cine soviético. Tras ella dirigió La carta que no se envió (1959), sobre las tensiones que se producen entre un grupo de geólogos que emprenden una expedición a Siberia en busca de diamantes. Tras Soy Cuba (1963), rodada con un equipo formado por cubanos y soviéticos tras la revolución cubana, la última película de Kalatózov fue una coproducción italiano-soviética, La tienda roja (1971), sobre el rescate de la expedición polar de Umberto Nobile, con un reparto que incluye estrellas internacionales como Sean Connery, Claudia Cardinale y Peter Finch.

La película: Cuando pasan las cigüeñas es uno de esos trabajos que se disfrutan desde el primer instante, ya que desde sus créditos iniciales, la atracción visual que ejerce hacia el espectador es innegable. Estamos ante una obra que hay que valorar en su justa medida, teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se rodó, algo que la hace aún mas singular si cabe.

Nightcrawler - Dan Gilroy (2014)

Título original - Nightcrawler
Año - 2014
Duración - 113 min.
País - Estados Unidos
Director - Dan Gilroy
Guión - Dan Gilroy
Música - James Newton Howard
Fotografía - Robert Elswit
Montaje - John Gilroy
Producción - Jennifer Fox, Jake Gyllenhaal, Tony Gilroy, David Lancaster y Michel Litvak
Productora - Open Road Films / Bold Films
Género - Thriller
Reparto - Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton, Kevin Rahm, Ann Cusack, Eric Lange, Anne McDaniels, Kathleen York, Michael Hyatt

Dan Gilroy escribe y dirige, Jake Gyllenhaal co-produce e interpreta, Robert Elswit se encarga de la fotografía y James Newton Howard de la música, en esta amarga sátira sobre el poder de la información y a donde están algunos dispuestos a llegar con tal de ser quien la cuente. Un efectivo thriller que supone el impecable debut de un realizador que promete darnos muchas alegrías, tan oscuro y retorcido como su indiscutible protagonista, de lo mejorcito en el panorama actoral actual. No se la pierdan.

Sinopsis: Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), es un joven que ante la imposibilidad de encontrar trabajo, malvive haciendo pequeños robos de materiales que después vende. Sabe que ha de cambiar de vida, pero nada parece estara su favor, hasta que un buen día presencia un accidente de carretera y observa como varios caza noticias independientes filman las imágenes de lo sucedido, para después venderlas a alguna cadena de televisión. En ese momento descubre que es lo que quiere hacer, por lo que todos sus esfuerzos se centrarán en conseguir el material y poder hacerse un hueco en un mundo tan competitivo como ese.

El director: Dan Gilroy es un guionista y director de cine estadounidense nacido el 24 de junio 1959 en Santa Mónica, California. Es  hijo del dramaturgo ganador del Premio Pulitzer, Frank D. Gilroy y de la escultora y escritora Ruth Dorothy (Gaydos). Su hermano Tony Gilroy es guionista y director de cine mientras que su hermano gemelo John Gilroy, es editor de cine. A través de su padre, tiene ascendencia italiana , irlandesa y alemana.

Gilroy creció en Washingtonville, Nueva York , y se graduó en la Escuela Secundaria Washingtonville . Mas tarde cursaría sus estudios universitarios en la universidad de Dartmouth, graduándose en 1981. Su primer crédito es como co-guionista junto a Steven Pressfield y Ronald Shusett del thriller de ciencia-ficción Freejack (Sin identidad) (1992), dirigida por Geoff Murphy, con Emilio Estévez, Anthony Hopkins, Mick Jagger, Rene Russo, Jonathan Banks y David Johansen; repitió experiencia junto a Joe Batteer y John Rice, escribiendo el guión de Misión explosiva (1994), dirigida por Dennis Hopper y protagonizada por Tom Berenger, William McNamara y Erika Eleniak; en 2005 escribió el guión de Apostando al límite, dirigida por D.J. Caruso y con Al Pacino, Matthew McConaughey y Rene Russo en su reparto; en 2006 co-escribió junto a Nico Soultanakis, The Fall. El sueño de Alexandria, dirigida por Tarsem Singh y protagonizada por Lee Pace, Catinca Untaru y Justine Waddell; en 2011 participó en la creación de la historia de Acero puro, una película de acción y ciencia ficción, protagonizada por Hugh Jackman y dirigida por Shawn Levy; por último co-escribió junto a Tony Gilroy en 2011 El legado de Bourne, la cuarta entrega de la serie de películas del famoso agente, dirigida por el propio Tony Gilroy y producida por Frank Marshall.

Nightcrawler es su única película como director hasta la fecha, en la que también se ha encargado de su guión, pero viendo los resultados, seguro que Gilroy nos dará alguna que otra alegría.

La película: El rápido desarrollo de la sociedad en la que vivimos y las nuevas tecnologías con las que nos estamos acostumbrando a hacerlo, dan como resultado una avalancha de información desmedida que nos llega por todos sitios. Tal es su caudal, que lo mas sencillo es que muchas de las ideas o noticias que pasan ante nuestras mismas narices, no consigan ni tan siquiera llamar nuestra atención, por lo que los medios de comunicación han de arreglárselas para, de alguna forma, dirigir dicha atención hacia ellas, algo que no siempre se hace de forma moralmente aceptable.

Tres excelentes opciones para ver cine clásico online

Hoy en día el que no vea cine de calidad es porque no quiere. Para que no os tengáis que comer mucho la cabeza, os hemos reunido tres maravillas de este arte para ver online, por lo que si no disfrutáis buen cine, que por nosotros no sea. Espero que os gusten.

El apartamento (Billy Wilder, 1960)

Título original - The Apartment
Año - 1960
Duración - 125 min.
País - Estados Unidos
Director - Billy Wilder
Guión - Billy Wilder, I.A.L. Diamond
Música - Adolph Deutsch
Fotografía - Joseph LaShelle
Productora - United Artists / The Mirisch Corporation
Género - Comedia, Romance, Drama
Reparto - Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray, Ray Walston, Edie Adams, Jack Kruschen, Joan Shawlee, Hope Holiday, David Lewis, Naomi Stevens, Johnny Seven, Joyce Jameson, Willard Waterman, David White

Sinopsis - C.C. Baxter (Jack Lemmon) es un modesto pero ambicioso empleado de una compañía de seguros de Manhattan. Está soltero y vive solo en un discreto apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para sus citas amorosas. Tiene la esperanza de que estos favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Pero la situación cambia cuando se enamora de una ascensorista (Shirley MacLaine) que resulta ser la amante de uno de los jefes que usan su apartamento (Fred MacMurray).

El gran cuaderno - János Szász (2013)

Título original - A nagy füzet (Le grand cahier)
Año - 2013
Duración - 109 min.
País - Hungría
Director - János Szász
Guión - János Szász y András Szekér, basado en la novela de Agota Kristof
Fotografía - Christian Berger
Montaje - Szilvia Ruszev
Producción - Pál Sándor y Sándor Söth
Productora - Coproducción Hungría-Alemania-Francia-Austria; Hunnia Filmstúdió / Intuit Pictures GmbH / Amour Fou Filmproduktion / Dolce Vita Films
Género - Drama, Bélico
Reparto - András Gyémánt, László Gyémánt, Piroska Molnár, Gyöngyvér Bognár, Ulrich Matthes, Ulrich Thomsen, Diána Kiss, János Derzsi, András Réthelyi, Orsolya Tóth, Péter Andorai, Krisztián Kovács
Web oficial en España - http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=315

János Szász dirige, y adapta junto a András Szekér, la primera novela de la trilogía de Agota Kristof, titulada Le grand cahier, galardonada en 1987 con el premio Libro Europeo y traducida a más de veinte idiomas. Un trabajo de una crudeza enorme, en el que se hace un duro retrato de las consecuencias de pasar una infancia cuando no se disponen de referentes familiares óptimos, durante una situación tan delicada como es la segunda guerra mundial. Mas que recomendable, pero sabiendo ante que nos ponemos.

Sinopsis: Claus y Lucas (László y András Gyémánt) son dos hermanos gemelos que son llevados por su madre (Gyöngyvér Bognár) a vivir junto a su abuela (Piroska Molnár), con la intención de evitarles los horrores de la guerra, a las afueras de un pequeño pueblo Hungaro. Pero pronto descubrirán que esta, a la que todos llaman bruja y aseguran que habría envenenado a su marido en el pasado, los tratará de forma cruel, haciéndolos trabajar para ganarse la cama y la comida. Los niños, rodeados de violencia y muerte, deciden endurecer su carácter para poder sobrevivir, a la vez que van anotando todas sus vivencias en un gran cuaderno que les dio su padre (Ulrich Matthes) antes de partir hacia el frente.

El director: János Szász es un guionista y director de cine y teatro húngaro, nacido el 14 de marzo 1958 en la ciudad de Budapest. Estudió teatro y dirección escénica en la Academia de Teatro y Artes Cinematográficas, y pasó cuatro importantes años trabajando en el Teatro Nacional de Budapest. En dicha etapa, dirigió obras como Ghosts de Henrik Ibsen , El Venado Rey, de Carlo Gozzi y Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams.

Sus primeros trabajos en el cine son muy poco conocidos fuera de su país, debutando en 1983 con el largometraje Tavaszi zápor. A este le siguieron Escorial (1984), A léderer-ügy (1985), Utóirat (1987) y Szédülés (1990). Su siguiente trabajo fue Woyzeck (1994), un drama psicológico que adapta la obra de Georg Büchner en un impoluto blanco y negro; tras ella escribió junto a András Szeredás, y dirigió, The Witman Boys (Witman fiúk) (1997), un drama sobre la adolescencia ambientado a comienzos del siglo XX; participó en la miniserie Silencio roto (Broken Silence) (2002), avalada por Spielberg y formada por varios cortos de cineastas de distintos países (USA, Argentina, Checoslovaquia, Hungría, Polonia, Rusia), que narra las atrocidades causadas por el nacionalsocialismo; Opium, diario de una mujer poseída (2007) fue su último trabajo anterior al que hoy nos ocupa. Se trata de un drama sobre las drogas que vuelve a escribir junto a András Szeredás, donde nos cuenta la historia de un escritor y médico psiquiátrico que se hace adicto a la morfina intentando superar el bloqueo que sufre.

El gran cuaderno es su último trabajo hasta la fecha y está basado en la primera de una trilogía de novelas escritas por Agota Kristof. Habrá que esperar para saber si tienen intención de adaptar las otras dos, aunque nuestro deseo sería que lo hiciesen, vista la repercusión y la calidad que este que nos ocupa es capaz de ofrecer. El tiempo nos lo dirá.

La película: He de comenzar aclarando que El gran cuaderno no es una película mas sobre el movimiento nazi y los estragos que causó, a pesar de estar ambientada en dicha época y tener a la guerra como catalizador de muchos de los sucesos que en ella se narra. De hecho, las alusiones a ello se limitan a un par de guiños que realiza el director en ciertos momentos, pero no es lo que nos quiere contar en realidad. Le grand cahier es un alegato sobre la importancia de la educación y los referentes paternos en la infancia, y como la falta de ellos puede hacer aflorar nuestro instinto animal, cambiándonos por completo para siempre.