La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House) - Mike Flanagan (Serie de TV, 2018)

Título original - The Haunting of Hill House

Año - 2018

Duración - 10 episodios de 60 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Mike Flanagan

Guion - Mike Flanagan, Elizabeth Ann Phang, Scott Kosar, Meredith Averill, Jeff Howard, Charise Castro Smith y Rebecca Klingel, basado en la novela de Shirley Jackson

Música - The Newton Brothers

Fotografía - Michael Fimognari

Montaje - Jim Flynn, Brian Jeremiah Smith, Mike Flanagan y Ravi Subramanian

Producción - Dan Kaplow

Productora - Amblin Television, Paramount Television 

Reparto - Michiel Huisman, Carla Gugino, Henry Thomas, Timothy Hutton, Elizabeth Reaser, Victoria Pedretti, Kate Siegel, Mckenna Grace, Oliver Jackson-Cohen, Paxton Singleton, Julian Hilliard, Lulu Wilson, Violet McGraw, Annabeth Gish, Anthony Ruivivar, Samantha Sloyan, Robert Longstreet, Levy Tran, James Lafferty, Anna Enger, Jordane Christie, Catherine Parker, Olive Elise Abercrombie, Elizabeth Becka

Género - Serie de TV, Terror, Drama, Fantasmas, Sobrenatural, Casas encantadas, Familia, 

Disponibilidad en plataforma - Netflix

Mike Flanagan es el creador y director de La maldición de Hill House, una serie de una única temporada, dividida en 10 episodios de 1 hora cada uno. Una magnífica adaptación de la novela homónima de Shirley Jackson, donde destaca la excelente fotografía de Michael Fimognari, el trabajo de todo su reparto y la maestría del director para, entre otras cosas, desarrollar a un nutrido grupo de personajes, durante una buena parte de sus vidas. Para un servidor una gratísima sorpresa que aconsejo no se pierdan.

Sinopsis - En el verano de 1992, Hugh y Olivia Crain se trasladan junto sus cinco hijos, Steven, Shirley, Theodora, Luke y Eleanor (Nell), a Hill House, una enorme mansión que necesita todo tipo de reparaciones. Su intención es arreglarla y venderla, para poder construir su propia casa, que ya tiene Olivia diseñada. Las complicaciones en las reformas obligan a la familia a alargar su estancia, hasta que los extraños sucesos que allí ocurren, los obligan a huir de ella sin mirar atrás. Años mas tarde, una tragedia familiar hace que la familia vuelva a encontrarse, pudiendo comprobar tras años separados como su paso por la mansión había afectado a cada uno de ellos de una u otra forma.

El director (Y creador) - Mike Flanagan es un director y productor de cine estadounidense nacido el 20 de mayo de 1978. Está casado con la actriz Kate Siegel, quien ha aparecido en varias de sus películas y series de televisión. 

Es reconocido por dirigir principalmente películas de terror como Absentia (2011), protagonizada por Catherine Parker, Courtney Bell y Dave Levine;  Oculus (2013), con la participación de Karen Gillan, Brenton Thwaites y Katee Sackhoff; Somnia. Dentro de tus sueños (2016), con Kate Bosworth, Thomas Jane, Jacob Tremblay y Annabeth Gish; Hush (Silencio) (2016) con Kate Siegel, John Gallagher Jr., Samantha Sloyan, Michael Trucco y Emma Graves; El juego de Gerald (2017) interpretada por Carla Gugino, Bruce Greenwood, Henry Thomas y Kate Siegel; y Doctor Sueño (2019), con Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Zahn McClarnon y Carl Lumbly, entre otros.

Flanagan también creó, produjo y dirigió la serie de televisión de Netflix The Haunting of Hill House (2018), basada en la novela homónima de la autora Shirley Jackson. En 2020 desarrolló una serie de antología titulada The Haunting of Bly Manor, basada en la novela The Turn of the Screw de Henry James y estrenada en la plataforma Netflix en el mes de octubre.​ En su reparto aparecen nombres como Victoria Pedretti, Amelie Bea Smith, Benjamin Evan Ainsworth y Rahul Kohli.

 

El trabajo de Flanagan ha atraído elogios de la crítica por su dirección, su enfoque en los personajes y el debido uso de los Jump scares. Stephen King y William Friedkin, entre otros, han elogiado su obra.

La serie - Cuando decido ver una serie, intento leer lo mínimo sobre ella, prefiriendo hacerlo con una sinopsis corta, que llegar a ver siquiera su tráiler, además de echar un vistazo a las puntuaciones recibidas en Filmaffinity. En esta ocasión en concreto, me llamó la atención la gran cantidad de críticas de usuarios que tenía y la variedad de puntuación que le habían otorgado. Esto me hizo cerrar la web de forma inmediata y tomar la decisión de disfrutarla antes de leer nada mas de ella, ya que como poco sabía que no dejaba indiferente a nadie. De igual forma he de aclararos que suelo ver 7 u 8 series a la vez, de diferentes estilos, no siendo precisamente proclive a los maratones, que ahora tanto se llevan. Dicho de otro modo: elijo diariamente lo que ver en función de las ganas y el estado de ánimo que tenga.

El desvío (Detour) - Edgar G. Ulmer (1945) - Película completa

Título original - Detour

Año - 1945

Duración - 67 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Edgar G. Ulmer

Guion - Martin Goldsmith, basado en la novela de Martin Goldsmith

Música - Leo Erdody

Fotografía - Benjamin H. Kline

Montaje - George McGuire

Escenografía - Glenn P. Thompson

Sonido - Max M. Hutchinson

Maquillaje - Bud Westmore

Vestuario - Mona Barry

Producción - Leon Fromkess y Martin Mooney

Productora - Producers Releasing Corporation [USA]

Narración - Tom Neal

Reparto - Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake, Esther Howard, Pat Gleason, Edmund MacDonald, Tim Ryan, Don Brodie, Roger Clark, Eddie Hall

Género - Cine negro, Thriller, Intriga, Serie B, Road movie

Rodada en seis días y montada en tres días y medio, contando con un irrisorio presupuesto de 20.000 dólares, Detour es, ante todo, una de las principales muestras de que el talento aflora a pesar de las adversidades. La obra cumbre de un tristemente olvidado Edgar G. Ulmer, que tuvo la mala fortuna de enamorarse de la mujer del productor Max Alexander, sobrino de Carl Laemmle, el fundador de los estudios Universal. Gracias al esfuerzo de la fundación creada por su hija Arianné, se han podido ir recuperando algunos de sus trabajos y restaurarlos.

Sinopsis - Al Roberts (Tom Neal) es un pianista que malvive tocando en un local de Nueva York junto a su novia, la cantante Sue Harvey (Claudia Drake). Un buen día esta le comunica que se marcha a Los Ángeles, a buscar la oportunidad de su vida. Tras un tiempo solo y deprimido, Al decide ir en su busca, para lo que, al no disponer apenas de dinero, decide hacer autostop. Tras ser recogido por Jack Haskell Jr. (Edmund MacDonald), quien conduce un lujoso descapotable, comenzará para el una increíble pesadilla de la que intentará escapar por todos los medios.

El director - Edgar G. Ulmer fue un destacado cineasta nacionalizado estadounidense, nacido en Olomouc, Chequia, el 17 de septiembre de 1900. Se interesó por el teatro desde niño, y concretamente por la escenografía, al trasladarse a Viena muy pronto para estudiar Arte y frecuentar el Burgtheater vienés. 

En los años veinte, marchó a Berlín, donde trabajó en los decorados de El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920); realizó siluetas para El Golem (1920); colaboró con Erich von Stroheim en Los amores de un príncipe (1923); asistió a F. W. Murnau (Las finanzas del gran duque y Der Letzte Mann, ambas de 1924) y a G.W. Pabst en Bajo la máscara del placer (1925). Además colaboró con Fritz Lang en Metrópolis (1927),  Los nibelungos (1923) y Spione (1928).

En Estados Unidos filmó también multitud de westerns hasta 1926. Amigo de Robert Siodmak, se relacionó pronto con Billy Wilder y con William Wyler, así como con Bobby Wyler, productor de cine. Fue conocido en Estados Unidos por Satanás (1934), con los actores Bela Lugosi y Boris Karloff, rodada en decorados de tipo Bauhaus, con los que logró una atmósfera terrorífica. Su hija ha confirmado que Ulmer arruinó sus posibilidades de escalar posiciones dentro de ese mundo al enamorarse de Shirley, su madre, la entonces mujer del productor Max Alexander, que además era sobrino de Carl Laemmle, el fundador de los estudios Universal.

Ulmer siempre fue siempre proclive a trabajar en zonas marginales cuando vivía en Nueva York, donde rodó Moon Over Harlem (1939). Tras trasladarse a Hollywood, destacó en filmes de serie B como Barbazul (1944), Detour (1945),  The Strange Woman (1946) o Traición (Ruthless, 1948). De sus mas de 40 películas, podemos destacar también Strange Illusion (1945), The Man from Planet X (1951), Babes in Bagdad (1952) y Naked Dawn (1955), así como las mas tardías Beyond the Time Barrier (1960) y The Amazing Transparent Man (1960). Aunque olvidado antes de su muerte, ocurrida en Hollywood, el 17 de septiembre de 1972, fue defendido por Godard o Truffaut y mas tarde por Wim Wenders o Peter Bogdanovich. A día de hoy es principalmente valorado por su cine negro o de misterio de su época inicial.

La película - Antes de empezar, me gustaría aclarar que no suelo calificar las películas solo por su calidad, ya que sería algo injusto para las que no han tenido la suerte de tener el auspicio de uno de los grandes estudios. Hay otros elementos que suelen influir decisivamente en mi decisión, entre los que están el talento y el ingenio necesarios para conseguir llegar al espectador, con independencia de los medios de que se disponga, y hacerlo partícipe de la historia. Digo esto porque la película que hoy nos ocupa fue realizada con un presupuesto ridículo, algo que por mucho esfuerzo que se realice se acaba notando, por lo que es la imaginación y la maestría de Edgar G. Ulmer, además del enorme trabajo de su equipo, fueron las que consiguieron dejarnos una película única, que merece ser valorada como tal.

La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle) - John Huston (1950)

Título original - The Asphalt Jungle

Año - 1950

Duración - 112 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - John Huston

Guion - Ben Maddow y John Huston, que adaptan la novela homónima de W.R. Burnett

Música - Miklós Rózsa

Fotografía - Harold Rosson

Montaje - George Boemler

Producción - Buddy Adler

Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Reparto - Sterling Hayden, Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James Whitmore, John McIntire, Marc Lawrence, Marilyn Monroe, Barry Kelley, Anthony Caruso, Brad Dexter, Dorothy Tree, Jack Warden

Género - Cine negro, Thriller

John Huston escribió junto a Ben Maddow y dirigió este magnífico trabajo que ocupa un lugar de privilegio entre las referencias del Cine negro. Con la fotografía de Harold Rosson, la música de Miklós Rózsa y el brillante trabajo de un reparto coral en estado de gracia, el prolífico director nos muestra su enorme habilidad en el manejo de la cámara y su maestría en la dirección de actores. Un minucioso y detallado retrato de un grupo de perdedores, pero sobre todo, de los seres humanos que hay tras ellos.

Sinopsis - Erwin "Doc" Riedenschneider (Sam Jaffe) es un experimentado ladrón que es puesto en libertad tras una larga temporada entre rejas. Justo antes de ser detenido, dejó perfectamente planificado un gran golpe que calcula puede reportarle mas de un millón de dólares. Su intención es ejecutarlo cuanto antes, aunque para ello necesita financiación y encontrar un grupo de especialistas que le permitan perpetrar el robo con las máximas garantías.

El director - John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense nacionalizado irlandés, nacido en Nevada, Misuri, el 5 de agosto de 1906. 

Considerado por méritos propios como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos, fue un personaje tan brillante como controvertido, que nos dejó un legado como director de 40 títulos para el recuerdo, de los que mencionaré algunos, no necesariamente los mejores (eso queda a gusto de cada consumidor): El halcón maltés (1941), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto (1950), La reina de África (1951), Moulin Rouge (1952), Moby Dick (1956), Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961), Freud, pasión secreta (1962), La noche de la iguana (1964), Reflejos en un ojo dorado (1967), Paseo por el amor y la muerte (1969), El juez de la horca (1972), El hombre de Mackintosh (1973), El hombre que pudo reinar (1975), Evasión o victoria (1981) o El honor de los Prizzi (1985). 

Falleció en Middletown (Rhode Island), a causa de un enfisema. Sus memorias, lectura mas que recomendable, finalizan con una reflexión sobre lo que el mismo hubiera cambiado en su vida, fiel reflejo de como la vivió: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez".

La película - Mientras que para algunos estamos ante uno de los directores mas grande que ha dado este arte, para otros está muy sobrevalorado. Para un servidor, en una carrera en la que nos dejó alrededor de 40 títulos tiene que haber de todo, como en botica, aunque yo si lo tengo entre los mejores, ya que podría mencionar casi una docena de títulos inolvidables que ocupan posiciones de privilegio dentro de mi clasificación personal. The Asphalt Jungle es uno de esos títulos, un trabajo mimado hasta en el mas mínimo detalle, de una calidad y una valentía dignas de elogio. Los años han pasado para ella, como para tod@s, pero la enorme valía de trabajos así tendrán siempre un lugar destacado en la historia del CINE, con mayúsculas claro.

Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success) - Alexander Mackendrick (1957)

Título original - Sweet Smell of Success

Año - 1957

Duración - 96 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Alexander Mackendrick

Guion - Ernest Lehman y Clifford Odets

Música - Elmer Bernstein

Fotografía - James Wong Howe

Montaje - Alan Crosland

Producción - James Hill

Productora - Norma Productions, Hill-Hecht-Lancaster Productions

Reparto - Burt Lancaster, Tony Curtis, Susan Harrison, Martin Milner, Sam Levene, Barbara Nichols, Emile Meyer

Género - Drama, Cine negro, Periodismo

Alexander Mackendrick, uno de esos directores injustamente infravalorados, nos regaló esta maravillosa mezcla de drama y cine negro en el que la violencia no es precisamente física. Con un magnífico guion de Ernest Lehman y Clifford Odets, la excelente fotografía de James Wong Howe, la música de Elmer Bernstein y The Chico Hamilton Quintet y las brillantes actuaciones de Tony Curtis y, por encima de todo, un estelar Burt Lancaster, estamos ante una de esas joyas que todo aficionado al cine debería disfrutar. De los mejores diálogos que nos ha dejado este arte.

Sinopsis - J. J. Hunsecker (Burt Lancaster) es un poderoso y ambicioso columnista acostumbrado a dominar toda una ciudad a través de la información que habitualmente consumen sus más de 60 millones de lectores. Su único punto débil es su hermana pequeña Susan (Susan Harrison), a la que ya no puede controlar como siempre ha hecho. Cuando ésta se enamora apasionadamente de Steve (Martin Milner), un guitarrista de jazz que no es de su agrado, obligará a uno de sus agentes de prensa, el amoral Sidney Falco (Tony Curtis), a tomar cartas en el asunto.

El director - Alexander MacKendrick fue un director de cine estadounidense de origen escocés nacido en Boston, Massachusetts, el 8 de septiembre de 1912. Fue el hijo único de Francis Robert MacKendrick y Martha MacKendrick, emigrantes de Glasgow, Escocia a los Estados Unidos dos años antes del nacimiento del director. Su padre era un constructor naval e ingeniero civil. Cuando MacKendrick tenía seis años, su padre moriría víctima de la Gripe española. Su madre trabajó como modista después de la muerte de Francis al mismo tiempo que dejaba a Alex al cargo de sus abuelos, por lo que Mackendrick volvería a Escocia con siete años de edad. Mackendrick nunca volvería a ver a su madre.

Se formó en el Hillhead High School desde 1919 hasta 1926 y estuvo tres años en el Glasgow School of Art, hasta que en la década de los 30, se trasladaría a Londres para trabajar como director en diferentes anuncios de la firma J. Walter Thompson. En 1937 MacKendrick escribiría su primer guion para una película Midnight Menace, junto con su primo Roger MacDougall y en 1943, se convertiría en el director de la segunda unidad junto al realizador italiano Roberto Rossellini, en la película Roma, ciudad abierta.

Debutó como director de películas de ficción en la comedia británica Whisky a gogó en 1949, a la que seguirían varios trabajos europeos como El hombre vestido de blanco (1951), Mandy (1952), La bella Maggie (1954) o El quinteto de la muerte (1955), su película más taquillera, donde Peter Sellers y Herbert Lom brillan como nunca.

En 1955 regresaría a Estados Unidos donde debutó con Chantaje en Broadway (1957), un rotundo éxito con Tony Curtis y Burt Lancaster como protagonistas. Tras algunos telefilms para televisión, en los 60 dirigió Sammy (Huida hacia el sur) (1963), Viento en las velas (1965), de la que os hablamos en este artículo y No hagan olas (1967), para después abandonar el cine y convertirse en profesor del California Institute of the Arts. Años mas tarde explicó sus motivos: "No estaba preparado para todos los problemas logísticos y financieros, y las productoras me decían las películas que tenía que hacer. Al final, me di cuenta que era mucho más feliz dando clases que haciendo películas. En Hollywood descubrí que para hacer películas, tienes que ser un gran negociador. Y yo no sirvo para esto. Me di cuenta que es un mal negocio". MacKendrick no pudo volver a Europa y murió debido a una neumonía en 1993. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park.

La película - Resulta curioso comprobar como hay trabajos en este, o en cualquier otro arte, que son constantemente alabados, mencionados y puestos como ejemplo. Normalmente uno ha de reconocer tras disfrutarlos, que realmente merecen el bombo que han recibido. Pero igualmente resulta incomprensible ver como hay otros, como el que hoy nos ocupa, que pasan muy desapercibidos y nunca recogen el reconocimiento al que sin lugar a dudas tienen derecho. Desconozco los motivos, pero lo que si os puedo asegurar es que Sweet Smell of Success debería de utilizarse como ejemplo para cualquiera que quiera realizar buen cine, siendo como es sobresaliente en la mayoría de sus apartados.  

El reloj asesino (The Big Clock) - John Farrow (1948) - Película completa

Título original - The Big Clock

Año - 1948

Duración - 95 min.

País - Estados Unidos

Dirección - John Farrow

Guion - Jonathan Latimer, basado en la novela homónima de Kenneth Fearing

Música - Victor Young

Fotografía - Daniel L. Fapp y John F. Seitz 

Montaje - LeRoy Stone

Producción - Richard Maibaum

Productora - Paramount Pictures

Reparto - Ray Milland, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan, George Macready, Rita Johnson, Elsa Lanchester, Ruth Roman

Género - Cine negro, Crimen, Periodismo

John Farrow fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Jonathan Latimer, que adapta la novela homónima de Kenneth Fearing The big clock. Cine negro ambientado en el mundo del periodismo, donde resalta la brillante fotografía de Daniel L. Fapp y John F. Seitz, la banda sonora de Victor Young y, por encima de todo, el trabajo del dúo interpretativo que forman Charles Laughton y Ray Milland. Un magnífico entretenimiento, aunque algo alejado de las grandes referencias del género.

Sinopsis - George Stroud (Ray Milland) es un periodista que trabaja desde hace años para el magnate de la comunicación Earl Janoth (Charles Laughton). Casado con Georgette Stroud (Maureen O'Sullivan), no pudo ni disfrutar de su luna de miel, por la tiranía con la que su jefe gobierna su negocio. Cuando Earl comete un crimen pasional, intentará que este recaiga sobre un desconocido, sin saber que este es George. La única manera que le quedará a George de demostrar su inocencia, será incriminar por si mismo al verdadero culpable.

El director - John Farrow fue un director, guionista y productor cinematográfico australiano nacido en  Sídney, el 10 de febrero de 1904, afincado en Estados Unidos. Su nombre completo era John N. B. Villiers-Farrow. 

Comenzó a escribir en los años veinte, cuando trabajaba como marinero en Australia. Se trasladó a Hollywood como consejero técnico en marina. Además de como guionista y director, es recordado también por su matrimonio con la actriz Maureen O'Sullivan, con la que para poder casarse, tuvo que convertirse al catolicismo. Tuvieron siete hijos, tres de ellas son actrices: Mia Farrow (la más popular), Stephanie Farrow y Prudence Farrow.

Ejerció de guionista desde 1927 hasta 1959, siendo también escritor de historias y relatos cortos. Entre sus trabajos podemos destacar The Showdown (1928), The Wolf Song (1929), The Bad One (1930), Don Quixote (1933) o John Paul Jones (1959)

Debutó en la dirección en 1934 con The Spectacle Maker. Durante su carrera dirigió mas de 40 largometrajes, entre los que podemos destacar títulos como West of Shanghai (1937), Sorority House (1939), China (1943), Calcutta (1947), Copper Canyon (1950), Hondo (1953), Back from Eternity (1956) y John Paul Jones (1959), que fue su último trabajo. Murió en 1963 de un ataque al corazón en Beverly Hills (California), a la edad de 58 años.

La película - El reloj asesino supuso el segundo acercamiento del realizador australiano a un género que en la época estaba en pleno auge, el cine negro. Farrow era un director voluntarioso y decidido, capaz de afrontar de forma correcta géneros muy dispares entre si, gracias a su enorme capacidad de trabajo y su convicción de que realizando este de forma detallista y metódica, no había objetivo que no fuera capaz de alcanzar. Era el dedicado trabajo el que conseguía paliar ese escaloncito que lo separaba de los grandes realizadores de la época, esa magia a la que solo unos pocos tienen acceso. Y es precisamente en este trabajo del que hoy hablamos, en el que consiguió la que es para un servidor su mejor película como director.  

Para lograrlo dispuso de varios ingredientes totalmente necesarios, como por ejemplo el guion escrito por Jonathan Latimer (Saqueo al sol, The Westland Case, Alias Nick Beal), que adapta de forma escrupulosa la brillante novela de Kenneth Fearing (The Hospital, Dagger of the Mind, Clark Gifford's Body), a la que respeta hasta en el título. Puede parecer banal lo que les comento, pero hay multitud de adaptaciones que pierden por completo la esencia del texto original. algo fatal para el resultado final. Los diálogos son vigorosos, la trama perfectamente hilada y los tiempos correctos. La parte introductoria puede resultar algo extensa, aunque al ir disfrutando la película compruebas que era necesaria.

Por un puñado de dólares (Trilogía del dólar) - Sergio Leone (1964)

Título original - Per un pugno di dollari

Año - 1964

Duración - 95 min.

País - Italia

Dirección - Sergio Leone

Guion - Sergio Leone, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil, remake de Yojimbo (1961), escrita por Akira Kurosawa y Ryûzô Kikushima

Música - Ennio Morricone

Fotografía - Massimo Dallamano

Montaje - Roberto Cinquini y Alfonso Santacana

Vestuario - Carlo Simi

Reparto - Clint Eastwood, Marianne Koch, Gian Maria Volonté, Wolfgang Lukschy, Sieghardt Rupp, Joseph Egger, Antonio Prieto, José Calvo, Margarita Lozano, Daniel Martín, Benito Stefanelli, Mario Brega, Bruno Carotenuto, Aldo Sambrell, Raf Baldassarre, Luis Barboo, Frank Braña, José Canalejas, Juan Cortés, Álvaro de Luna, Nino Del Arco, Jose Halufi, Lee Miller, Antonio Molino Rojo

Producción - Arrigo Colombo, Giorgio Papi

Productora - Co-production Italia-España-Alemania del Oeste (RFA); Constantin Film, Jolly Film, Ocean Films

Género - Western, Spaghetti Western, Remake

Corría el año 1964 cuando Sergio Leone estrenó Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari), agitando el western de tal modo que, casi sin quererlo, creó el subgénero llamado Spaghetti western. Con un desconocido Clint Eastwood dando vida al denominado "El hombre sin nombre", la fotografía de Massimo Dallamano y la banda sonora del magistral Ennio Morricone, consiguió revolucionar los cánones del género, despojando al protagonista de ataduras morales, otorgando mas fuerza a las imágenes en detrimento de los diálogos y dando rienda suelta a la violencia y a la fanfarronería.

Sinopsis - Joe (Clint Eastwood), un pistolero solitario, llega al pueblo de San Miguel, muy cercano a la frontera entre México y Estados Unidos. Silvanito (José Calvo), el tabernero del lugar, le informa sobre una disputa entre dos familias que compiten por obtener el control de un pueblo de hombres muertos y mujeres viudas: la de los Rojo, con los hermanos Benito, Esteban y Ramón al mando, y la de los Baxter, con el sheriff  John Baxter al frente. Joe decide ofrecer sus servicios al bando mas fuerte, esperando poder sacar tajada de la convulsa situación.

El director - Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano nacido en Roma, el 3 de enero de 1929. Era hijo del director de cine Roberto Roberti (seudónimo de Vincenzo Leone) y la actriz de cine mudo Bice Waleran (Edvige Valcarenghi).

Comenzó a trabajar en el cine muy joven, siendo con 20 años asistente de dirección en la película Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica, 1948), lo que le permitió participar en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa, como Quo Vadis (Mervyn Le Roy, 1951), Helena de Troya (Robert Wise, 1955), Ben-Hur (William Wyler, 1959) o Historia de una monja (Fred Zinnemann, 1959), además de sustituir por enfermedad al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya (1959), aunque no apareció en los créditos. Su debut oficial fue El coloso de Rodas (1960) tras la que sustituiría a Robert Aldrich en Sodoma y Gomorra (1962). Aldrich fue una influencia clave para Leone, por películas como Vera Cruz (1954), donde este se comenzaba a desmarcar claramente de los westerns clásicos.

Su fama llegó con la película que hoy nos ocupa, con la que comenzaba la llamada Trilogía del dólar, que se completa con las posteriores La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). Además de crear el llamado Spaghetti western, subgénero muy utilizado en los años 60 y principios de los 70, dio a conocer al compositor Ennio Morricone, amigo desde la infancia del director, y a actores como Clint Eastwood, prácticamente desconocido en el cine hasta entonces, y Lee van Cleef. Tras ella filmó Hasta que llegó su hora (1968), con Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale, ¡Agáchate, maldito! (1971), con James Coburn y Rod Steiger, y la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América (1984), con Robert De Niro, James Woods y Elizabeth McGovern. En Europa fue un éxito, a pesar de sus 4 horas de duración, pero la Warner Bros recortó su metraje y alteró su montaje para el público estadounidense, eliminando sus característicos flashbacks, para lo que contrató a Zach Staenberg a espaldas de Leone, algo que enfrentó judicialmente a la productora y el director. Falleció en Roma, el 30 de abril de 1989, debido a problemas de corazón.

El crítico Ramón Freixas lo definió como "un moralista sin moral, un misógino feminista y un pacifista a tiros".

La película - Ante todo he de sincerarme y decir que no es el western precisamente el género que ocupe un lugar de privilegio dentro de mis preferencias, aunque igualmente he de reconocer que dispone de un ramillete de trabajos con los que he disfrutado a lo largo de los años, y mucho. Supongo que en el ocurre como en otros géneros, que llegó a ser tan utilizado y estar tan trillado, que muchas de las películas que veo (no todas, afortunadamente) me parecen mas de lo mismo, o dicho de otra forma, no llegan a aportarme prácticamente nada. Cuando Por un puñado de dólares vio la luz, el género casi agonizaba, dando tumbos entre unas señas de identidad que parecían inviolables, algo que para un enamorado de el como Sergio Leone, era poco menos que un pecado.

Jezabel - William Wyler (1938)

Título original - Jezebel

Año - 1938

Duración - 103 min.

País - Estados Unidos

Dirección - William Wyler

Guion - Abem Finkel, Clements Ripley y John Huston, basado en la novela homónima de Owen Davis

Música - Max Steiner

Fotografía - Ernest Haller

Montaje - Warren Low

Producción - William Wyler

Productora - Warner Bros.

Género - Drama, Romance, Melodrama

Reparto - Bette Davis, Henry Fonda, George Brent, Margaret Lindsay, Donald Crisp, Fay Bainter, Richard Cromwell, Henry O'Neill, Spring Byington

Jezabel supuso la primera entrega de ese brillante binomio que formaron William Wyler y Bette Davis, tras la que llegarían La carta (1940), de la que os hablamos en este artículo y La loba (1941). Con un guion de Abem Finkel, Clements Ripley y John Huston, que adaptan la novela homónima de Owen Davis, la fotografía de Ernest Haller y la música del eterno Max Steiner, estamos ante uno de esos melodramas sureños que han pasado a la historia del cine por méritos propios.

Sinopsis - Julie Marsden (Bette Davis) es una joven temperamental, caprichosa e impulsiva, que vive con su tía Belle Bogardus (Fay Bainter) en Nueva Orleans. Su aventajada posición en la sociedad sureña anterior a la Guerra de Secesión, le permite vivir desafiando las arraigadas costumbres, algo que sufre constantemente su prometido, el banquero Preston Dillard (Henry Fonda), un hombre serio, educado y de férreos valores, incapaz de entender el comportamiento de la mujer que ama. 

El director - William Wyler nació en Mulhouse, hoy perteneciente a Francia, pero por aquellos entonces a Alemania, un 1 de julio de 1902. Tras educarse en Lausana (Suiza) y estudiar violín en el Conservatorio de París, se trasladó a los Estados Unidos en 1921.

Wyler dirigió películas de todo tipo, sin ningún tipo de tema que fuera su marca personal en el cine. Pero sus películas estaban siempre bien hechas, resultaban bellas y su forma de rodar era reconocible, incluyendo innovaciones como la profundidad de campo (luego usada por Orson Welles). Era conocido por realizar decenas de tomas de cada una de las escenas de sus películas, y por exigir gran control sobre la historia, las localizaciones y el personal de cada producción.

Durante unos años fue un director no muy bien considerado, algo que el tiempo acabó por cambiar. De su primera etapa destacan títulos como Jezabel (1938), Cumbres borrascosas (1939), La Carta (1940), The Westerner (1940) y La loba (1941). Bette Davis dijo en varias ocasiones que fue el único director que supo dirigirla correcta y completamente.

En los años 50 y 60 dirigió varias películas muy aclamadas por la crítica, entre las que cabe destacar Detective Story (1951) galardonado en Cannes con el premio de mejor actriz para Lee Grant; Vacaciones en Roma (1953) que presentó a Audrey Hepburn al público estadounidense y le llevó a ganar su primer Óscar; La heredera, que hizo ganar a Olivia de Havilland su segundo Óscar, La gran prueba (1956), con el cual Wyler ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y Ben-Hur, con la que consiguió todos los Óscar de la edición de 1959; los once premios que ganó sólo han sido igualados dos veces, por Titanic en 1997 y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey en 2003. Posee 4 Oscars, 3 como Mejor director por La señora Miniver, Los mejores años de nuestra vida y Ben-Hur, además del Premio Irving G. Thalberg a toda su carrera.

La película - He tenido la enorme fortuna de criarme en un país que comenzaba a abrir los ojos durante mi infancia. Jamás olvidaré esas tardes de fines de semana en las que solo se disponía de un canal de televisión, algo que prácticamente obligaba a toda la familia a compartir las películas que emitían en dichos horarios. No existían los teléfonos móviles ni las videoconsolas, por lo que puedo decir sin temor a equivocarme que de ella nació gran parte del amor que le tengo al cine. Grandes musicales, westerns y películas históricas de todo tipo, fueron el caldo de cultivo necesario para que dicha historia de amor floreciera poco a poco en mi.

Claro está que no eran trabajos como Jezabel los que mas atraían mi atención por aquellos entonces, pero la huella que fueron dejando ha hecho que con el paso del tiempo pasen a ocupar un lugar de privilegio dentro de mis preferencias. Si lo pensamos bien es algo muy lógico, ya que por aquellos entonces no era capaz de apreciar la enorme profundidad de películas como esta, quedándome en muchas ocasiones en la brillante carcaza que las envolvía, sin ser totalmente consciente de lo que en realidad mostraban en su conjunto. 

Pacto tenebroso (Sleep, My Love) - Douglas Sirk (1948)

Título original - Sleep, My Love

Año - 1948

Duración - 97 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Douglas Sirk

Guion - St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten, basado en la novela de Leo Rosten

Música - Rudy Schrager

Fotografía - Joseph A. Valentine

Montaje - Lynn Harrison

Productora - United Artists

Producción - Ralph Cohn, Harold Greene, Charles 'Buddy' Rogers

Género - Cine negro. Intriga. Thriller, Thriller psicológico

Reparto - Claudette Colbert, Robert Cummings, Don Ameche, Rita Johnson, George Coulouris, Queenie Smith, Ralph Morgan, Raymond Burr, Keye Luke, Fred Nurney, Hazel Brooks

Sleep, My Love (Pacto tenebroso en España) es el sexto trabajo del germano Douglas Sirk con bandera estadounidense, en el que se mezclan cine negro, intriga, thriller psicológico y melodrama. Con un discreto guion de St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten, basado en la novela homónima de este último, la magnífica fotografía de Joseph A. Valentine y la interpretación del trio Claudette Colbert/Robert Cummings/Don Ameche, estamos ante una excelente oportunidad de disfrutar de un trabajo ejecutado de forma magistral por el rey del melodrama, donde la hermosa Hazel Brooks ejercerá de esa femme fatale tan representativa del género.

Sinopsis - Alison (Claudette Colbert) se despierta sobresaltada a bordo de un tren que va de Nueva York a Boston, al que no recuerda haber subido. Intentando recordar lo sucedido, encuentra además una pistola dentro de su bolso. Tras ser atendida y tranquilizada por un médico, que no encuentra una explicación lógica a lo sucedido, y llegar a su destino, contacta con su marido Richard (Don Ameche), que ya había informado a la policía de su repentina e inexplicable desaparición.

El director - Hans Detlef Sierck (Douglas Sirk desde su exilio en Estados unidos) fue un cineasta alemán nacido en Hamburgo, Imperio Alemán, el 26 de abril de 1897. Tras pasar parte de su infancia en Dinamarca, se trasladó junto a su padre a Alemania, donde se formó en las universidades de Múnich, Jena y Hamburgo. Mientras tanto comenzó a trabajar en el teatro, siendo nombrado director artístico de varios teatros en Bremen y Leipzig.

Debutó en el cine en 1935, año en el que dirigió No empieces nada en abril, La muchacha del páramo y Pilares de la sociedad. En los dos años siguientes rodó títulos como La novena sinfonía (Acorde final), La Habanera o La golondrina cautiva, hasta que se vio forzado a emigrar a Estados unidos. Allí filmó Hitler's Madman, comenzando a aparecer en los créditos como Douglas Sirk. En esa década filmó títulos como Extraña confesión (1944), Escándalo en París y La extraña mujer (ambas de 1946),  El asesino poeta (1947), Con acento francés y Más fuerte que la ley (ambas de 1949). En 1950 se incorporó a la Universal Pictures, adentrándose en géneros como lacomedia, el western o el cine bélico. Destacan títulos como El submarino fantasma (1950), La primera legión y Tempestad en la cumbre (ambas de 1951), ¿Alguien ha visto a mi chica? (1952), Su gran deseo (1953), Atila, rey de los Hunos y Obsesión (ambas de 1954), Orgullo de raza, Siempre hay un mañana y Sólo el cielo lo sabe (1955), Hoy como ayer y Escrito sobre el viento (1956), Interludio de amor y Ángeles sin brillo (1957), Tiempo de amar, tiempo de morir (1958) y Imitación a la vida (1959), entre otras.

Asqueado de la persecución a la que se sometía a escritores y cineastas en Estados unidos, decidió abandonar a la productora y regresar a Europa, residiendo en Suiza desde entonces, aunque dirigiendo varias piezas teatrales en Munich y varios cortometrajes en los años 60 y 70. No volvería a rodar un largometraje. Falleció en Lugano, Suiza, el 14 de enero de 1987.

La película - Poco antes de alcanzar su época dorada como realizador, convirtiéndose en uno de los referentes del melodrama, el bueno de Douglas Sirk ya nos daba buenos motivos para disfrutar de su habilidad tras las cámaras en trabajos como este Sleep, My Love. Y es que con este thriller psicológico que, sin su maestría bajaría muchos enteros, daba muestras de lo que realmente quería dirigir, aunque fuera en un segundo plano. De hecho, pienso que su trabajo es uno de los motivos por los que las carencias de la película quedan parcialmente disfrazadas, haciendo que merezca y mucho disfrutarla. 

Digo esto porque el guion escrito por St. Clair McKelway, Decla Dunning, Cy Endfield y Leo Rosten comienza de forma brillante, pero se va diluyendo cual azucarillo en el café, principalmente por pequeños detalles que descolocan a cualquier espectador medianamente perspicaz. La intriga y el misterio que caracterizan la primera parte del film da, en un momento dado, paso a lo evidente, perdiendo parte de su magia y restando puntuación al resultado final, que habría alcanzado cotas mucho mas altas si hubiera conseguido mantener el nivel inicial. 

El alienista (The Alienist) - Cary Fukunaga (2018)

Título original - The Alienist
Año - 2018
Duración - 50 min.
País - Estados Unidos
Dirección - James Hawes, Jakob Verbruggen, Paco Cabezas, Jamie Payne, David Petrarca

Guion - Hossein Amini, Cary Joji Fukunaga, John Sayles, E. Max Frye, Gina Gionfriddo, Chase Palmer, basado en la novela homónima de Caleb Carr
Fotografía - P.J. Dillon, Chris Seager, Gavin Struthers

Montaje - Matt Platts-Mills, Tanya M. Swerling, Martin Nicholson, Nick Arthurs, Kate Weiland, Philip Kloss

Reparto - Daniel Brühl, Luke Evans, Dakota Fanning, Martin McCreadie, Anson Boon, Eugenia Caruso, Ezra Fieremans, Matt Lintz, Antonio Magro, Emanuela Postacchini, Peter Rugman, Giovanni Scotti, Douglas Smith, Dan Bradford, Clare Calbraith, Brian Geraghty

Productor - Cary Joji Fukunaga
Productora - Anonymous Content (Actualmente en Netflix)
Género - Serie de TV, Thriller, Siglo XIX, Thriller psicológico,  Miniserie de TV

Aprovechando que, por desgracia, pasamos mas tiempo en casa debido a la dichosa pandemia que nos asola, vamos a ir recomendando varias series y miniseries que podemos encontrar en las principales plataformas de streaming. La que hoy nos ocupa es El alienista, una miniserie de 10 capítulos de poco menos de 50 minutos cada uno, que nos llega de la mano del productor Cary Fukunaga. Su magnífica ambientación, su macabra historia cocinada a fuego lento y su magnífico reparto, bien merecen dedicarle nuestro valioso tiempo.

Sinopsis - Tras la aparición en Nueva York, a finales del siglo XIX, del cadáver de un joven horriblemente mutilado, el psicólogo (alienistas se denominaban en la época) Dr. Laszlo Kreizler (Daniel Brühl) pedirá la colaboración del dibujante y periodista John Moore (Luke Evans), para intentar esclarecer el caso. Tras comprobar que este no será un caso aislado, pedirán la colaboración de la impetuosa Sara Howard (Dakota Fanning), que trabaja como secretaria del jefe de policía, para intentar detener a este sanguinario asesino que aterroriza a la ciudad.

Productor y directores - Cary Joji Fukunaga es un director, guionista y director de fotografía estadounidense nacido en  Oakland, California, el 10 de julio de 1977. 

Tras destacar durante su época de estudiante con su corto Victoria para Chino (2004), debutó en la gran pantalla escribiendo y dirigiendo Sin nombre (2009), por la que obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cine de Sundance y el premio al mejor director revelación en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo, entre otros galardones. En 2011 estrenó Jane Eyre, una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Charlotte Brontë, protagonizada por Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell y Judi Dench. Hay que destacar su trabajo como director y productor ejecutivo en la primera temporada de la magnífica True Detective (2014), serie de HBO escrita y creada por Nic Pizzolatto. de la que os hablamos en este artículo.

En la dirección de la serie participan Jakob Verbruggen (episodios 1 al 3), James Hawes (episodios 4 y 5), Paco Cabezas (episodios 6 y 7),  David Petrarca (episodio 8) y Jamie Payne (episodios 9 y 10). No voy a entrar a valorar el trabajo individual de cada uno de ellos, aunque si he de dejar claro que tanto cambio de guionistas y directores no suele hacerle bien a este tipo de trabajos.

La serie - Una noche helada en pleno invierno. La oscuridad de la solitaria noche contrasta con el blanco de la nieve que cubre el suelo. Un agente de la ley realiza su ronda cuando, de repente, encuentra en el suelo una... Así comienza esta siniestra historia ambientada a finales del siglo XIX en Nueva York, que el bueno de Cary Fukunaga nos regala en 10 entregas, pero que la generosidad de las nuevas tecnologías nos permite disfrutar en 4 o 5 asaltos.

The Alienist vuelve a mostrarnos las fechorías de una mente perturbada, un asesino en serie que, en esta ocasión, tiene fijación por jóvenes prostitutos vestidos como jovencitas, que sucumben a los deseos sexuales de hombres mucho mayores que ellos. En el lado contrario tenemos los esfuerzos de un grupo de personas muy diferentes entre si, por identificarlo y evitar que continúe haciendo de las suyas, en lo que podemos denominar como los comienzos de la psicología criminal y la ciencia forense. 

Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful) - Vincente Minnelli (1952)

Título original - The Bad and the Beautiful
Año - 1952
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Vincente Minnelli
Guión - Charles Schnee, basado en una historia de George Bradshaw
Música - David Raksin
Fotografía - Robert Surtees
Montaje - Conrad A. Nervig
Producción - John Houseman
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género - Drama
Reparto - Lana Turner, Kirk Douglas, Walter Pidgeon, Dick Powell, Barry Sullivan, Gloria Grahame, Gilbert Roland, Leo G. Carroll, Vanessa Brown, Paul Stewart, Sammy White, Elaine Stewart, Ivan Triesault

Sinopsis - El productor Harry Pebbel (Walter Pidgeon) reúne en Hollywood a el guionista James Lee Bartlow (Dick Powell), la actriz Georgia Lorrison (Lana Turner) y el director Fred Amiel (Barry Sullivan), que se niegan a hablar siquiera por teléfono con Jonathan Shields (Kirk Douglas), ya en su inevitable declive, que los necesita si quiere conseguir financiación para una película. Los tres recordarán su relación con Shields y cómo los utilizó de una u otra forma para conseguir el éxito, algo que no parecen estar dispuestos a perdonar.

El director - Vincente Minnelli fue un director de cine estadounidense nacido en Chicago (Illinois), el 28 de febrero de 1903. Hijo de Mina Mary Lalouette Le Beau y Vincent Charles Minnelli, vivió y creció en una familia dedicada al teatro, ya que su padre era el director del Minnelli Brothers' Tent Theater, que cruzaba todo el Medio oeste de los Estados Unidos. Tras colaborar en trabajos como Mundo celestial (Strike Up the Band, 1940) y Babes on Broadway (1941), con Mickey Rooney y Judy Garland (su futura esposa de 1945 a 1951). Debutó como director con el modesto musical Una cabaña en el cielo (Cabin in the Sky,1943), que fue acogido de forma discreta por crítica y público. Su consolidación llegó con Cita en San Luis (Meet me in Saint Louis, 1944), con Judy Garland.

Dirigió más de una treintena de títulos entre los que podemos destacar El reloj (The Clock, 1945), con Judy Garland y Robert Walker; Ziegfeld Follies (1945), que dirigió junto a Lemuel Ayers, Roy Del Ruth, Robert Lewis, George Sidney, Merrill Pye y Charles Walters; Corrientes ocultas (Undercurrent, 1946), con Katharine Hepburn, Robert Taylor y Robert Mitchum; El pirata (The pirate, 1948), con Judy Garland y Gene Kelly; Madame Bovary (1949), con Jennifer Jones y Louis Jourdan; El padre de la novia (Father of the Bride, 1950), con Spencer Tracy, Elizabeth Taylor y Joan Bennett; Un americano en París (An American in Paris, 1951), con Gene Kelly y Leslie Caron; Melodías de Broadway (The Band Wagon, 1953), con Fred Astaire y Cyd Charisse; Brigadoon (1954), con Gene Kelly y Cyd Charisse; La tela de araña (The Cobweb, 1955), con Richard Widmark y Lauren Bacall; La maravillosa El loco del pelo rojo (Lust for Life, 1956), con Kirk Douglas y Anthony Quinn; Mi desconfiada esposa (Designing Woman, 1957), con Gregory Peck y Lauren Bacall; Como un torrente (Some Came Running, 1958), con Frank Sinatra, Dean Martin y Shirley MacLaine; Con él llegó el escándalo (Home from the Hill, 1960), con Robert Mitchum, Eleanor Parker, George Peppard y George Hamilton; Los cuatro jinetes del apocalipsis (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1962), con Glenn Ford e Ingrid Thulin o Castillos en la arena (The Sandpiper, 1965), con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Eva Marie Saint, Charles Bronson y Robert Webber.

Lo que son las cosas, no fue hasta Gigi (1958), cuando recibió el reconocimiento unánime que merecía, siendo nominada a nueve Oscars que acabó llevándose, entre ellos los de Mejor director y Mejor película. En 1974, publicó sus memorias bajo el título I Remember It Well.

La película - En la historia del cine existen numerosos ejemplos de películas que han pretendido mostrar como es el mundo del séptimo arte desde dentro, intentando abrir una ventana al espectador para que se haga una idea, más o menos fiel a la realidad, de cómo funciona la industria cinematográfica. Entre mis preferidas puedo nombrar títulos como El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950), La condesa descalza (Joseph L. Mankiewicz, 1954), The Big Knife (Robert Aldrich, 1955), Fellini, ocho y medio (Federico Fellini, 1963), El último magnate (Elia Kazan, 1976) o Caza de brujas (Irwin Winkler, 1991). Cualquiera de ellas merece la pena ser disfrutada, como mínimo.

En el caso que hoy nos ocupa, la historia gira alrededor de un productor, magníficamente interpretado por Kirk Douglas, sin ningún tipo de miramiento hacia quien lo rodea, capaz de hacer lo que sea necesario y pasar por encima de quien sea necesario para conseguir sus objetivos. Por lo tanto, y es algo que quiero que les quede claro, Cautivos del mal no nos habla del proceso creativo de realizar una película, ni nada por el estilo. Lo que si hace a la perfección es mostrar la trastienda de este, todo ese mundillo frenético que se movía en Hollywood en esa maravillosa época, en el cual esa realmente difícil hacerte un hueco y relativamente sencillo perderlo.