Animales nocturnos (Nocturnal Animals) - Tom Ford (2016)

Título original - Nocturnal Animals

Año - 2016

Duración - 115 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Tom Ford

Guion - Tom Ford, basado en la novela de Austin Wright

Música - Abel Korzeniowski

Fotografía - Seamus McGarvey

Montaje - Joan Sobel

Producción - Tom Ford y Robert Salerno

Productora - Focus Features, Fade to Black Production

Reparto - Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Armie Hammer, Isla Fisher, Michael Sheen, Laura Linney, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Jena Malone

Género - Thriller, Drama / Literatura, Venganza, Thriller psicológico

Tom Ford escribe, adaptando la novela Tony and Susan (1993) de Austin Wright, y dirige este hipnótico trabajo que no suele dejar indiferente a nadie. Con la dual fotografía de Seamus McGarvey, la excelente banda sonora de Abel Korzeniowski y el dúo protagonista formado por Amy Adams y Jake Gyllenhaal, magníficamente acompañados de un estelar Michael Shannon, estamos ante un trabajo que crea disparidad de opiniones en los aficionados, pero que si consigue embelesarte como a mi me ocurrió, es de los que activan mentes y suelen dejarlas en funcionamiento por algún tiempo.

Sinopsis - Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida llena de lujos, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un día Susan recibe una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Es de noche. Susan, sola en la cama, empieza a leer, y es la historia de un matrimonio con una hija que conduciendo por Texas una noche son perseguidos por otro vehículo...

El director - Tom Ford es un diseñador de modas y director de cine nacido en Austin, Texas, el 27 de agosto de 1961. Hijo de Shirley Burton y Thomas David Ford, ambos corredores inmobiliarios, pasó sus primeros años en los suburbios de Houston, Texas, y en San Marcos, en las afueras de Austin. 

Ford comenzó a trabajar para Gucci en 1990. Su papel en la compañía ganó importancia rápidamente; al cabo de seis meses ya diseñaba ropa masculina, y poco después los zapatos. Cuando Richard Lambertson deja el puesto de director de diseño en 1992, Ford asumió la dirección de la marca prêt-à-porter, los perfumes, la imagen, la publicidad y el diseño de la tienda. Cuando Gucci adquirió la casa de Yves Saint Laurent (YSL) en 1999, Ford fue nombrado director creativo de esa marca desplazando, así, a Alber Elbaz que había sido la elección de Saint Laurent para el director creativo de la línea de prêt-à-porter de la compañía. En abril de 2004, Ford se separó del grupo Gucci, tras no poder llegar a un acuerdo con los jefes de PPR sobre el control artístico del Grupo. Ford se ha referido a esta experiencia como "devastadora" porque "puso todo en ella durante quince años". Tras ello lanzó una línea de ropa masculina, belleza, gafas y accesorios en 2006, con Dominico De Sole a la cabeza.

En marzo de 2005, Ford anunció el lanzamiento de su compañía de producción de cine, Fade to Black. En 2009 hizo su debut como director con A Single Man (Un hombre soltero), basada en la novela homónima de Christopher Isherwood. Las estrellas del drama fueron Colin Firth, como un profesor universitario homosexual con residencia en Los Ángeles, junto a Julianne Moore, Nicholas Hoult y Matthew Goode. El guion fue adaptado por el canadiense David Scearce y el propio Ford, que fue también uno de los productores. Se estrenó el 11 de septiembre de 2009 en el 66.º Festival de cine de Venecia Internacional, donde fue nominada para el máximo galardón del León de Oro. Colin Firth fue galardonado con la Copa Volpi al Mejor Actor por su actuación. Ganó un premio BAFTA al Mejor Actor en un papel principal, y fue nominado a un Oscar, un Globo de Oro, al Premio Independent Spirit y el Screen Actors Guild Award. 

Animales nocturnos (Nocturnal Animals, 2016) es su segundo y último trabajo hasta la fecha, una adaptación de la novela de Austin Wright Tony and Susan, con George Clooney y Grant Heslov como productores. Jake Gyllenhaal y Amy Adams interpretan a los protagonistas, Tony y Susan.

La película - He de reconocer que muy poco, por no decir nada, sabía el que redacta este artículo sobre el realizador y diseñador Tom Ford, antes de disfrutar la película que hoy nos ocupa e indagar sobre el para realizar su crítica. El mundo de la moda no es precisamente lo mío, aunque después de disfrutar este trabajo, he de reconocer que la película de Ford tiene algo especial que puede tener mucho que ver con la experiencia de su director en dicho mundo, ya que ha sido capaz de trasladar el poder de atracción de un buen anuncio publicitario de ropa o perfume de 20 o 30 segundos, a los 115 minutos que dura Nocturnal Animals, algo nada sencillo de conseguir. Pero no crean que es solo visual ese poder, ya que tanto la historia que nos cuenta, como la forma en la que ha sido llevada a la pantalla, crean un conjunto que tiene ese poder cautivador que no te abandona fácilmente.

Estamos ante un trabajo que no espera siquiera a finalizar los créditos iniciales para llamar y atrapar tu atención, que desde la primera imagen que muestra en pantalla deja a las claras que este es un viaje que película y espectador han de hacer juntos, cogidos de la mano como si de una pareja de adolescentes enamorados se tratase. La película comienza mostrándonos imágenes perturbadoras que parecen no tener ningún sentido, que el espectador ha de ir uniendo como si de un puzzle de tropecientasmil piezas se tratase, algo que nos acompañará hasta su brillante escena final, y si el realizador estadounidense ha conseguido su objetivo de cautivarnos, hasta mucho mas allá de este, ya que permanecerá rondando por nuestra mente por tiempo indefinido. Es por ello por lo que creo que este trabajo recibe críticas de todo tipo, porque no entiende de medias tintas: o te atrapa, o te aburre.

The Guilty - Gustav Möller (2018)

Título original - Den skyldige 

Año - 2018

Duración - 85 min.

País - Dinamarca 

Dirección - Gustav Möller

Guion - Emil Nygaard Albertsen y Gustav Möller

Música - Carl Coleman y Caspar Hesselager

Fotografía - Jasper Spanning

Montaje - Carla Luffe Heintzelmann

Producción - Lina Flint

Productora - Nordisk Film

Reparto - Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen, Jeanette Lindbæk, Simon Bennebjerg, Morten Suurballe, Guuled Abdi Youssef, Caroline Løppke, Peter Christoffersen, Nicolai Wendelboe, Morten Thunbo, Anders Brink Madsen

Género - Thriller / Secuestros / Desapariciones

Gustav Möller escribe junto a Emil Nygaard Albertsen y dirige The Guilty, la que es su ópera prima. Un magnífico thriller en el que, sin necesidad de grandes medios, consigue mantener al espectador pegado a la pantalla de principio a fin, obligándolo a utilizar su imaginación y compartir la experiencia de un agente que atiende una línea del servicio de emergencias. Sin lugar a dudas, muy recomendable. 

Sinopsis - Asger Holm (Jakob Cedergren), un oficial de policía, ha sido suspendido temporalmente de sus funciones y relegado a operador del servicio de emergencias. Durante su rutinario turno de noche, recibe la extraña llamada de una mujer aterrada. A pesar de su reacción de sorpresa, Asger se da cuenta de que la mujer al otro lado del teléfono ha sido secuestrada, y es entonces cuando comenzará una carrera contrarreloj para conseguir localizarla y poder ayudarla. 

La película - Gustav Möller sorprendió a propios y extraños con este magnífico trabajo, su ópera prima, en el que volvemos a comprobar que ni está ya todo contado, ni es necesario un gran presupuesto, si tienes una buena historia que contar y encuentras una buena forma de hacerlo. Cuando leí la sinopsis de este thriller telefónico inmediatamente me recordó a la magnífica Locke, dirigida por Steven Knight e interpretada por Tom Hardy, de la que os hablamos en este artículo, ya que mientras que en ella la acción tenía lugar en el interior de un vehículo, en esta ocasión lo hace en un puesto de control del servicio de emergencias de la policía, lugares cerrados que no invitan al espectador a imaginar argumento suficiente para una buena historia. Una vez visualizada, no puedo mas que recomendarles que hagan lo propio, tal como hice con la anteriormente mencionada.

Por cierto, está previsto el estreno este mismo año de su remake norteamericano, que contará en la dirección con Antoine Fuqua y entrega el protagonismo al bueno de Jake Gyllenhaal, aunque personalmente siempre prefiero disfrutar el trabajo original, para después decidir si le echo valor o no al consabido remake.

Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta

Año - 1945

Duración - 100 min.

País - Italia 

Dirección - Roberto Rossellini

Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio

Música - Renzo Rossellini

Fotografía - Ubaldo Arata

Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti

Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini

Productora - Excelsa Films

Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo

Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El director - Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.

Un profeta (Un prophète) - Jacques Audiard (2009)

Título original - Un prophète

Año - 2009

Duración - 150 min.

País - Francia

Dirección - Jacques Audiard

Guion - Jacques Audiard y Thomas Bidegain, basado en una idea de Abdel Raouf Dafri

Música - Alexandre Desplat

Fotografía - Stéphane Fontaine

Montaje - Juliette Welfling

Producción - Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit

Productora - Why Not Productions, Chic Films, Page 114, France 2 Cinema, UGC Images, BIM Distribuzione, Celluloid Dreams, Canal+, Cinecinema

Reparto - Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen, Pierre Leccia, Antoine Basler, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni, Frederic Graziani, Leïla Bekhti, Alaa Safi

Género - Thriller. Drama | Drama carcelario. Crimen

Jacques Audiard escribe junto a Thomas Bidegain y dirige Un profeta (Un prophète), un drama carcelario en el que convergen varios géneros, para ofrecernos uno de los retratos mas fieles de la vida en prisión que un servidor ha podido disfrutar. Mención especial a la fotografía de Stéphane Fontaine, la banda sonora de Alexandre Desplat y, sobre todo, el duelo interpretativo entre el veterano Niels Arestrup y el sorprendente Tahar Rahim. Gran Premio del Jurado en Cannes y ganadora del BAFTA a la Mejor película de habla no inglesa. Por algo será.

Sinopsis - El joven Malik El Djebena (Tahar Rahim), un francés de origen árabe, ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años. La vida en la cárcel le resulta muy dura, ya que está completamente solo, por lo que no tendrá mas remedio que comenzar a trabajar para la mafia corsa, gobernada con puño firme por César Luciani (Niels Arestrup), que tras ponerlo a prueba, le ofrece la tan ansiada protección que necesita para poder sobrevivir, a cambio de sus servicios. 

El director - Jacques Audiard es un director de cine francés nacido en París el 30 de abril de 1952. Hijo del guionista y director Michel Audiard, a​ comienzos de los años 80 comenzó a escribir guiones que fueron rodaros por diferentes realizadores, como Réveillon chez Bob! o Mortelle randonnée, Baxter, Fréquence Meurtre y Saxo.

En 1994 dirigió su ópera prima, Mira a los hombres caer, una road movie con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant. La película ganó el premio César a la ópera prima y el premio Georges-Sadoul. Dos años después trabajó con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant en su segunda película, Un héroe muy discreto (1996), una comedia dramática cuyo guion se basó en la novela homónima de Jean-François Deniau.

En 2001 dirige Lee mis labios, un drama cuyo tono hizo que muchos críticos le encontraran reminiscencias con Jean-Pierre Melville. En su reparto aparecían nombres como Vincent Cassel, Emmanuelle Devos, Olivier Gourmet o Serge Boutleroff. Su cuarta película, De latir, mi corazón se ha parado, logró diez candidaturas a los premios César ganando ocho, entre ellos a la mejor película, al mejor director, mejor guion, mejor música y mejor cinematografía. Se trata de un drama interpretado por Romain Duris, Aure Atika, Emmanuelle Devos, Niels Arestrup y Jonathan Zaccaï. Con Un profeta (2009) consiguió nominaciones al Oscar y al Globo de oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ganar el BAFTA, el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 9 Premios César y 2 Premios del cine europeo.

Tras ella llegaron el drama romántico De óxido y hueso (2012), con Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts; el drama social Dheepan (2015), con Jesuthasan Antonythasan y Kalieaswari Srinivasan; el western Los hermanos Sisters (2018), con Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed y Allison Tolman; y la reciente Les Olympiades (2021), un drama interpretado por Noémie Merlant, Stephen Manas, Geneviève Doang y Lumina Wang.

La película - El drama carcelario se ha convertido en uno de los subgéneros que nos ha dado mas alegrías a los aficionados a este arte a lo largo del tiempo. Títulos como Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption), Brubaker, La leyenda del indomable (Cool Hand Luke), La milla verde (The Green Mile), Papillon, Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz), Pena de muerte (Dead Man Walking), Huracán Carter (The Hurricane), Al rojo vivo (White Heat), El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz) y El expreso de medianoche (Midnight Express), con bandera estadounidense, o La evasión (Le trou, 1960), En el nombre del padre (In the Name of the Father, 1993), Bronson (2008), Hunger (2008), Celda 211 (2009) y Convicto (Starred Up, 2013), todas europeas, suelen ser sinónimo de calidad y buen entretenimiento. El trabajo que hoy nos ocupa no hace mas que contribuir a engordar esta jugosa lista, aunque en el podemos encontrar varias peculiaridades que lo diferencia del resto y que os vamos a exponer aquí.

Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut) - Albert Dupontel (2017)

Título original - Au revoir là-haut

Año - 2017

Duración - 114 min.

País - Francia

Dirección - Albert Dupontel

Guion - Albert Dupontel y Pierre Lemaitre, basado en la novela: de Pierre Lemaitre

Música - Christophe Julien

Fotografía - Vincent Mathias

Montaje - Christophe Pinel

Producción - Catherine Bozorgan

Productora - ADCB Films, Manchester Films

Reparto - Albert Dupontel, Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup, Émilie Dequenne, Laurent Lafitte, Mélanie Thierry, Frans Boyer, Travis Kerschen

Género - Drama, Años 1910-1919

Albert Dupontel dirige, interpreta y adapta junto al propio Pierre Lemaitre, la magnífica novela obra de este último. Una enérgica crítica a la absurda e innecesaria I guerra mundial, que nos pone en la piel de dos supervivientes del conflicto y de la venganza que estos pretenden perpetrar, donde sobresalen sus magníficos decorados y el mimo con el que son tratados todos los detalles (Fotografía, vestuario, puesta en escena, etc.). Lástima que no consiga llegar al alma del espectador de la forma en que el libro llega a su lector, porque estaríamos hablando de una obra maestra. Aun así, muy recomendable.

Sinopsis - Noviembre de 1919. Dos soldados, Edouard Péricourt (Nahuel Pérez Biscayart), un magnífico ilustrador, y Albert Maillard (Albert Dupontel), un modesto contable, consiguen sobrevivir al infierno de la guerra, a pesar de tener como mando superior al despótico e inhumano Capitán Henri d'Aulnay-Pradelle (Laurent Lafitte). En la Francia de la postguerra de los años 20, ambos urdirán un elaborado plan para realizar una gran estafa, utilizando el gran auge de los monumentos a los caídos en el campo de batalla.

El director - Philippe Guillaume, más conocido como Albert Dupontel, es un actor, director de cine y guionista francés nacido el 11 de enero de 1964 en Saint-Germain-en-Laye. 

Fue educado en el colegio Paul Bert de Conflans. Después del bachillerato estudió cinco años de medicina, tras los que abandonó la facultad. Fue entonces cuando comenzó su formación en teatro en Lécole du theatre National de Chaillot, bajo la dirección de Antoine Vitez. Trabaja como comediante e interviene esporádicamente en televisión, creando Sales Histoires (las sucias historias, 1990), una serie de cuentos para Canal +. 

Ya con el cine entre ceja y ceja rueda el corto Désire (1992). Tras numerosas dificultades consigue sacar adelante su ópera prima Bernie (1996), una comedia tan negra que tuvo enormes problemas para encontrar financiación; tras ella dirigió e interpreta junto a Claude Perron la comedia Le createur (1999). No es hasta siete años después cuando estrena Enfermés dehors (2006), una nueva comedia que escribe, dirige y protagoniza junto a Claude Perron, Nicolas Marié y Hélène Vincent. Le vilain (The Villain, 2009) es su siguiente trabajo, comedia que vuelve a escribir e interpretar junto a Catherine Frot, Nicolas Marié y Xavier Robic. Tras el regresa a la comedia negra con 9 meses, de condena (2013), que escribe junto a Héctor Cabello Reyes, Olivier Demangel y Laurent Turner, e interpreta junto a Sandrine Kiberlain. Su primera incursión en el drama es Nos vemos allá arriba (2017),  que escribe junto a Pierre Lemaitre, autor de la magnífica novela que adapta, y protagoniza junto a Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup y Émilie Dequenne. Su último trabajo ha sido la comedia dramática Adiós, idiotas (2020), que ha escrito junto a Xavier Nemo e interpretado junto a Virginie Efira, Nicolas Marié, Adèle Galloy y Grégoire Ludig, entre otros.

La película - He de reconocer que me ha costado mucho trabajo decidir la nota que merece este espectáculo llamado Nos vemos allá arriba, ya que tengo el enorme hándicap de haber disfrutado enormemente del texto en el que se basa, algo que no suele ser muy halagüeño a la hora de ponernos delante de su adaptación al cine. Por una parte, no puedo mas que alabar el enorme trabajo que, sin lugar a dudas, han realizado todos y cada uno de los que han participado en este magnífico proyecto, aunque de igual forma se que han estado realmente cerca de ofrecernos una de esas películas que permanecen en nuestra memoria de por vida, algo que me enfurece sobremanera.