Red Riding: 1980 - James Marsh (2009)

Título original - Red Riding: 1980 (The Red Riding Trilogy, Part 2)

Año - 2009

Duración - 97 min.

País - Reino Unido

Dirección - James Marsh

Guion - Tony Grisoni, basado en la novela de David Peace

Música - Dickon Hinchliffe

Fotografía - Igor Martinovic

Montaje - Jinx Godfrey 

Producción - Wendy Brazington, Andrew Eaton y Anita Overland

Productora - Film4 Productions, Lipsync Productions, Revolution Films, Screen Yorkshire

Reparto - Warren Clarke, Paddy Considine, James Fox, David Calder, Nicholas Woodeson, Ron Cook, Maxine Peake, Tony Pitts, Jim Carter, David Morrissey, Eddie Marsan, Peter Mullan, Robert Sheehan, Joseph Mawle

Género - Intriga. Drama, Telefilm

Red Riding: 1980 es el título de la segunda entrega de la trilogía The Red Riding Trilogy, que adapta las excelentes novelas de David Peace. Con James Marsh al cargo de la dirección, el guion de Tony Grisoni y la lograda fotografía de Igor Martinovic, estamos ante un trabajo que mantiene la atmósfera y la oscuridad del anterior, aunque difiere de este en varios apartados, algo lógico por el cambio en la dirección. Lo que si se mantiene es la enérgica denuncia a la impunidad y la corrupción que imperaban en el departamento de policía y los poderes públicos de la época en las Islas.

Sinopsis - En los años 80, el denominado destripador de Yorkshire, lleva seis años asesinando sin que se tenga ninguna pista de su identidad. Tras la aparición de una nueva víctima, el Ministerio del Interior recurre a Peter Hunter (Paddy Considine), uno de los detectives más eficaces de Manchester, para que se haga cargo de una revisión secreta del caso. En 1974, Hunter no había podido completar la investigación de un tiroteo, en el que estaban implicados varios policías de Yorkshire, pero en esta ocasión está decidido a llegar hasta el final. 

El director - James Marsh es un cineasta y documentalista británico nacido en Truro, Reino Unido, el 30 de abril de 1963. Se formó en la Universidad de Oxford y mas tarde en el St Catherine's College, donde se graduó en lengua inglesa. 

Comenzó su carrera como director realizando documentales para la BBC. Su primer documental fue Troubleman – The Last Years of Marvin Gaye (1990), al que siguieron Jan Svankmajer: The Animator of Prague (1990), The Burger and the King: The Life and Cuisine of Elvis Presley (1995) y John Cale (1998). Su primer largometraje de ficción fue el drama histórico Wisconsin Death Trip (1999), 

En 2005 dirigió junto a Basia Winograd el documental The Team. Tras el llegó el drama El Rey (2005), con la participación de Gael García Bernal, Laura Elena Harring y William Hurt. Man on Wire (2008) fue un documental sobre el funambulista francés Philippe Petit que, el 7 de agosto de 1974, logró de manera ilegal caminar sobre un alambre tendido entre las torres gemelas del World Trade Center de Nueva York. Tras Red Riding: 1980 (2009), filmó el documental Proyecto Nim (2011); el thriller Agente doble (2012), con Andrea Riseborough, Clive Owen, Aidan Gillen y Gillian Anderson; el drama biográfico La teoría del todo (2014), interpretado por Eddie Redmayne y Felicity Jones, por la que recibió 5 nominaciones a los Óscars; participó en la miniserie The Night Of (2016); el drama Rey de ladrones (2018), con Michael Caine a la cabeza y el drama romántico Un océano entre nosotros (2018), con Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis y Jonathan Bailey. Actualmente trabaja en Instrumental (2022), la adaptación cinematográfica de la autobiografía del pianista británico James Rhodes. 

La película - Resulta curioso comprobar como, tal como diría mi abuela que en paz descanse, en todos sitios cuecen habas. Y es que en la turbulenta condición y en la naturaleza del ser humano va implícita esa codicia que hace que tarde o temprano aflore la corrupción y el ansia de poder y riquezas. No iba a ser menos el pomposo y orgulloso Imperio británico, acostumbrado a mostrar un aire de estabilidad seguridad al mundo entero, que sabe esconder lo que es mas visible y evidente en otros lugares. Dicho de otro modo, que saben lavar sus trapos sucios en casa mejor que lo hacemos otros. 

La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle) - John Huston (1950)

Título original - The Asphalt Jungle

Año - 1950

Duración - 112 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - John Huston

Guion - Ben Maddow y John Huston, que adaptan la novela homónima de W.R. Burnett

Música - Miklós Rózsa

Fotografía - Harold Rosson

Montaje - George Boemler

Producción - Buddy Adler

Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Reparto - Sterling Hayden, Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James Whitmore, John McIntire, Marc Lawrence, Marilyn Monroe, Barry Kelley, Anthony Caruso, Brad Dexter, Dorothy Tree, Jack Warden

Género - Cine negro, Thriller

John Huston escribió junto a Ben Maddow y dirigió este magnífico trabajo que ocupa un lugar de privilegio entre las referencias del Cine negro. Con la fotografía de Harold Rosson, la música de Miklós Rózsa y el brillante trabajo de un reparto coral en estado de gracia, el prolífico director nos muestra su enorme habilidad en el manejo de la cámara y su maestría en la dirección de actores. Un minucioso y detallado retrato de un grupo de perdedores, pero sobre todo, de los seres humanos que hay tras ellos.

Sinopsis - Erwin "Doc" Riedenschneider (Sam Jaffe) es un experimentado ladrón que es puesto en libertad tras una larga temporada entre rejas. Justo antes de ser detenido, dejó perfectamente planificado un gran golpe que calcula puede reportarle mas de un millón de dólares. Su intención es ejecutarlo cuanto antes, aunque para ello necesita financiación y encontrar un grupo de especialistas que le permitan perpetrar el robo con las máximas garantías.

El director - John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981) o El honor de los Prizzi (1985). 

Falleció en Middletown (Rhode Island), a causa de un enfisema. Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película - Mientras que para algunos estamos ante uno de los directores mas grande que ha dado este arte, para otros está muy sobrevalorado. Para un servidor, en una carrera en la que nos dejó alrededor de 40 títulos tiene que haber de todo, como en botica, aunque yo si lo tengo entre los mejores, ya que podría mencionar casi una docena de títulos inolvidables que ocupan posiciones de privilegio dentro de mi clasificación personal. The Asphalt Jungle es uno de esos títulos, un trabajo mimado hasta en el mas mínimo detalle, de una calidad y una valentía dignas de elogio. Los años han pasado para ella, como para tod@s, pero la enorme valía de trabajos así tendrán siempre un lugar destacado en la historia del CINE, con mayúsculas claro.

El reloj asesino (The Big Clock) - John Farrow (1948) - Película completa

Título original - The Big Clock

Año - 1948

Duración - 95 min.

País - Estados Unidos

Dirección - John Farrow

Guion - Jonathan Latimer, basado en la novela homónima de Kenneth Fearing

Música - Victor Young

Fotografía - Daniel L. Fapp y John F. Seitz 

Montaje - LeRoy Stone

Producción - Richard Maibaum

Productora - Paramount Pictures

Reparto - Ray Milland, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan, George Macready, Rita Johnson, Elsa Lanchester, Ruth Roman

Género - Cine negro, Crimen, Periodismo

John Farrow fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Jonathan Latimer, que adapta la novela homónima de Kenneth Fearing The big clock. Cine negro ambientado en el mundo del periodismo, donde resalta la brillante fotografía de Daniel L. Fapp y John F. Seitz, la banda sonora de Victor Young y, por encima de todo, el trabajo del dúo interpretativo que forman Charles Laughton y Ray Milland. Un magnífico entretenimiento, aunque algo alejado de las grandes referencias del género.

Sinopsis - George Stroud (Ray Milland) es un periodista que trabaja desde hace años para el magnate de la comunicación Earl Janoth (Charles Laughton). Casado con Georgette Stroud (Maureen O'Sullivan), no pudo ni disfrutar de su luna de miel, por la tiranía con la que su jefe gobierna su negocio. Cuando Earl comete un crimen pasional, intentará que este recaiga sobre un desconocido, sin saber que este es George. La única manera que le quedará a George de demostrar su inocencia, será incriminar por si mismo al verdadero culpable.

El director - John Farrow fue un director, guionista y productor cinematográfico australiano nacido en  Sídney, el 10 de febrero de 1904, afincado en Estados Unidos. Su nombre completo era John N. B. Villiers-Farrow. 

Comenzó a escribir en los años veinte, cuando trabajaba como marinero en Australia. Se trasladó a Hollywood como consejero técnico en marina. Además de como guionista y director, es recordado también por su matrimonio con la actriz Maureen O'Sullivan, con la que para poder casarse, tuvo que convertirse al catolicismo. Tuvieron siete hijos, tres de ellas son actrices: Mia Farrow (la más popular), Stephanie Farrow y Prudence Farrow.

Ejerció de guionista desde 1927 hasta 1959, siendo también escritor de historias y relatos cortos. Entre sus trabajos podemos destacar The Showdown (1928), The Wolf Song (1929), The Bad One (1930), Don Quixote (1933) o John Paul Jones (1959)

Debutó en la dirección en 1934 con The Spectacle Maker. Durante su carrera dirigió mas de 40 largometrajes, entre los que podemos destacar títulos como West of Shanghai (1937), Sorority House (1939), China (1943), Calcutta (1947), Copper Canyon (1950), Hondo (1953), Back from Eternity (1956) y John Paul Jones (1959), que fue su último trabajo. Murió en 1963 de un ataque al corazón en Beverly Hills (California), a la edad de 58 años.

La película - El reloj asesino supuso el segundo acercamiento del realizador australiano a un género que en la época estaba en pleno auge, el cine negro. Farrow era un director voluntarioso y decidido, capaz de afrontar de forma correcta géneros muy dispares entre si, gracias a su enorme capacidad de trabajo y su convicción de que realizando este de forma detallista y metódica, no había objetivo que no fuera capaz de alcanzar. Era el dedicado trabajo el que conseguía paliar ese escaloncito que lo separaba de los grandes realizadores de la época, esa magia a la que solo unos pocos tienen acceso. Y es precisamente en este trabajo del que hoy hablamos, en el que consiguió la que es para un servidor su mejor película como director.  

Para lograrlo dispuso de varios ingredientes totalmente necesarios, como por ejemplo el guion escrito por Jonathan Latimer (Saqueo al sol, The Westland Case, Alias Nick Beal), que adapta de forma escrupulosa la brillante novela de Kenneth Fearing (The Hospital, Dagger of the Mind, Clark Gifford's Body), a la que respeta hasta en el título. Puede parecer banal lo que les comento, pero hay multitud de adaptaciones que pierden por completo la esencia del texto original. algo fatal para el resultado final. Los diálogos son vigorosos, la trama perfectamente hilada y los tiempos correctos. La parte introductoria puede resultar algo extensa, aunque al ir disfrutando la película compruebas que era necesaria.

Red Riding: 1974 - Julian Jarrold (2009)

Título original - Red Riding: 1974 (The Red Riding Trilogy, Part 1)

Año - 2009

Duración - 103 min.

País - Reino Unido

Dirección - Julian Jarrold

Guion - Tony Grisoni, basado en la novela de David Peace

Música - Adrian Johnston

Fotografía - Rob Hardy

Montaje - Andrew Hulme

Producción - Wendy Brazington, Andrew Eaton y Anita Overland

Productora - Film4 Productions, Lipsync Productions, Revolution Films, Screen Yorkshire

Reparto - Andrew Garfield, Sean Bean, Rebecca Hall, David Morrissey, John Henshaw, Anthony Flanagan, Warren Clarke, Jennifer Hennessy, Mary Jo Randle, Rachel Jane Allen, Rita May, Graham Walker, Michelle Dockery, Robert Sheehan, Eddie Marsan, Daniel Mays, Peter Mullan, Gerard Kearns

Género - Thriller, Intriga, Crimen

Julian Jarrold es el realizador encargado de llevar a la pantalla The Red Riding Trilogy, Part 1 (Red Riding: 1974), la primera de las novelas que el escritor David Peace realizó bajo el título de The Red Riding Quartet. Con un guion escrito por Tony Grisoni, la brillante fotografía de Rob Hardy y un reparto encabezado por Andrew Garfield, Sean Bean y Rebecca Hall, estamos ante un producto de una calidad visual incuestionable, aunque no apto para todos los paladares.

Sinopsis - En 1974, Yorkshire era una zona devastada por el miedo, la desconfianza y la corrupción. El periodista Eddie Dunford (Andrew Garfield) está dispuesto a desentrañar el laberinto de mentiras y engaños que rodea la investigación policial de una serie de secuestros de niños. Cuando la pequeña Clara Kemplay desaparece, Eddie y su colega Barry (Anthony Flanagan) convencen a su director para que les deje investigar la relación de estos casos con dos raptos similares que se produjeron diez años antes.

El director - Julian Edward Peter Jarrold es un director de cine y televisión inglés nacido en Norwich, Norfolk, el 15 de mayo de 1960. Descendiente de los fundadores de la empresa Jarrold Department Store, que permanece activa desde 1770, su padre es presidente del John Jarrold Printing Museum.

Tras una década trabajando en televisión, medio en el que se desenvuelve con gran soltura, en la que debutó dirigiendo varios episodios de la serie Cracker (1993), a la que siguieron el drama Some Kind of Life (1995), el drama Painted Lady (1997), interpretado por la brillante Helen Mirren, la serie en clave de thriller dramático Touching Evil (1997), el drama bélico All the King's Men (1999), el drama romántico Grandes esperanzas (1999), el drama Never Never (2000), las miniseries dramáticas White Teeth y Crime and Punishment (ambas de 2002) y el telefilm de ciencia ficción Anonymous Rex (2004).

Su debut en la gran pantalla llegó en 2005 con la comedia Pisando fuerte (Kinky Boots), protagonizada por Joel Edgerton, Chiwetel Ejiofor y Sarah-Jane Potts, tras la que dirigió los dramas románticos La joven Jane Austen (2007), con nombres como Anne Hathaway, James McAvoy, Julie Walters, James Cromwell y Maggie Smith, y Retorno a Brideshead (2008), con Michael Gambon y Emma Thompson. De regreso a la televisión dirigió trabajos entre los que destacan Worried About the Boy (2010), en el que Douglas Booth daba vida al músico Boy George; la miniserie dramática Appropriate Adult (2011), con Emily Watson y Dominic West; la miniserie Asalto al tren de Glasgow (2013), con Luke Evans; la comedia romántica Noche real (2015), con Sarah Gadon, Emily Watson, Jack Reynor y Rupert Everett: la miniserie de intriga Testigo de cargo (2016) y participó en las series The Crown (2016) y Philip K. Dick's Electric Dreams (2017). Su último trabajo es el drama Sulphur and White (2019), con Mark Stanley, Anna Friel y Dougray Scott.

La película - Tras disfrutar de 1974, trabajo del que ahora pasaremos a valorar sus virtudes y defectos, no puedo mas que sentir envidia de la enorme variedad y calidad de los productos televisivos que se realizan en las Islas británicas. Sin querer hurgar demasiado en la herida, soy incapaz de recordar muchos productos con bandera española que ni se les acerque, algo que solo me puedo llegar a explicar viendo que personajes gestionan aquí los recursos y a quienes se les conceden estos. Deberían hacérselo mirar, la verdad, ya que resultaría enormemente mas rentable realizar productos de una calidad similar a la de los británicos, si es que el dinero es lo único que los mueve. Lástima que mientras allí se valora el talento, aquí solo el enchufismo, sin arriesgar lo mas mínimo. 

El alienista (The Alienist) - Cary Fukunaga (2018)

Título original - The Alienist
Año - 2018
Duración - 50 min.
País - Estados Unidos
Dirección - James Hawes, Jakob Verbruggen, Paco Cabezas, Jamie Payne, David Petrarca

Guion - Hossein Amini, Cary Joji Fukunaga, John Sayles, E. Max Frye, Gina Gionfriddo, Chase Palmer, basado en la novela homónima de Caleb Carr
Fotografía - P.J. Dillon, Chris Seager, Gavin Struthers

Montaje - Matt Platts-Mills, Tanya M. Swerling, Martin Nicholson, Nick Arthurs, Kate Weiland, Philip Kloss

Reparto - Daniel Brühl, Luke Evans, Dakota Fanning, Martin McCreadie, Anson Boon, Eugenia Caruso, Ezra Fieremans, Matt Lintz, Antonio Magro, Emanuela Postacchini, Peter Rugman, Giovanni Scotti, Douglas Smith, Dan Bradford, Clare Calbraith, Brian Geraghty

Productor - Cary Joji Fukunaga
Productora - Anonymous Content (Actualmente en Netflix)
Género - Serie de TV, Thriller, Siglo XIX, Thriller psicológico,  Miniserie de TV

Aprovechando que, por desgracia, pasamos mas tiempo en casa debido a la dichosa pandemia que nos asola, vamos a ir recomendando varias series y miniseries que podemos encontrar en las principales plataformas de streaming. La que hoy nos ocupa es El alienista, una miniserie de 10 capítulos de poco menos de 50 minutos cada uno, que nos llega de la mano del productor Cary Fukunaga. Su magnífica ambientación, su macabra historia cocinada a fuego lento y su magnífico reparto, bien merecen dedicarle nuestro valioso tiempo.

Sinopsis - Tras la aparición en Nueva York, a finales del siglo XIX, del cadáver de un joven horriblemente mutilado, el psicólogo (alienistas se denominaban en la época) Dr. Laszlo Kreizler (Daniel Brühl) pedirá la colaboración del dibujante y periodista John Moore (Luke Evans), para intentar esclarecer el caso. Tras comprobar que este no será un caso aislado, pedirán la colaboración de la impetuosa Sara Howard (Dakota Fanning), que trabaja como secretaria del jefe de policía, para intentar detener a este sanguinario asesino que aterroriza a la ciudad.

Productor y directores - Cary Joji Fukunaga es un director, guionista y director de fotografía estadounidense nacido en  Oakland, California, el 10 de julio de 1977. 

Tras destacar durante su época de estudiante con su corto Victoria para Chino (2004), debutó en la gran pantalla escribiendo y dirigiendo Sin nombre (2009), por la que obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cine de Sundance y el premio al mejor director revelación en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo, entre otros galardones. En 2011 estrenó Jane Eyre, una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Charlotte Brontë, protagonizada por Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell y Judi Dench. Hay que destacar su trabajo como director y productor ejecutivo en la primera temporada de la magnífica True Detective (2014), serie de HBO escrita y creada por Nic Pizzolatto. de la que os hablamos en este artículo.

En la dirección de la serie participan Jakob Verbruggen (episodios 1 al 3), James Hawes (episodios 4 y 5), Paco Cabezas (episodios 6 y 7),  David Petrarca (episodio 8) y Jamie Payne (episodios 9 y 10). No voy a entrar a valorar el trabajo individual de cada uno de ellos, aunque si he de dejar claro que tanto cambio de guionistas y directores no suele hacerle bien a este tipo de trabajos.

La serie - Una noche helada en pleno invierno. La oscuridad de la solitaria noche contrasta con el blanco de la nieve que cubre el suelo. Un agente de la ley realiza su ronda cuando, de repente, encuentra en el suelo una... Así comienza esta siniestra historia ambientada a finales del siglo XIX en Nueva York, que el bueno de Cary Fukunaga nos regala en 10 entregas, pero que la generosidad de las nuevas tecnologías nos permite disfrutar en 4 o 5 asaltos.

The Alienist vuelve a mostrarnos las fechorías de una mente perturbada, un asesino en serie que, en esta ocasión, tiene fijación por jóvenes prostitutos vestidos como jovencitas, que sucumben a los deseos sexuales de hombres mucho mayores que ellos. En el lado contrario tenemos los esfuerzos de un grupo de personas muy diferentes entre si, por identificarlo y evitar que continúe haciendo de las suyas, en lo que podemos denominar como los comienzos de la psicología criminal y la ciencia forense. 

Cayo Largo (Key Largo) - John Huston (1948)

Título original - Key Largo
Año - 1948
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - John Huston
Guión - Richard Brooks y John Huston, basada en la obra de teatro homónima de Maxwell Anderson
Música - Max Steiner
Fotografía - Karl Freund
Montaje - Rudi Fehr
Producción - Jerry Wald
Reparto - Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro, Thriller

Inmediatamente después de rodar la magnífica El tesoro de Sierra Madre, el realizador John Huston escribió junto a Richard Brooks y dirigió su último trabajo con la Warner, el quinto en su filmografía. Rodeándose de un excelente reparto plagado de estrellas e intentando restar en todo momento la teatralidad innata que derrocha la historia, Huston firma un trabajo en el que los diálogos, las expresiones y los gestos comparten protagonismo por igual y la tensión fluye entre ellos de forma magistral. Todo un clásico del noir estadounidense catalogado como obra menor por parte de la crítica. Con media docena de trabajos así al año me conformaba yo.

Sinopsis: Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de guerra que viaja a Cayo Largo, en Florida, para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Pero lo que en principio era una visita de cortesía se complicará por la presencia de un grupo de gansters a las ordenes de Johnny Rocco (Edward G. Robinson), al que también acompaña su novia (Claire Trevor), con los que quedarán atrapados por una fuerte tormenta y serán tomados como rehenes en el interior del hotel propiedad de la viuda y el padre de su antiguo compañero.

El director: John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981), El honor de los Prizzi (1985) o El honor de los Prizzi (1985). 

Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película: Si dedicamos un rato a repasar las opiniones de aficionados y críticos sobre la obra que hoy nos ocupa podemos encontrar casi de todo, desde los que no salen convencidos de la actuación de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, los que piensan que Huston realizó este trabajo a regañadientes y solo por quedarle una película que filmar con la Warner, los que no la meten entre las mejores películas del realizador, los que opinan que su guión es mejorable en algunos aspectos, los que ven en ella poco menos que una obra maestra y así podría llevarme hasta mañana. En lo que casi todos coinciden es en darle como mínimo un siete de nota, siendo muchos los que suben esta hasta llegar a casi la excelencia, por lo que creo que como mínimo se merece un visionado. Lo que normalmente ocurre con trabajos de este nivel es que lees opiniones que los encumbran tanto que a la hora de visualizarla hay quien puede sentirse un tanto decepcionado, aunque no haya sido ese mi caso.

Para mi estamos ante un trabajo imprescindible, en el que la tensión se masca en el ambiente y los reducidos espacios donde se desarrolla son un protagonista mas y no secundario precisamente. Lo que en él no me acaba de convencer del todo es la relación que se establece entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, un tanto forzada y poco creíble en algunos momentos, algo que hablando de una pareja que nos ha dejado películas como Tener y no tener, dirigida por Howard Hawks (1944), en la que la relación entre ambos llenaba la pantalla y copaba todo el protagonismo, resulta un tanto chocante y te descoloca un poco. Además en su magnífico reparto también aparecen un Edward G. Robinson espléndido y una Claire Trevor que realiza una actuación magistral (le valió para ganar el Oscar a la mejor secundaria), por lo que el trabajo de la pareja eterna queda un tanto eclipsado.

Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors) - Woody Allen (1989)

Título original - Crimes and Misdemeanors
Año - 1989
Duración - 104 min.
País - Estados Unidos
Director - Woody Allen
Guión - Woody Allen
Música - Varios
Fotografía - Sven Nykvist
Montaje - Susan E. Morse
Producción - Robert Greenhut
Productora - Orion Pictures
Género - Drama, Comedia
Reparto - Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, Anjelica Huston, Mia Farrow, Martin Landau, Jerry Orbach, Caroline Aaron, Sam Waterston, Joanna Gleason, Martin Bergmann, Jenny Nichols, Daryl Hannah, Zina Jasper, Frances Conroy

Fue en 1989 cuando el bueno de Woody Allen escribió y dirigió la que, para mi y para muchos, es una de sus mejores películas, realizando una mezcla perfecta entre comedia y drama, con un excelente guión en el que destacan sus inolvidables diálogos, sus elaborados personajes y un mensaje tan real y directo como la vida misma. En su reparto, el propio Allen, Alan Alda, Anjelica Huston, Mia Farrow o Martin Landau, entre otros, consiguen rematar una obra realmente brillante y atemporal como pocas. Así es esta vida y así seguirá siendo, nos guste o no.

Sinopsis: La película nos cuenta las historias paralelas de dos hombres muy distintos: Judah Rosenthal (Martin Landau) es un oftalmólogo de prestigio al que la vida le sonríe. Tiene una hermosa familia y vive con todo tipo de comodidades, pero tras varios años de relación extra-matrimonial con Dolores Paley (Anjelica Huston), esta amenaza con destruir su vida tras saber que el pretende dejarla. Por otro lado, Cliff Stern (Woody Allen) es un documentalista de poco éxito atrapado en una relación que agoniza. Para colmo, es contratado por su arrogante y exitoso cuñado Lester (Alan Alda), al que odia profundamente, para realizar un documental sobre su vida y su obra. Así conocerá a Halley Reed (Mia Farrow), una de las productoras del documental, de la que se sentirá atraído de inmediato.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Tras haber visto este trabajo ya en tres ocasiones, algo que en todas ellas ha sido un verdadero placer, incluso creciendo este en cada visionado, puedo casi asegurar que estamos ante la película, al menos para mi gusto, que consigue dejar uno de los mensajes mas pesimistas de los que se le pueden mandar a un ser humano, consiguiendo magistralmente que a este se le quede la sensación de haber visto una buena comedia. Decirlo o escribirlo resulta fácil, pero llevarlo a cabo de la forma en la que lo hace el bueno de Woody Allen, no puede ser mas que calificado como magistral. Tanto si eres admirador de su cine, como si lo detestas, esta magnífica obra deberías verla, ya que consigue tratar varios de los temas mas trascendentales de los que podemos debatir los seres humanos, con una naturalidad y un sentido del humor fundamentales para no acabar asqueado de la vida misma.

El guión escrito por el propio Allen, es sin duda uno de los mejores que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar llevado a la gran pantalla, principalmente por como su creador es capaz de dosificar las dosis de drama y comedia, ya que con solo imaginar una historia similar sin el alivio que suponen sus chispeantes diálogos y varias de las situaciones que nos plantea, ya se le baja a uno la moral por completo. Olvídense del tipo de películas en las que las buenas acciones, las loables intenciones, son recompensadas por la misma vida o por cualquier Dios en el que crean y las malas son duramente castigadas, porque aquí el realizador estadounidense le da completamente la vuelta a la tortilla, enfrentándose a toda esa carga moral para intentar realizar un fiel retrato de como es la vida en realidad, por desgracia para la mayoría de nosotros.

Al rojo vivo (White Heat) - Raoul Walsh (1949)

Título original - White Heat
Año - 1949
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Raoul Walsh
Guión - Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg
Música - Max Steiner
Fotografía - Sid Hickox
Montaje - Owen Marcks
Producción - Louis F. Edelman
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro
Reparto - James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O'Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, John Archer, Wally Cassell, Fred Clark

Tras varios trabajos alejado del género en el que mejor se desenvolvía, James Cagney vuelve a interpretar el papel de un criminal sin escrúpulos, de esos que tan bien le iban, en este magnífico noir dirigido por Raoul Walsh. Con un guión de Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg, la fotografía de Sid Hickox y la banda sonora de Max Steiner, estamos ante uno de los clásicos ineludibles del género y una de las mejores interpretaciones del gran James Cagney, perfectamente acompañado por la femme fatale Virginia Mayo.

Sinopsis: Después de asaltar un tren que transportaba una gran cantidad de dinero y dejar varios muertos a su paso, Cody Jarret (James Cagney) y su banda consiguen esconderse de la policía, que los buscan como principales responsables del robo. Tras verse acorralado, Cody realiza una inteligente jugada entregándose por un delito mucho menor, por el que solo es condenado a dos años de cárcel, dejando a su madre (Margaret Wycherly) al frente de la banda. Pero lo que en principio iban a ser unas pequeñas vacaciones, se complicarán ante los problemas que empiezan a dar alguno de sus chicos fuera y la insistencia de la propia policía, que tratará de tenderle una trampa para poder imputarle el violento robo.

El director: Raoul Walsh fue un director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 11 de marzo de 1887. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro, aunque rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood. En una prolífica carrera entre el cine mudo y el sonoro, nos dejó mas de 80 títulos en varios géneros como director, de los que destacaremos varios: Regeneration (1915), El ladrón de Bagdad (1924), El precio de la gloria (1926), La frágil voluntad (1928), La gran jornada (1930), El arrabal (1933), Bajo presión (1935), Los violentos años veinte (1939), La pasión ciega (1940), Alta tensión (1941), La pelirroja (1941), El último refugio (1941), Murieron con las botas puestas (1941), Gentleman Jim (1942), Tres días de gloria (1944), Objetivo: Birmania (1945), Perseguido (1947), Río de plata (1948), Juntos hasta la muerte (1949), Tambores lejanos (1951), El mundo en sus manos (1952), Historia de un condenado (1953), Los implacables (1955), La esclava libre (1957) o Una trompeta lejana (1964). Falleció en Simi Valley, California, el 31 de diciembre de 1980.

La película: En Al rojo vivo tenemos todos los ingredientes necesarios para crear una buena película de gansters, aunque uno de los que llama la atención desde un primer momento es el enorme uso de violencia que en ella se utiliza. Lo que ocurre es que resulta muy difícil que el público de hoy día sepa apreciar dicha cualidad, ya que los años han ido pasando y lo que en aquellos entonces era un trabajo violento, hoy día es como un juego de niños, en comparación con lo que el cine puede llegar a ofrecer al espectador en la actualidad. Pero dejando de lado esto, algo inevitable por el inexorable paso del tiempo, estamos ante uno de esos trabajos que han creado escuela en el mundo del séptimo arte, que centra su atención en una mente criminal de gran carisma, alrededor de la que gira toda la trama, realizando un minucioso estudio de como funciona su mente y de la soledad con la que ha de convivir quien se encuentra en la cima, no puede fiarse de casi nadie y solo puede ya caer.

El mundo de Kanako (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima (2014)

Título original - Kawaki (The World of Kanako)

Año - 2014

Duración - 118 min.

País - Japón

Director - Tetsuya Nakashima

Guión - Tetsuya Nakashima, basado en la novela de Akio Fukamachi

Fotografía - Shôichi Atô

Montaje - Yoshiyuki Koike

Producción - Satomi Kotake y Yutaka Suzuki
Música - Grand Funk Inc.

Reparto - Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Productora - GAGA / GyaO / Licri

Género - Thriller, Intriga, Drama

Tras la interesante e hipnótica Confessions (2010), Tetsuya Nakashima regresó a la gran pantalla en 2014 con un producto en el que las nuevas generaciones vuelven a tener un gran protagonismo y la sociedad japonesa continúa en el punto de mira. Aún así estamos ante un trabajo muy diferente al anterior, que rebosa perversión y violencia de forma exagerada, cambiando parte del mimo por la estética del anterior, por un ritmo mucho mas vivo y mayores dosis de sangre y acción. Un nuevo espectáculo visual no apto para todos los públicos, que a mi personalmente se me hizo algo largo. Mención especial al trabajo del veterano actor Kôji Yakusho, que consigue mantener a flote tanta exageración incontrolada. Cine para personas con el estómago bien preparado para la ocasión. Avisados quedan.

Sinopsis: Akikazu Fujishima (Kôji Yakusho) es un antiguo detective separado cuya vida es solo una sombra de lo que fue. Pasa los días soñando con los buenos tiempos junto a su esposa Kiriko (Asuka Kurosawa) y su hija Kanako (Nana Komatsu), una estudiante modelo. Un buen día Kiriko lo llama para pedirle ayuda por la desaparición de Kanako, por lo que rápidamente se pone manos a la obra para descubrir donde está su hija. Pero conforme avanza la investigación se dará cuenta que su hija no es ya la niña que el recuerda, adentrándose en un oscuro mundo del que no será fácil salir airoso.

El director: Tetsuya Nakashima es un director y guionista de cine japonés nacido en Fukuoka, el 2 de septiembre de 1959. Tras dirigir en 1988 el segundo segmento de Bakayaro! I'm Plenty Mad, no fue hasta casi una década después cuando estrenó su primer trabajo en solitario llamado Happy-Go-Lucky (1997), en el que se encargó de su guión y la dirección, algo que ha repetido hasta la fecha. Tras ella llegó Beautiful Sunday (1998), que fue nominada como mejor película asiática en el Festival Internacional de Singapur. Su siguiente trabajo fue Kamikaze Girls (2004), que fue nominada para representar a su país en los Oscars, como Mejor película de habla no inglesa. Sus siguientes trabajos fueron Conociendo a Matsuko (2006), con la que ganó los premios como Mejor actriz (Miki Nakatani), montaje y BSO en la Academia de cine japonés y el de Mejor película asiática en Fant-Asia y Paco and the Magical Picture Book (2008). Confessions (2010), de la que ya os hablamos en este artículo, fue su último trabajo anterior a Kawaki (The World of Kanako), la que hoy nos ocupa.

La película: El mundo de Kanako es uno de esos trabajos que a buen seguro tendrán una buena legión de fans, ya que su guionista y director ha sabido volver a reinventarse y ofrecer al espectador una experiencia muy diferente a la mayoría de las que ha vivido hasta dicho momento, ya sea dirigida por el mismo o por cualquier otro. No puedo mas que quitarme el sombrero ante uno de los pocos que lo consiguen cada vez que estrena un nuevo trabajo, aunque igualmente he de decir que en esta ocasión no ha llegado a engatusarme como en otras ocasiones, principalmente con Confessions (2010), ya que he de reconocer que no he llegado a disfrutar de toda su filmografía al completo. Creo que la palabra que mejor puede definir a esta película es excesiva, ya que es el primer adjetivo que se me viene a la cabeza tras repasar sus diferentes apartados.

Excesiva porque lo es la imagen que su creador tiene de la sociedad japonesa actual, tan oscura y retorcida que resulta difícil incluso encontrar adjetivos suficientes para definirla. Excesiva porque lo es el uso constante de violencia que en ella se muestra, dando una imagen que resulta poco creíble, o al menos bastante exagerada. Excesiva porque lo es la enorme lista de perversiones que en ella aparecen, desde violaciones a personas de ambos sexos, pasando por el abuso de menores, el acoso escolar, el asesinato, el proxenetismo, la drogodependencia y mil y una perversidades mas que no quiero ni tener que recordar. Se que dichos excesos no importarán a muchos y muchas, pero que para mi resultan como los acabo de nombrar, sumamente excesivos. Conocía ya la turbia imagen que Nakashima tiene de la sociedad actual de su país y como la muestra en casi toda su obra, pero en esta ocasión creo que rebasa su propio límite y se desmelena de tal forma que resulta realmente complicado digerir el resultado final.

Southcliffe - Sean Durkin (2013)

Título original - Southcliffe
Año - 2013
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Sean Durkin
Guión - Tony Grisoni
Fotografía - Mátyás Erdély
Montaje - Victoria Boydell (4) y Daniel Greenway (2)
Producción - Derrin Schlesinger
Productora - Warp Films / Channel 4
Género - Drama, Miniserie
Reparto - Rory Kinnear, Sean Harris, Shirley Henderson, Anatol Yusef, Eddie Marsan, Mark Badham, Scott Plumridge, Coral Amiga, Paul Blackwell, Lee Nicholas Harris, Lee Plumridge, Brian P Smith, Ben Steele, Karol Steele, Fabio Vollono, Julie Vollono

Sean Durkin dirigió en 2013 esta miniserie de televisión para Channel 4, trasladando a la pequeña pantalla el guión escrito por Tony Grisoni. Cuatro oscuros episodios que nos muestran la forma en la que un traumatizante suceso golpea a una pequeña localidad ficticia localizada en las marismas del Norte de Kent. Lo mejor de ella: su capacidad para hacer participe al espectador de la historia y su brillante planteamiento, contándonos lo sucedido desde diferentes puntos de vista, además de la excelente labor de todo su reparto.

Sinopsis: Una pequeña comunidad rural amanece una mañana golpeada por una ola de violencia a la que no encuentra explicación, que afecta a todos sus habitantes de una forma u otra. El periodista David Whitehead (Rory Kinnear) será enviado muy a su pesar a cubrir la noticia, ya que aunque se crió en la zona y conoce a muchos de sus habitantes, su infancia en ella no fue un camino de rosas, por culpa de un desgraciado accidente del que fue culpado su padre. Dicho trabajo lo hará revivir traumas del pasado que han condicionado toda su existencia, mientras que intenta encontrar una explicación a los hechos y reflejar como estos han afectado a sus habitantes.

El director: Sean Durkin es un director de cine, guionista y productor nacido en Canadá el 9 de diciembre de 1981. Muy joven se trasladó a Inglaterra junto a su familia, criándose en el norte de Londres y en Surrey, hasta que se trasladaron a Manhattan cuando tenía 12 años. Se graduó de la escuela de Kent, Connecticut en el 2000, tras lo que asistió a la escuela de cine en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en 2005. Con su corto Mary Last Seen (2010) fue nominado al Mejor cortometraje en el Festival de Sundance, tras lo que dirigió su opera prima, su único trabajo de cine hasta la fecha, el thriller dramático Martha Marcy May Marlene (2011), con el que ganó el premio al Mejor director en el Festival de Sundance y el Premio Nueva generación de la Asociación de Críticos de Los Angeles. Su siguiente trabajo fue el corto de terror The Red (2013), estrenado el mismo año que la que hoy nos ocupa. Actualmente trabaja en El Exorcista, un remake para televisión de la famosa película dirigida por William Friedkin en 1973, que se espera para el 2007.

La miniserie: Puede que leer la sinopsis de este oscuro trabajo no llame excesivamente la atención de muchos tele espectadores, que su premisa inicial pueda hacer mirar en otra dirección a muchos de ellos, pero de lo que estoy totalmente convencido es de que estamos ante uno de los productos que mas me han hecho sentir lo que una tragedia de la magnitud de la que aquí se cuenta puede llegar a perturbar la vida de toda una comunidad, algo nada fácil de conseguir con el realismo que aquí se hace. Mas que una puñalada al espectador, estamos ante un vehículo que lo sumirá en un carrusel de emociones difícilmente descriptible, que lo llevará a través de su fría y durísima historia golpeándolo una y otra vez, algo que puede no ser del agrado de todos, pero que es el principal objetivo de su realizador, objetivo que cumple con creces..

Para que sepan a lo que en realidad se enfrentarán los que decidan "disfrutarla", aunque no creo que sea el mejor adjetivo para transmitir la experiencia a la que serán invitados, quiero dejar claro que no estamos ante una serie policíaca al uso, que aquí no veremos laboriosas investigaciones ni un estudio pormenorizado de el perfil de ningún criminal, ya que de hecho, los policías y detectives que aparecen en ella son todos secundarios que hacen acto de presencia y poco mas. Lo que de verdad tenemos delante es un drama que nos muestra la vida de los diferentes afectados, que se centra en los habitantes de la zona y en como actúan de formas diferentes ante lo sucedido, algo tras lo que ya ninguno volverá a vivir como antes lo hacía.

Expediente 64 (Los casos del Departamento Q) - Christoffer Boe (2018)

Título original - Journal 64
Año - 2018
Duración - 100 min.
País - Dinamarca
Dirección - Christoffer Boe
Guión - Nikolaj Arcel, Bo Hr. Hansen y Mikkel Nørgaard, basado en la novela de Jussi Adler-Olsen
Música - Mikkel Maltha, Anthony Lledo
Fotografía - Jacob Møller
Montaje - Janus Billeskov Jansen y My Thordal
Producción - Louise Vesth
Productora - Det Danske Filminstitut / Deutscher Filmförderfonds / Film I Väst / Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein / Nordmedia Fonds / Zentropa Production
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Nicolas Bro, Anders Hove, Søren Pilmark, Morten Bjørn, Elliott Crosset Hove, Diem Camille Gbogou, Anders Juul, Fanny Bornedal, Johanne Louise Schmidt, Clara Rosager, Amanda Radeljak, Nastja Arcel, Michael Brostrup, Per Tofte Nielsen, Marianne Høgsbro, Morten Feldt, Lennart Falk
Género - Thriller, Intriga

Journal 64 (Expediente 64 en nuestro país) es la cuarta entrega de la saga Los casos del Departamento Q, que tal como hacen sus antecesoras, lleva a la pantalla una de las novelas de la escritora Jussi Adler-Olsen. En esta ocasión es el realizador Christoffer Boe el que asume el mando, el cual no solo consigue mantener el nivel de las dos primeras entregas, sino que es capaz de subir este con respecto a su antecesora, la mas floja de la saga para mi gusto, aunque igualmente recomendable. Cine policiaco con alma y señas de identidad propias que merece la pena disfrutar. Por cierto, muy espinoso, y para muchos desconocido, el tema que trata este nuevo caso.

Sinopsis - Cuando unos obreros que van a comenzar una reforma encuentran lo que parece un tabique falso, no imaginan que tras el existe una habitación en la que, sentados alrededor de una mesa, permanecen tres cadáveres momificados junto a una cuarta silla vacía. Cuando los miembros del Departamento Q comienzan a investigar quienes son, descubren que todos tienen en común haber estado relacionados con una antigua institución, que funcionaba como una casa de acogida/internado situada en una pequeña isla, cerrada ya hace años.

El director - Christoffer Boe es un director de cine y guionista danés nacido en Rungsted, al norte de Copenhague, en 1974. Tras estudiar historia del cine en la Universidad de Indiana, continuó sus estudios en la Universidad de Copenhague. En 1997 fue aceptado en el curso de director de la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, donde antes de licenciarse dirigió una trilogía de cortometrajes: Obsession (1999), Virginity (2000) y Anxiety (2001).

Su prometedor debut fue el drama romántico Reconstruction (2003), con el que ganó la Cámara de Oro en Cannes y el premio a la mejor película en el Festival de Sofía. En el 2004 dirigió el segmento Europa no existe, con el que representó a Dinamarca en el largometraje Visiones de Europa. Tra ella llegaron el drama surrealista Allegro (2005), el drama romántico Offscreen (2006), el thriller Todo irá bien (Everything Will Be Fine) (2010), el cortometraje fantástico Kill (2011), el drama psicológico Beast (2011), la comedia dramática Sexo, drogas e impuestos (2013), la miniserie de acción El combatiente (2018), la comedia negra The Hitman's Guide to Housecleaning (2019) y la serie de intriga Cara a cara (Forhøret) (2019).

La película - Hablar de Los casos del Departamento Q se ha convertido para mi en una agradable tradición, ya que desde el comienzo de la saga he tenido el placer de ir escribiendo sobre cada entrega. Si habéis disfrutado de las anteriores, sabéis ya de que va la cosa, pero si es vuestra primera incursión en ella y os gusta el cine policiaco, os aconsejo verlas en el orden en el que han sido estrenadas: Misericordia (2013), de la que os hablamos en este artículo, Profanación (2014), que comentamos en este artículo y Redención (2016), de la que dimos cuenta en este otro artículo. ¿El motivo? Muy fácil: cada largometraje trata de un caso completamente distinto y sin relación alguna con los demás, que podríamos disfrutar por separado, pero las relaciones entre los personajes si que evolucionan conforme van llegando las diferentes entregas. Por otra parte deciros que si no os llena la primera, difícilmente lo harán sus sucesoras, ya que todas tienen un estilo propio común.

Expediente 64 además se atreve con una enorme espina clavada en la historia de varios países del centro y norte de europa, que por muy avanzados que puedan parecernos en la actualidad, también han de lamentar episodios abochornantes del pasado. En el caso danés concretamente, el uso que durante cinco largas décadas (de los años 20 a los años 60) se dio a instituciones esparcidas por todo el país, que ejercían de sanatorios/cárceles de mujeres, para las que no seguían los cánones establecidos por una sociedad puritana y machista como pocas, muy bien camufladas como internados para chicas. En muchas de ellas se las castigaba de mil y una formas sin siquiera demostrar delito alguno cometido, siendo prácticamente imposible escapar de ellas.